Yeah Yeah Yeahs anuncia nuevo disco y comparte “Spitting Off The Edge Of The World”

El nuevo tema es una colaboración con Perfume Genius y el disco ya tiene fecha de lanzamiento.

A través de sus redes sociales, Yeah Yeah Yeahs, anunció hace algunos días el próximo lanzamiento del trackSpitting Off The Edge Of The World”, una canción que cuenta con la colaboración de Perfume Genius. La emoción incrementó ya que también se compartieron fotos individuales de los integrantes de la banda. Para fortuna de todos, la espera terminó y el primer adelanto del próximo disco ya está disponible para escuchar.

Esta canción es una pesada oda de sintetizadores en la que Karen O Perfume Genius hacen combinar sus singulares voces para concientizar sobre la destrucción y grave estado del planeta que habitamos . ¿El resultado? ¡Una maravilla punk! Aunado a ello, llegó un video dirigido por Cody Critcheloe y producido por Megan Mantia, en el que entre tonos rojizos, autos destructores y fiesta se disfruta al máximo el regreso de YYY's.

Pero eso no es todo, la fecha del nuevo y próximo disco fue revelada y será nada más y nada menos que el 30 de septiembre. El LP llevará por nombre Cool It Down y contará con ocho temas que prometen ser una explosión de emociones que no defraudará a todos aquellos que han esperado desde Mosquito (2013).

A todos los que han esperado, nuestros queridos fanáticos, gracias, nuestra fiebre por contar ha regresado, y escribir estas canciones vino con una buena cantidad de escalofríos, lágrimas y euforia cuando el dolor desaparece y la verdad se revela", menciona Karen O.

Te dejamos con el tracklist de Cool It Down, y espera más noticias de Yeah Yeah Yeahs en Indie Rocks!

  1.  "Spitting Off the Edge of the World" (feat. Perfume Genius)
  2.  "Lovebomb"
  3. "Wolf"
  4. "Fleez"
  5. "Burning"
  6. "Blacktop"
  7. "Different Today"
  8. "Mars"

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Entrevista con Homeshake

Confiar en el sonido y dejarnos fluir.

Tras su paso como guitarrista de Mac DeMarco, el músico Peter Sagar exploraría un nueva faceta solista en busca de una narrativa propia, labrando un sonido individual y presentándose al oído público bajo el nombre de HOMESHAKE. Seis álbumes de estudio después, el canadiense ha logrado consolidarse como una de las propuestas más queridas del indie contemporáneo, abrazando nuestra sensibilidad entre destellos de R&B, lofi y su ya característica melancolía lírica. Preparándonos para su próxima visita a tierras nacionales, nos dimos a la tarea de conversar con el originario de Montreal sobre su sentir post pandemia, el ahora del proyecto y los cambios en su musicalidad, habiendo pasado toda una vida entre acorde y acorde.

homeshake_2021

El último trabajo de Sagar llegaría a nosotros en septiembre del año pasado, capturando las dificultades anímicas del artista a lo largo de los 12 tracks en Under The Weather. El larga duración serviría de catarsis al canadiense para lidiar con su mundo interno, brindándole, paralelamente, la energía necesaria para continuar con una mirada mucho menos melancólica.

Me he abierto camino al escribir. Es un estado de reflexión supongo, me siento mucho mejor”.

Tras las limitaciones presentadas durante el confinamiento, el tour tocaría nuevamente a la puerta del solista, embarcándole en una trayectoria de presentaciones continuas durante la segunda mitad de 2022. El público de México, y buena parte de Europa, será el primero en escuchar las nuevas canciones en vivo y a todo color, gozando de la libertad interpretativa otorgada por el proyecto.

“Trato de no preocuparme por provocar alguna sensación en específico. Una vez que la música sale ya no siento que me pertenezca, ahora es de quienes la escuchan, la sientan como la sientan”.

El aura de ligereza parece traducirse de la intención en cada groove a los ojos de Sagar, fijando la mirada en su presentación vía Hipnosis al interior del Frontón México el próximo 15 de julio.

Estoy realmente emocionado. Ha sido un largo camino lleno de cosas con las que lidiar, pero finalmente está sucediendo. Amo México".

