Edward Sharpe and The Magnetic Zeros – PersonA

Brillo, surrealismo y emociones.

Después de tres años de espera, los californianos Edward Sharpe and The Magnetic Zeros regresan con su cuarto disco de estudio titulado PersonA. La banda, conocida por sus característicos acordes folk, rock y un poco psicodélicos, esta vez plasman una propuesta que nos hace viajar a través del tiempo por medio de 10 tracks de sonidos míticos.  

“Hot Coals” abre la experiencia con una suave guitarra, rudos argumentos y, posteriormente, una secuencia surreal de sonidos que se elevan y bajan creando deliciosas capas auditivas. Desde un inicio, la banda nos muestra su versatilidad en el manejo y combinación de instrumentos que van desde el piano hasta algunos otros de viento.

El tema “Uncomfortable” tiene la habilidad para crear la sensación de su mismo nombre y cierra con dos gritos desesperados. Después de la tensión, “Somewhere” nos regala acordes que inevitablemente nos recuerdan a “Here Comes The Sun” de The Beatles, sin embargo, la canción de pronto toma su propio carácter sesentero y se convierte casi en una experiencia espiritual. Cierras lo ojos y de pronto estás inmerso en un bosque rodeado de personas que aplauden y bailan bajo la luna.

Sin duda los discos pueden generar sensaciones, y lo interesante de PersonA es que es un compilado lleno de matices bipolares, pero que fluye y evoluciona: es una historia para escuchar.  

Canciones como “No Love Like Yours”, “Free Stuff”  y “Lullaby” pueden ponerte muy de buenas. Aunque su instrumentación es sencilla y pintoresca, son fáciles de amar. Mientras que, por otro lado, podemos encontrar tracks con más profundidad tanto sonora como lírica, como “Wake Up The Sun”, tema que se estira, vuelve y juega con la coquetería de su piano y la voz su vocalista Alex Ebert, quien destila versos en los que muestra su inconformidad por la iglesia, Dios e incluso Buda, adoptando como lema que su única religión es el amor.

Otro de los cortes que destaca es “Let It Down”, que comienza con un tono lúgubre, pero su riqueza radica en la evolución que toma pues, tras un aparente declive, el clímax sorpresivo se construye de piano, tambores y mucho bajo. Comienza una fiesta auditiva que se evapora lentamente. Sin duda, un track digno a destacar.

Y para bajar los motores, “Perfect Time” nos prepara para el cierre del álbum con una melodía calmada y romántica, recordándonos que quizás este es el momento perfecto para amar.  Finalmente “The Ballad of Yaya” despide simpáticamente el compilado. A más de alguno seguro les arrojará una ligera nostalgia con el brillo sonoro y palabras de resurrección lunar.

PersonA un disco de texturas, historias, pensamientos pero sobre todo de emociones.

Death Grips – Bottomles Pit

Que suene el terror de Death Grips.

Sí señoresDeath Grips está de nuevo en nuestras orejas y estrena su nuevo disco llamado Bottomless Pit. A diferencia de sus discos anteriores, podemos escuchar una versión "más digerible" del contenido musical que Death Grips presenta en esta producción.

Un arranque violento, impactante y lleno de energía, matizado con un coro pegadizo, es "Giving Bad People Good Ideas". La fórmula agresiva de percusiones intensas, gruñidos de guitarras y de versos destructores se sigue conservando, con frenos de mano que nos detienen en seco para un cambio de ritmo, un rap más calmado y con rimas mejor procesadas. Todo esto en un solo tema: "Hot Head".

Death Grips es una banda que, independientemente del estado de ánimo en el que te encuentres, servirá como catarsis para liberarte, y con este disco, en menos de lo que crees, estarás rapeando los coros de sus temas. En un buen combo, "Spikes" y "Warping", se alinean versos ególatras y beats que imponen autoridad.

"Eh", aún con el abuso de sonidos sintéticos, mantiene las baterías recargadas y aniquila a todos los haters de la agrupación, abriendo paso a un hip hop con mayor densidad que contrasta con la baja velocidad del tempo a la que "Bubbles Buried In This Jungle" se desempeña, sin mayor logro que continuar el álbum.

