Nada estrena video para “Juego”

El dueto mexicano está presentando nuevo álbum, Fin.

Nada es el proyecto musical de los mexicanos Leila Ibarra y Ricardo Ramírez, ex miembros de la banda independiente Abeja, la cual desapareció debido a la violencia del narcotráfico en Nuevo León en la década pasada. Nada es un proyecto con sede original en Monterrey pero que reside actualmente en la CDMX.

Después de lanzar dos EP’s (Destierro en 2011 y Condena en 2015) la banda vuelve con más música nueva y presenta hoy su nuevo álbum titulado Fin, un disco grabado en 2019 por el sello discográfico El Derrumbe en Ensenada, Baja California. El sonido de este nuevo material juega con una base rítmica que navega entre el avant-pop y el punk. El dueto sigue demostrando su experiencia en la creación de melodías y transiciones que van de lo suave a lo agresivo.

Leila Ibarra y Ricardo Ramírez son fans de las películas de terror y eso lo demuestran en el nuevo video de Nada que también presentan hoy. “Juego” es un sencillo que forma parte de Fin, el video muestra una serie de imágenes distorsionadas, grabadas con una cámara que parece ser de seguridad, es un juego tenebroso entre observar y ser observado.

Mira el video de "Juego" aquí:

Islas presenta “Un Cuarto de Hotel”

El segundo adelanto de su álbum titulado, Extranjero.

El primer material discográfico de larga duración de Islas está por estrenarse, y hasta el momento ya conocemos dos de los temas que acompañarán a Extranjero, titulados, “Los Ojos” y “Un Cuarto de Hotel”.

Para esta canción, la banda de dream pop, fundada en 2016 por Ricardo Castillo, busca separarse del shoegaze, manteniendo los sonidos de guitarras y distorsiones que tanto los han caracterizado. “Un Cuarto de Hotel” es un tema compuesto durante la pandemia que busca reflejar los momentos complicados por los que tuvo que atravesar una banda que no tuvo la oportunidad de tocar en vivo en un período de casi dos años.

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Se trata de encontrar la añoranza y sobre todo, de encontrarte a ti mismo, a través de tótems, amigos y aventuras”, menciona Islas en un comunicado.

“Un Cuarto de Hotel” retrata la experiencia de Ricardo al llegar a una ciudad completamente nueva y afrontar los miedos que acarrea vivir en un lugar tan grande y voraz como la Ciudad de México, encontrando su único refugio en un cuarto de hotel. También revive algunas de las experiencias entre viajes por carretera y amigos del fundador de Islas.

Islas será una de las bandas que estará presentándose en el Festival Marvin este 27, 28 y 29 de octubre en foros de Circuito Roma Condesa de la CDMX junto a Javier Blake, Fryturama, Ilse Hendrix y Valeria Jasso.

Dale play:

Escucha el demo de “Yellow Submarine” de The Beatles

John Lennon a guitarra y voz: conoce la versión primitiva de "Yellow Submarine".

The Beatles es una de esas agrupaciones que, sin importar cuánto tiempo pase y de qué generación se trate, se mantiene vigente hasta el día de hoy, inspirando y tocando las fibras sensibles de millones. Hace poco, se anunció que una edición especial de su álbum Revolver, lanzado originalmente en 1966, estará disponible este 28 de octubre, y contendrá demos, primeras tomas y un libro de pasta de dura de 100 páginas, además de otras muchas rarezas y joyas sonoras nunca antes reveladas.

Entre los previews compartidos hasta el momento se encuentra la primera parte de una versión primitiva de "Yellow Submarine", en donde se puede apreciar a John Lennon cantando y acompañándose de su guitarra, lo que nos remonta un tanto a las épocas blues en donde el artista y su guitarra eran casi inseparables. Escucha el track a continuación:

Respecto a cómo surgió la cinta de esta grabación, el productor de la reedición de Revolver, Giles Martin, comentó lo siguiente:

No tenía idea de que (la cinta de trabajo) existía… No hubiera sido tan comercial en esa forma original, y puedes escucharlos trabajando juntos y empujándose unos a otros en diferentes direcciones”.