El concierto, parte de los preliminares para la quinta edición del festival, promete ser un blast de atmósferas livianas, cascadas melódicas y relief espiritual para cada uno de los asistentes. Alejándonos momentáneamente del caos de la vida moderna y dejándonos guiar por el buen humor al frente de HOMESHAKE.

"Un montón de canciones tocadas una después de otra [ríe]. Diría que es una experiencia relajante pero difícil de describir, me la paso del otro lado del escenario tratando de no joder nada. Las personas parecen disfrutarlo así que funciona".

HOMESHAKE-frontónmexico

El futuro cercano del canadiense parece resplandecer a la luz de una nueva etapa, dejando atrás la emergencia sanitaria y concentrándose en los sonidos venideros, aprovechando el impulso de creatividad para dar forma al camino bajo los pies. 

"Siempre estoy trabajando en nueva música, cosas que saldrán muy pronto, un siguiente álbum. Solo dejo que las cosas fluyan ¿sabes?".

Dilucidar el porvenir de Sagar nos lleva, naturalmente, a pensar en su experiencia desde la interioridad musical. Tras todos estos años, los bemoles de la industria parecen haber dejado prácticamente intacto el sentir del músico frente al universo artístico, partiendo de una base mucho menos sensible de lo que podría parecer a primera instancia; la filosofía detrás de HOMESHAKE.

Relaciono la música en mi día a día no necesariamente de una manera emocional, creo que es más físico, unir armonías al lugar y tiempo donde me encuentro. Recuerdo haberme sentido en casa escuchando una canción el otro día, iba en el autobús, enero, estaba nevando, la escena era realmente vívida, no así el sentimiento."

Retomando la fijación nacional, no podríamos dejar pasar la oportunidad para indagar en la percepción del artista frente a su futura visita. Dejándonos con más preguntas que respuestas pero dejando adivinar el good vibe en sus adentros.

"No sé si pueda imaginar el soundtrack para el viaje a México. Aún así, sé que existirán esos momentos donde escuche alguna canción y todo se alinee de la manera en que siempre lo hace. Creo que solo encuentro sentido en la música conforme llega a mí ".

Tras el intercambio de sentires, nos despedíamos del músico con una sensación de alivio y carpe diem general, esperando volver a conectarnos en el cosmos sonoro de la música en vivo.

Quiero decirlo otra vez, estamos muy emocionados de poder ir. Disfrutamos mucho el set que hemos preparado y siempre es genial ver al público fluir con la nueva música. Solo espero que pasemos un buen rato".

A 30 años de 'El Amor Después Del Amor' de Fito Páez

El disco más vendido en la historia del rock argentino.

El exitoso álbum El Amor Después Del Amor de Fito Páez, cumple 30 años desde su lanzamiento, tras ser publicado en 1992. Se convirtió en el disco más popular en la historia del rock argentino, con más de 1 millón, 100 mil unidades vendidas.

Han pasado tres décadas desde la publicación del álbum, el cual, es la razón principal por la que el artista se convirtió en uno de los cantautores argentinos más aclamados de los años 90. La historia de este material comienza cuando decide viajar al continente europeo para desconectarse después del lanzamiento de Tercer Mundo, y que gracias a su éxito, Warner le ofreció un contrato para su siguiente producción.

Páez viajó para encontrarse en Punta del Este (lugar que fue su inspiración), donde se encerró por once días para dar los primeros pasos hacia su nueva creación. Junto a Tweety González, coleccionó loops y samples, experimentando el sonido central de los temas que darían forma al álbum.

El Amor Después Del Amor, consta de 14 canciones, de las cuales diez fueron lanzadas como sencillos, y cuenta con la participación de otros artistas argentinos, como Luis Alberto Spinetta, Charly García, Andrés Calamaro, Mercedes Sosa e incluso Gustavo Cerati.

