Sotomayor estrena "Quema" ¡Escúchalo ahora!

Con "Quema", Sotomayor nos comparte un adelanto de su próximo álbum.

Después de dos años de su segundo material de estudio Conquistador, Sotomayor está de vuelta con "Quema", primer sencillo de su próximo disco Orígenes.

En una entrevista con The Fader, Raúl comentó que en cada álbum o canción que compone, busca hacer algo diferente. Con una melodía llena de sintetizadores y voces alegres, Paulina inicia de forma lenta, para después soltarse y llenar la canción de ritmo y cumbia a medida que esta va avanzando.

Dale play ahora a "Quema".

Comencé esta canción tratando de obtener un ambiente tradicional de Gaiteros de San Jacinto, pero pasé a una pista de bajo pesado. En el lado de las letras, estábamos buscando a Paulina para cantar de una manera diferente, tratamos de rapearla un poco más en lugar de cantarlo. La guinda es la adición de Totin, él agregó un ambiente realmente místico y especial a la canción", comentó Raúl.

El sencillo producido por Wonderwheel Recordings estará disponible en todas las plataformas digitales hasta el día primero de noviembre, ya puedes pre guardarlo a través del siguiente enlace.

Recuerda que Orígenes se lanzará en febrero del próximo año. Así que mantente al pendiente de las redes sociales del dúo.

Mira "Smash My Head" el nuevo video de CocoRosie

Ya tenemos adelanto del disco que CocoRosie estrenará en 2020.

Bianca y Sierra Casady, alias CocoRosie, regresan con video para "Smash My Head". Esta es una de las primeras canciones promocionales de Put The Shine On, su próximo álbum que tiene fecha de estreno para el 6 de marzo del siguiente año. La canción sigue el lanzamiento de "Lamb and the Wolf" y "Roo", colaboración que las Casady hicieron con Chance the Rapper.

"Smash My Head", continúa con ese folk electrónico tan característico de la banda, sin embargo, ahora además de explorar esa oscuridad, se arrojan a trabajar lo caótico. La canción de acuerdo con las integrantes de la banda, es un grito enérgico y adolescente. La lírica desata un clímax errático de la locura, uno de perdición y muerte.

Mira el video a continuación:

El video fue dirigido por Bianca, y editado por Sky Ainsbury Asylum. El talento actoral corrió por parte de Irina Anufrieva, Linn Haldrup Lorenzen, Biño Sauitzvy, Christopher Nell, y Per Magnus Barlaug. La canción ya la puedes descargar por diferentes plataformas, y el álbum ya está disponible para ser preordenado a través de la página de la banda. CocoRosie ya está de gira por Europa, misma que terminará hasta abril del año que viene. Te dejamos el tracklist y la portada de Put The Shine On abajo:

Put the Shine On

01 "High Road"
02 "Mercy"
03 "Restless"
04 "Smash My Head"
05 "Where Did All the Soldiers Go"
06 "Hell’s Gate"
07 "Did Me Wrong"
08 "Lamb and the Wolf"
09 "Slow Down Sun Down"
10 "Burning Down the House"
11 "Ruby Red Bass"
12 "Aloha Friday"

Misfits lanza un Kill Kat edición Halloween

¡Dulce o truco! Mira la edición especial de Kill Kat que Misfits creó para este Halloween.

En colaboración con Dead Zebra Inc. y O-No Food Company Misfits lanzó una edición especial de Halloween de las famosas figuras de vinil Kill Kat de Andrew Bell. Los malvados chocolates cuentan con un tamaño de 6 pulgadas de altura. Además, la presentación es el empaque característico del chocolate Kit Kat de la marca Nestlé, sin embargo, en lugar de encontrar un dulce comestible, encontrarás un par de diabólicos chocolates. Dales un vistazo aquí abajo.