Un tema adictivo es "Trash", mismo que les aseguro escucharán más de una vez, convirtiéndose incluso en uno de los favoritos de esta placa. En cambio, cual escapista llega "Houdini", desapareciendo de nuestro foco de atención.

La fuerza y el constante sonido del sintetizador vuelven en "Three Bedrooms In A Good Neighborhood", reforzándose con una belleza de tema que integra todos los elementos que hacen únicos a Death Grips. Aunado a riffs de guitarra que generarán vibraciones en nuestros huesos, "Ring A Bell" se vuelve uno de los mejores tracks de este disco.

Y como todo buen inicio debe tener un buen final, "80808" y "Bottomless Pit" cierran con broche de oro este álbum, que nos deja satisfechos en su gran mayoría y con ansias de presenciar uno de sus explosivos y tan comentados shows en vivo.

'Supersonic', el nuevo documental de Oasis

En el mes de octubre se estrenará Supersonic, un nuevo documental sobre la historia musical de Oasis.

Noel y Liam Gallagher estarán juntos de nuevo... Al menos, eso se podrá ver en las pantallas de cine, cuando en octubre se estrene Supersonic, documental que mostrará material y archivos inéditos sobre el ascenso a la fama de Oasis, una de las bandas más representativas e importantes del britpop de los años noventa.

Supersonic estará bajo la realización de Asif Kapadia y la dirección de Mat Whitecross, mismos que estuvieron a cargo de los aclamados documentales sobre Ayrton Senna, Senna, AMY de Amy Whinehouse, que resultó ganador como mejor documental en la más reciente entrega de los Óscar.

El próximo 14 de octubre, por medio de un evento especial que correrá a cargo de una transmisión vía satélite que se podrá ver en algunos cines de Reino Unido, Oasis hará el estreno de  Supersonic. Dos días después, el documental se podrá ver en algunas salas alrededor del mundo y a partir del 31 de octubre estará disponible en DVD y Blu-Ray.

Oasis Flyer

Polémicas declaraciones, peleas y muchos himnos musicales: así fue la exitosa carrera de Oasis, quienes tras siete años de la separación, volverán a estar juntos en uno de los documentales musicales más esperados de los últimos tiempos.

Después de la separación de Oasis, los hermanos Gallagher tomaron sus propios caminos. Liam formó Beady Eye, agrupación que tuvo relativo éxito, siendo Noel y sus High Flying Birds quien ha tenido mejor aceptación por parte de los antiguos fanáticos de la banda originaria de Manchester.

 

 

Coldplay estrena el video "Up&Up"

Cuando la fantasía se funde con la realidad.

Hace un mes que la agrupación londinense liderada por Chris Martin se presentó en la Ciudad de México para ofrecer tres conciertos en el Foro Sol, demostrándonos que aún siguen más vigentes que nunca -puedes leer nuestra reseña y galería aquí-. Hoy, Coldplay está de estreno y nos comparte el video de su más reciente sencillo que forma parte de su disco A Head Full of Dreams.

¿Te imaginas un volcán haciendo erupción, pero en lugar de lava fueran palomitas de maíz? O que tal una niña columpiándose en la profundidad del espacio y aves volando dentro del mar. Todo esto es posible gracias a la tecnología, pero también a la imaginación. La letra de "Up&Up" nos habla acerca de nunca rendirnos y de luchar por nuestros sueños, por más lejos que parezcan.

coldplay

El videoclip es una pieza visual con mucho significado, en donde actividades tan comunes como jugar, dormir, correr, viajar en metro o en la autopista, se convierten en algo extraordinario al mezclar otro tipo de imágenes. Vania Heymann y Gal Muggia fueron los encargados de producir este material para darle vida al tercer sencillo de Coldplay.

Disfruta abajo del video para "Up&Up" y esperemos muy pronto ver las escenas que grabaron en la Ciudad de México en un nuevo trabajo audiovisual.

