Soccer Mommy — Sometimes, Forever

El nuevo disco de Soccer Mommy muestra su lado más abrasivo y posibilidades infinitas.

Desde que se confirmó que la cantante estadounidense tendría a Oneohtrix Point Never acompañándola como productor, sabíamos que este disco iba a ser algo diferente, no solo por el estilo de Dan Lopatin, también porque el músico de Boston tiene una personalidad muy fuerte. Este siempre marca su estilo, incluso con artistas en lo más alto de la cadena alimenticia, como The Weeknd.

A pesar de que la intérprete ha buscado demostrar su evolución en cada material, los sencillos y el equipo detrás, que por cierto recomendó su sello Fat Possum, prometen un cambio más agresivo.

También, algo que cabe destacar, es que cambia el concepto lírico detrás de Soccer Mommy. Sí, sigue explotando la introspección emocional y sus ideas sobre las relaciones humanas, pero deja a un lado la angustia adolescente irresoluta por una mirada más madura, donde ni el dolor ni la felicidad duran para siempre.

Tenemos, como es costumbre, la promesa de grandes interpretaciones, un buen uso de guitarra y un estilo narrativo, pero a la mezcla se unen emociones intensas y un nuevo camino musical. Este disco en teoría tiene todo para darle un giro a la carrera de Sophie Allison, seguir ganándose a la crítica y probablemente pelear un lugar entre los mejores discos del año. No obstante, todo siempre depende del resultado

Sometimes, Forever inicia desde un lugar conocido, con Soccer Mommy retomando una esencia clara de los 90 y con una guitarra lacerante como arma principal en “Bones”. No vemos ese cambio que estábamos esperando, tampoco es una sorpresa que te explota en la cara, pero sigue siendo un tema destacado por el desarrollo en la lírica de la cantante de Nashville: iniciamos viendo una relación que se va desintegrando por las inseguridades de la narradora y la revelación de que el dolor no le ha permitido ver que ha desgastado su relación hasta los huesos.

Es en “With U” cuando realmente notamos esa transformación en el sonido de la intérprete, pues OPN acompaña a la cantante con un sintetizador que evoca a la psicodelia. En este track, Allison ya no se siente como una adolescente sola en su cuarto tocando la guitarra, la esencia de este sencillo deja muy atrás los años de Clean, pues se inclina por completo a la grandiosidad.

El tercer disco de Soccer Mommy, tal y como ella dijo, es una oportunidad para expandir sus límites, para conocer qué puede lograr con sus probadas capacidades. Esto se reduce a buscar nuevos géneros, sonidos que no se alejan por completo del espectro del rock, pero sí le llevan al lado más obscuro.

En “Unholy Affiction” y “Following Eyes”, la cantante transgrede por completo su naturaleza y se cubre de un manto sombrío y decadente, con toques cercanos al goth. Son dos canciones que rompen con toda la estética del álbum, pero que avivan nuestro interés sobre las vertientes que puede tomar el proyecto de Soccer Mommy.

Otro de los temas a revisar bajo esa misma categoría es “Darkness Forever”, un track engañoso, pues en un comienzo te transporta al debut de Billie Eilish gracias a su atmósfera opaca y los efectos vocales. Sin embargo, la canción evoluciona con fuertes riffs acompañados por sintetizadores.

Sometimes, Forever es un material sin ningún orden en particular, tenemos momentos contrastantes como “Don’t Ask Me” que es una zambullida completa al pop rock dosmilero, seguido de “Fire in The Driveway”, un pequeño regreso al bedroom pop de su primer disco. No obstante, este álbum es un experimento y debe ser tratado así, no pensar en consistencia ni estructura.