Misfits

Este dulce y psicótico caramelo combinado del señor oscuro del regaliz mide 6 pulgadas de alto y viene en un paquete de envoltura de caramelo diabólico. El mortal Fiend Skull confeccionado con Devilock es vitamina 138 fortificada con maldad pura, mucha actitud, cráneos de 45 g, gritos y la manera perfecta de comenzar Halloween. 666 calorías por porción.*

*NO COMA. En serio.

Misfits

Las figuras están a la venta únicamente en el sitio web de la banda y hasta agotar existencias. Así que no demores tanto, ya que sólo hay 666 piezas disponibles en todo el mundo, de las cuales sólo se pueden adquirir 2 Kill Kat por hogar. ¡Ordena los tuyos antes de que se terminen!

Kanye West — JESUS IS KING

Kanye is...

The Village Studios en California, esperando un Lyft que nos llevaría a las oficinas de Universal Music para una junta con el manager de J Balvin, un Cadillac de antaño se estaciona, M dice efusivamente con su acento colombiano. “Marica ese man se parece a Neil Young, después de un preciso vistazo confirmo: Es Neil Young, y ante la decepción por no obtener una fotografía ya que fuimos elegantemente alejados por las personas que lo escoltaban, la advertencia del teléfono por un correo nuevo: la cita para la escucha del nuevo disco de Kanye West sería en The Forum, poco antes de las 8, y había que buscar a la gente de Death Row Records

10 o más cuadras caminando debido al pesado tráfico en Inglewood después de un rápido viaje a Venice, smokeshop de paso, chronic, por qué no, en honor a Dre y por haber estado frente a la consola donde grabó su opus magna. La prisa y la expectativa, el venue teñido de luz azul y el mensaje inevitable: JESUS IS KING (porque según el boletín de la disquera, debe ir en mayúsculas cada vez que el disco se mencione), una auténtica bienvenida a una ceremonia más que a una escucha. El arribo tardío ante la gente que trataba de acceder a toda costa, que apenas se enteró, que de alguna forma quería recibir el bautismo de la mano de Kanye y la ocasión perfecta para pisar con orgullo unos Nike Air Yeezy 2 Red October, cualquier variante de Adidas Yeezy, o hasta los Jordan diseñados por Travis Scott que son tan difíciles de conseguir y que se cotizan caro en las tiendas de Melrose. 

El vinilo azul como único fondo en azul profundo, Kim Kardashian filmando testimonios con su teléfono, la única que puede hacerlo, ya que antes de entrar todo dispositivo tuvo que ser guardado en una bolsa de neopreno con un sello magnético que sería desactivado a la salida. “Every Hour” y su difusa introducción a las alabanzas, como católico solo conoces la larga y aburrida homilía donde habla un sacerdote y te acusa de ser la peor persona sobre la tierra, pero en una ceremonia con cantos, como esas que solo habías visto en películas o musicales, las voces son la forma esencial del mensaje ulterior. “Selah” dispara las primeras frases de Ye, que solo observa ante la atención de un público no habitual a sus concilios: ejecutivos de disqueras, parejas funcionales que atascan Disney de carreolas, adolescentes enardecidos y tal vez decepcionados por no poder tener el video perfecto para el TikTok, pero aquellos que sienten que están en el lugar y momento perfectos, comienzan a brincar al compás de “Follow God”, y aunque apenas están descubriendo la letra, se nota el ansia de cantarla con afecto. Solo dura menos de 2 minutos: ¿Serán sólo fragmentos?, ¿de nuevo Ye está tratando de vernos la cara?, ¿es en verdad, como alega, un genio incomprendido capaz de sintetizar tanto con tan poco?

“Closed on Sunday” y esa extraña referencia a Chick-Fil-A y su horario que permite a sus empleados aprovechar el domingo, El Día del Señor, según la variante de la religión que profesen: Hold the selfies, put the 'gram away, get your family, y'all hold hands and pray, como cuando Joseph Seed dice a los súbditos de su secta en FarCry 5 que la humanidad se ha convertido en esclavos de sus teléfonos tratando de impresionar a gente que no conoce en vez de voltear a ver a sus seres queridos. “On God” y la esencia de esos beats, ambientes y samples que hay hecho a Kanye infalible en la cultura del hip hop, el libro de Job como la clave de la salvación, “Everything We Need”, de nuevo la mística del gospel y las voces celestiales que emanan alabanzas. “Water” y su ánimo pop para apreciar la impecable producción detrás del disco que atrasó unas horas su lanzamiento debido a últimos toques en la masterización. 