King Gizzard and the Lizard Wizard – Nonagon Infinity

Un disco lleno de números y significados.

El 7 es considerado por muchos un número mágico. Para Pitágoras era “el número perfecto”, Alighieri lo usaba en sus obras y la Biblia lo menciona con frecuencia. Asimismo, el 7 lo podemos encontrar en el número de integrantes de esta banda australiana que, con sus instrumentos, logran crear un puente entre el cielo y la tierra para dejarnos en un loop infinito.

El 7 no es el único número que ronda en Nonagon Infinity. Como su nombre lo indica, un nonágono es una figura geométrica de nueve lados, tal y como lo podemos ver en la portada del disco, pero además es el número de canciones que dan forma y vida a su octavo material de estudio, grabado en Daptone Studios, Nueva York.

Según el diccionario de la Real Academia Española, el término frenesí es una violenta exaltación y perturbación del ánimo. Eso es precisamente lo que nos ofrece King Gizzard and the Lizard Wizard en su más reciente producción discográfica. Nonagon Infinity es un puñado de canciones desenfrenadas y violentas con toques de psicodelia que te harán volar sin despegar los pies de la tierra.

La sinergia en el álbum es tal que el hilo conductor jamás desaparece. Pero no es casualidad: así fue construido este material. Cada una de las canciones están colocadas meticulosamente para que al término de una el sonido fluya hacia la siguiente. Incluso lo podemos notar con la última pista: las notas finales de “Road Train” se conectan a la perfección con el track que abre al disco, “Robot Stop”.

Nonagon Infinity pretende explorar un territorio más agresivo, fusionando sonidos que nos recuerdan a bandas como Black Sabbath, Metallica y Motörhead. Sin a lugar a dudas, este es un disco para escuchar en vivo y dejarse atrapar por sus dos bateristas, tres guitarristas, un bajista y hasta un armonicista. ¿Ven? Todo gira alrededor de los números.

Pedropiedra estrena "Todos Los Días"

El ritmo chileno de Pedropiedra llama al baile "Todos Los Días".

Hace ya tres años el músico Pedro García de la Huerta, mejor conocido como Pedropiedra, lanzó su tercer álbum como solista: Emanuel. Antes solía tocar con varias bandas y ahora funge como baterista de José González y la banda del programa 31 minutos. Tras una pequeña pausa, el chileno regresa con nueva música.

Esta vez trompetas, guitarras, funk y la voz de Catalina Rojas en los coros son los principales componentes del nuevo sencillo de Pedropiedra, titulado "Todos Los Días". Este es el segundo tema que el chileno comparte previo al estreno de su próximo álbum, cuarto en su carrera.

Pedropiedra_TodoslosDias

 

A diferencia del primer sencillo "La Balada de J. González" que es tranquila, simple y, dicho sea de paso, un homenaje y agradecimiento al músico José González"Todos Los Días" es un claro llamado al baile y al canto, con un ritmo pegajoso.

La nueva producción de Pedropiedra, de la que aún no se sabe el nombre, se estrenará en la presentación que tendrá el próximo 10 de junio en El Imperial de la CMDX. Para ir calentando motores, estos nuevos sencillos ya se pueden encontrar en cualquier plataforma de streaming. Y para que no le pierdas la pista, visita su Facebook y dale dedos arriba.

Javiera Mena en el Lunario del Auditorio Nacional

Un concierto de otra era con Javiera Mena y su electro pop.

Ayer domingo, en el prólogo de una tarde lluviosa y fría, la chilena Javiera Mena deleitó nuestros corazones una vez más con su irreverente y ligera música. Previa a la aparición de la chilena, la chihuahuense Ruzzi amenizó en solitario durante media hora con su dulce voz y guitarra afinada. Desafortunadamente, pese a una presentación decente en la que derramó talento, sus baladas no conectaron del todo con la audiencia que, en su mayoría, prefirió hablar y continuar en lo suyo.

