Renee Mooi estrena “Desvelado”

Un cover homenaje al clásico del mismo nombre de Bobby Pulido.

Renee Mooi nos ha demostrado la versatilidad de su voz, mediante su proyecto de música alternativa que se ha hecho notar en la escena indie de México. Entre sus sencillos se encuentran varios covers que han reinterpretado clásicos en inglés, sin embargo hoy decide retomar sus raíces y hacer homenaje a una leyenda, Bobby Pulido con su canción “Desvelado”.

Esta versión es una reinterpretación del clásico que busca reconectar con la música regional mexicana, ofreciendo una versión actual que sin clausurar la melancolía de la original, nos presenta una interpretación fresca y emotiva pero que explora nuevos sonidos que son la muestra de esta nueva etapa en la música e identidad de Renee.

La razón por la cual decide hacer un cover de este clásico, es gracias a la inspiración que es Bobby Pulido para los artistas emergentes, una figura que la ha llevado a entender que los sueños se pueden hacer realidad. Así mismo, tras la pandemia, la artista decidió establecerse en una comunidad rural en las costas de Guerrero, lo que le ha representado una inmersión en sus propias raíces, a través de las formas culturales de la comunidad como la salsa, los corridos y la variedad musical que se puede escuchar en las fiestas de pueblo.

Previo a este sencillo, la cantante lanzó en enero “Estero”, que pudo ser escuchado en vivo en Departamento. Ahora también podrás escuchar estas novedades en la próxima presentación de Renee Mooi en La feria de San Marcos, de Aguascalientes, el 18 de abril en el Foro Del Lago a las 20:00 hrs. 

Escucha ahora, “Desvelado” y disfruta de este tributo que le añade un nuevo matiz: 

Soundgarden se prepara para el lanzamiento de nuevos temas

Tras una larga disputa iniciada en 2019, la banda y Vicky Cornell ponen punto final a su discusión para traer de regreso la voz de uno de los músicos más importantes del grunge.

Luego de formar parte de la gran oleada del grunge durante los años 80, siendo una de las bandas pioneras del género, y tras el éxito alcanzado por su álbum Superunknown en 1994, Soundgarden trae de regreso el riff de sus guitarras para lanzar las últimas canciones con la voz de su difunto vocalista, Chris Cornell.

Fue en diciembre de 2019 cuando la disputa entre la banda y la esposa de quien fuera su líder y vocalista, Vicky Cornell, comenzaría por el legado de sus grabaciones, quien demandó a los miembros de Soundgarden tras acusarlos de reclamar la propiedad de siete canciones inéditas y de retener las regalías.

Seguido de una contrademanda por parte de los integrantes de la banda en 2020, afirmando que Vicky Cornell había tomado sin autorización los canales digitales y de redes sociales de Soundgarden y de hacerse de las grabaciones inéditas, los alegatos continuarían hasta 2021 con una nueva demanda por parte de la viuda de Chris.

Hoy, y poniéndole punto final a la discusión entre los miembros de la agrupación y Vicky Cornell, quien dirige el patrimonio de su difunto esposo, y llegando a una resolución amistosa, Soundgarden ha publicado a través de sus cuentas oficiales la noticia:

Soundgarden y Vicky Cornell, en nombre del patrimonio de Chris Cornell, se complacen en anunciar que han llegado a una resolución extrajudicial amistosa. La reconciliación marca una nueva asociación entre las dos partes, que permitirá a los fans de Soundgarden de todo el mundo escuchar las canciones finales en las que estaban trabajando la banda y Chris. Las dos partes están unidas para impulsar, honrar y construir sobre el increíble legado de Soundgarden, así como la marca indeleble de Chris en la historia de la música, como uno de los mejores compositores y vocalistas de todos los tiempos”.

 

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Haciendo de la noticia un momento de felicidad para sus fanáticos, Soundgarden espera para el lanzamiento de las últimas grabaciones de Chris Cornell y así sorprender al mundo de la música con nuevos temas originales, esto después de un King Animal cobijado por las letras de su líder. 

“Like No One Else”, lo nuevo de Teri Gender Bender

Ponte los audífonos y déjate sumergir por una ola de furia llena de notas musicales que te llevará al mundo de Teri Gender.

La cantante estadounidense, Teri Gender, tiene nuevo single y con el un video musical que sin duda te encantará, como parte de su nuevo su nuevo EP CATSPEAK el cual verá la luz este próximo 12 de mayo vía Clouds Hill, Teri Gender Bender ha lanzado “Like No One Else”.

Sintetizadores, batería, bajo y una guitarra brutal es lo único que Teri Gender necesita para hacer pura magia que explota en notas musicales que si o si te gustan y te atrapan de una y no puedes sacar de tu cabeza por un buen rato.

Ve y escucha aquí, “Like No One Else”.