Aunado a esto, Ringo Starr expresó:

Los muchachos solían escribir una canción para mí y presentaban lo que pensaban que sería bueno para mí. Tenían esta canción y decidieron animarla”.

Este estreno vino acompañado de una segunda versión de "Got To Get You Into My Life", y precedido por una primera toma de "Tomorrow Never Knows". Todo esto formará parte de esta nueva publicación de Revolver, y estamos a muy poco de poder conocer todo lo que ésta tiene por ofrecer.

Las portadas de tus discos favoritos como pinturas

Lleva el concepto de "arte del disco" a su núcleo.

¿Cómo se verían las portadas de tus discos favoritos de pop si fueran parte de una galería de arte? El diseñador gráfico Fernando Monroy nos resuelve ésta duda con parte del trabajo que realiza y expone en su cuenta de Instagram.

No sabíamos que lo queríamos hasta que lo vimos, la mayoría de éstas icónicas imágenes son fotografías editadas digitalmente, desde Billie Eilish hasta Taylor Swift, pasando por Lady Gaga, Doja Cat, Olivia Rodrigo, Ariana Grande, Kali Uchis, Lana del Rey, Lorde, Katy Perry, Dua Lipa y más.

Pero el artista, de origen mexicano y radicado en Nueva York, les da una vuelta de 180° con una encarnación que nos recuerda a las pinturas al óleo que podemos encontrar en los museos más famosos del mundo. Si bien parte de su trabajo es digital, la técnica que usa nos remonta a ese tipo de clásicos que podrías colgar en tu pared.

Monroy usa la cultura pop como su musa y los canales digitales como su caballete, puedes explorar más de su trabajo en su cuenta oficial, donde también tiene diseños de moda basados en Pokémon y películas como The Shining o Insidious. Si te interesa, también puedes adquirir prints de sus trabajos, la liga se encuentra en la bio de su Instagram.

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Noel Gallagher habla sobre la fama y Amy Winehouse

El cantante agradece que la fama no lo haya "golpeado" como lo hizo con Amy Winehouse.

Recientemente uno de los miembros de Oasis, Noel Gallagher, tuvo una conversación con los ex futbolistas Alan Brazil y Ray Parlour mediante el podcast Pub Talk. La charla tocó varios temas, por ejemplo, la relación de Noel con su familia, su principal inspiración para convertirse en músico, sobre sus días en Oasis y su relación con las drogas y el alcohol.

Noel confesó estar agradecido por su experiencia de éxito con las sustancias adictivas y los excesos que van de la mano con la fama, a comparación del caso de Amy Winehouse, quién murió el pasado 2011, trágicamente, a sus 27 años por una intoxicación alcohólica.

La fama puede afectar mucho a las personas. Siempre utilizo la historia de Amy Winehouse, una chica encantadora del norte de Londres. De repente, ella hace ese álbum, se convierte en una superestrella mundial, la fama la golpeó como un camión y no lo logró. Lamentablemente, ella no tenía a la gente a su alrededor. Llevo 30 años rodeado de las mismas personas, que me cuidan. No tengo una organización transitoria donde solo hay una gran cantidad de personas diferentes cada seis meses”, mencionó el cantante durante el podcast.

Además, Noel aseveró que su trabajo en Oasis fue una motivación para él, para mantenerse enfocado y alejarse de las adicciones.

Mi alternativa siempre fue mi trabajo. En Oasis yo era el único compositor, así que siempre tuve mi trabajo. Si no hacía el trabajo, la banda se iba a desmoronar. El lado de la fiesta y las drogas y todo eso, lo traté como un bono. No me quedé atrapado”, dijo el cantante.

A continuación escucha a Noel Gallagher en Pub Talk:

“Bizcochito (remix)”, lo nuevo de Rosalía

Una nueva versión del hit de la española pero con más dembow.