El disco está dedicado e inspirado en su relación con la actriz Cecilia Roth y el título hace referencia al redescubrimiento del ‘amor’. Musicalmente, combina rock, pop, folklore y baladas. Incluye éxitos como la canción homónima “El Amor Después Del Amor”, “Un Vestido Y Un Amor”, “Tumbas De La Gloria”, “Pétalo De Sal”, entre otras. Todos los tracks están escritos y compuestos por Fito Páez, excepto “La Rueda Mágica”, al lado de Charly García. El tema “A Rodar Mi Vida” fue versionada por el elenco de la serie juvenil Soy Luna de Disney, y “El Amor Después Del Amor” fue parte de la banda sonora de la película peruana de 1998, “No Se Lo Digas A Nadie”.

Fito se consolidó a nivel internacional gracias a esta producción, agotando 30 mil copias en tres días, las cuales estaban planeadas para venderse en dos meses. Posteriormente, de acuerdo con datos del libro 50 Años de Rock en Argentina, luego de su reposición en tiendas, nuevamente se vendieron 20 mil unidades en corto tiempo. Su éxito también se trasladó a conciertos, logrando llenar escenarios con altas capacidades; recibió el cuádruple disco platino junto con el premio de la crítica local como mejor álbum solista de rock.

Aunque prácticamente todo el disco rezume perfectamente su estilo romántico, también hay momentos en los que sale a relucir el Fito Páez más filosófico. El álbum vino a cambiar la vida del cantante y el sonido de las pistas trasandinas para siempre. De ese disco han salido temas que se quedaron en la memoria de muchos artistas y escuchas. El Amor Después Del Amor, es casi un himno para miles de personas.

SOAK — If I Never Know You Like This Again

La catarsis del desamor.

Si has sufrido una ruptura de algún vínculo, ya sea de noviazgo o de amistad, seguro SOAK te dará un abrazo y al mismo tiempo una cachetada con If I Never Know You Like This Again, un disco en el que la cantante explota al sentirse aplastada por el mundo.

"purgatory" es un gran inicio, una canción movida, una guía que te lleva a un riff de guitarra que incita a seguir escuchando y saber cuál es la continuación de esta historia. Continúa con "last july", tiene una entrada misteriosa y bailable, "i don't wanna be a souvenir" canta entre batería y sintetizadores que, además, dejan que sobresalgan los bajos para crear una catarsis, es una canción de desamor en donde SOAK acepta que ya todo se terminó, pero quisiera regresar a ese pasado.

"bleach" inicia a capela, sentimental y nostálgica, una balada que ayuda a vivir el duelo y a aceptar que esa persona ya no está. El ritmo del álbum vuelve a subir con “get well soon”, entre ritmos acelerados, la canción explica que lo mejor de las despedidas son las palabras que quieres decir antes del adiós.

El salto a “red-eye” es un viaje al pasado del rock en los años 2000, la batería y guitarras al frente, atrás la voz de SOAK y por último los coros. Llega "guts" y una gran bomba de sintetizadores se asemejan al montón de sentimientos que empapan el cuerpo cuando alguien se enamora. Hasta que cambia todo y solo queda decir “baby, you’re full of shit”, con la tranquilidad de un inicio acústico, hasta explotar esas emociones con guitarras eléctricas agudas detrás.

neptune” anuncia que la historia está por acabar. Tiene un piano que atrapa y envuelve los oídos, poco a poco se junta con la guitarra y llenan el cuerpo de melancolía y tristeza, como SOAK al despertar y darse cuenta que Neptuno solo fue un viaje, uno donde estaba enamorada del mundo. Por último, “Swear Jar” culmina todo, refleja ese desgaste de una relación, en donde cada quien se da cuenta de las cosas que no le gustan, las dudas que surgen, ¿quién era la prioridad?

 If I Never Know You Like This Again es una expresión de catarsis, la voz de SOAK muestra la gran potencia que tiene, logra cambios de tono e, incluso, repartir los sentimientos que la atraviesan. Las canciones del álbum se caracterizan por un bajo muy marcado, que muchas veces es el segundo más potente dentro de la musicalización.

Guitarras agudas, ritmos para bailar en un verano al atardecer, una combinación de instrumentos que se enredan en los oídos. Es posible escuchar cada uno haciendo su trabajo, cuerdas, batería, piano y la voz de SOAK, que no pierde la esencia que la caracteriza.

Caramelo Haze, folclore y la fusión de géneros

El proyecto de cuatro multiinstrumentistas guiados por el folclore y la fusión de géneros.