El audiovisual, que acompaña a “Like No One Else”, esta lleno de la magia y la singular personalidad que ha hecho sobresalir a Teri dentro de la escena musical.

La rolita ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales así que corre a escucharla y descargarla que seguro te encantará.

Te recordamos que debes seguir al pendiente del lanzamiento de su próximo Ep, así como de más noticias que tendremos para ti por Indie Rocks!

 

Los 10 mejores momentos de Coachella 2023

Los headliners fueron Bad Bunny, Blackpink y Frank Ocean.

Año tras año el festival Coachella se consolida como uno de los festivales más importantes a nivel internacional y concentra los mejores talentos de la música del momento. En esta ocasión, Coachella realizó su primer fin de semana de festival los días 14, 15 y 16 de abril en Indio, California. Aquí te dejamos los 10 mejores momentos en los actos de este fin de semana.

Blondie en el escenario junto a Nile Rodgers

Una de las artistas más esperadas de Coachella 2023 fue Blondie, un pilar del rock estadounidense. Dentro de su set en el primer fin de semana de Coachella, la cantante de 77 años de edad interpretó temas legendarios como "Heart Of Glass", "Maria", "Call Me" y por supuesto, el trascendente tema de "One Way Or Another". Sin embargo, Debbie Harry sorprendió al público al presentar en el escenario al músico y productor Nile Rodgers quien tocó la guitarra en las canciones "Rapture" (del álbum Autoamerican de 1980) y "Backfired" del álbum debut solista de Debbie Harry, KooKoo, que el mismo Nile Rodgers produjo. 

 

Gorillaz y sus invitados de lujo

Damon Albarn llevó la presentación de Gorillaz a otro nivel en Coachella 2023 cuando presentó colaboraciones con Slowthai, Thundercat y De La Soul. Albarn y sus músicos recibieron en el escenario a Thundercat para la canción “Cracker Island”, que también es el título del octavo álbum de estudio de la banda británica que fue lanzado a finales de febrero de este año. Después llegó el momento de “Momentary Bliss” junto a Slowthai, parte del Song Machine (2020). Finalmente, De La Soul salió ante el público para cantar “Feel Good Inc.” dedicada al rapero David 'Trugoy The Dove' Jolicoeur, quien murió en febrero a causa de una insuficiencia cardíaca. Sin duda, un concierto lleno de emociones. 

Labrinth junto a Billie Eilish 

El 15 de abril la cantante estadounidense Billie Eilish hizo una aparición sorpresa y se unió al set del cantautor británico, Labrinth, para interpretar "Never Felt So Alone", canción coproducida por Finneas y parte del soundtrack de la serie de HBO, Euphoria; representando así la segunda ocasión en la que esta canción es interpretada en vivo por los dos cantantes. 

Björk y los 864 drones

La cantante islandesa Björk es conocida por su extravagancia y alucinante concepto musical, y su presentación en Coachella no fue la excepción. Björk es una de las artistas favoritas del festival y fue la primera mujer en ser headliner del mismo. En este año, Björk se presentó por tercera ocasión en el escenario de Coachella (domingo 16 de abril), con un set que abarcó la carrera discográfica de la artista, y en la que se incluyó una orquesta y más de 800 drones, sincronizados con la música, que iluminaron la noche. Aunque el set no fue transmitido en Youtube como se tenía previsto, algunos videos circulan en internet.

 

Frank Ocean confirmó nuevo disco

El acto que encabezó el domingo 16 de abril fue la presentación del legendario cantautor Frank Ocean. Tras la polémica que causó la cancelación de la transmisión de su show en vivo en el canal de Youtube de Coachella, Ocean salió al escenario ante un público impaciente que lo esperaba después de casi seis años de su última presentación en vivo. Frank Ocean dedicó parte de su set a su hermano, Ryan Breaux, quien murió en 2020 en un accidente automovilístico y anunció que hay un nuevo álbum después de Blond (2016) pero que aún falta tiempo para que éste sea lanzado. Además, Frank Ocean interpretó dos canciones nuevas en su set, mismas que posiblemente serán parte del nuevo lanzamiento.

 

Kali Uchis y Tyler, The Creator

Sin duda un momento imperdible en el primer fin de semana de Coachella fue cuando Kali Uchis presentó en el escenario a Tyler, The Creator para la canción "See You Again", aunque las fallas técnicas lamentablemente afectaron la actuación de Tyler. Otros de los invitados al set de Kali Uchis fueron Omar Apollo, para el debut en vivo de "Worth The Wait" y el rapero Don Toliver, para la canción "Fantasy". Sumado a esto, Kali Uchis presentó una canción inédita titulada “Tattoo”.

