A 15 años de 'Our Love To Admire' de Interpol

La reafirmación de una identidad mediante sonidos más complejos y oscuros.

El tercer trabajo discográfico de Interpol, Our Love To Admire fue lanzado un 10 de julio de 2007, y es un parteaguas para la carrera de la banda neoyorquina, pues no solamente se estaba posicionando como una de las agrupaciones más sonadas de la nueva ola del post punk revival, sino también porque dejaba su contrato con Matador Records para firmar con Capitol Records. Esto implicó que Interpol dejó de ser independiente, ya que este nuevo sello tenía un mayor alcance en comparación al anterior, además de ser el único disco oficial fuera de Matador Records.

Por otro lado, la producción estuvo a cargo de Rich Costey, un punto clave para el nuevo sonido del LP, pues evidentemente, su estilo con puentes culminantes en las canciones y música con un tempo relativamente rápido, había quedado un poco en el olvido. En esta entrega la banda se decantó por sonidos estridentes, pero también lentos y sí, Rich tuvo mucho que ver en ello, ya que plasmó su propia firma en gran parte de este corte.

La apertura del elepé se da con "Pioneer to the Falls", una pieza que demuestra la línea nueva bajo la cual se manejaría la agrupación. La voz grave de Paul Banks nos conduce hacia una balada que describe sensaciones profundas, hasta llegar al clímax que va liderado por un trémolo de guitarra, y que nos hace vislumbrar por dónde irán nuestros oídos en esta entrega.

Mientras tanto, en "No I in Threesome" escuchamos a Daniel Kessler impregnarle su propio sello en cada nota de la línea melódica de la guitarra, alcanza a mostrar su soberanía y su propio concepto musical. Por otro lado, si vamos más adelante, nos encontramos con "The Heinrich Maneuver", la epítome de este disco, pues claramente tenemos sonidos muy sólidos, características que perdurarán en las producciones consecuentes y que nos harán saber a qué suena Interpol.

Para este momento, podemos describir la huella de la banda, que su construcción se ve bien lograda con riffs simuladamente grumosos y una batería que lleva el tempo hacia una energía sin precedentes. De hecho, el tempo es un juego constante y punto clave, se hace tenue la marcha habitual en algunos de los tracks como "Pace is Trick" o "Rest My Chemistry", ya que el tratamiento de los silencios tiene un papel principal. Que si bien, no significa que no hayamos escuchado esto con anterioridad, sin embargo, aquí se hace más notable dicho recurso.

El cierre de esta obra llega con "The Lighthouse", una canción profunda que mantiene un rasgueo lento de cuerdas que circulan en un vaivén en crecimiento hasta sumergirnos en la voz melancólica de Paul junto a sintetizadores fugaces.

Our Love To Admire es ese álbum que construyó y constituyó a Interpol como una agrupación referente a la escena del rock alternativo, las letras y la música se comportan de una manera peculiar, pero con un trasfondo claro, que nos permite saber hacia dónde se dirigía la banda. Los destellos de su sonido se esclarecieron y se potenciaron, lo que ocasionó que posteriormente los músicos nos entregaran discos más complejos y pulidos, por lo que este tercer corte ayudó a reafirmar lo que hoy en día es Interpol.

A 20 años de 'Yoshimi Battles the Pink Robots' de The Flaming Lips

Todos los que conoces un día morirán…

Estoy casi seguro de que ocurrió un evento cataclísmico y psicodélico el día que Wayne Coyne dio a luz a The Flaming Lips. Quizás Marte se cruzó con Urano o hubo varias auroras boreales por encima de las calles de negocios mundanos, comida rápida y usuarios de estupefacientes recreativos en Oklahoma, EE.UU. Tras años formativos con canciones empleando eufemismos no tan sutiles al sexo o a la violencia y cantando acerca de cultos y condimentos, el conjunto comenzó a madurar gracias a la inclusión de temas más serios y empáticos en sus composiciones, a la experimentación musical y, sobre todo, a la ambición.

Comenzando con Zaireeka, su intento de sonido surround en tiempo real que le daba al escucha cuatro discos para ser reproducidos en simultáneo y siguiendo con The Soft Bulletin, su obra más coherente, meditativa y adornada que recordaba a las sinfonías intrincadas de Brian Wilson, Coyne y compañía apuntaron sus horizontes ahora hacia un futuro en apariencia jubiloso y delirante lleno de seres artificiales y misticismo, pero con una fuerte carga melancólica y fatalista por debajo - su trabajo más humano hasta ese entonces, valga la ironía. Esa sería la historia de Yoshimi Battles the Pink Robots.