El camino de la producción musical te lleva a conocer grandes personas con niveles de creatividad extremos y con ganas de seguir creado día con día. Proyectos se fusionan a diario para dar vida a nuevas ideas; músicos de diferentes bandas se reúnen para crear algo nuevo; o cada día alguien inicia el camino del solista apoyado por grandes músicos para lograr llegar al éxito. En el caso de Caramelo Haze, el talento de cuatro músicos internacionales se une en búsqueda de explorar distintos géneros, para descubrir hasta donde llega su potencial y la fusión del folclore afrocolombiano con el soul de Texas.

Fue durante la pandemia que Beto Martinez, John Speice, Alex Chavez y Victor “El Guámbito” Cruz (miembros de bandas como Brownout, Grupo Fantasma, Dos Santos, Money Chicha y Black Pumas) se unieron para jamear en los estudios Lechehouse Music en Texas. Sin expectativas, nada planeado o escrito, solo se juntarían para tocar con completa libertad y descubrir que podrían crear juntos. Después de una sesión llena de distintos géneros como el synth pop, la post-cumbia y el psicodélico caribeño, nació el proyecto de Caramelo Haze, el cual nos presenta una mezcla de ritmos que transitan entre el dream pop, synth pop, psicodélico e indie rock.

 

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Ya como una banda consolidada, Caramelo Haze nos entrega “Window Seat”, su sencillo debut y el primero de su primer álbum de estudio NOESTÁSAQUI, que llegará a nosotros a finales del mes de junio, vía National Records. El sencillo nos presenta esta fusión de géneros que ya mencionamos con anterioridad, manejando un trabajo preciso en la producción y de cada uno de los instrumentos, con un estilo suave y lleno de texturas vintage/psicodélicas, otorgadas por la alta presencia de los sintetizadores y sonidos eléctricos. A su vez, nos entrega ritmos más marcados por las percusiones que nos recuerdan a un buen jazz o trabajos más afrocaribeños, lo que dota al sencillo de mayor profundidad sensorial. Escucha el sencillo aquí:

Sin duda, el debut de esta agrupación nos deja un muy buen sabor de boca y estamos a la espera de dos sencillos extra, que llegarán a nosotros previo al lanzamiento del álbum debut. Recuerda seguirlos en todas sus redes sociales.

 

 

Ola Magenta, una nueva cara del dream pop mexicano

Caro Yee cimenta su proyecto en la influencia que artistas como Carla Morrison y Julieta Venegas han tenido sobre ella.

Mexicali es un lugar dónde las temperaturas alcanzan los 50° C sin problema, allá de donde vienen los "cachanilla", el estado de Baja California tiene en su territorio tanto desierto como mar y parece que estar en un estado tan diverso, geográficamente hablando, y tan rico culturalmente dieron como resultado que el proyecto de Caro Yee, Ola Magenta, tuviera un sonido veraniego buena onda que te podría acompañar en esas tardes dónde lo único que te apetece es estar acostado escuchando música que te haga sentir relajado.

Hasta este momento solo tenemos tres canciones de Ola Magenta en streaming, y decimos "hasta el momento" porque su primer EP, Estamos Perdidas, saldrá el 6 de mayo. Si quieres entrarle de lleno a la música de esta talentosa chica, te recomendamos empezar con "Llorando Sin Limo", una rolita que cuenta con riffs de guitarra pegajosos, una batería enérgica y un bajo que acompaña a la perfección la percusión. La voz suave y tranquilidad de Caro le dan ese toque delicado que toda buena canción de dream pop tiene, aunque llegando al segundo coro encontrarás el lado más punk de Ola Magenta y te volará la cabeza la manera de poder integrar algo relajado con algo ruidoso. Si ya te enganchó entonces síguete con "Estamos Perdidas" y con la colaboración que tiene Ola Magenta con niño viejo, de la cual ya te hablamos en esta otra nota.

 

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Por último, en YouTube podrás encontrar un cover buenísimo del clásico de Rocío Durcal, "La Gata Bajo La Lluvia", realizado por Ola Magenta y está fenomenal porque le da un giro de 180° a este tema y te hará recordar los tiempos mozos de Quiero Club, 6 Million Dollar Weirdo o Los Abandoned.