 

La sorpresa del show de Rosalía: Rauw Alejandro

La cantante española Rosalía, continuó presentando el show del álbum Motomami (2022) y en esta ocasión hubo un factor que distinguió a Coachella de entre sus shows más recientes en latinoamérica como parte del Lollapalooza: la presentación en el escenario de su prometido, Rauw Alejandro. La pareja, que recientemente anunció su compromiso, lanzó un EP titulado RR y se unieron en el escenario de Coachella para interpretar las canciones “Beso” y “Vampiros”. Sin duda, esta presentación eleva las expectativas del show de entrada libre que Rosalía ofrecerá el próximo 29 de abril en el Zócalo, Ciudad de México.

 

Bad Bunny en una noche histórica para latinoamérica

La primera noche del festival Coachella recibió a Bad Bunny, quien pasó a la historia del festival como el primer músico latino y de habla hispana que ha sido headliner de Coachella. El show del puertorriqueño abrió con la presentación de un cortometraje que narró la historia del reggaeton y destacó a los artistas que han pisado el escenario de Coachella. 

Bad Bunny hizo un recorrido musical por los éxitos de su más reciente álbum Un Verano Sin Ti (2022) y las canciones que lo colocaron en los oídos de las personas a nivel internacional: "La canción" y "Yonaguni", que interpretó junto a Post Malone a capella por dificultades técnicas. 

El rapero Jhay Cortez también subió al escenario para interpretar junto a Bad Bunny “DÁKITI”, “Tarot” y “No me conoce”. El set también incluyó a Jowell & Randy para el éxito “Safaera”.

 

La reunión de Blink-182

Coachella estuvo lleno de sorpresas, invitados y colaboraciones y, sin duda, uno de los momentos más esperados fue el reencuentro de Tom DeLonge, Mark Hoppus y Travis Barker juntos en un show después de casi 10 años. Durante un set de 18 canciones, Blink-182  presentó el debut en vivo de Edging” y tocó por primera vez junto a Tom DeLonge, desde 2001, “Aliens Exist”. Blink-182 comenzará una gira norteamericana ahora que Travis Barker se encuentra en mejores condiciones para tocar la batería después de una cirugía en el dedo anular.

 

Boygenius debuta en Coachella

La banda conformada por Julien Baker, Phoebe Bridgers y Lucy Dacus, tocó por primera vez en el festival Coachella previo a su gira por norteamérica como parte del lanzamiento de su álbum The Record. Boygenius aprovechó el micrófono de Coachella para decir que las vidas trans importan y que el aborto es un derecho: un debut impecable.

“Cómplices”, lo nuevo de Paola Navarrete

La cantante ecuatoriana nos comparte uno de sus temas más profundos, conservando la esencia que la caracteriza.

La intérprete de Los Zanqueros, estrena lo que sería su trabajo más personal hasta el momento y nos lleva por una historia de unión y complicidad entre hermanas, de la mano de un sonido setentero producido por Adan Jodorowsky.

Como continuación de sus dos discos de larga duración Ficción y Verde Fugaz, “Cómplices” nos adentra más que en una historia de hermandad, en una de crecimiento personal, aceptación y reconocimiento y lo que conlleva el peso del linaje familiar. Bajo un estilo recurrente en la cantante que va del pop al indie rock y folk, la canción logra mezclarse con el sonido del productor Adan Jodorowsky, que recuerda su niñez con influencias como The Bee Gees; dando como resultado una canción enérgica y contagiosa.

Paola Navarrete, compositora y productora ecuatoriana de 33 años, se ha convertido en poco tiempo en una de las referentes femeninos más destacados del mundo alternativo en su país, rompiendo con el esquema en el que predominaban las bandas rockeras de varones, con sonidos genéricos que llegaban a ser repetitivos. Paola logró posicionar una propuesta solista que trajo un sonido fresco a la escena.

Date una vuelta por este nuevo material:

A 15 años de 'The Age of Understatement' de The Last Shadow Puppets

Danzarás sobre la mediocridad y te sentirás infinito. 

“Humour absorbs the thoughts”

A veces pensamos que ya lo hemos escuchado todo; pero ha decir verdad la música se reinventa en la menor oportunidad. Como músico puedes no cerrarte a experimentar con los sonidos o con nuevos cómplices. Alex Turner y Miles Kane son el claro ejemplo de esta connivencia que decidió fluir entre dramáticas cuerdas y una instrumentación que te dejará sin aliento; claro que si, estamos hablando de The Last Shadow Puppets. Para que este proyecto tuviera forma, primero tuvieron que coincidir en la vida y dar paso a la decisión de explotar su tiempo y creatividad al máximo y en conjunto. 