The Flaming Lips_2022

“La prueba comienza… ¡ahora!” Es así como inicia su décimo álbum de estudio, en medio de ruidos de una muchedumbre enloquecida, esperando un magno espectáculo. Pero lo que pareciera ser una lucha de gigantes es más bien un directo lamento de desamor y decepción. Al final, todos libramos una pugna en solitario, y “Fight Test” es un enorme testimonio a la dicotomía que siempre manejan los Lips en sus canciones, en este caso siendo un tema con música esperanzadora y letras en el otro espectro. ¿La prueba fue superada? Como dice Coyne en el estribillo, “es un misterio”.

La dualidad es otro tema recurrente del disco, y acto seguido se propone el eterno dilema que hemos encontrado en las novelas de Asimov: ¿puede un robot sentir? “One More Robot / Sympathy 3000-21” cuenta cómo una unidad sintética busca sentimientos de amor, solo para averiguar - como muchos de nosotros - que quizás todo esté mal y equivocado. Pero mientras un simbionte tiene un dilema terrenal, nuestra guerrera protagonista que le da título al disco se prepara para su propio conflicto.

Coyne y su banda le dedican en el tema, que da nombre al disco, una hermosa porra a Yoshimi, una niña heroica quien se prepara vigorosamente para hacerle frente a una horda de malignos robots rosados. Pero lo que pareciera ser una sinopsis a un alucinante animé es una metáfora a la lucha contra el cáncer, el verdadero gran mal que atenta contra la humanidad. Solamente la pureza de corazón de Yoshimi y una colisión de baterías duras, sintetizadores elásticos y gritos ensordecedores son la solución para detener este cataclísmico evento. El final es explosivo, y la prodigiosa karateca gana la pugna por mantenerse con vida… pero sigue el vacío. ¿Acaso la conquista de la muerte no le da significado verdadero a vivir? Según los Lips, no es suficiente.

Reinicia la búsqueda de preguntas y respuestas con la minimalista y emotiva meditación acerca del amor y el odio de “In the Morning of the Magicians”, con arreglos barrocos que recuerdan a la genialidad orgánica de The Soft Bulletin. Luego la banda levita sobre los edificios en el relajadisimo viaje de “Ego Tripping at the Gates of Hell” mientras entran en negación, lamentando un momento especial que quizás no llegará y que ni siquiera saben cuál están buscando.

La decepción vuelve a asomar su desagradable tez en la psicodelia espacial de “Are You a Hypnotist??”, en donde Coyne compara a una amante traicionera con una hipnotista demencial, y mejor se dedica a encontrar algo de consuelo entre silbidos de pájaros, rayos de sol y guitarras de ensueño con “It’s Summertime”, aunque ni todo el color del universo le asegure la felicidad.

Y bien, la única solución ante todo es la aceptación. Saber que solo estamos aquí un rato; que la belleza debe aprovecharse en cada aspecto; que no podremos llevarnos ni los sentimientos ni a las personas al otro plano y que la vida se va de corrido. “Do You Realize??” se volvió un himno y un grito de esperanza de los 2000’s gracias a estas exploraciones, envueltas en una inmaculada canción pop electroacústica y pegajosa que resonó especialmente por tener todavía muy fresca y presente la situación abismal del 9/11. “All We Have Is Now” lo asevera de manera serena. Yoshimi, sus aliados y la ciudad que protegió ya pueden estar tranquilos y dormir sin temer a los monstruos mecánicos o a la todavía peor amenaza que es la mortalidad.

Y como si fuese secuencia de créditos de película o serie, los Lips condensan todas las emociones previamente vividas y escuchadas en la brillante pieza instrumental “Approaching Pavonis Mons By Balloon (Utopia Planitia)”. Es así como concluye una obra sonora tan llena de complejidad y simbolismos como de beeps cósmicos, chillidos y distorsiones. Si estaban ya refinando su fórmula musical, aquí es en donde The Flaming Lips alcanza la consolidación en sus letras y marcaría el resto de su carrera: mostrándonos que las batallas por la humanidad no necesariamente las ganará la ciencia, la milicia o hasta el amor. A veces solo hay que estar en paz con uno mismo.

Celest en el Foro Indie Rocks!