Desde su salida, “Bizcochito” se convirtió en uno de los temas favoritos de Rosalía para el público, y esta vez, llega en una nueva versión que conserva el clásico beat de la canción y coros, añadiendo un sonido mejorado, con más dembow de la mano de Haraca Kiko y Amazon Music, que ya está disponible para escucha exclusiva a través de su plataforma.

Estoy muy feliz de compartir este remix de 'Bizcochito' que hice con mis amigos Haraca y Leo RD, ¡Espero que mis fans de Amazon Music se diviertan tanto bailando como yo!", dijo Rosalía en un comunicado.

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La participación de Haraca Kiko originario de República Dominicana, añade color e impregna su propia esencia en el famoso tema que originalmente pertenece al tercer álbum de Rosalía, titulado Motomami y convirtiéndose en uno de los favoritos de redes sociales, colocándose entre los trends de TikTok.

“Bizcochito” es un tema que recupera uno de los versos del tema “Saoco” de los reggaetoneros Wisin y Yandel, donde mencionan “Y, ¿quién eres? ¡Tu bizcochito!”, para darle un giro hacia el empoderamiento femenino.

“I Can Never Say Goodbye”, el nuevo tema de The Cure

The Cure debutó con un nuevo sencillo durante un concierto en Polonia.

The Cure está por estrenar Songs Of A Lost World, su tan esperado nuevo álbum que saldrá a la luz luego de que su tour de invierno concluya, esto de acuerdo a lo que la banda declaró para NME. El más reciente concierto de la agrupación fue apenas ayer 20 de octubre en Kraków, Polonia, durante el cual los asistentes fueron afortunados de presenciar una canción inédita titulada "I Can Never Say Goodbye", misma que formará parte del tracklist de 12 temas de su nueva producción discográfica.

La pieza inició con una introducción extensa, suspendida entre los fragmentos ambulantes de una melancolía añeja y desfigurada. Las vocales de Robert Smith resonaron entre el público, desgarradas y a flor de piel. Puedes escuchar el performance completo accediendo al siguiente video grabado por uno de los espectadores.

Something wicked this way comes

To steal away my brother’s life“.

El debut de este nuevo sencillo está precedido por "And Nothing Is Forever", otra de las canciones que la banda compartió hace unas semanas durante otra de sus presentaciones. Las líricas y los títulos de los temas en sí mismos auguran un álbum oscuro, de duelo y reflexiones internas en donde de pronto, a pesar de las tinieblas, la vida pareciera tomar más sentido.

He sido más privilegiado que la mayoría, pero el encierro y el COVID me han afectado mucho, pues he perdido a toda una generación de tías y tíos en menos de un año. Son cosas como esas las que han influido en la forma en que me he relacionado con el disco”, expresó Smith.

Mantente al pendiente de Indie Rocks! para seguir conociendo más detalles sobre Songs Of A Lost World y lo que The Cure tiene preparado para ti.

 

Jessie Ware en el Auditorio BB

El hedonismo puro hecho pista de baile.

Pospuesto en numerosas ocasiones debido a la pandemia, Jessie Ware pisa por primera vez tierras mexicanas y al mismo tiempo cierra la gira de su disco What’s Your Pleasure?, en un potente pero breve set de hits que dieron repaso a toda su carrera.

En punto de las 19:00 H las puertas del recinto se abrieron para dar paso al set de Tommy Hart, quien durante 40 minutos ofreció una fina selección de tracks para bailar y al mismo tiempo calentar los motores para el acto principal.

20:45 H fue el momento en el que las luces se apagaron y un sample del tema “Groove Is In The Heart” (de desaparecido grupo Deee-Lite)  dio paso a los coristas que acompañan a la cantante, quien segundo más tarde saldría ataviada con un enorme vestido verde y una cara de sorpresa ante el recibimiento del publico mexicano, que si bien no tuvo lanzamiento de peluche, si lo hubo de un enorme ramo de flores.