La base de esa sólida amistad llega en 2005 luego de que el antiguo proyecto musical de Miles (The Little Flames) sirviera como support de la gira de Arctic Monkeys. Compartir escenario en ese momento llevó a que ambos músicos se hicieran amigos y empezaran a trabajar en pequeñas colaboraciones con la banda de Turner, -como en el caso del single “505”; entre otras-; así empezó a fluir esta divertida alianza en 2007. Un año después de atravesar un momento de indecisión obtuvo un nombre y vió la luz oficialmente con su álbum debut, The Age Of Understatement; lanzándolo al mercado en abril a través de Domino Recording

The last shadow puppets_2008

¿Pero a qué sonaba The Last Shadow Puppets? Tras explorar el camino del rock, ambos personajes decidieron inclinarse por algo totalmente diferente, algo principalmente inspirado en lo cinematográfico y lo teatral, apostando por la corriente de un pop rock barroco, alineando sus pasos a lo orquestal entretejiéndolo con la finura de la psicodelia. En su momento la agrupación decidió describirse como “divertidos y extravagantes” y en realidad no hay adjetivos más concisos para definirlos; estaban en la plena cumbre de su juventud y estaban aprovechando la fortuna de la vida. 

Producido por James Ford, el material contó con la participación del reconocido violinista canadiense Owen Pallett, y la London Metropolitan Orchestra para plasmar en 12 canciones una historia que ofrece la metáfora más sublime de la subestimación que nos lleva en un recorrido desde la observación de una banda que yace en medio de la oscuridad y que nos anima a hacer caminatas por misteriosos senderos, hasta viajes en tanques de guerra. ¿Interesante? Ya lo creo. 

En la portada del álbum observamos a Gill, una estudiante fotografiada por Sam Haskins; una imagen llamativa y sencilla en blanco y negro que nos introduce a este mundo sonoro en el que por momentos te sentirás en medio de una persecusión como en The Age of Understatement” o en una solitaria noche alumbrada por apenas unas cuantas farolas con “Time Has Come Again”

The Last Shadow Puppets se inspiró en Scott Walker y David Bowie, para crear este proyecto y además, tomó como clara referencia a Ennio Morricone. En cuanto reproduzcas este LP sentirás que la magia se apoderará de tu ser, sacarás tu lado más dramático pero al mismo tiempo te liberarás como nunca. Tu mente y tu corazón se sentirán a salvo entre las delicadas secuencias de batería, guitarra, violines, batería y la seductora y elegante interpretación de Alex Turner y Miles Kane. Ambos se identifican como “un par de personajes con un montón de similitudes”, por eso la banda funciona, fluye con elocuencia y sonoriza tus mejores y peores momentos, basta escuchar “My Mistakes Were Made for You”, "Standing Next To Me" o "The Meeting Place" para entenderlo. 

Muchos de nosotros éramos demasiado pequeños cuando este material llegó al mundo, sin embargo, eso no significa que sea incapaz de apoderarse de nuestra mente para ofrecernos una manera mucho más cruda y real del valor que nos damos a nosotros mismos o alguien en particular. ¿Te atreverías a darle la vuelta a estos pensamientos en medio de danzas cósmicas? Hoy, a 15 años de su lanzamiento, The Age of Understatement es lo único que necesitas para sentirte vivo e infinito. 

Entrevista con Inner Wave

Respeto y pasión, las claves para que una banda sea sólida con los años.

Con su más reciente disco en el aire, Apoptosis (2021), y con una serie de cambios internos, Inner Wave se encuentra en pleno desarrollo celular y listo para regresar a México este 23 de abril con un show en Foro Indie Rocks! que verá a la banda de psych rock en uno de sus puntos más altos, hasta ahora.

Indie Rocks! platicó con Pablo Sotelo (guitarra/voz), Jean Pierre (bajo) y Elijah Trujillo (guitarra) para conocer más de ésta reestructura y con lo que Inner Wave llegará a México a cuatro años de su última visita.

Sin mayor rodeo, Elijah confesó que la banda avanzó mucho en este tiempo, algunos integrantes cambiaron y tienen más personal, como José Cruz en los teclados, un nuevo equipo de management y un ingeniero de audio que viaja con ellos, además de tener el álbum Apoptosis listo para que suene en vivo.

Estamos más emocionados que nunca con ésta gira, juntos hacemos un grupo más grande, hemos trabajado mucho para hacer nuestros shows mejores", dijo Elijah Trujillo.

Pero la evolución de Inner Wave no ha ocurrido por sí sola, también la industria musical se ha transformado abismalmente en los últimos años, lo cual tiene sus ventajas y desventajas. Pierre comentó que algo que no le agrada en la actualidad es la popularidad que alcanzan algunas canciones con plataformas como TikTok, pues la gente solo logra conocer 30 segundos de una canción, dejando al artista menospreciado.

Del lado positivo, muchos artistas pueden ser descubiertos de ésta forma y llegar a más gente con su trabajo, pero es algo que el público debe hacer por si mismo, no es como que la plataforma de lo ofrezca. "No nos ha pasado a nosotros, así que no sabemos que se siente", finalizó.