Celest reafirmó su lugar como una de las bandas más prometedoras de la escena musical mexicana ante un Foro Indie Rocks! que rozó el sold out.

Por más que el cielo hacía ruido anunciando un aguacero torrencial, nada más no cayó ninguna gota y si hubiera ocurrido, no importaba porque todas las personas que querían ver a Celest ya estaban al interior del Foro Indie Rocks! y en punto de las 21:00 H el recinto acogió a decenas de fans que esperaban ansiosos ver a su banda favorita.

La velada comenzó con Aceros Del Pacífico, un power trío que supo ensalzar el ambiente y poner a todos a gozar de una mezcla entre guitarras eléctricas, ukelele y sintetizadores. Movimientos asertivos con la cabeza, aplausos al ritmo de la batería y pura buena vibra fue lo que se vivió con este proyecto que tiene apenas poco más de cuatro años de existencia, pero que con su autenticidad y buena química no cabe duda de que los veremos más veces tocando en la CDMX. “Ceremonia”, “No. F”, “Góndola”, “Kinda Koolaid” y “Suck Up The Burn”  fueron las rolas que mejor recibimiento tuvieron por parte de los asistentes que se impacientaban por ver a Celest en el escenario.

Después de un show de media hora de Aceros del Pacífico y de otra media hora de espera, Celest se plantó en el escenario del Foro Indie Rocks! y la gente se le entregó desde el primer acorde a la agrupación liderada por Florencia Quinteros. El show comenzó de manera tibia, pero todo estalló cuando “Hombre Artificial” sonó y Florencia agradeció al público. Sin dar tiempo de llevar media cerveza ingerida, Celest soltó la primera canción considerada como una consentida del público, “Acompáñame” y esta fue cantada en los coros por todos en el recinto, algo que dejó notablemente sorprendida a Quinteros.

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“Tsumi” hechizó al público que, como si estuviera embrujado, cantaba y aplaudía al ritmo de la canción sin equivocarse en ninguna parte y sin que nadie en Celest se lo pidiera. “Ahí lles va una que no hemos tocado nunca en vivo” dijo Florencia antes de tocar “Brújula” y al terminar este tema salió Francisca Valenzuela a cantar “Revelación” en sustitución de León Larregui, pero el público aún así agradeció la colaboración con gritos de emoción. Para cerrar este pasaje del concierto, Celest tocó uno de sus mayores éxitos, “La Carretera”, en esta canción la banda dejó todo sobre el escenario, se veía que cada integrante estaba entregando lo mejor de sí con cada nota y cada acorde tocado. Nadie que haya vivido el concierto de ayer puede quejarse de que Celest se haya guardado algo, la banda expuso sus mejores virtudes y eso se agradece demasiado.

Sin duda alguna, una de las canciones que más levantó los decibeles y que seguro dejó a más de uno con dolor de garganta o afónico al día siguiente fue “Andar”, por un momento fueron las voces de todos los asistentes las que se escuchaban más que la potente voz de Florencia. Las luces del escenario se apagaron y la batería hizo que una secuencia con iluminación color azul corriera a la vez que Celest tocaba “Transparente”, aunque con esta canción bajó de intensidad el concierto y dio la oportunidad a varias personas de ir por otra cerveza o de ir al baño.

El momento estelar de la noche llegó con la presencia de Christian Jean de Reyno en el escenario para cantar “Lejos de Mí” junto a Celest y de inmediato los celulares se levantaron para grabar un momento para los propietarios de los mismos. Después de un pequeño encore, Florencia salió a escena solamente con una guitarra acústica y pidió silencio para homenajear con “Fantasmas” a todas las personas que han partido de este plano existencial y el público le concedió ese gesto a la cantante, aunque no faltó quien ya estaba pasado de cervezas y se dedicó a mentar madres a todos los que le pedían que guardara silencio. El concierto finalizó con “Hasta Que El Tiempo No Nos Separe”, pero el público se quedó con ganas de más ya que aún después de que el staff subiera a desmontar todo lo utilizado por Celest, nadie se movía de su lugar y fue el personal del Foro Indie Rocks! el que le hizo saber a los que esperaban alguna canción más que el concierto había terminado.

Escucha “ya no puedo más”, el nuevo sencillo de Niño Viejo

Escucha una fusión de folk y garage rock que te llenará de nostalgia.