“God Is” y su suerte de alegoría, la absolución perfecta y la glorificación del ente superior, la salvación, las revelaciones, el omnipresente como guía en busca de la paz interior y una nueva espiritualidad: “Thank you, Jesus, won the fight”. “Hands On” y los experimentos con el vocoder, lo extraordinario de la simplicidad, las mejores rimas y mensajes cual Epístola a los Efesios, gente que en efecto levantó las manos ante la orden de Kanye. “Use This Gospel”, y la emoción nunca decayó, la atención a los detalles, y la duda: ¿Es Kanye West en verdad el genio que alega ser?, o simplemente ya se volvió loco y ahora se cree predicador. Como sea es extraño escuchar un solo de sax de Kenny G como preludio a “Jesus is Lord”, el final de un disco que ya está dando demasiado de qué hablar. 

Para el análisis queda esta intención mesiánica de Kanye por defender su alteza, misma que creativamente no se puede ignorar. Según Noel Gallagher, si dices que tocas en la mejor banda del planeta por lo menos la mitad de la gente lo va a creer. Lo que sucede con Ye es que puedes amarlo, y en efecto, creer que es un maldito genio, que lo que toca lo convierte en oro, que bien podría construir un arca, dividir los mares o hacer otro gran álbum, pero tal vez a medio tour, decida cancelar y volver a casa a pensar en otra cosa. O por el lado opuesto, puedes pensar que ha perdido la cabeza, que en su delirio ahora pretende ser un portavoz, y que tal vez después, pretenda fundar una religión en torno a su legado o lanzarse a la presidencia de un país dividido. 

Como sea es todo un personaje capaz de juntar a 12 mil personas tan solo para que escuchen su disco, algunas portando sus creaciones para los pies, otras apreciando su obra desde sus inicios, y muchas descubriendo apenas los alcances de su inventiva, para algunos es una lástima que no habrá testimonios en videos difusos para compartir y ese detalle se agradeció: es fundamental la escucha de nueva música sin dispositivos que distraigan tu atención.

Es por esto que el título de este relato queda en puntos suspensivos, para que el escucha defina al artista, tal y como elige sus creencias, profesa su propia fe o desmitifica a los predicadores que repiten la palabra de dios pisando sus Jordan 1 Off-White Chicago que compraron en reventa, money is king, Jesus is...

Elbow — Giants of All Sizes

Giants of All Sizes: o porqué el arte es arte porque es humano.

Cuando te enfrentas a un disco con la tarea de escribir una reseña todo puede suceder. Hay discos que me parecen vacíos, genéricos y sin algo qué resaltar, pero que al mismo tiempo disfruto escuchar. Los hay, también, aquellos que me parecen obras completas y dignas de admiración que, sin embargo, no puedo escuchar más de una o dos veces y de manera discontinua. Con Giants of All Sizes la cuestión es distinta: es un álbum inteligente, lleno de momentos especiales y con una musicalidad única que conmueve; es un disco que puede escucharse de principio a fin sin que canse, no es complicado de digerir y, sobre todo, mantiene una atmósfera ligera a la vez que deja una marca en el pecho. Guy Garvey logra con su voz y sus letras hacernos participes de su preocupación y decepción por los tiempos que estamos viviendo, sin exigirnos entender un discurso filosófico imposible. Es una fuerza motora la que nos insta a albergar la rabia de los instrumentos de una manera melancólica y hermosa.