En el caso de los artistas independientes, toda ésta renovación trae consigo mucho trabajo y compromiso, Pablo reiteró que pueden recibir ayuda de su agencia, pero no es como que tengan grandes departamentos que se encargan de cosas muy específicas, no funciona así.

Estoy agradecido por la forma en la que hemos hecho las cosas. Los shows y la música son la cosa más importante para nosotros", mencionó Pablo Sotelo.

Mantenerse a flote es un trabajo sin pausa, Sotelo continuó explicando, "no importa si estamos con una gran disquera o una independiente, la gente sigue yendo a los shows y recomendando nuestra música de boca en boca".

Y aunque no cambiarían nada de lo que han logrado hasta ahora, si pudieran darse un consejo a sus "yo" del pasado, para Jean Pierre sería no dejar de escuchar música, "me recomendaría abrirme a más géneros, escuchar más cosas, no cerrarme por etiquetas, prejuicios o trabajos personales, aunque no haría nada diferente".

Pero algo que tampoco cambiarían es el punto que han alcanzado como grupo, no solo en lo musical, sino a nivel personal. Elijah Trujillo aclaró que lo más importante para lograrlo es el respeto, eso se ve reflejado en los conciertos y en la calidad de vida que se tiene fuera de los escenarios y durante las giras.

Debemos respetarnos entre nosotros y nuestro trabajo, cuando logras eso puedes llegar a un nivel mas alto y se ve reflejado cuando tocas en vivo", explicó Elijah Trujillo.

Finalmente, una sana convivencia y una inversión a tu proyecto, hace que tengas una banda muy sólida, pero también te puedes apoyar de las innovaciones tecnológicas para ofrecer algo extra a tu público. Pablo Sotelo dijo que le encana la producción que traen actualmente, "es algo que siempre queríamos hacer, podemos hacer shows con pequeñas máquinas láser o traer mejores juegos de luces, que hacen que tu escenario se vea diferente".

Nuestro show se ha elevado mucho con los juegos de luces, son más teátricos y es algo que siempre quisimos hacer", concluyó Pablo Sotelo.

"Desde que éramos una banda que tocaba en patios y fiestas, es algo que queríamos y ahora es algo que estamos haciendo", concluyó Sotelo, reiterando que esto será lo que presenten en el Foro Indie Rocks! de la Ciudad de México en su regreso a la capital.

Y si esto no te convence, tal vez el setlist lo haga, Inner Wave aprovecha sus redes sociales para hacer que los fanáticos elijan las canciones que quieren escuchar, Sotelo confirmó que la parte media, las canciones menos votadas, son las que suelen cambiar y hacen una experiencia diferente, aunque los éxitos son las que nunca cambian, traerán algunas canciones viejas que no suelen tocar y tendrán nuevos arreglos, apuntó Elijah.

La banda se muestra sólida y madura, sin duda uno de los mejores momentos para verles en vivo y sucederá este 23 de abril.

Aurora en el Pepsi Center WTC


El amor es la fuerza ¡Ama con locura!

En los últimos años, Aurora Aksnes se ha convertido en una de las figuras musicales más queridas y reconocidas en México. Su vibra y sobre todo, la manera en la que se desenvuelve en el escenario ha captado la atención de cientos de fanáticos que solo buscan pasar un agradable momento danzando y sintiéndose en total libertad. Tras su visita en la CDMX como parte del Corona Capital 2021, Aurora hizo oficial su retorno a la capital mexicana con un par de fechas en el Pepsi Center WTC; la primera de ellas (15 de abril), con localidades agotadas.

El recinto ubicado en la Col. Nápoles recibió al público de la noruega desde las 19:00 H. Las filas de personas rodeaban el espacio y desde afuera se podía notar el sold out; entre vestimentas ligeras, coronas; adolescentes felices, padres e infantes. La espera para poder disfrutar del acto abridor a cargo de Hannah Storm fue relativamente corto. La cantante arribó al escenario con gran actitud para sorprender a los presentes con la fuerza y elegancia de su voz. Sencillos de Somewhere between red and blue (2023) -su EP debut-, resonaron a lo largo de la noche. Durante su corta y emotiva presentación, Hannah se sintió feliz por el recibimiento de sus canciones y la emoción del público mexicano.

Hannah Storm_Pepsi Center WTC_David Durán (3)

Media hora después, el staff despejó el espacio para cerrar los últimos detalles del show de Aurora, quien hasta las 21:00 H se hizo presente en medio de gritos y aplausos. La iluminación se coloreó de naranja y rojo mostrando una visión como de atardecer. Con bailarines y músicos la cantante dio inicio a su show con "The Forbidden Fruits of Eden" para manifestar que esa noche estuviera repleta de paz y libertad.