Bajo esa idea, creo que este disco tiene lo necesario para ser de lo más destacado de este 2022, mas no competir en ser de lo mejor. Lo más importante del tercer álbum de Soccer Mommy es que es la plataforma, el primer paso, para infinitas posibilidades. El siguiente disco podría ser shoegaze, podría ser pop o hasta nu metal, al más puro estilo de SASAMI. Cualquier género, cualquier camino que tome haría mucho sentido y tendrá la experiencia necesaria para llevar cualquier sonido al siguiente nivel.

Se nota la mano de Oneohtrix Point Never, pero no como tal en la dirección de Sometimes, Forever, sino como un puente para que Sophie Allison pudiera satisfacer esos caprichos creativos. Fuera de su incursión con los sintetizadores, se siente como una idea completamente sacada de la mente de Soccer Mommy.

Personalmente me gustaría un cambio más radical en su siguiente disco y, por supuesto, ver un concepto definido, pero este álbum brilla de manera espectacular por sus individualidades.

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Dave Rowntree debuta como solista con “London Bridge”

En este tema el ex baterista de Blur regresa al sonido rockero de los 90 con el que cosechó varios éxitos.

Un regreso a la música que nadie vio venir pero que se agradece demasiado es el de Dave Rowntree, quien fuera baterista de la banda inglesa Blur. Aunque esta agrupación está más que sepultada por la carrera de Damon Albarn como solista y con GorillazRowntree ha decidido seguir los pasos de su colega y lanzarse como solista. El primer tema que Dave sacó lleva por nombre “London Bridge” y es todo lo que esperas oír de alguien que hizo música entre 1990 y el 2000. Eso sí, el músico inglés no es nuevo en esto de hacer música después de Blur ya que cuenta con algunos soundtracks y remixes en su haber.

 

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“London Bridge” nos presenta una batería tocada de manera perfecta en cuanto al tiempo y el ritmo, está tan bien marcado cada golpe que parece que un robot la está tocando. Aunque tiene pocas variantes, cuando la canción llega al coro es donde todo tiene una subida en cuanto a la intensidad más no en el ritmo. Por otra parte el bajo es el compañero ideal para la percusión ya que ambos instrumentos se llevan uno al otro y encajan muy bien con la voz grave y distorsionada de Dave Rowntree.

Por último, “London Bridge” llega con un vídeo oficial dirigido por Cauboyz y cuya idea central estuvo a cargo del mismo Dave Rowntree. En este clip vemos un cilindro que da vueltas mientras una cámara tiene fijada una toma dónde vemos pasar diferentes paisajes como un suburbio, una carretera en el desierto y en algunas ocasiones tenemos imágenes más surreales, es muy agradable a la vista y una idea bastante interesante puesta en práctica de manera excelsa.

Nuevos discos julio 2022

Comienza el séptimo mes del año con una ráfaga de sentimentalismo musical.

Steppenkind — Undefined Lovers 

SteppenkindUndefined Lovers 

Por Blues Araiza

El proyecto conformado por Brendan Cleary, Hotte Schulz y Can Winter transporta, por segunda ocasión, la alta energía de los clubes berlineses a un formato de record larga duración. Elevando la bélica sonora entre baterías jazz, techno avantgarde y una sensación de ahogo a punto de explotar.

Undefined Lovers, lanzado de manera independiente, consolida al triplete europeo como una de las propuestas más interesantes dentro del synthground, mezclando referencias analógicas con emociones más allá de lo festivo para crear un tracklist de rave único en su tipo. ¡Disfruta!

Gwenno – Tresor

Gwenno – Tresor 

Por Ana Rodríguez 

Si deseas tener un momento de introspección debes recurrir al tercer álbum de estudio de Gwenno. La idea de vivir en soledad, aislada y con un sinfín de ideas arrasando tu cabeza se comprenden a la perfección entre delicadas y alucinantes notas que van desde su tradicional pop hasta atenciones sublimes de psych folk. Tresor fue escrito antes de la pandemia, sin embargo, el proceso de completar esta producción se llevó a cabo durante esta, y por esa razón, la artista hace hincapié en compartir esta experiencia y sentimiento compartido por todos. Puedes iniciar este viaje desde el principio, te recomiendo el tema que da título al LP. ¡Dale play a esto que llega vía Heavenly Recordings!