Durante más de dos décadas la banda de Bury, Inglaterra, ha creado un sonido peculiar en el que la poesía hipnótica de sus lineas se entremezcla con golpes sonoros contundentes y una melodía apacible. Es un cúmulo de emociones que revuelve todo lo que hay dentro de cada persona que escucha sus canciones. Este último álbum no es la excepción.

Comienza la puesta en escena con “Dexter & Sinister”, un track fuerte en el que la adrenalina crece con cada segundo en el reproductor y que termina en una especie de canto operístico. Le siguen “Seven Veils” y “Empires”, la primera siendo una canción muy tranquila que nos hace reposar de lo vertiginoso del primer corte; la segunda es más entrañable y llena de un sentimiento de desasosiego en la que Guy explora con su voz tersa los infortunios de las sociedades y su declive a través de las épocas. “The Delayed 3:15” se siente como una continuación directa al track anterior, en la que una guitarra acompasa la voz de Garvey en una especie de ritmo épico que recuerda (al menos a mí) un canto de guerra irlandés. “White Noise White Heat” es la culminación del disco, un track explosivo y lleno de una esencia personal tan potente que tiñe toda la musicalidad de dolor. “Doldrums” y “My Trouble” son los cortes más débiles y fuera de tono de todo el álbum, pero aún así mantienen una sincronía ínfima que dota al disco de un pasaje tranquilo para relajarse y recuperar el aliento con una extraña nostalgia arrebatándonos el corazón. “My Trouble” es en realidad mi tema favorito por sí mismo, la fuerza de la voz de Guy en la recta final del track es simplemente sublime y se convierte en una canción poderosa que, pese al velo oscuro del resto del disco, ilumina el camino hacia el final. “On Deronda Road” es un tema extraño, pero que no deja de ser interesante. Voces en profundidad y una secuencia de sonidos electrónicos y atmosféricos que suenan incluso a un mantra. Cierra el álbum con “Weightless”, un final bastante emotivo y con tintes de alegría que suena a una síntesis extraña de sentimientos.

Un proyecto completo, con un cúmulo de emociones tan distintas y disonantes que se encuentran de manera perfecta… eso es Giants of All Sizes.

Nat geo anuncia BIOS de Café Tacvba

Después de presentarnos la vida de Gustavo Cerati, Alex Lora, Luis Alberto Spinetta y Charly García, la exitosa serie BIOS de Nat Geo regresa con un episodio dedicado a Café Tacvba.

La famosa serie BIOS, la cual retrata la vida de varios referentes de la cultura pop, nos sorprende con el anuncio de un nuevo episodio. Se trata de una de las bandas más queridas de México y Latinoamérica, estamos hablando de Café Tacvba.

Será un gusto para nosotros contar y compartir nuestra historia de la mano de National Geographic”, comentó Meme, músico, compositor y vocalista de la banda de Satélite.

El episodio –de hora y media de duración– será estrenado el próximo 10 de noviembre a las 22:00 H a través de Nat Geo y contará la trayectoria de la banda y vida de cada uno de sus integrantes.

Estamos muy contentos de presentar parte de lo que hemos vivido en estos años. Hay mucho archivo, muchas entrevistas con gente que da para mucho, gracias a Nat Geo por tomarnos en cuenta”, expresó Joselo Rangel en conferencia de prensa.

Mira un avance a continuación:

Este año Café Tacvba está cumpliendo 30 años de carrera y este episodio forma parte de las celebraciones de una de las bandas más sobresalientes de nuestro país.

Estamos celebrando junto a Café Tacvba sus 30 años de aporte a la cultura mexicana, a través de una producción que brinda homenaje a su proyecto vanguardista, a su innovación e independencia musical y, sobre todo, a su arte. Desde The Walt Disney Company estamos sumamente orgullosos de presentar nuestra primera biografía destinada a un grupo musical, y es un verdadero honor hacerlo junto a una de las bandas de rock más importantes y vigentes de México y toda América Latina”, mencionó Fernando Semenzato, responsable de producción de National Geographic & Nat Geo Kids en América latina.

Entrevista con Underworld

Underworld: Contra la corriente.

