Gorillaz anuncia línea de relojes

La banda virtual más popular del mundo, Gorillaz trabajará en conjunto con Casio.

Con motivo del 35 aniversario de la línea G-Shock de Casio Computer, la marca se aliará con Murdoc, 2D, Russel y Noodle para lanzar una serie de relojes indestructibles descritos como “un estilo clásico redefinido de nuevo con un giro”.

Pistas de esta unión se empezaron a dar hace un mes cuando fue lanzado un video donde los integrantes de la banda se embarcan en una aventura espacial encargados por Kikuo Ibe –creador de G-Shock- con la misión de llevar estos relojes a un asteroide en una galaxia lejana para probar su resistencia y compartirlos con una raza alienígena.

Hasta ahora, Gorillaz ha lanzado dos partes de esta historia que puedes ver a continuación.

Sumado a estos videos se ha estrenado una divertida conversación con Noodle, 2D y el creador de G-Shock, Kikuo Ibe, en la que podemos conocer sus inicios en la banda y algunas particularidades al rededor de estos relojes. Obsérvala a continuación.

Vendrán en cuatro diseños, cada uno inspirado en un integrante de la banda y con diferentes colores y correas. Contarán con retroiluminación, el logotipo de Gorillaz y un embalaje especial de acuerdo al personaje en cuestión.

Estos relojes estarán limitados a 1000 unidades, saldrán a la venta el 15 de noviembre y si te interesa deberás desembolsar 119 euros. Puedes ver todos los detalles aquí.

Con su bajista original, Murdoc Niccals, de vuelta en la alineación tras su salida de la cárcel, la agrupación virtual se presentó recientemente en el Palacio de los Deportes como cierre de su gira mundial de su exitoso álbum The Now Now. En entrevistas recientes, Damon Albarn, mente detrás de la música de Gorillaz, declaró que la banda podría tomarse un largo descanso de 10 años antes de sacar otro material y salir de gira de nuevo.

Daughters — You Won't Get What You Want

Daughters del grind al noise dos vueltas y de regreso.

¿Como se logra la evolución o la temida maduración musical cuando fuiste un vocalista adolescente de grind y posteriormente quieres seguir proyectando fuerza y determinación al momento de componer, pero ahora quieres que la gente entienda lo que cantas, además de que te das cuenta de que no lo haces nada mal? La respuesta es Daughters.

Alexis Marshall vocalista y mente maestra de esta banda quien, de gritos adolescentes y enfurecidos, pasó a mantener la energía del rock pero ahora utilizando el noise como vehículo, nos entrega este nuevo trabajo de esta banda que no es nueva, ni mucho menos su material es escaso debido a ocho largos años de inactividad, que finalizó hace un par de semanas con el lanzamiento de You Won't Get What You Want, el cual en las tiendas de discos podría estar en los anaqueles (si es que todavía existen los anaqueles o las tiendas de discos) bajo las etiquetas de noise, math rock, alternativo, art rock o progresivo sin ningún problema y perteneciendo a cualquiera de las cinco.

Daughters nunca ha sido una banda convencional, ni siquiera cuenta con un sitio web oficial, aunque puedes encontrar toda la información necesaria en su sitio de bandcamp. Este halo punk: do it yourself se ve transmitido a sus composiciones, son una especie de mantra punk. Canciones de más de siete minutos que podrían pasar como repetitivas progresiones de unos cuantos acordes tocadas una y otra vez, mientras Alexis Marshal lee poesía corrosiva con un aire de valemadrismo, pero que resulta ser estimulante y soberbio.

Contrario a lo que pudiera parecer –debido a que quien esto escribe abusa del término noise dentro de esta reseña– no todo en You Won't Get What You Want son guitarras punk haciendo noise de siete minutos, el trabajo el trabajo de Samuel M. Walker en el bajo es algo digno de mencionarse ya que –sin ser un virtuoso del instrumento– sabe darle vida a las canciones, ya sea con un bajo metido en un compresor enorme o desafiando a los oídos conservadores con un overdrive tremendo. Cabe también mencionar el bello trabajo de algunos pianos y sintetizadores dentro del álbum, tal es el caso de “Satan In The Wait” donde en medio de esa melodía de tintes hardcore, aparece de la nada un piano que no pareciera pertenecer al tema hasta que lo escuchas un par de veces más y te das cuenta que estás equivocado y más bien la canción no podría existir sin ese elemento.