Baruch Argil, conocido por su proyecto Niño Viejo, nos sigue entregando material para disfrutar de su propuesta musical. Esta vez regresa con “ya no puedo más”, un sencillo nostálgico y en el que podemos percibir un gran salto dentro de la consolidación de su estilo. Este lanzamiento se une a “Luces” y “ser feliz”, que son los sencillos que completan sus entregas del año (hasta ahora), y que marcan un camino después del lanzamiento de su EP Espiral (2021).

 

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Dentro de “ya no puedo más” podemos encontrar la fusión de los distintos géneros que Barcuh maneja dentro de su paleta sonora. Destacamos como dominantes al garage rock dentro de la propuesta musical, y al folk dentro de la propuesta lírica. La fusión de ambos géneros nos deja un producto que nos recuerda a lo mejor de The Verve y a más proyectos ingleses que dominaron la radio en los años noventa.  Escucha el tema a continuación:

Este lanzamiento no es del todo nuevo, ya que podemos disfrutar de una versión demo de 2016 en el canal de YouTube del artista, acompañado de un lyric video. Podemos encontrar varias diferencias entre las dos versiones, siendo la de 2016 más acelerada, pero con una esencia repetitiva. En cambio, la versión actual, nos permite apreciar una mayor profundidad de texturas dentro del desarrollo del sencillo. Además, el ritmo más pausado de la nueva versión, le aporta un extra a la personalidad nostálgica del material, que comienza a rosar las fronteras del shoegaze.

Este año, ha sido uno muy productivo para el artista oriundo de Baja California, y estamos emocionados por lo que tenga preparado para este segundo semestre. Estaremos atentos a más lanzamientos y anuncios de Niño Viejo, puedes visitar sus redes para disfrutar de toda su propuesta.

 

Watkins Family Hour versiona “(Remember Me) I'm the One Who Loves You” junto a Fiona Apple

La nueva versión del clásico de Johnny Cash formará parte del nuevo material de Watkins Family Hour.

La agrupación dirigida por los hermanos Sara Watkins y Sean Watkins, Watkins Family Hour, acaban de estrenar un sencillo que se desprende se su nuevo material, Watkins Family Hour's Vol. II. Este es el segundo sencillo que le sigue a "Hypnotized", un increíble cover del tema de la banda de art pop, Tune-Yards.

El sencillo es una nueva versión del entrañable tema escrito por Stuart Hamblen, que originalmente fue cantado por él en 1950. Posteriormente, el tema fue interpretado por Johnny Cash en 1957 como parte de su debut, Johnny Cash with His Hot and Blue Guitar.

Hoy, en compañía de Fiona Apple, Watkins Family Hour le da un giro al tema country, que amenizado por un suave violín y una amable guitarra, nos recuerdan que siempre habrá alguien que nos ame dispuesto a escucharnos.

El volumen II de Watkins Family Hour contará con colaboraciones de artistas como Jackson Browne, Jon Brion, Madison Cunningham, Willie Watson, entre otros. El álbum llegará el 19 de agosto a través de Family Hour.

Escucha “Garza”, la nueva canción de Cancamusa

“Garza”, una canción para sentirte libre.

La baterista, cantante y compositora Cancamusa, estrenó su nuevo single “Garza”, que es el cuarto adelanto del próximo disco de la artista chilena, mismo que se estrenará en octubre de 2022 y hasta ahora se sabe que las iniciales del nombre son “A.M.

Garza” es una canción en la que la cantante da a entender agilidad, un tema que lleva a los escuchas a un mood muy enérgico, pero a la vez relajado, ya que es un track que Cancamusa imaginó para caminar, correr, manejar, andar en bici o disfrutar en medio de la carretera directo al mejor roadtrip de la temporada.

Este single fue grabado en la Ciudad de México, compuesto por Cancamusa y producido por Sinclavi, quien también produjo el disco pasado, Cisne: Lado Negro. El estreno viene acompañado de un lyirc video en donde se puede observar a una chica andando en bicicleta, una toma que se repite durante toda la duración del single.

Es una gran canción para disfrutar de paseos por las calles de cualquier lugar, que cada persona se imagine siendo una garza que vuela libre, que se aleja, que quiere vivir con tranquilidad, que está dispuesta a buscar nuevos caminos y disfrutar bailando ese cambio.

Dale play a "Garza":

 

Bandalos Chinos en el Teatro Metropólitan

El corazón sana al compás de la música. El corazón sana bailando.