Numerosas bandas se mantienen en constante evolución, adoptando las nuevas tendencias o replanteando géneros ya conocidos para seguir componiendo y asombrando no solamente a sus fanáticos, sino a sí mismos bajo esa constante inquietud creativa que es el pan de cada día de un artista. A veces la inspiración toma lo que muchos consideramos una eternidad, como el polémico proceso pausado de D’Angelo, por ejemplo, y a otros les llega de fregadazo en un periodo relativamente breve que los mantiene activos y emocionantes por todo un año. Tal es el caso de Underworld, la legendaria dupla electrónica integrada por Karl Hyde y Rick Smith, quienes encontraron en un proceso de comunicación más colaborativo la clave para crear un proyecto multimedia tan versátil como dinámico. El resultado es un experimento continuo llamado Drift, en donde los sonidos y las imágenes convergen con elementos, emociones y la condición humana del Siglo XXI, donde la inmediatez y lo llamativo es clave.

Con motivo de su próxima actuación en la primera edición del festival RadioBosque, en donde traerán la versión en vivo de Drift, platicamos con Hyde acerca de sus impresiones y expectativas.

“Estamos muy entusiasmados por llegar a tocar a México nuevamente. Hemos tenido una gran recepción del público en ocasiones anteriores y nos da mucho orgullo venir aquí y seleccionar al país como una de las únicas paradas antes de que acabe el año. Solo haremos cinco shows antes de que termine el año; en Colombia, Bélgica, Holanda y Londres, y nos hizo sentido tocar base en México para contagiar toda la euforia que Drift nos transmite al tocar y crear a su público,” inició emocionado Hyde.

La serie Drift nació como una inquietud de salirse un poco de su proceso habitual, ya sea por aburrimiento o por necesidad. Incluso lo empezaron a hacer a manera de broma con sus seguidores, prometiendo unirse al ciclo ya empleado por muchos intérpretes y creadores de sacar material nuevo paulatinamente, en vez de un solo álbum con una secuencia de temas. Lo cierto es que, desde Barbara Barbara, We Face a Shining Future, su último disco formal de estudio, han trabajado con una mayor unidad y diversidad en su icónico sello de electrónica cerebral y veloz. No está de más mencionar que la unión de diferentes colaboradores, como el conjunto inglés de jazz experimental The Necks; el productor Ø [Phase] o la banda japonesa de culto Melt-Banana, influyeron en la creación de todos estos temas.

“Propusimos hacer de este proyecto algo más multimedia, como una serie de TV con varias temporadas, de diferentes temáticas y con invitados especiales. A la par que componíamos canciones nos íbamos imaginando los visuales y las historias para crear todo un concepto. Gracias a esta unión más reforzada, Rick y yo dejamos que la creatividad fluyera mucho más y no nos apegamos a los lineamientos usuales de una disquera: que si una fecha límite, que si un tour… y simplemente hicimos lo que quisimos y lo lanzamos como quisimos. Al final nos hizo crecer aún más como banda, ¡y todo después de casi 40 años!”, mencionó Hyde.

Underworld ve este proyecto como el punto creativo que consolida su carrera, agarrando elementos fascinantes en sonido e imagen de cada una de sus obras anteriores, desde Dubnobasswithmyheadman y Beaucoup Fish hasta Barking y Barbara Barbara, We Face a Shining Future, pasando su trabajo en las Olimpiadas de 2012 y sus scores para las películas de Danny Boyle (Trainspotting 1 y 2, Sunshine: Alerta Solar, En Trance), para colocarlos en Drift. Su experimento da lugar a un tipo de música más vertiginosa o contemplativa o la sucesión de visuales más llamativos o experimentales. Es justo toda esa conjunción de partes la que van a transmitirle al público mexicano, En sus palabras: que ellos se conviertan en una parte del proyecto continuo.