La intérprete de "Heathens", dedicó a la brevedad unas palabras a los asistentes; agradeciendo que estuvieran ahí disfrutando con ella su primer Pepsi Center WTC y suplicándoles que se divirtieran; eso si, para poder hacerlo pidió que mantuvieran una distancia considerable entre unos y otros, así como que se hidrataran a lo largo del concierto. Dicho esto prosiguió el show en medio de danzas multicolor al ritmo de "Blood In The Wine" y "Murder Song (5, 4, 3, 2, 1)".

Aurora_Pepsi Center WTC_David Durán (1)

A lo largo de esta noche la cantante nos recordó que debemos saber quiénes somos, que debemos amar y sanar aún cuando tengamos el corazón roto. En sus canciones encontraremos el refugio y la manera de salir adelante; de elevar nuestra voz hasta que sea escuchada, porque sí, Aurora es libertad infinita. En medio de un colorido ambiente las personas bailaron, se besaron y se abrazaron al ritmo de canciones como "The River", "Exist For Love", "Runaway", "Queendom", "Cure For Me", "Giving Into The Love".

Imposible no sentirse en un ambiente floral y repleto de fantasía en el que solo puedes ser feliz. ¡Gracias, Aurora!

TOP 10: Las voces más sensuales del rock

Conoce en este top las voces que más se destacan no solo por su calidad vocal, sino que también transmiten sensualidad a tus oídos.

A lo largo de la historia vamos conociendo voces icónicas con las que cantamos al unísono en conciertos, la regadera o en la mente, tanto por las letras con las que nos identificamos como por la calidad vocal. Y crean que al escuchar tantas bandas, sabemos que no es fácil que un proyecto musical adquiera al vocalista perfecto, con la voz más especial del mundo, y pensar que estimule al oído de una forma más cautivante es algo aún más único.

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Alex Kapranos

Actualmente vocalista y guitarrista principal de la banda escocesa Franz Ferdinand, uno de los grupos más populares del momento, se posiciona dentro de las voces más sensuales debido a su grave tono de voz y el manejo de su timbre. Su modulación con sintetizadores o acordes eléctricos de fondo crean un misterioso, oscuro, pero cautivante ambiente que se torna a un seductor sonido al oído. Kapranos tiene una larga trayectoria que le permite desenvolverse fácilmente en la música y mostrarse seguro al momento de cantar, así como dar esa imagen de un hombre rudo, pero seductor que transmite su pasión por medio de su voz y sus incitadoras letras que si se combinan crean el combo perfecto para seducir a quien sea.

Los espacios que hace entre palabra y palabra, la forma en que alarga la última sílaba, la sube a tonos altos y cambia a tonadas lentas e intensas crean su estilo musical. Cerrar los ojos, escuchar una canción de Franz Ferdinand pasando por sus misteriosas, provocadoras y lúgubres letras, sus estruendosas armonías y aquella característica voz de Kapranos, provocan un deleite auditivo que resuena desde lo más profundo de nuestro interior hacia el exterior.

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Alison Goldfrapp

Esta cantante y productora da cuerpo y alma al proyecto musical que tiene junto a Will Gregory. Su amplio rango vocal –notoriamente entrenado– le ha ayudado a fluir a través de distintos moods a lo largo de su discografía, desde lo etéreo hasta lo impetuoso, sin embargo, el que más ha prevalecido en cada uno de sus materiales ha sido el sensual.

Quizá donde más está presente es en su segundo álbum Black Cherry, melodías que son muy distintas entre sí como “Crystalline Green” y “Strict Machine” o “Hairy Trees” y “Train” son el claro ejemplo que la sensualidad se manifiesta sin importar si la melodía es suave o enérgica. Pero este estilo no solo se quedó en su segundo material, sino que Goldfrapp logró imprimirlo en sus materiales posteriores y hasta la fecha en canciones como “Anymore” y “Tigerman” de su más reciente producción Silver Eye.

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Alison Mosshart

La frontwoman de The Kills posee un timbre de voz muy particular. Sus inicios en una banda de punk dicen mucho de su actitud y de su enfrentamiento al micrófono. En el polo opuesto al adiestramiento clásico (por no decir académico), explota sus versos con una intensidad eléctrica en la que resplandece cierto dejo de sensualidad.

Su dominio de la entonación y la velocidad se asemeja al de un rap. Es capaz de impostar la voz con gran potencia. Tras unos ligeros suspiros pueden sobrevenir de manera refrescante una serie de improperios entrecortados. Navega salvaje y elegante sobre las agitadas cuerdas de la guitarra de su compañero y pareja sentimental, Jamie Hince.