You Won't Get What You Want suena a sudor, a tocadas de punk en cuarto pequeños y no ventilados, a playeras sucias, amplificadores de 30 watts a todo volumen, pero cuando estás en lo más alto del trance y de empujarte con tus amigos dentro del slam, alguien te arroja un cubetazo de agua fría que –contrario a molestarte– te relaja los músculos para prepararte, porque lo que sigue podría ser más duro aún.

You Won't Get What You Want no es un disco para todos, pero debería serlo.

Kero Kero Bonito — Time 'n' Place

Kero Kero Bonito en búsqueda de su identidad con Time 'n' Place.

El segundo álbum de estudio de la banda británica de indie pop, Kero Kero Bonito, lanzado de sorpresa para muchos en octubre de 2018 y con el que hacen su debut con la firma discográfica Polyvinyl Record Co.

En este disco, Sarah Midori (voz), Gus Lobban (batería y teclado) y Jamie Bulled (bajo y coros) incluyen los singles lanzados anteriormente "Only Acting", "Time Today" y "Make Believe", haciendo notar un nuevo estilo musical que los aleja de aquel sonido alegre que ofrecieron con su álbum debut llamado Bonito Generation, lanzado en el 2016, en donde lo que los hacia diferentes eran esos coros cantados en japonés, mismo que alborotó a muchos amantes del k-pop, pero que si de género musical hablamos, nada tiene que ver con la banda.

El disco que abre con una energética "Outside", donde muy poco se distingue su letra, pues la carga de toda la canción cae en el sintetizador y sus escandalosas guitarras. Continuamos con "Time Today", una dulce melodía con una letra que nos habla sobre vivir con esperanza, letras que hasta el momento nos regalan una madurez por parte de la banda al momento de escribir y que continúan firmes para llegar a “Only Acting”, una de las canciones más largas del disco, en donde estos músicos ingleses aprovecharon para jugar con sus instrumentos y los matices de los mismos y que además tienen un cierre fuerte en donde simulan el famoso sonido de un “disco rayado” y un salteo de canciones. En "Flyway", continúan con un sonido similar al anterior, un noise pop que describe la migración de las aves en invierno. La canción que mejor representa a los nuevos Kero Kero Bonito es "Make Believe", una emocionante oda al idealismo que toca cumbre con la aparición final de un bellísimo solo de sintetizador.

Con algunos guiños de soft rock en "If I'd Known" y doop-doop-doops muy girl group en "Dear Future Self", este disco adquiere equilibrio además de la dulce voz de Sarah Midori que es un instrumento más que sí en comparación con su disco anterior (Bonito Generation) parece que es otro grupo.

"Hoy más que nunca la música necesita ser libre, porque puede ser cualquier cosa. Así que decidimos hacer lo que sea que queramos", dijo la banda en un comunicado sobre la dirección sonora del álbum, pues obviamente sabían que están ofreciendo algo diferente.

Aunque Time 'n' Place tiene guiños folclóricos de mucha alegría en cuestión sonido, se adentra un poco más al sonido rock y profundiza con letras que hablan de temas como la muerte, pérdida de inocencia, tiempos de finalizar y cerrar círculos. Lo verdaderamente interesante del disco es que nunca pierde firmeza, pues las canciones se entrelazan una tras otra sin perder forma o ritmo.

No sabemos si más adelante volverán a incluir en sus lyrics coros en japonés y aunque este disco es totalmente diferente al otro, no por eso es malo, parece que la banda está en una etapa de maduración personal y musical que reflejan con un disco que cumple y que puede que gane nuevos fans y aleje a otros tantos, o sea es posible que Time 'n' Place no sea tan cohesivo como Bonito Generation, pero ofrece un retrato más completo de la música de Kero Kero Bonito sin perder por nada de la chispa que los hace especiales.