“El público mexicano puede esperar muchísimas cosas: tocaremos temas clásicos de Underworld y material de Drift, todo acompañado con visuales, pinturas interactivas y performances de invitados en vivo. Nada en ese show estará programado; todo será presentado tal cual. Esa es una parte; la otra recae en nuestras actuaciones. Personalmente, siempre adquiero otra personalidad cuando subo al escenario y me convierto en alguien que brinca, grita y celebra la atmósfera y los sonidos, tanto los nuestros como los del público. Su energía es crucial para nuestros shows y por eso elegimos a México como parada del tour. ¡Vamos a crear una verdadera fiesta!”, finalizó entusiasmado Hyde.

Underworld es parte del cartel del festival RadioBosque, que se celebrará el próximo 2 de noviembre.

Mira "Dark & Handsome" de Blood Orange

Blood Orange muestra de nuevo su estilo vintage con el video de "Dark & Handsome".

Blood Orange compartió el video de "Dark & Handsome", sencillo que forma parte de su más reciente mixtape Angel's Pulse. El clip dirigido y producido por él mismo, nos muestra una serie de imágenes con un estilo vintage descolorido, como si fuera una cinta VHS grabada en película de 16 mm.

Toro y Moi no solo colabora con Hynes en la canción, sino también hace una ligera aparición casi al final del video, donde podemos ver como ambos raperos simulan una breve conversación por medio de una videollamada.

Dale play ahora "Dark & Handsome"

"Dark & Handsome" es una de las primeras canciones que el rapero compuso para su último mixtape durante su estancia en una casa rentada en Los Angeles.

Esta fue una de las primeras canciones que hice en ese momento, y son algunas de mis letras favoritas que he escrito. Siento que realmente obtuve el sentimiento y la emoción que había estado burbujeando en mi mente. Y honestamente, se trata de pena: pena, muerte y suicidio. Esas son las tres cosas en las que esta canción está meditando".

Sigue a Blood Orange en sus redes sociales para obtener más información acerca de próximos shows o música nueva.

Big Thief — Two Hands

En Two Hands, Big Thief examina la destrucción colectiva en la Tierra y trata de crear un lenguaje de amor a través de su música.

Al momento de escribir, Adrianne Lenker—vocalista y guitarrista de Big Thief—siempre intenta reflejar algo sin necesidad de nombrarlo, en cambio ofrece pequeñas oraciones adornadas de metáforas y modeladas por los hermosos tonos de su voz. Pero aunque no entiendas las palabras que está tratando de comunicar, hay algo más que existe en Big Thief, cierta magia que no necesita explicación, solo está ahí y lo puedes sentir en su música. En uno de los sencillos de este disco, “Forgotten Eyes”, Lenker menciona “la lengua olvidada es el lenguaje del amor”, a lo que se refiere la artista es que en el mundo existen diferentes lenguajes, distintas ideologías, diversos sueños, pero hay un lenguaje que “nos une a la Tierra misma”, el cual deberíamos practicar más seguido. En cambio concentramos nuestra energía en lenguajes de separación como el poder, el individualismo, la política, etc., que solamente han dejado huecos en la Tierra, “la herida no tiene dirección, todos necesitan una casa y protección”, canta Adrianne más adelante en dicha canción. Lo que hace la banda en Two Hands es proyectar un mensaje político, sin necesidad de polarizar, sino de ofrecer un lenguaje universal en el que todos son bienvenidos, esta es la forma en que la agrupación busca formar parte de ese lenguaje de amor, a través de su música, que simboliza una de las manos que se mencionan en el título del disco, la otra es todo aquel que busque ir mano a mano junto a ellos.

En mayo de este año, Big Thief lanzó U.F.O.F, el “gemelo celestial” del “gemelo terrenal” (Two Hands). El contraste entre ambos discos es evidente, mientras U.F.O.F hace referencia a lo que nos sobrepasa, a lo desconocido, dibujando dulces melodías de folk cósmico, Two Hands tiene texturas más crudas, donde se ve simbolizada la presencia física de los seres humanos en la Tierra, todas esas huellas que hemos ido dejando marcadas, esos ecos que siguen resonando. Sin embargo, como señala Lenker ambos contienen partes del otro, ambos manifiestan ideas sobre la vida y lo que es ser humano, solo que desde diferentes perspectivas, una física y otra espiritual.