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Fryturama – Punk de Cuarto

“A veces me gustaría desaparecer”... ¿Quién no ha dicho esto alguna vez en su vida? Fryda Magaña y Arturo Tranquilino andan con un nuevo estreno. Se trata de Punk de Cuarto, un material de nueve pistas que ellos mismos definen como “un manifiesto, una idea, una granada”; todo eso y más sostiene a esta oda punk revolucionaria. El material hace honor a su nombre, pues entre distorsiones profundas, y un noise suave, Fryturama nos lanza un hechizo para terminar con el miedo que nos domina. El mensaje está claro y lo único que tienes que hacer es escuchar con atención y lanzarte a conquistar el mundo. Te recomendamos “Explotar”. ¡Disfruta!

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'Nene', el disco debut de Noah Blanco

Es un disco tan personal que se convierte en colectivo.

Noah Blanco estrenó su primer material de larga duración. Nene va más allá de la inspiración que se puede tomar de otras obras y artistas, el artista buscó conocerse y reconocerse para crear este álbum.

El disco cuenta con ocho canciones que muestran la biografía de Noah, enseña sobre el uso de los pronombres y toca temas como la pena profunda. El resultado de todo el proceso es mágico, lleno de rebeldía y pasión. Durante la creación de Nene, el artista uruguayo estuvo con sus amigues Martina Lluvias, Dulce y Agraz, Pancho Gana, Pau!, Tebby, Francisco Holzmann, Legatto, Ismael Palma, Boris Reyes, Victoria Cordero y su banda compuesta por Vitto, Tebby y Jose.

Un material que fue creado en el encierro de la pandemia y que logra tocar temas sobre la sociedad, la fe, el amor, sobre sentirse parte de algo, sobre la propia búsqueda de identidad. Un disco desde la perspectiva trans que va más allá del indie, pues tiene géneros como el trap, el pop y reguetón para mostrar de qué se trata Nene.

Es un disco que tiene que ser escuchado de principio a fin para ser comprendido. Nos vamos a encontrar con un sonido nuevo y con ideas que vienen de la visión de una persona transmasculina en Chile. Les va a gustar escuchar 'Nene', es un trabajo bonito, nutrido de colaboraciones que muestra el lugar en donde se encuentra Noah Blanco en la industria”, explica el artista.

Dale play a Nene:

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Roxy Music estrenará el álbum, 'The Best Of'

Los grandes éxitos de la banda, serán remasterizados a través de un vinilo.

Roxy Music, anunció un nuevo LP The Best Of que tendrá un total de 18 de sus más grandes éxitos, contenidos en 2 vinilos, disponibles a partir del 2 de septiembre, antes de comenzar su gira conmemorativa, a través Virgin/UMC a un precio de $41.99, con canciones totalmente restauradas y remasterizadas.

El álbum ya está disponible para pre ordenar en este link. Podrás encontrarlo en 2 colores, negro de 180 gramos y la edición limitada en color amarillo D2C, algunas de las canciones que podrás escuchar en su LP, son sus éxitos, “More Than This”, “Jealous Guy”, “Love Is The Drug” y “Virginia Plain”.

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El álbum fue remasterizado a media velocidad por Miles Showell en los icónicos Abbey Road Studios de Londres y las dos versiones cuentan con ilustraciones y letras mejoradas.

La banda británica de rock de principios de los 70, está celebrando sus 50 años de música con un tour que recorrerá diversas ciudades de Canadá, Estados Unidos y Reino Unido, a partir del 7 de septiembre y que dará fin a mediados de octubre.

Morrissey estrena sencillo sobre el atentado de Manchester 2017

Un sencillo muy al estilo Morrissey, que ha causado controversia, críticas y aplausos.