Entrevista con Idles

El cambio es el objetivo y la música son los medios, de eso se trata Idles.

Con los actuales problemas del mundo y la ultra derecha tomando el poder, me sorprende que aún no haya un revival del movimiento punk. Sin embargo, cada vez tenemos música más politizada, músicos haciendo labor como activistas y los jóvenes están alzando la voz.

Una banda, formada en Bristol, ha entendido mejor que nadie los tiempos que estamos viviendo y, desde hace dos años, ha llamado la atención por plasmar esa visión tan personal y tomada de sus experiencias, sobre riffs agresivos y vocales desenfrenadas.

A pesar de que el vocalista de Idles, Joe Talbot, no se considera como un músico de punk, no tiene problema con que el grupo sea considerado como un proyecto de ese movimiento, sobre todo considerando que muchos los denominan los salvadores del punk.

“Creo que es útil que te categoricen, para que la gente que no te ha escuchado tenga una idea de lo que haces. A muchos músicos no les gusta que los encasillen en un género y ese no es mi caso, pero no me considero parte del punk porque mi intención no es ser punk, solo queremos hacer música en realidad, cualquier tipo de música. Pero entiendo que si tienes letras con crítica social te van a meter en esa sección”.

Pero Talbot más que preocuparse por la percepción que se tiene del grupo o la enorme popularidad que han ganado, considera que el motor de Idles el apoyo del público y al gente que los rodea.

“Es increíble lo bien que le ha ido a los dos discos, en especial nuestro segundo álbum de estudio pues trataba de ser más vulnerables y es bueno ver que la gente se identificó con nuestras canciones, eso nos impulsa a seguir haciendo música”.

Y ese motor que menciona Talbot, está en marcha, pues cuando todos pensábamos que Idles estaría disfrutando del éxito de su primer álbum de estudio, llegó inmediatamente el otro, que superó en demasía a su sucesor y actualmente es considerado por muchos como uno de los mejores lanzamientos del año.

“Luego de terminar Brutalism, me puse a escribir el siguiente disco y en poco tiempo ya estábamos de vuelta en el estudio. Terminamos en 10 días, fue increíble y estábamos impresionados. Creo que ocurrió algo mágico ahí, no tengo otra explicación”.

Pero Joy as an Act of Resistance no solo brilló en lo musical, también letras como la de “Samaritans” llamaron mucho la atención por abordar un tema muy peculiar: la masculinidad tóxica.

“Cuando empecé a ir a terapia me puse a pensar en cómo me han educado, al igual que muchos, y creo que no estaba siendo lo suficientemente vulnerable ni abierto con mis sentimientos. Entonces decidí escribir sobre eso para empezar a cambiar y contagiar a otros, porque la masculinidad, como constructor social es un cáncer que nos arrastra”.

Las posturas de Idles son claras, y una de las más importantes es la inmigración, tanto en Europa como en América y ellos lo expresan en canciones como "Danny Nedelko". Pero también esperan poder dar una opinión extendida y una de sus grandes preocupaciones es la política de Donald Trump.

"Estados Unidos, más que el Reino Unido y cualquier otro país del mundo, fue creado por inmigrantes. El país sufre un grave problema porque Trump está creando racismo e ignorancia y se maneja de maneras violentas y poco prácticas. Sin inmigrantes América no sería una mierda y es asqueroso lo que le están haciendo con la gente".

Oh Sees estrena video para “Enrique El Cobrador”

Disfruta el colorido y alocado visual de “Enrique El Cobrador”, a cargo de Oh Sees.

Oh Sees está de regreso con un nuevo video. Continuando con la promoción de su álbum de estudio, la agrupación liderada por John Dwyer ha liberado el visual correspondiente al sencillo “Enrique El Cobrador”.