La banda posee autenticidad y perpetuidad en su sonido, no es posible ubicarlos dentro de un estilo musical, bien pudieron ser amigos de John Prine, Joni Mitchell, Judy Collins, Nick Drake o Richard & Linda Thompson en los 70, aunque también tienen influencias de los 90 y 80 como Elliot Smith o Cocteau Twins, y sin duda el espíritu del grunge está presente en canciones como “Not”, “Jenni” o “Mythological Beauty”.

“Rock & Sing” es una melodía folk llena de sentimentalismo, donde Lenker y compañía se liberan de sus miedos, “no quiero tener miedo de cualquiera que entre, ya no quiero cerrar mi puerta”, vocifera la cantante acompañada de la segunda voz de Buck Meek (guitarrista), para recordarnos que la vulnerabilidad es parte de nosotros, y el abrir nuestras puertas es señal de crecer y aprender, “pásame ese cable, enchúfalo a cualquier cosa…llora conmigo”, susurra Adrianne, como una invitación, una bienvenida. En el disco hay guitarras rítmicas construidas brillantemente, como en el caso de “Forgotten Eyes” , “Replaced” o “Two Hands”, en esta última las palabras fluyen con una delicadeza y belleza únicas, “y entre más lo intentamos descifrar a través de las respuestas, repetirnos, denegar, denegar”, canta Lenker, sobre una ola de guitarras folclóricas.

A través del álbum, nos enfrentamos al dolor, muerte, sangre y llanto. En “The Toy”, la fragilidad en la voz de Lenker se puede sentir en cada tono como pequeños lamentos, mientras James Krivchenia (baterista) sigue el pulso de cada frase con calma, así poco a poco el nivel de la música se va elevando para quizá hablarnos de la violencia armada, “y lo cruel y distante se paga… los niños se queman, papel sin rostro…porque el juguete en mi mano es real”. “Shoulders” es una canción indie rock que arrastra ese profundo sentimiento de desesperación, trauma e impotencia, “la sangre del hombre que ha matado nuestra madre con sus manos está en mí, está en mí", repite Lenker como una señal de que no puede sacarlo de ella y agrega “en mis venas”.

“Not” es el clímax del disco, no hay otra canción en toda su discografía con un estilo tan visceral y vehemente como esta, llena de rabia. Puedes sentir las cuerdas vocales de Lenker estirándose, la resequedad en su garganta en un constante estado de negación, “no es lo que realmente querías, ni el desorden en tu bolso, ni la cama que está embrujada, con el manto de sed… no es el hambre revelándose, ni el rebote en la cueva, ni la mano que cura, ni la tumba sin nombre”, canta la compositora con gran empoderamiento. En este sencillo, Big Thief se siente invencible mediante la distorsión e intensidad de un solo de guitarra que nos guía hasta el último plañir de los instrumentos.

El disco también contiene esas canciones folk encantadoras e intrincadas con acordes arrítmicos que distinguen a la agruapación como “Those Girls”, donde podemos escuchar el bajo de Max Oleartchik con mayor precisión, gracias a un solo donde las dulces cuerdas de su instrumento vibran acompañadas de la delicada pero constante batería de Krivchenia. En “Wolf”, todo se siente tan puro y libre, el ligero rozar de los dedos sobre las cuerdas junto con el dulce y relajante cantar de Adrianne crean una atmósfera de paz. Al final, en “Cut My Hair”, Lenker se pregunta “¿él me mantendrá a salvo?” como una reacción ante el miedo, ante el futuro, ante el mal que acecha con cautela en el mundo, ante esas acciones que continúan hiriendo a la Tierra.