Al concluir la telonera, pasaron varios minutos antes de que apareciera Mena, pese a que ya estaba listo su set up en el escenario. Cuando por fin salió, lo hizo encapuchada junto a sus bailarinas, generando gran revuelo y júbilo ante la modesta audiencia que había en el Lunario. Abrió genialmente con "Los Olores De Tu Alma" para tener una suave transición a una de las favoritas de la audiencia, "Otra Era", en la que utilizó sus icónicos lentes blancos. El furor fue tal, que la voz de los presentes prácticamente opacó a las bocinas del recinto.

Al concluir, Mena removió su capa descubriendo un atuendo sensual, cosa que alocó más al público. De ahí, la fiesta no paró. Siguieron, una tras otra, canciones movidas como "La Joya", “La Carretera " -que tuvo como invitado al venezolano Algodón Egipcio- y la hipnótica Sincronía, PegasoDurante toda la velada, Javiera Mena lució radiante, y con su sonrisa resplandeciente transmitió vibras positivas a los espectadores. Además de cantar y tocar los teclados, estuvo realizando el mix entre la mayoría de las piezas de su concierto.

Pronto, llegó un pequeño espacio en el que Mena aprovechó para agradecer a sus fans por apoyarla en sus 10 años de trayectoria como cantautora, e invitó a su amiga Ruzzi al escenario para tocar sus mejores baladas, como la cálida “Sol De Invierno”, la romántica “Esquemas Juveniles” y la triste “Luz De Piedra De Luna”.

Después, puso a bailar de nuevo a todos con la pegajosa “Espada”, que tuvo una graciosa coreografía en donde ella y sus acompañantes utilizaron espadas de Star Wars. Al terminar, salió brevemente del escenario para regresar con un excelente encore formado por la tierna “Hasta La Verdad” y “Al Siguiente Nivel”, una de sus primeras piezas.

Al final, y como cereza en el pastel, cantó su agradable cover de “Yo No Te Pido La Luna” de Daniela Romo que, a juzgar por la edad promedio de los presentes, posiblemente no la conocían del todo bien. Con una explosión de confeti dorado que llenó la mitad del Lunario, Javiera Mena dio por concluido así un encantador concierto de su gira Otra Era Tour.

Shit Robot – What Follows

Después de un receso musical, Shit Robot regresa con nuevo disco.

Regresar a lo esencial nos dirige a nuevos descubrimientos. Esto ocurre al escuchar What Follows, el tercer álbum del irlandés Marcus Lambkin aka Shit Robot. Tras dos años de su última producción bajo el sello de DFA Records, este álbum de larga duración nos remonta a sonidos que nos reconectan a un techno más clásico. Declaraciones de Lambkin evidencian un disco más análogo. Los tonos electropop que destacaban en sus trabajos anteriores dejan de ser los protagonistas en esta placa, reconectándolo con una atmósfera más cruda y underground.

Shit Robot se ha caracterizado por sumar a diversos colaboradores en sus filas y What Follows no es la excepción. Sin embargo, esta vez podemos notar aportaciones muy sólidas que hacen vibrar aún más este tracklist, en donde desfilan figuras como Nancy Whang -LCD Soundsystem-, New Jackson, Alexis Taylor -Hot Chip-, Museum of Love, y el cantante de punk Jay Green. Cada tema fue cuidadosamente mezclado en el shaker de Juan MacLean.

Entre las canciones que destacan se encuentran “In Love”, una pieza atmosférica llena de secuencias clásicas del techno"What Follows", un track oscuro con elementos post punk y cold wave con la muy evidente marca de Museum of Love; "Ten Miles High", un corte con matices industriales que en momentos evoca a la primera ola techno de Detroit; “Lose Control” destaca con secuencias pop electrosas y energizantes, completamente upbeat y menos denso que los demás cortes, y que aporta a la secuencia la vitalidad que necesitaba; “End of the Trail” es el primer sencillo de este álbum, un melancólico track synthpop que pronto se posicionó como uno de los favoritos; “Is There No End” es una pieza trippy y esquizofrénica que nos lleva a la escena techno de finales de los noventa. El viaje termina con el remake de "OB-8 (Winter Mix)", logrando una atinada versión que bien puede superar a la original.