Han pasado solo dos meses desde la publicación de El Big Blue. En esta producción, Bandalos Chinos imprimió cierto aire de nostalgia promovida por la voz de la verdad y la libertad. Enfrentar aquello que duele y entender que hay que proseguir nuestro camino, pronto hizo que las canciones del álbum se volvieran himnos que merecíamos cantar al unísono en vivo. El día llegó y la agrupación argentina reunió a sus fanáticos para corear estos y mucho más de sus éxitos.

La cita tuvo lugar en el Teatro Metropólitan; recinto donde se alcanzaba a percibir un ambiente relajado que claramente esperaba pasar una noche increíble bailando y cantando. Poco después de las 20:00 H CoolestAndie subió al escenario para preparar al público para la noche que se avecinaba. Temas como "Tqm" y "Adolescentes Asustados" fueron interpretados con la dulce voz de la cantante y su banda que le acompañaba; un pequeño destello de luz irradiaba en medio de esa oscuridad.

Tras un breve lapso de 20 minutos, Bandalos Chinos hizo presencia en escena. Los gritos, las porras y los aplausos resonaban con euforia. "Mi Fiesta" dio inicio a esta velada que se caracterizaba por las auténticas coreografías de Goyo Degano, el colorido vestuario de la banda y por supuesto, el juego de luces que apenas conseguía seguirle el ritmo a lo que sucedía sobre el escenario. Inmediatamente las notas de "Sin Vos No Puedo" sonaron, alucinando al público. Pronto supimos que la noche pasaría corriendo.

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"Una Propuesta", "Súper V", "El Club de la Montaña", "Cállame", "La Final" y"Sin señal" fueron interpretadas antes de que Daniela Spalla subiera para interpretar a dueto "Bailando Lentos". Al finalizar, el vocalista nos aseguró que no sería el único invitado especial de la noche, además, aprovechó para agradecer que esa fiesta tan espectacular fuera posible.

El público bailaba al compás de la música. No cabía la menor duda de que habían ido para corear la cursilería de Bandalos Chinos y liberar su corazón. "No, No, No", "La Última Vez", "El Temblor", "Nunca Estuve Acá" y "Entrada", dieron paso a un bloque bastante rudo en el que se expusieron todos los recuerdos para hablar de aquello que ya fue y es hora de dejar atrás. ¡Que nada del pasado te impida fluir!

Después de un cierre que permitió ajustar los vestuarios y modificar un poco el escenario. La banda regresó para presentar a su siguiente invitado: El David Aguilar con quien, en medio de una atmósfera dulce, interpretó "Los Puntos". Pronto continúo con el show con "Sillón", "Tema De Susana", "Demasiado" e "Isla". La emoción por corear esas viejas canciones se presentaba entre aplausos y las manos al aire.

Goyo Degano fue un hombre de pocas palabras pero su comunicación en el escenario era tan buena que conseguía entablar un diálogo a través de sus pasos de baile. La teatralidad se estaba apoderando de la noche para luego explotar en una lluvia de sonidos y brincos cortesía de "Dije Tu Nombre", "Departamento" junto a Adan Jodorowsky y por supuesto "Paranoia Pop"; una velada sublime que ayudó a sanar los corazones rotos.

 

 

Los Dorados anuncia álbum y comparte “Canción de Espinas”

Podrás encontrar su canción y un adelanto del tracklist de su nuevo álbum a través de Bandcamp.

La banda de jazz mexicano Los Dorados, anunció a través de sus redes sociales @losdoradosmx, el lanzamiento de su nuevo material discográfico titulado Nueva Luz, para el 8 de agosto, compartiéndonos la portada en color dorado con detalles abstractos en color negro de su nuevo álbum. 

Su nuevo material fue grabado en Coyoacán en los estudios Topetitud. Está producido por Camilo Froideval, mezclado por Ricardo Acasuso y masterizado por Harris Newman. Contendrá 10 pistas en total, entre ellas su reciente sencillo “Canción de Espinas”, “Punto más Bajo”, “Naufragio”, “Un Mundo muy Raro”, “Despedida”, “Canción de Cuna de Arantxa”, “Melancolía del Desierto”, “Cumbia No. 9”, “Luto de la Mañana” y “Nueva Luz”.