Lo de Jessie no es una gran producción, apenas un par de bolas disco y una enorme cortina brillante conforman el escenario. Pese a tocar por años con un enorme grupo de músicos, está vez dos personas se encargan de programar y secuenciar todo en vivo, dejando el resto de la responsabilidad tanto a la cantante, coristas y dos bailarines de mantener el show al máximo de energía en todo momento.

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El objetivo de la cantante se concentra en crear la atmosfera adecuada para la fiesta. "Spotlight" fue el tema con el que inició acompañada de sutiles movimientos coreográficos que uno a uno fueron enlazando el primer acto de la noche, que terminó con una secuencia a cargo de "Read My Lips" y "Step into my life", en esta ultima una pequeña bola disco y una sección de baile final a cargo de Ware y uno de sus bailarines, fueron suficientes para enloquecer al publico mexicano.

El segundo acto es tal vez el de menos energía en toda la noche, pero para Ware seguramente el de mayor satisfacción. En él se encontraron las canciones de sus primeros discos y para sorpresa de la compositora, el público la acompaño en cada una de ellas. "Wildest Moments" de su debut Devotion, "110%" y versiones semiacústicas de "Say You Love Me" y "Midnight" fueron igual de celebradas que sus temas actuales.

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Jessie agradeció al público, pues en sus palabras fue a través de constantes mensajes en redes sociales pidiendo su presencia en México que pudo lograr concretar este show. La fiesta continuó a cargo de "Kiss of Life" (su colaboración con Kylie Minogue) y su más reciente sencillo “Free Yourself” que puso a toda la audiencia a saltar y bailar. Al final Jessie cierra con una emotiva “Remember Where Your Are” y se despide… para regresar con un encore a cargo de una inesperada "Running" (en su versión remix a cargo de Disclosure) la enérgica "Hot & Heavy"  y la esperada por toda la audiencia "What’s your pleasure?" dónde la cantante hace uso de uno micrófono/látigo con el que conquistó a la audiencia.

El show cerró con una versión extendida de "Save a Kiss", coreada por los asistentes, que en todo momento evitaron que la energía que ocurría entre el escenario y la audiencia cediera. Al final la cantante agradeció de nueva cuenta, se dijo sorprendida por este primer encuentro, prometió regresar con algo más que ‘buenas noches’ en su vocabulario y se dijo con tiempo suficiente para ir a cenar unos tacos. Tanto los asistentes como Jessie abandonaban el recinto, pero daba la sensación de que la noche apenas estaba comenzando.

 

 

 

Red Hot Chili Peppers — Return of the Dream Canteen

A corazón abierto se traduce la magia del cuarteto californiano.

Con un segundo álbum doble este 2022 y tras Unlimited Love, los Red Hot Chili Peppers van cerrando bien el año, con todas las miradas encima de los fans emocionados con el regreso de Frusciante no han perdido tiempo y estuvieron trabajando en 17 canciones. Para aquellos que crecieron en los 90 será muy fácil distinguir la esencia de aquellos tiempos en donde la banda se encontraba en su auge con Blood Sugar Sex Magic y Californication, aunque sin hacer comparativas logramos sentir simplemente el desarrollo de creación de la banda aun cuando vamos a encontrar referencias musicales de toda su carrera.

Escribirle a un amor remoto o actual, a la naturaleza y el entorno, a las experiencias extransensoriales, a las amistades o hacer referencias a la farándula y la música, sin dejar mencionar a su natal California, todo esto no puede faltar en un gran trabajo de los Red Hot Chili Peppers, muchas vivencias en el mundo en general del cuarteto californiano se encuentra dentro del catálogo de canciones en Return of the Dream Canteen

Siendo la primera vez que la banda saca dos álbumes en un año, entre la diversión y jams los integrantes fueron encontrando la consistencia de su nuevo trabajo, ya que también fueron moldeando canciones viejas que tenían guardadas, dejando en claro que no hay momento donde se sientan con falta de creación y ganas, este nuevo álbum tiene algo distintivo y mágico según las palabras de Kiedis, y sí, se percibe el ímpetu en la mayoría de las canciones, al final concretaron más canciones de las que tenían pensadas.