Compuesto por nueve tracks, entre cajas de ritmo vintage, secuenciadores modulares y un omnicordio, Shit Robot encontró la fórmula perfecta para crear una placa bien producida, con una estructura coherente y elementos bastante clásicos que pueden correr el riesgo de sonar como si fuera algo que ya hubiéramos escuchado antes.

Entrevista con Reyno #VL16

Cómo mantener tu Reyno.

Si en los últimos años hay una banda que ha sabido aprovechar los engranajes de la industria musical, sin duda es Reyno. El dueto formado por Christian Jean y Pablo Cantú ha pasado por una serie de cambios en su corta carrera, pero la constante siempre ha sido el trabajo duro y la búsqueda de nuevos límites creativos. Puede que parezca un camino fácil, pero llenar El Plaza Condesa o presentarse en un Vive Latino no es cualquier cosa para una banda que apenas en 2014 lanzara su álbum debut. Sin embargo, lo verdaderamente difícil es seguir adelante y tratar de vencer la presión que existe en una escena tan competida. O más bien, ¿la clave es no preocuparse?

Eso parece en la cabina del Estudio Codependiente, en donde las risas y el trabajo se reparten en partes iguales. Con dos exitosos lanzamientos en el mismo número de años, pareciera que Reyno nunca descansa, algo de lo que te percatas cuando entras a su estudio. Aunque también han encontrado en la camaradería y el ambiente relajado la clave para hacer algo de lo que se sientan orgullosos.

Con el éxito llegando muy pronto en su carrera, podrían tomarse las cosas un poco más a la ligera, pero sucede todo lo contrario. “Aunque logramos cierta notoriedad con el primer disco, no queríamos que pasara como con muchas bandas que logran que les vaya bien pero después se quedan atorados, no sé si por miedo o algo así. Por eso creo que fue un paso muy acertado meternos de lleno a una segunda producción discográfica inmediatamente después de terminar la gira”, nos comenta Pablo Cantú, baterista de la banda. “En esta época de inmediatez es más fácil que desaparezcas del radar o que la gente se olvide de ti, entonces tienes que ser muy constante y nuestra inquietud de hacer música como bestias nos ha permitido avanzar así de rápido”, continúa.

Reyno 2

Dos discos, si bien los tienen donde están ahora, para ellos han quedado atrás. Más allá de pensar en cómo han conseguido lo que tienen hasta ahora, para Reyno es más importante buscar el siguiente camino. “Tal vez no todo ha sido tal y como queríamos, pero nosotros más bien nos concentramos en avanzar y no en estarnos sugestionando sobre lo que deberíamos de haber hecho. Siempre estamos viendo hacia adelante y lo ejecutamos todos los días”, comenta Pablo algo que cada vez está más cerca de cristalizarse, con la tercera producción de estudio del dueto. “Tenemos ya algunos demos caseros en donde estamos definiendo todavía hacia donde lo queremos llevar. Hay mucha música que nos gusta y que podríamos tomar como referencias pero preferimos que se vean hasta que esté, porque todavía ni sabemos nosotros cómo va a terminar. Esa es la magia de los discos. Que no llegas con todo claro de cómo quieres que sea, sino que en el camino lo vas definiendo y ajustando para que todo tenga sentido”, continúa Christian Jean, vocalista de la banda. “Lo que sí tenemos definido es que va a llevar una carga emocional muy diferente a lo pasado. Siempre queremos renovar y plasmar nuevos sentimientos. Con el tiempo te dan ganas de hacer algo diferente, no diametralmente opuesto, pero sí irte moviendo y dejando que las emociones dicten parte de la cuestión instrumental. La parte musical y la producción tienen que ser una abstracción de la emoción, así que por ahí irá. De momento es lo que les podemos contar”, agrega Pablo.