Morrissey presentó recientemente en su concierto en Las Vegas un nuevo repertorio que forma parte de su nuevo álbum por lanzar Bonfire of Teenagersentre estas canciones, una en especial con el mismo título del álbum, llamó la atención de los asistentes y del público general.

"Bonfire of Teenagers" es una canción cruda y honesta, que de acuerdo al mismo Morrissey, trata sobre el atentado que ocurrió en un concierto de Ariana Grande en Manchester el 22 de mayo del 2017, el "9/11 de Inglaterra" como lo llamó el cantante británico. Antes de presentarla pronunció unas palabras:

Esta canción es nueva, es sobre el 9/11 de Inglaterra (…) Obviamente en la alegre y vieja Inglaterra, la mayoría de la gente no hablará sobre esto, pero yo lo haré”.

De acuerdo a la letra y el mensaje de apertura del cantante, la forma en que su nación abordó la situación fue incorrecta para él, así se deja ver cuando en una parte hace referencia al homenaje One Love Manchester, que se hizo en aquel momento donde el himno que representó el evento fue "Don’t Look Back in Anger" de Oasis.

Con una voz actitud y voz socarrona el cantautor interpreta las líneas que hacen referencia a esta canción, mostrando su descontento y su coraje, mientras narra los hechos acompañado de una melodía suave, triste pero con un potente mensaje.

And the silly people sing ‘Don’t Look Back in Anger’, And the morons sing and sway: ‘Don’t Look Back in Anger’, I can assure you I will look back in anger ’till the day I die”, letra de la canción "Bonfire of Teenagers".

Muchos aplaudieron la actitud de Morrissey, otros criticaron al cantautor por llamar tontos a los que decidieron optar por mensajes de amor en un tiempo de duelo. Sea como sea, el mensaje sobre dejar de ser indulgentes con los culpables de estas atrocidades fue fuerte y claro.

Escucha el remix de Clark para “Love Me More” de Mitski

La nueva versión de “Love Me More” te trasladará directo a la pista de baile.

Con el amor como estandarte y la necesidad de contar historias, Mitski nos deleitó recientemente con su último álbum, Laurel Hell, el cual contiene joyas invaluables como “Everyone” o “Love Me More”, el que sería posiblemente el sencillo más destacado del álbum.

La cantautora, entusiasmada por mostrar otra cara de la aclamada canción, se esmeró en la búsqueda del artista que impregnaría de nuevos aires a “Love Me More”:

La música de Clark, específicamente su álbum Death Peak, fue lo que me abrió los ojos a la música electrónica contemporánea”, declaró Mitski en un comunicado. “Me mostró lo emotivo que podía ser. Entonces, cuando me pidieron que hiciera un remix, él fue la primera y única persona que me vino a la mente para el trabajo”.

Las letras de Mitski se caracterizan por su profundidad y las intensas emociones que emanan de ellas. Como parte de un viaje a sus adentros, a la vulnerabilidad y la resiliencia, la tristeza y el deleite, el error y la trascendencia, la artista compuso Laurel Hell con el único propósito de decirse a sí misma lo que llevaba mucho tiempo queriendo escuchar: “If I keep myself at home/ I won't make the same mistake/ That I made for fifteen years/ I could be a new girl/ I will be a new girl

MUNA — MUNA

La importancia de ser tú, lo nuevo de MUNA.

El trío MUNA, nos presenta su tercer álbum de estudio, MUNA, a través del sello Saddest Factory. Tres años y muchos acontecimientos han sucedido desde Saves the World del 2019, su anterior disco. En medio de la pandemia, y saliendo de RCA, la banda estaba a la deriva, paradójicamente este escenario significó la creación de su material más optimista. Firmado por la recién fundada disquera de Phoebe Bridgers, el proyecto retoma su rumbo, posicionándose en el lugar que les corresponde como figuras estelares de la escena independiente, con vistos de alcanzar el mainstream, haciéndolo a través de un proceso de autoconocimiento.