Siguiendo con el estilo de sus recientes estrenos, la nueva entrega nos ofrece un colorido clip animado, elaborado por los dibujantes Massimo Colarusso y Alexis Giroux. A través de 3:53 minutos, la creación de los artistas nos lleva de viaje por un mundo psicodélico, plagado de paisajes y criaturas surrealistas.

Observa a continuación el video animado para “Enrique El Cobrador”.

Oh Sees continúa con la promoción de su más reciente álbum, Smote Reverser, publicado el pasado mes de agosto y del cual se desprenden los sencillos “Overthrown”, “Abysmal Urn” y “Anthemic Aggressor”. El trabajo visual mostrado en estos cortes, ofrecía una experiencia colorida, similar a la de la nueva entrega.

El pasado mes de mayo, la banda conformada por John DwyerTim HellmanDan Rincon y Paul Quattrone estuvo de vuelta en nuestro país como parte de las actividades previas a HIPNOSIS. Revive su presentación a través de nuestra reseña.

Yaeji estrena video para “One More”

Observa el colorido visual para el más reciente sencillo de Yaeji.

Kathy Lee, mejor conocida en la escena musical como, Yaeji, se encuentra de estreno con el lanzamiento de un nuevo video. El colorido videoclip corresponde a su más reciente sencillo “One More”, un corte de 3:26 minutos, plagado de sonidos lo-fi y atmósferas electrónicas.

La dirección del metraje estuvo a cargo del fotógrafo Alex Gvojic. A través del trabajo capturado en su lente, podemos observar diferentes facetas de la joven intérprete, acompañada por una gama de colores en tonos azules y un desfile de efectos visuales al final del clip.

“Hecho de manera completamente independiente, con un grupo de personas amorosas y talentosas, gracias por dejarme ser yo”. Es parte del mensaje compartido por la artista, a través de redes sociales. Observa a continuación el video correspondiente a “One More”.

El nombre de Yaeji continúa ganando espacio en la escena independiente, tras la publicación de su dos primeros EPs en 2017. Su sonido, resultado de una exótica fusión de influencias, ha logrado llevarla por distintos escenarios, como en su más reciente gira por Estados Unidos y Australia.

El pasado mes de septiembre pudimos escuchar su primer lanzamiento de 2018, a cargo del tema “One More”.

Mercury Rev anuncia álbum de covers

Escucha un adelanto del próximo álbum tributo de Mercury Rev.

Mercury Rev rendirá un emotivo homenaje en su próximo disco. Previo a su regreso a la Ciudad de México, la agrupación estadounidense confirmó el lanzamiento de un álbum de covers. La nueva entrega llevará el título de The Delta Sweete Revisited y será estrenada el próximo mes de febrero. Será una reversión de la obra con el mismo nombre, original de Bobbie Gentry y estrenada en 1968.

Cada tema contará con la colaboración de una interprete femenina. Entre la lista destaca la participación de Hope Sandoval, vocalista de Mazzy Star, Kaela Sinclair de M83Rachel Goswell de Slowdive.

Como parte de la promoción, la banda ha liberado el primer adelanto, a cargo del sencillo “Sermon”. Un corte de cuatro minutos que recrea una atmósfera al rededor de los años 60 y cuenta con la colaboración de la interprete country, Margo Price. Escúchalo a continuación.

The Delta Sweete Revisited estará disponible el próximo 8 de febrero, bajo la distribución de  Partisan Records y Bella Union. Podrás escucharlo a través de las distintas plataformas digitales, así como una versión física en disco de vinilo.

Te compartimos el tracklist que formará parte de The Delta Sweete Revisited.