Top 5: Videos de Café Tacvba que posiblemente no has visto

Descubre cinco videos que forman parte de la historia temprana de la banda y llena tus sentidos de nostalgia Tacvba.

Estamos a pocos días de vivir una serie de presentaciones de una de las bandas más representativas de la música mexicana. Café Tacvba presentará Un Segundo Concierto Acústico en el Auditorio Nacional y recorrerá gran parte de su historia, con arreglos instrumentales motivados por su segundo MTV Unplugged.

Ahora, para entrar en calor y preparar la energía del fin de semana, recorreremos algunos videos de la banda que tal vez no has tenido la oportunidad de ver. En estos videos podrás ver a un grupo joven divirtiéndose, sin importar el escenario en el estuvieran tocando y transmitiendo toda la energía que los hizo crecer dentro de la escena nacional.

Comencemos con un clásico que vivirá dentro de la memoria de los fans más fieles y en el archivo de MTV Latinoamérica por siempre; “La Ingrata” como palomazo interpretado en las calles de la ciudad de Nueva York en el año de 1995. Esto sucedió cuando la banda ganó el premio de International Viewer’s Choice en los MTV Video Music Awards y grabaron esto aprovechando el viaje a la ciudad norteamericana.

Viajemos aún más al pasado, específicamente al año de 1990, para revivir la interpretación de “Las Persianas” en uno de los foros más representativos para la escena de la contra cultura nacional de la época, el multiforo La última carcajada de la cumbancha, mejor conocido como el LUCC. Esta fue una de las primeras presentaciones de la banda, quienes apenas tenían un año tocando juntos después de su debut en el bar El Hijo del Cuervo.

Uno de los materiales más de culto de la banda es el disco doble Revés/Yo soy, uno de los trabajos más experimentales de la agrupación hasta esa época, y uno de los más incomprendidos dentro de su discografía, pero del cual se desplegaron varios éxitos que ahora viven en el corazón de los fans. Con este video podremos recordar la presentación del sencillo “La Locomotora” dentro del icónico programa musical Sónicamente, del Canal Once, en el ya lejano año de 1999.

Algo que caracterizó a la banda en sus inicios, fue el gran número de presentaciones que dieron al aire libre y fuera de escenarios establecidos; ya fuera en Ciudad Universitaria o en cualquier otro lugar, Café Tacvba no perdía la oportunidad de armar un buen toquín para transmitir un mensaje positivo a su audiencia. Con este pequeño contexto podemos disfrutar el siguiente video que nos presenta a la banda fuera de la embajada de Francia en la Ciudad de México, interpretando los temas “El Borrego” y “Pinche Juan”, mientras protestaban por las pruebas nucleares que realizó el país europeo en el año de 1995 en las islas de la Polinesia Francesa.

Para terminar, queremos cerrar con broche de oro y con una de las mejores canciones de la banda de Ciudad Satélite. “El fin de la infancia” es uno de los sencillos pertenecientes al icónico álbum Re y en el siguiente video podremos disfrutar de una presentación en vivo que realizó Café Tacvba para el programa nocturno conducido por Ricardo Rocha. En este programa fue en el que se presentó el segundo disco de la agrupación, en el año de 1994 y en el que podemos ver el icónico look de Rubén Albarrán con su cabello rojo y sus cuernos de diablo.

Sin duda, Café Tacvba ha escrito su nombre con letras de oro dentro de la historia musical nacional, recorriendo diversos capítulos que enriquecieron su propuesta y que ahora son momentos icónicos en la memoria de sus admiradores. Ahora, la agrupación se prepara para escribir un nuevo capitulo dentro de su trayectoria, conquistando el coloso de Reforma con cuatro noches llenas de una energía que ha retumbado en el mundo desde 1989.

Cat Power versiona “You Got The Silver” de The Rolling Stones

Esta canción llega después del estreno del último álbum de la cantante que, precisamente, es un disco de covers.