El característico electropop que había definido sus trabajos anteriores sufre un cambio, uno mayúsculo, a partir de una explosión sonora de ritmos que incorpora elementos de otros géneros, o en algunos casos, adopta la totalidad de estos. El trío apuesta por sí mismo, no es casualidad el título homónimo, este disco es una reafirmación, una declaración de principios y una muestra de la potencia de MUNA, tanto en el aspecto musical como en el social, es decir, no sólo son un acto principal, también asumen ese rol al darle voz a la comunidad Queer, y lo hacen a través de un discurso mucho más abierto y hablando desde su perspectiva. Para muestra “Silk Chiffon” tema que abre el disco y en el que participa la misma Bridgers, pop sencillo, pero no simple, que nos da la bienvenida a este mundo de ritmos bailables, brillo y color, en el que nos encontramos de frente con el amor, deseo, y demás emociones confusas pero intrigantes. Por otro lado, “Kind of Girl” es una particularidad dentro del catálogo de MUNA, auto reflexivo y en guitarra acústica, que navega por el country izando la vela del grupo, para ofrecernos su interpretación del género. Destaca también, “Loose Garment” sentida balada que baja los decibeles y desacelera los beats de la primera parte del disco, dando un cierre melancólico, sentimiento que te invade de camino a casa luego de una noche de fiesta.

En conclusión, es un buen disco, que marca la nueva etapa de la banda, una donde amplía su espectro musical, conservando sus rasgos distintivos, con altibajos muy marcados muestran que están en el inicio de la misma. MUNA, es una carta de presentación o para decirlo de mejor manera de representación, donde el valor más importante es la fidelidad, como banda y como individuo, con los claro oscuros que eso significan. El mensaje es contundente, está bien ser tú mismo.

Top 10: Tracks resucitados por la TV

En esta publicación te dejamos las 10 canciones que tomaron un segundo aire gracias a una serie televisiva reciente.

Amazon Prime Video, Netflix, HBO Max, Paramount+, Disney+, Star+, Crunchyroll, la oferta de servicios de películas y series vía streaming es cada vez más amplio y con su auge en tiempos recientes, las bandas sonoras de estas producciones es una pieza fundamental para que triunfe y se mantengan en la mente de los espectadores. Es tan importante el impacto que tienen las series televisivas en la vida de la sociedad moderna que hay varios casos de canciones que en su momento no gozaron de un éxito monumental y alguna hasta pasaron totalmente desapercibidas. Hoy en Indie Rocks! el equipo Editorial se dio a la tarea de hacer un TOP 10 de esas canciones que tuvieron un repunte muy importante en la actualidad gracias a formar parte de uno o varios episodios de alguna serie moderna. La caja de comentarios está abierta para que agregues alguna canción que se volvió mundialmente famosa por una serie y que no la hayamos incluído en esta publicación.

“Still Don't Know My Name” de Labrinth en Euphoria

El caso que nos abre las puertas en este top es una que todos hemos escuchado aún si haber visto la serie de donde proviene, Euphoria. La canción cayó tan bien en el estilo del drama adolescente que en su video oficial podemos ver imágenes de todo el cast de la serie y empatan de manera perfecta con los cambios de ritmo de la canción. La fama que alcanzó “Sitll Don't Know My Name” fue tal que en redes sociales como TikTok e Instagram también se volvió viral con videos cortos o "reels" y dominó dichas redes durante varias semanas. Cabe mencionar que esta es la canción más reproducida de Labrinth según Spotify ya que en esta app tiene más de 440 millones de streams mientras que su competidora más cercana, “Formula” cuenta con 300 mil.