Two Hands, como dijo Adrianne en una entrevista para Stereogum. “Captura nuestras actuaciones en la sala, solo piel y carne, algo finito, físico”, solamente cuatro espíritus en un estudio liberando sus sentimientos y pensamientos de la manera más sincera posible dejando que la magia fluya por instinto.

Cigarettes After Sex — Cry

Un enigma del pasado que cure el presente: Cigarettes After Sex.

Un cigarrillo en un día nublado, acostado en la cama y pensando en lo que nos mantiene vivos, toda una experiencia, viaje astral moderado. En 2017, una banda de El Paso, Texas se dedicó a cantar más que country music (¡vaya cliché!) y se expresó en dream pop, muy melódico y excéntrico, pero bastante bien recibido por el público. Esta banda es Cigarettes After Sex, cuyo sonido ha encantado a más de uno; en este 2019 por fin sale al mercado su segundo álbum Cry, con nueve tracks que, como los buenos vinos, esperaron el momento adecuado para salir a la luz, pues primero se creó la melodía, que aguardó las letras correctas para crear un ente nuevo.

Greg Gonzalez, guitarrista y líder de Cigarettes After Sex es quien se encargó de ponerle letra a esas melodías, basado en aquellas experiencias de desamor que no logró filtrar y siguen permeando en su actuar; las canciones son melódicas, con tonos suaves, pacíficas y relajantes; sin embargo, la letra contiene lírica directa, exacta y explícita.

La rola que invita a escuchar es “Don’t Let Me Go”, que invita al romanticismo, una canción para dedicar y expresar amor (o dependencia) de verdad. Tal vez no sea la mejor elección para presentar el álbum, por sus tintes elevados de nostalgia, pero es cierto que la rola es destacable, por el solo de guitarra que da un poco de quietud; en “Kiss It Off Me”, Gonzalez narra la experiencia del amor imposible, del qué pasaría, aquella etapa en que imaginamos lo lindo que sería estar con esa persona especial, la emoción del nuevo amor. Después viene el primer sencillo de Cry, “Heavenly”, ha tenido buena recepción por parte del público y ha sido catalogada como una de las mejores de la banda hasta ahora, a la par de “Nothing’s Gonna Hurt You Baby” y “Affection”, algunas de las más populares.

Cuando uno está enamorado, vienen pensamientos irracionales, como pensar que no hay vida sin él o ella, nuestra mente se vuelve monótona y ve en un solo color, pero ¿es eso realmente amor? Dependencia pareciera ser más la palabra más adecuada; en “You’re the Only Good Thing In My Life”, parece que el líder de la banda se quedó anclado a un viejo amor y asegura que todo está mal, pero está bien.

El álbum tiene la pinta de ser perceptivo, pues los fans y los críticos pueden tomar Cry como una cualidad de Cigarettes After Sex para lograr mantener su esencia y sus características, pero por otro lado, puede ser una debilidad, pues no tienen la osadía de experimentar. En “Touch”, el lado sombrío que su álbum debut imprimió, pero suena un poco monótona y predecible; “Hentai” narra el primer encuentro sexual de Greg con una mujer sin ser grotesco o vulgar, pues prefiere expresarlo con porno que él alguna vez miró, algo un tanto inusual; la que le da el nombre al álbum es relajante en melodía, sin cambios abruptos de ritmo ni sorpresas durante el track, contrario a las letras, que son profundas y bastante significativas.

¿Quién no ha estado enamorado alguna vez? Pues, en “Falling In Love” se habla de ese proceso, ese sentir, el camino a sentir mariposas y sentir que algo recorre todo tu cuerpo; la última canción es “Pure”, por la pureza que solo aquello que es verdadero brinda, el dejarse llevar, con romance, belleza (abstracta por supuesto) y sexualidad, símbolos importantes para Greg Gonzalez.

Cry se grabó en Mallorca y la majestuosidad de los paisajes, la escritura exótica y la voz andrógina le dieron a este disco un significado completo; además, se dice que este álbum se inspiró en las películas del director francés Éric Rohmer y en ese amor que Greg tuvo en el pasado.