Jack White encontró algo de semi-gutural y rasposo en su voz. Una cualidad que embonaba perfecto con la intensidad de Deat Weather. De su más reciente material discográfico Ash & Ice, destacan "Doing It To Death", "Siberian Nights" y la multifacética "Impossible Tracks".

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Bill Withers

El soul y el r&b son de los géneros más estimulantes, razón por la que se necesita una voz sugestiva y cautivadora, una voz como la de Bill Withers. Las palabras que salían de la sedosa y retumbante voz de barítono del estadounidense lograban darle una exquisita esencia a cualquier tema.

La clave del interprete, como detonador sensorial se basa en una formula simple: el camino del dominio y la admiración siempre llevan a la atracción. Sea una fascinación erótica o de benevolencia, en realidad no importa, pues su facilidad para lograr diferentes texturas vocales y controlar técnicas como el scat; ese virtuosismo e intuición para aprovechar los silencios a su favor, hacen que su música se meta en tu cuerpo como el frío de la madrugada.

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Dave Gahan

Barítono, con una emblemática voz que varias generaciones identifican fácilmente. En varias de sus aportaciones vocales incluye tonos que logra hacer “roncos” y logran la sensualidad.

Su voz mezclada con las oscuridad de los beats y guitarras que otorgan sus compañeros, logran algo muy genuino en su estilo. Dave Gahan ha tenido diferentes facetas en su ejecución vocal sin embargo en entrevista con The Guardian declaró que “Condemnation” de Songs of Faith and Devotion fue la canción que lo hizo saber que realmente tenía una voz que explotar. Con técnica o sin técnica, Dave Gahan crea una atmósfera sensual en muchas de sus canciones.

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Mike Patton

Al hablar de voces extravagantes es complicado dejar fuera al gran Mike Patton y la múltiple personalidad que caracteriza su sonido. Con un rango que abarca 6 octavas (cuando los simples mortales cantamos utilizando solo 2), ha desarrollado su instrumento de manera prodigiosa, convirtiéndolo del chillido malévolo a la profunda y seductora figura del crooner sin mayor problema.

Tan misceláneo como el arsenal de sonidos que es capaz de reproducir, es su gusto por experimentar con distintas expresiones musicales, mismo que lo ha llevado a formar proyectos como Fantômas (con miembros de Melvins y Slayer), el súper grupo Peeping Tom (Massive Attack, Amon Tobin, Norah Jones, Bebel Gilberto, Kid Koala etc), Tomahawk (Jesus Lizard, Helmet), Maldoror (con Merzbow), Dillinger Escape Plan (prestando su voz para un mini álbum), Dead Cross junto a Dave Lombardo y miembros de Retox). Por si eso fuera poco, ha prestado su voz para videojuegos y doblajes de películas. Una voz sin limites, elástica, multifacética ¿Hay algo más sensual que eso?.

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Peter Murphy

El también llamado "padrino del rock gótico", Peter Murphy nos hipnotiza con su profunda voz ad hoc con su personalidad vampiresca, elegante y misteriosa. A lo largo de su carrera como líder de Bauhaus –una de las bandas más emblemáticas de Northampton, Inglaterra– y en su faceta en solitario, su teatralidad y fuerza en el escenario nos transmiten sensualidad con el toque especial de sus poéticas letras.

Entre de sus interpretaciones más destacadas se encuentran: "Bela Lugosi's Dead", "All We Ever Wanted Was Everything""Hollow Hills", y "Ziggy Stardust", tema original de David Bowie incluido en el álbum The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars de 1972.

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Robert Levon Been

Nacido en Felton, California, Robert desde su infancia ha tenido el rock & roll inmerso en la sangre. Su padre, miembro y fundador de The Call, le inculcó desde pequeño el camino que siguió para fundar su propia banda: Black Rebel Motorcycle Club. Pero el californiano no solo es un increíble instrumentista –donde destacan sus habilidades en el bajo–, sino que es poseedor de una de las voces más correosas, oscuras y sensuales de la actualidad. Sus tonos graves acompañados por la distorsión de sus pedales, hacen que su actitud de total rebeldía reflejen con méritos a uno de los chicos malos que todas desean. Tal vez lo que haga más intensa y profunda la voz de Robert Levon Been, son los tópicos que su agrupación proyecta en cada tema: la muerte, los problemas que afligen al mundo, denuncias políticas, las relaciones fallidas y la oscuridad latente que rodea a la era contemporánea.

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Shirley Manson

Inconfundible tono de voz grave. La cabeza de la agrupación Garbage ha sabido sacarle provecho a su timbre, ya que es el que nos ha cautivado a lo largo de más de 20 años.

Con diversas canciones en su historial que van desde el tono juguetón en “Cherry Lips”, hasta el más agresivo con el track “Shut Your Mouth”, ha sido inspiración de la nueva generación de chicas rockeras y la han colocado como referente por su seductora interpretación.