Fue con este comunicado a través de su Facebook e Instagram que anunciaron la próxima llegada de Nueva Luz

 

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Los Dorados, también ofrece un adelanto de lo que vendrá para este álbum con su primer sencillo “Canción de Espinas” que ya puede ser escuchado a través de Bandcamp. Un tema con una duración de 5:08 min, que envuelve a sus oyentes en una atmósfera melancólica y sensual, donde se puede disfrutar cada instrumento, entre la guitarra, el sonido del saxofón y demás instrumentos, una melodía tranquila y sumamente disfrutable.

La agrupación mexicana de jazz, Los Dorados, nació en el 2000, y está conformada por Daniel Zlotnik (saxo), Demián Gálvez (guitarra), Carlos Maldonado (bajo), Rodrigo Barbosa (batería) y DJ Rayo (tocadiscos) quienes unieron sus talentos con la intención de explorar nuevos sonidos a partir de la improvisación y espontaneidad.

AJ Davila estrena “Always Something”

Una canción que va de adicciones, amores, dolor y soledad.

El cantante se juntó con Benjamin Booker para crear su nueva canción “Always Something”, esta vez con la intención de tocar temas como amor y soledad, dolor y adicción, AJ Davila también presenta un videoclip que muestra toda la esencia de este track.

La grabación se llevó a cabo en Los Ángeles, junto a Joel Jerome en compañía de la colaboración principal del artista estadounidense Benjamin Booker. “Always Something” cuenta la historia de la búsqueda del amor, misma narrativa que se presenta en el video.

El material audiovisual fue dirigido por Kate Clover y Allan Wan, es un video al estilo Do It Yourself, en donde AJ Davila recorre las calles de la ciudad en busca de problemas, pero en su lugar encuentra el amor. Además cuentan con la aparición de Sara Brunet, Veronica Bianqui, Lazaro Sanchez, Curt Bartlage, Brandon Welchez y Clover.

Always Something” es una canción desesperada y apresurada en su ritmo y la voz de AJ Davila. Un sentimiento compartido entre mucha gente que se llena de adicciones, amores, dolor y soledad cuando el amor verdadero tarda en llegar a la vida.

Este single es el tercer adelanto de su próximo disco El Mar, cada día AJ Davila acerca más a sus fans a este esperado álbum.

Mira aquí en video de "Always Something":

Pussy Riot anuncia ‘Matriarchy Now’ y comparte “Plastic”

Su mixtape debut, está lleno de poderosas colaboraciones.

Con su característico espíritu de protesta y una actitud fuerte y rebelde, el colectivo artístico Pussy Riot ha llegado a recordarnos la importancia de hacer ruido. A 10 años de aquel acontecimiento que les dio reconocimiento alrededor del mundo, cuando realizaron una actuación en la Catedral de Cristo Salvador de Moscú, que fue condenado por la corte rusa por “vandalismo motivado por el odio religioso”, por el cual dos miembros pasaron dos años en prisión, el colectivo ruso está listo para seguir alzando la voz.

Como primer adelanto, Pussy Riot liberó el primer sencillo, “Plastic” una atrevida y poderosa canción en compañía de iLoveMakonnen. El tema llegó con un video dirigido por Haley Bowman. En él podemos ver a Nadya Tolokonnikova interpretar a una muñeca que podría representar la imagen de la mujer idealizada en sociedad. Más adelante, nos encontramos con el rap de iLoveMakonnen, quien al terminar, es atropellado por un tren de juguete.

La naturaleza conceptual del colectivo performativo de resistencia política les ha permitido explorar en distintas disciplinas para continuar su protesta, en esta ocasión, fue la música electrónica. Con motivo de las medidas impuesta contra los derechos reproductivos en algunos estados de Estados Unidos, el colectivo colgó una pancarta con la frase ‘Matriarchy Now’ en el capitolio del estado de Texas.

El mixtape Matriarchy Now, contará con colaboraciones con artistas como Slayyyter, Salem Ilese, Phoebe Ryan, Mazie y Kito a quienes Tolokonnikova se refiere como su “ejercito feminista”, la producción ejecutiva estará a cargo de Tove Lo. El material llegará el 5 de agosto a través de Neon Gold Records.

Pre-guarda Matriarchy Now.

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Matriarchy Now traclist:

1 - "PRINCESS CHARMING" ft. Salem Ilese
2 - "PUNISH"
3 - "PLASTIC" ft. ILOVEMAKONNEN
4 - "HORNY" ft. Phoebe Ryan
5 - "SUGARMOMMY" ft. mazie
6 - "HATEFUCK" ft. Slayyyter
7 - "POOF BITCH" ft. Big Freedia