¿Habrá algún cover que haga Cat Power y le salga mal? La cantante, compositora y productora Chan Marshall ha lanzado distintos discos enteros de versiones suyas de canciones de artistas como The ReplacementsFrank OceanLana Del ReyIggy Pop y ahora el turno es de The Rolling Stones. El tema elegido por Cat Power de la extensa discografía de los comandados por Mick Jagger fue "You Got The Silver" del disco Let It Bleed de 1969.

En cuanto a las dos versiones, Cat Power respetó mucho la de The Rolling Stones ya que utiliza la misma base de guitarra acústica que emplean los ingleses en la pista original. Incluso la voz de Jagger y la de Marshall tienen por ciertos pasajes los mismos tonos y las mismas texturas, aunque evidentemente la de Chan es más suave y acorde a su cover. Las grandes diferencias entre ambas canción son las coristas que Cat Power incluyó en la suya y el cierre que se mantiene pacífico como el resto del tema, a diferencia de la de The Rolling Stones que cuyo final es donde todo estalla y donde no tenemos coristas por ningún lado.

Escucha “64 Diamantes”, lo nuevo de Cuchillas

Un tema claramente inspirado por la frustración… ¡y el Minecraft!

El conjunto español de noise pop, Cuchillas, estrenó el tema “64 Diamantes”, como primer adelanto de su producción discográfica homónima, que saldrá a la luz a finales de 2022.

Con un sonido estridente y la voz distorsionada de la vocalista, Sara; el nuevo tema de Cuchillas llegó acompañado de un videoclip realizado por canelita estudio, que retrata la fuerza de un tema claramente inspirado por la frustración… ¡y el Minecraft!

De acuerdo con un comunicado de Cuchillas:

Tal y como ocurre dentro del videojuego, '64 Diamantes' utiliza los cambios de ritmo para simular  diversos biomas o ecosistemas que descubrimos conforme avanza la aventura.”

Igual que el videoclip, la portada de “64 Diamantes”, es la primera entrega de una serie conceptual en torno al disco y corrió a cargo de Valentín Silva Bolea, quien trabajó junto con la banda en la creación de las ilustraciones del álbum.

Mira el artwork del single.

Cuchillas 64 diamantes

64 Diamantes” ya está disponible en plataformas de streaming vía Intromúsica. No olvides agregarla a tu playlist y seguir conectado a Indie Rocks! para más noticias de Cuchillas.

Beth Orton anuncia álbum y estrena “Weather Alive”

Un álbum producido totalmente por ella que la llevó a sanar en una ciudad ajena en medio del caos.

Elizabeth Caroline Orton, mejor conocida como Beth Orton, anunció su próximo álbum de estudio Weather Alive, el cual viene luego de seis años de su última producción en el 2016, Kidsticks.

El álbum estará compuesto por ocho canciones entre ellas el sencillo principal con el mismo nombre, que fue lanzado junto con la noticia, el día de hoy. Por primera vez en sus mas de 20 años de carrera, Beth está a cargo de toda la producción de su material. Es un álbum al que ella se refiere como una colaboración con el tiempo, ya que le permitió conectar con ciertos pensamientos sobre su existencia y sanar a través de aceptar este momento particular de su vida.

Por medio de escribir estas canciones y hacer esta música, encontré mi forma de regresar al mundo que me rodea”, dijo en su comunicado sobre el álbum “una forma de alcanzar la naturaleza y la gente que me importa”, añadió.

En este primer vistazo de lo que será Weather Alive, el uso predominante del piano como base en vez de las guitarras, evoca un nuevo sentimiento respecto a la atmósfera de su música. De acuerdo a Beth encontró a través del sonido del piano un le permitió explorar una resonancia emocional, que ningún otro instrumento ha conseguido.

Aunque podemos percibir su esencia en las percusiones y las armonías con otros instrumentos de cuerdas, el sonido es más profundo y bajo. No podemos esperar a escuchar más de este álbum que promete un lado mas íntimo de la cantautora británica.

Weather Alive estará disponible a partir del 23 de septiembre vía Partisan Records y ya puedes pre-ordenarlo aquí.

Beth Orton_weather_alive

Weather Alive

01 "Weather Alive"
02 "Friday Night"
03 "Fractals"
04 "Haunted Satellite"
05 "Forever Young"
06 "Lonely"
07 "Arms Around a Memory"
08 "Unwritten"