No es un secreto que su despegue se vio acelerado gracias a la gira que tuvieron con Zoé y al apoyo que han recibido de ellos. Sin embargo, para Reyno esto es solo un factor de lo que ha hecho que su música entre al gusto del público. “El hecho de que Zoé llegue y diga ‘les presento a esta nueva banda’ ya tiene una cierta fuerza. Que alguien con tanta credibilidad diga ‘me gusta este pedo’ hace que la gente ponga atención”, comenta Christian. “Muchas veces ponen al artista telonero por paros o porque le debes un favor a alguien, pero en nuestro caso fue una cosa de empatía y de decir ‘esto me gusta y lo quiero apoyar’. Tanto así que abrieron el subsello y nos invitaron a ser parte de él. Terminamos el segundo disco y fuimos a escucharlo con ellos, lo escuchan en sus casas... En fin, es una cuestión de apoyo real”, agrega. “Esto se suma a la transparencia en la música y el que la gente se puede identificar muy fácilmente con los sentimientos que se plasman en nuestras canciones, con las letras que los hacen darse cuenta que son cosas que ellos también viven y sienten, eso causa una empatía instantánea”, opina Christian.

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Pese a haber llenado foros a lo largo del país, Reyno no piensa en arenas o giras internacionales. “Creo que nosotros vemos esas cosas como consecuencias de algo que sí es nuestro objetivo, que es la búsqueda artística. No te puedes poner a pensar en metas o logros a largo plazo porque eso puede contaminar mucho el proceso creativo que te hace llegar a esas metas”, considera Pablo. “Entonces, más bien nuestras energías y nuestro reto está en nuestra siguiente producción discográfica y en la que sigue y en la que sigue, que es lo que hace crecer tu repertorio y cada vez poder llegar a un público más amplio que te va a llevar a esas metas. Nuestros objetivos y ambiciones se deben centrar estrictamente en lo artístico”, comenta. Esto se refleja en la tranquilidad con la que afrontan los diferentes festivales masivos en los que se han presentado últimamente. “Cuando estás en un festival es interesante porque te enfrentas a gente que tal vez no habría pagado por verte solo a ti, pero ya que estás en un cartel te escuchan. En ese sentido preferimos concentrarnos mucho más en la gira que estamos armando, y que esperamos anunciarla muy pronto, que es una gira por todo el país y eso sí va a ser nuestra primera vez”, declara.

La gira aún no tiene fechas definidas, pero los llevará a lugares donde nunca han estado o en los que aún no logran atrapar al público. A pesar de que muchos podrían considerarlos una de las grandes bandas en este momento, ellos quieren comprobarlo con nuevos retos. “Es lo que vamos a descubrir con esta gira, a ver cómo estamos parados en diferentes lugares. Sabemos en dónde nos va bien y en dónde no nos va tan bien, pero hay lugares a los que no hemos ido solos y que va a valer mucho la pena ir a darte de cates”, bromea Christian. “La idea es ir a picar piedra a diferentes lugares donde hay que hacerlo. A Guadalajara hemos ido a tocar 10 veces y ya tenemos un público importante allá, por ejemplo. En Monterrey también hemos estado continuamente desde el inicio de Reyno. Toluca. León. Hay lugares donde sabemos que la banda ya existe, pero lo que importa es ir a ver qué pasa en ciudades donde no hemos estado. Nos intriga mucho saber qué va a pasar allá. Puede ir bien o no, pero si te va mal el chiste es volver a ir, regresar las veces necesarias hasta que te vaya bien”, comenta el vocalista.

Puede ser muy pronto para saber hacia dónde irá el futuro de Reyno, y a ellos no les preocupa. En una época en la que casi el mismo número de bandas que surge son las que se desintegran, la creatividad y el hambre de más es lo que puede sacar adelante a un proyecto. “Mientras tengamos la capacidad de diálogo, va a funcionar. Me pasa con mi novia, con quien llevo cinco años, y nunca me planteé durar cinco años. Sólo me planteé el día siguiente,” opina Pablo. “Pero nosotros lo que hacemos es procurar muchísimo la comunicación y no preocuparnos por algo que todavía no está aquí. Siempre está este deseo de impresionarnos mutuamente en cuanto a lo que artísticamente somos capaces de hacer. Creo que las diferencias que pueden surgir tienen que ver cuando alguien tiene una búsqueda que no empata con la de la otra persona. Pero no va a ser por un problema de egos mientras estemos disfrutando lo que el otro propone”, agrega. “Entonces es una moneda que siempre está en el aire, en realidad. No dar por sentado lo que tienes es siempre la manera de conservarlo”, concluye.