1.“Okolona River Bottom Band” (feat. Norah Jones)
2.“Big Boss Man” (feat. Hope Sandoval)
3. “Reunion” (feat. Rachel Goswell)
4. “Parchman Farm” (feat. Carice van Houten)
5. “Mornin’ Glory” (feat. Laetitia Sadier)
6. “Sermon” (feat. Margo Price)
7. “Tobacco Road” (feat. Susanne Sundfør)
8. “Penduli Pendulum” (feat. Vashti Bunyan & Kaela Sinclair)
9. “Jessye’ Lisabeth” (feat. Phoebe Bridgers)
10. “Refractions” (feat. Marissa Nadler)
11. “Courtyard” (feat. Beth Orton)
12. “Ode to Billie Joe” (feat. Lucinda Williams)

Razorlight — Olympus Sleeping

Con Olympus Sleeping, Razorlight no evoluciona su sonido, pero eso es más que perfecto.

Luego de una larga pausa, el cantante Johnny Borrell está de vuelta con su banda para tratar de retomar ese lugar privilegiado que se le dio hace más de 10 años. Algo casi imposible de lograr tomando en cuenta cómo ha evolucionado la industria y que la escena del indie rock británico ha sido desplazada. Sin embargo, el músico se muestra optimista y capaz de lograr un triunfal regreso.

La intro de este inesperado pero bien recibido disco dice así: “Genie, this is Aladdin. Give me a Razorlight album that doesn’t totally suck”. Un extraño comienzo, pero que dice mucho sobre la actual situación del grupo. Están tranquilos, sin presión de nada, pero con un objetivo claro.

Con el primer track, “Got To Let The Good Times Back Into Your Life”, vemos cómo la agrupación ha perfeccionado su sonido. Siguen con las guitarras brillantes y las melodías catchy pero varias influencias se hacen presentes: hay una base rítmica muy al estilo del brit ska y algunas secciones que recuerdan mucho al rockabilly de Buddy Holly y Eddie Cochran. Una mezcla que parece extraña, pero que es sensacional y da resultado.

Le sigue “Razorchild” que sigue apegado al indie guitar pop de principios de los años 2000, pero también se empieza a dibujar un hilo en la parte lírica. Johnny Borrell se pone muy personal y habla de lo mucho que ha cambiado en estos años.

“Brighton Pier” nos lleva directo a esa gran época del indie británico, con guitarras que aluden al jangle de The Smiths y un ritmo fuerte y acompasado. Queda muy en claro que Razorlight no piensa actualizarse, sino retomar el estilo, ahora nostálgico, que siempre le ha funcionado. En cuanto a lo lírico, inicia con versos muy interesantes y luego se vuelve repetitivo, pero eso exalta la vivacidad de la canción, así como las secciones instrumentales.

Se vuelve más agresivo con “Good Night”, tema de corta duración, pero que en solo un minuto y medio logra dar una dosis de emoción a Olympus Sleeping. Los sonidos claros y brillantes cambian por poderosos riffs y vocales airadas.

Retomamos camino en “Carry Yourself”, una joya pop por completo. Razorlight no ha parado de dar melodías animadas y contagiosas, están haciendo su trabajo para hacer ese gran regreso y sacar unos cuantos hits para la radio. Igual, no hay que dejarnos llevar por el tono; la canción habla sobre hacerte cargo de ti mismo, algo en lo que Johnny Borrell se ha empeñado tras una vida de excesos.

Grupos del estilo, o por lo menos contemporáneos como Mystery Jets, han tratado de mantener un perfil bajo y quedarse con lo que les queda. Por eso que Borrell agrada tanto, porque se arriesga sin miedo a la crítica. Nadie quiere desempolvar el viejo indie rock, pero temas como “Japanrock” podrían abrir la caja de Pandora.

El bajo toma protagonismo en “Midsummer Girl” y también vuelve esa combinación de indie rock con brit ska que pudimos escuchar al principio. Razorlight ha hecho un gran trabajo por mantener este disco deslumbrante y animado. Aunque con “Iceman” empiezan a desacelerar, jamás pierden el atractivo.

Tras la breve pausa, Razorlight saca una de sus cartas más fuertes: “Sorry?”. Un track con todo lo necesario para sobresalir, no solo en el disco, sino entre los temas clásicos de la banda. Tal vez no sea el más elaborado, ni lo mejor de este álbum, pero sin duda será uno de los destacados.