“Da Ya Wanna Taste It” de Wig Wam en Peacemaker

Durante las últimas dos décadas las películas y series de súper héroes han estado en la punta del entretenimiento audiovisual. Cada año tanto Marvel como DC nos presentan películas y series que se roban la atención de los fanáticos de los cómics. En enero de este año llegó a HBO Max la serie Peacemaker con el luchador John Cena como protagonista y un soundtrack lleno de glam rock. Entre las canciones que podemos escuchar a lo largo de los ocho episodios que tiene la primera temporada de esta producción, sin duda alguna la que se roba la atención es la que se escucha en el intro de cada capítulo, el tema es cuestión es “Da Ya Wanna Taste It” de la banda noruega Wig Wam y el cual salió hace ya 12 años. Si quieres dimensionar el impacto que tuvo Peacemaker en la trayectoria de Wig Wam, esta canción no solo es la más reproducida de su catálogo en plataformas digitales sino que incluso en sus cuentas oficiales la banda no ha dejado de remarcar el hecho de que es la canción de la serie. Incluso al título del video de YouTube de “Do Ya Wanna Taste It” se le agregó "(Pacemaker Theme Song)".

“A Man Without Love” de Engelbert Humperdinck en Moon Knight

Con la llegada de Disney+ a latinoamérica arribaron series del Universo Cinematográfico Marvel como WandaVisionFalcon y El Soldado Del InviernoLoki y la que nos atañe en este peldaño del top: Moon Knight. Protagonizada por el actor guatemalteco-estadounidense Oscar Isaac, esta serie robó la atención de muchos por su naturaleza sombría y su estupenda banda sonora de la cual rescatamos el repunte que tuvo la canción de Engelbert Humperdinck“A Man Without Love”. Este tema no solo se catapultó a la cima de los más escuchados el gran cantante y actor británico sino que se le puso al tú por tú a su versión de “Can't Take My Eyes Off You” y tal fue el éxito del tema que incluso figura dos veces dentro de su top five de canciones populares en Spotify, ¡Así es! La misma canción dos veces y con millones de reproducciones cada una. La canción se presenta cada vez que Steven Grant (Oscar Isaac) pierde la consciencia y una de sus otras personalidades toma el control de su cuerpo.

“Panic” de The Smiths en Black Mirror 

Ok esta fue difícil de elegir porque Black Mirror ha tenido uno de los mejores soundtracks en lo que a series originales de Netflix se refiere. La elegida de entre todas las posibles fue “Panic” de The Smiths que apareció en el cuarto capítulo de la cuarta temporada de la serie el cual lleva por título “Hang The DJ”. No nos mal interpretes, la banda y la canción no son totalmente desconocidas y todos sabemos el legado que The Smiths dejó es intocable, pero ¿“Panic” era de sus canciones más populares hasta antes de 2017? Evidentemente no, antes estaban temas como “There Is A Light That Nevera Goes Out”“The Charming Man”“Heaven's Knows I'm Miserable Now” y hasta “How Son Is Now?”, pero “Panic” era de esas rolas que solo los fans de The Smiths tenían en sus playlists.

“Running Up That Hill” de Kate Bush en Stranger Things

Si el soundtrack de Black Mirror era bueno, entonces el de Stranger Things es fabuloso. Al ser una serie ubicada en la década de los ochenta, la banda sonora incluye éxitos masivos de aquellos tiempos y algunos otros que fueron revividos por la aclamada serie de Netflix, tal es el caso de “Running Up That Hill” de la cantante Kate Bush. Esta canción no solo es parte del soundtrack y ya, es una pieza clave en el cuarto episodio de la más reciente temporada de Stranger Things ya que es la manera en la que Max puede ser salvada de las garras de Vecna por LucasDustin Steve. El caso aquí es que gracias a la serie Kate Bush apareció en las listas más importantes de música al rededor del mundo, incluyendo la "Billboard Hoy 100" dónde ocupó el cuarto lugar, algo que se veía prácticamente imposible hoy en día para una canción lanzada en 1985.