Tippa my tongue” video que fue dirigido por Malia James ex integrante de Dum Dum Girls, consiste en un bucle alucinógeno a lo muy sesentas donde hay saturación de colores y portales trepidantes, a los integrantes se les ve con un aura más abierta tocando sus instrumentos, los riffs de Flea y Frusciante crean una atmósfera funky que de inmediato te hace moverte de tu asiento casi involuntariamente. 

Return of the Dream Canteen es un álbum colorido, el canto de Anthony como silabeando no se extinguirá y eso no le molesta a nadie, siempre ha sabido hacernos sentir que más que buenas sus canciones son divertidas, ahora han vueltos los coros tenues de John como complemento y nos hace sonreír en donde la logremos escuchar.

La banda se encuentra en tour actualmente, hace unos días sorpresivamente el Vive Latino anunció que los traerá de vuelta el próximo año, un show imperdible con el que veremos de nuevo a Frusciante en el escenario. Aunque mientras estaremos esperando en México un concierto en solitario donde se disfrute de más contenido y sus nuevas canciones.

 

Dry Cleaning — Stumpwork

Una obra spoken word con paralizante resonancia en el nuevo disco de Dry Cleaning.

La piloerección, conocida de manera más coloquial como tener la piel de gallina, es una reacción del organismo –específicamente del sistema nervioso simpático–, que consiste en que el vello se eriza y la piel adquiere un aspecto granulado, esto sucede ante la exposición de una bajada abrupta de temperatura, pero también cuando vivimos emociones intensas, una de estas puede experimentarse al escuchar el nuevo material discográfico de la banda londinense Dry Cleaning y se trata de Stumpwork.

Con magnetismo envolvente, la banda europea ha vuelto a demostrar por qué es considerada una de las agrupaciones más atípicas y vanguardistas en el mundo de la música alternativa, esto especialmente por su uso de la palabra hablada —casi siempre— en lugar de voces cantadas, logrando un híbrido simplemente genial al brindar a los oídos un manjar sonoro agitador por su composición post-punk, pero que al mismo tiempo genera impavidez al escucha la voz de Florence Shaw.

A través de 11 melodías, la inusitada agrupación nos recuerda a viejos referentes del spoken word como Arab Strap, pero con un peculiar estilo que destaca por el tono, la entonación, el ritmo, los gestos y la expresión emocional que se percibe través de la devanadora voz contralto de su intérprete.

El cuarteto del sur de Inglaterra más experimental

Stumpwork fue creado en su totalidad antes de que incluso se publicara el disco antecesor de la banda, es decir New Long Leg y ahora su nuevo álbum de estudio llena de vibrantes matices el abanico creativo de Dry Cleaning, pues a diferencia del primer disco bañado en enérgicos sonidos de batería y guitarra eléctrica, su nueva entrega tiene matices más suaves, pues incluso en algunas melodías integran tranquilos sonidos de percusión ejecutados por ejemplo con cencerro, lo cual invita al escucha a dejarse llevar por un afelpado sendero con sombra y luz de manera aleatoria.

Este elepé puede ser descrito como una mezcla embriagante, sensorial y con profunda lírica que transporta a otras realidades a través de las melódicas palabras de Florence Shaw, quien junto a el guitarrista Tom Dowse, el bajista Lewis Maynard y el baterista Nick Buxton conforman el cuarteto del sur de Inglaterra más innovador en el gremio alternativo y del spoken word.

Es de mencionar que luego de encontrarse en una fiesta, Nick, Tom y Lewis se reunieron para ensayar piezas de rock instrumental al saberse inmersos en la misma frecuencia musical, sin embargo, esta fase terminó cuando conocieron a Florence, quien a pesar de no tener experiencia musical cubrió de lleno las expectativas posibles, pues cuenta con una privilegiada voz, sin mencionar que es docta en literatura y arte, pues es profesora universitaria, artista visual e investigadora de imagen, quien ahora presta sus cuerdas vocales para este onírico proyecto sonoro.