Curiosamente, el tema principal “Olympus Sleeping” va más por el garage que el indie pop, separándose mucho de los otros dos tracks: "No Answers" y "City Of Women". Las tres, a pesar del cambio de estilo, comparten el dinamismo y energía que tanto caracteriza a la agrupación.

Con Olympus Sleeping, Razorlight no busca cambiar ni adaptarse a estos tiempos, se apega a lo de siempre y le funciona. Van por melodías pegadizas y usar ese viejo indie pop británico. Pero su intención no es usar la nostalgia a su favor, sino terminar de explotar un sonido que desapareció de manera abrupta.

Lanzamientos como este o el Combat Sports de The Vaccines me hacen pensar que podría haber un revival de este movimiento, solo falta que la escena indie en el Reino Unido esté dispuesta a recuperar la esencia y popularidad que alguna vez tuvo.

The Chemical Brothers saca increíble video

Foto: Dom&Nic

Con una fiesta de robots, The Chemical Brothers lanza uno de los videos más interesantes del año.

El duo de Manchester sacó hace un par de meses una nueva canción, "Free Yourself", la cual fue su primer lanzamiento en casi tres años y será parte de Electronic Battle Weapon, una serie de singles promocionales que la banda inició en 1996. Ahora, el track ya cuenta con su propio video y, por lo que se ve en los comentarios en YouTube, es de los mejores visuales que ha sacado la agrupación.

El clip fue dirigido por Dom&Nic, los mismos que hicieron los metrajes de "The Salmon Dance", "Believe" y "Wide Open". Pero también, esta asociación de los directores Nic Goffey y Dominic Hawley ha trabajado con David Bowie, Trent Reznor y Robbie Williams.

En las imágenes podemos ver un mundo alterno donde las máquinas con inteligencia artificial ya son algo común en la actualidad y al parecer son usados para los trabajos de seres humanos, causando un descontento general. La trama inicia en una fábrica, donde los robots inician una fiesta que se sale de control.

Esto fue lo que dijeron los cineastas sobre el proyecto. "¿Por qué la inteligencia artificial se comportaría de manera diferente al descubrir música? Todos hemos visto a seres humanos bailando como robots, también hemos visto robots bailando como robots, pero nunca has visto robots bailando como humanos. Eso es nuevo (...) La música de The Chemical Brothers permite a las personas salir de su caja; es un momento frenético. Queríamos capturar ese sentimiento con la idea de que una fuerza de trabajo robot se abandona repentinamente a la música y la diversión. ¡Los robots se divierten, los robots son tontos y los robots se vuelven locos!".

Puedes ver el video de The Chemical Brothers justo aquí:

Kanye West retrasa el lanzamiento de su nuevo álbum

Tal parece que tendremos que esperar un poco más de lo previsto para escuchar el nuevo álbum de Kanye West.

El siempre controvertido, Kanye West, confirmó que el lanzamiento de su próximo álbum será retrasado. Así fue dado a conocer tras su reciente presentación a lado de Kid Cudi en la ciudad de Los Ángeles,como  parte del debut de su proyecto alterno, Kid See Ghost.

“Después de tocar nuevamente, me di cuenta de que el nuevo álbum en el que he estado trabajando todavía no está listo”. Fue parte del mensaje compartido por el rapero estadounidense.

Yandhi será el título de la novena placa de estudio de Kanye West, cuyo lanzamiento estaba programado para ver la luz durante el pasado mes de septiembre, antes de ser pospuesto para el 23 de noviembre. La nueva fecha será confirmada una vez que el álbum esté listo.

Kid See Ghost es el nombre que da vida al nuevo proyecto conformado por Kanye West y Kid Cudi. Recientemente ambos músicos estuvieron en medio de la polémica, tras una serie de acusaciones a cargo de Lorde, en las que la cantante islandesa aseguraba que habían plagiado el diseño de una de sus escenografías, durante su presentación en el festival Camp Flog Gnaw, de Tyler, The Creator.