Ya sea expresando sus ideales o a la hora de cantar, Shirley nos ha demostrado que cuenta con una voz única, sensual y peligrosa que puede alcanzar notas ya sea altas o hasta mínimas para algo tranqui sin perder su toque sexy.

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Trent Reznor

Además de ser músico, compositor, productor y multiinstrumentista, Michael Trent Reznor –líder de Nine Inch Nails, How to Destroy Angels– posee un rango vocal barítono, lo que hace que su voz se adapte a la oscuridad de sus composiciones. Ligera, clara y muy masculina, su manera de cantar la desarrolló gracias a la influencia de Freddie Mercury, Robert Smith y Gary Numan. Su fuerza y esplendor vocal –a veces grave, a veces agudo– lo demuestra en canciones como: “Hurt”, “Closer”, “Head Like a Hole”, “Vessel”, “The Hand That Feeds”, “The Perfect Drug” y más.

“Mi voz como compositora parece que necesita hablar o al menos funcionar un poco para no atrofiarse”, expresó Reznor en una entrevista para NME.

Escucha a continuación “Only” solo con la voz de Trent Reznor.

Sofi Tukker en el Pepsi Center WTC

Una noche de fiesta de tennis en el Pepsi Center WTC con Sofi Tukker.

Ante la sobreoferta de conciertos que hay en la CDMX, uno pensaría que algunos artistas convocarían significativamente menos audiencia ante la abundancia de opciones y los altos costos de los boletos. Afortunadamente para el dúo neoyorkino Sofi Tukker, fueron recibidos por un Pepsi Center WTC casi abarrotado para su triunfal regreso desde el Corona Capital del lejano 2019.

En punto de las 21:00 H salieron al escenario un grupo de bailarines a calentar el escenario con coreografías elaboradas y atuendos multicolor, durante 15 minutos animaron al público bailando al ritmo de temas como “Sweet Dreams (Are Made Of This)” y “Pump Up the Jam” antes de regresar tras el escenario, pero no sería lo último que veríamos de ellos. En seguida Sophie Hawley-Weld y Tucker Halpern salieron al escenario con sus atuendos rosa chillón ante gritos de emoción y dieron inicio a una noche mitad fiesta tropical, mitad competencia de tenis (en honor a su más reciente álbum Wet Tennis).

Apropiadamente, el primer tema de la noche fue “Energía”, seguido de “Best Friend” con las que hicieron al público brincar mientras visuales coloridos y dinámicos con temática del deporte en cuestión se proyectaban en las pantallas. El dúo mostró su lado creativo al implementar un sistema de puntos como si fuera una competencia para hacer a los asistentes dar todo de sí, bailar y gritar mucho.

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“Kakee” y “Original Sin” fueron los primeros cortes de su más reciente disco en sonar y fueron recibidos con entusiasmo. Sofi mostró sus habilidades guitarrísticas con su imponente Flying V ante vitoreos constantes y los bailarines presentados al inicio llevaron el show a otro nivel ante sus contínuas coreografías que complementaron a la perfección la energía de Sofi Tukker. 

A continuación sonó su exitoso sencillo “Awoo”, seguido de “Summer in New York” con sus coloridos visuales de la ciudad de fondo y “Sun Came Up” que nos transportó a un paraíso tropical antes de elevar de nuevo los ánimos al tope con “Fuck They” en medio de luces color pastel. 

Para interpretar “Brazilian Soul” de sonido bossa-nova, Sofi se quedó sola con su guitarra acústica y la audiencia iluminó el lugar con sus linternas ante el emotivo momento. Lo que siguió fue un maratón de baile con “Wet Tennis”, “House Arrest”, “Jacaré” y sobre todo con “Emergency”, durante la cual Sofi se colocó al centro del escenario para enseñar la coreografía al público en medio de luces láser multicolor.

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Los ánimos continuaron mientras sonó su más reciente sencillo “Sacrifice”, el cuál destacó por su coreografía para la cual los bailarines se colocaron detrás de Sofi para formar un ser de ocho brazos como la deidad Kali. Con “Swing”, “Batshit” y “Purple Hat” se acercó el fin de la fiesta, destacando la voraz y extremadamente profunda voz de Tukker quien le hacía la competencia a su dupla en materia de energía y habilidad para mover al público.

Para el encore sonó “White Lotus” ante imágenes de la selva y animales mientras Sofi portaba una colorida capa alada. Finalmente, el irresistible riff de “Drinkee” y sus adictivos cánticos en portugués hicieron brincar al público por última vez, coreando a la par esas notas de guitarra como un himno de fiesta. 

El dúo Sofi Tukker confirmó la enorme base de seguidores que tiene en México, la cual no los ha olvidado en todos estos años y que siempre está dispuesta a hacer la fiesta como ellos.