Akil Ammar y Bocafloja en el Foro Indie Rocks!

Akil Ammar y Bocafloja logran rotundo sold out en la CDMX.

La causa fue la música. El efecto: un lleno total de cuerpos que sacudían los brazos al aire y no dejaban de cantar un solo momento. Tuvieron que pasar 10 años para volver a ver en un escenario a Akil Ammar y Bocafloja. Para esta noche, se hicieron acompañar de Olinka y los puertorriqueños Némesis y Velcro.

La euforia podía sentirse en cada esquina del Foro Indie Rocks! Akil Lammar subió al escenario, con una playera que decía“HATERS GONNA HATE”, dinamitando un energético coro de “Akil, Akil, Akil” en medio de aplausos y chiflidos. Con Ximbo a cargo de los beats, el rapero se mostraba con una enorme sonrisa y estaba listo para presentar sencillos de su nueva producción, Frenesí.

Apelando al lado romántico que todos llevamos dentro, sin necesidad de colocar los labios en el micrófono, “Tú” retumbó por todo el Foro gracias a la voz de sus fans. El amor conlleva lucha, una lucha que llevamos en las venas y que sentimos todos los días al caminar por las calles de nuestro país. “Yo No Voté Por Ti” calentó el ánimo para “Mi Barrio”, recibiendo una respuesta llena de sentimiento, en un comunal desacuerdo por nuestra forma de gobierno, que se denota desde cualquier trinchera.

El coro de "Hijo" -“te hicimos con amor y no con sexo”- llevó los brazos al pecho. Manteniendo una atmósfera emotiva, pero con picos de energía, siguió “Somos Soldados” y “Te Extraño”, canción que fue coreada de forma seria, mostrando el respeto que se le tiene a un padre. Para terminar este bloque, y antes de darle el micrófono a Ximbo, sonó “Debajo de Mi Piel”. Fueron 18 canciones con las que Akil deleitó a su público: “Policías en Helicóptero”, “Manos Vacías” y “43” fueron algunas de las más coreadas. “Voces de La Calle” cerró la presentación. Podrán quitarnos todo, menos el sentimiento de disfrutar la música.

Los gritos de “Boca, Boca, Boca” no se hicieron esperar, y rompiendo con la fórmula clásica de DJ y MC, Bocafloja se presentó en un formato de banda que resaltaba los detalles de jazz que introduce en su música. Una introducción acústica que mezcló la sensualidad del sonido del saxofón con la melódica voz de la cantante llenó de ritmo el cuerpo para “Goodman”. Fiel a su estilo, con su boina y bermudas, el rapero sacudió los corazones de todos sus fans, con una pulsión rítmica alimentada por los teclados y la flauta en “Taciturno”. Al filo del escenario, Bocafloja mezclaba sonidos y soltó toda su energía en “Soul Rebel”.

Con la banda, el ambiente se tornó más íntimo, dando oportunidad para que Bocafloja anunciara que su nueva producción estará lista el próximo 7 de junio. Con un soul mutante, la batería acaloraba el torso mientras los teclados hacían que el cuello se contorsionara mientras la garganta repetía una y otra vez “This is my life”. Ya sin la banda, sin duda escuchar el sample de “El Día de Mi Suerte” fue uno de los momentos favoritos del público, que acompañó en cada frase al rapero.

El tan esperado momento de ver a Akil Ammar y Bocafloja había llegado, el piso retumbó. Saltos, gritos y coros volvieron del Foro IndieRocks!, una fuerza inquebrantable donde los raperos llevaban el estandarte. “Esta Noche Es Nuestra” fue la canción elegida para cerrar esta noche, y sí, la noche fue suya. Cambiando nuevos y viejos temas demostraron que la escena hip hop nacional ha crecido enormemente.