“Apocalypshit” de Molotov en Breaking Bad

Es 2008, te enteras de una serie llamada Breaking Bad que la está mega rompiendo, todos hablan de ella y decides ponerte a verla, en el primer capítulo de la primera temporada te llevas una gran sorpresa en una escena con el gran actor Bryan Cranston conduce una camioneta en calzoncillos, no tanto por ese hecho sino porque de fondo comienza a sonar “Apocalypshit” de Molotov. Está por demás decir que Molotov es una de las bandas más famosas de México, pero la exposición mundial que tuvo la banda después de esta colaboración con Breaking Bad fue colosal. ¿Te imaginas a alguien en Europa buscando esta canción? Bueno, seguramente durante aquel año pasó muchas veces.

“Red Right Hand” de Nick Cave en Peaky Blinders

Con la última temporada de Peaky Blinders a la vuelta de la esquina, la serie se ha convertido en un rotundo éxito mundial para Netflix, uno de esos que últimamente ya no tiene la plataforma, ¿Nunca te ha entrado la duda de cómo se llama la fantástica canción del inicio de cada episodio? Bueno, si ya lo sabías muchas felicidades y si no, pues te despejamos la duda, la canción es “Red Right Hand” del legendario Nick Cave. Tal vez serás una de las miles de personas que la buscaron porque les gustó y la convirtieron en un tema ultra popular del cantante estadounidense. Nada más para que te des una idea, la canción acumula más de 109 millones de reproducciones entre sus dos versiones, la del álbum Let Love In y la del disco del soundtrack original de la serie. Al igual que con Kate Bush The Smiths, la canción tuvo que esperar muchos años para alcanzar la popularidad, exactamente 19 años.

“Hell Is Around The Corner” de Tricky en Skins

Quien no haya visto aunque sea un solo episodio del drama adolescente Skins es toda una leyenda, la serie estaba en boca de todos entre 2007 y 2013. Hay muchas cosas memorables de aquella serie, la trama cruda, las actuaciones y situaciones de los protagonistas, el anhelo de querer tener una fiesta como la que montaban en algunos capítulos, etcétera. De algo que estamos seguros que te acordarás muy bien si viste el quinto episodio de la serie de la primera temporada es del baile que sostiene Sid con  Michelle con “Hell Si Around The  Corner" de Tricky de fondo. Esta canción se convirtió en un mega hit cuando los fans de la serie comenzaron a buscarla en YouTube, lo que llevó a que la escena y la canción fueran subidas innumerables veces a la plataforma, incluso el vídeo con más reproducciones en el canal oficial de Tricky es precisamente el de “Hell Is Around The Corner” y por mucho. Este clip cuenta con más de seis millones de reproducciones y pocos videos en la cuenta de Tricky superan siquiera el millón de visualizaciones, en Spotify la cosa no cambia ya que este tema supera los 28 millones de streams y es de lejos la canción más popular de su catálogo. ¿Habría sido igual la historia de esta canción si no hubiera estado dentro de Skins?

“Mind Your Own Business” de Delta 5 en Sex Education 

¿Cómo te das cuenta de que una canción pertenece al soundtrack de alguna serie o película? Fácil, ve cuánta diferencia hay entre sus visualizaciones o reproducciones y las otras canciones de la misma agrupación. Delta 5 saltó al mainstream en 2019 en el quinto capítulo de la primera temporada de la serie Sex Education salió su canción “Mind Your Own Business”, cuyo lanzamiento original ocurrió en 1979. Las diferencias son abismales con respecto a las demás canciones de Delta 5, que tampoco son muchas ya que la banda duró solo un par de años activa. “Mind Your Own Business” ocupa el primer puesto en popularidad para la banda con más de 10 millones de reproducciones en Spotify, aunque eso solo es lo de la versión del álbum Singles Ando Sessions 1979-1981, porque el número sería aún más grande si tomarnos en cuenta las reproducciones de la versión del EP homónimo o las del remaster que fue lanzado el año pasado.