Bon Iver – 22, A Million

De delirios y realidad.

La banda liderada por Justin Vernon es ecléctica y melancólica.  En el 2008, Bon Iver sorprendió con su álbum debut For Emma, Forever Ago.  Ocho años después, llega 22, A Million, su tercera entrega. Se trata de un álbum profundo, no para pasar el rato, sino para que lo disfrutes mientras piensas… en todo.

La trompeta, el saxofón, y batería fueron los invitados principales.  Además, gran número de amigos se encargaron de realizar magníficas ejecuciones. Además de la fuerte carga emocional, en cada nota resuenan los agradecimientos (que también fueron plasmados en papel) hacia familiares demás seres queridos que contribuyeron a la realización de este material.

El espectáculo de sonidos comienza y piensas que vas rumbo a la demencia con “22 (OVER S∞∞N)”. Al tiempo que los teclados delirantes te descontrolan, aparece una voz femenina que perturba e impide la calma. El saxofón se hace presente, precediendo a una declaratoria aún más directa.

Al paso de los minutos, el ritmo se acelera y en “10 d E A T h b R E a s T ⊠”, Bon Iver nos atrapa entre letras y sonidos. La calma regresa con los acordes de 33 “GOD”, mientras el sonido de los metales crea una atmósfera única y espacial. “I’d be happy as hell if you stay for tea” suena y ya te encuentras pensando en tu amor imposible.

“29 #Strafford APTS” comienza con suaves acordes de guitarra y reverberaciones de melancolía. Es la mitad del álbum y ya te sientes en casa. Los recuerdos te invaden y quieres seguir ahí. Se trata de un bello transitar. Después llega el momento del lado B con “666 ʇ”. El número prohibido suena, y esta vez no se trata de una película de terror.

Súbitamente suenan acordeones y junto con la lírica: “i’ve been caught on fire… without knowing that the truth is fire, i’ve been caught on fire…”.  Se trata del tema “____45_____” que precede al esperado final con “00000 Million”, en el que Bon Iver se despide con un canto suave, al compás del piano.

Es así que los de Wisconsin demuestran, no solo su versatilidad, sino su capacidad nata de crear sonidos diversos con gran carga emotiva en un disco que querrás volver y volver a escuchar.

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Entrevista con Delorentos #CC16

Delorentos: entrega y pasión desde Irlanda.

Bien dicen que las personas que no conocen México se enamoran al instante la primera vez que lo visitan. Muchas bandas crean una conexión muy especial con el público mexicano y gracias a eso deciden ponernos permanentemente en sus agendas. Entre esas bandas se encuentran Delorentos, banda originaria de Dublín, Irlanda. En abril pasado, hicieron su debut en tierras Aztecas al presentar su más reciente LP, Night Becomes Light,  en el Foro Indie Rocks! para luego darse una vuelta a Monterrey y tocar en el festival Pa’l Norte.

Muy importantes en Irlanda y con una enorme base de fans en España, estos irlandeses han estado muy ocupados los últimos dos años. Desde la salida de su más reciente álbum han estado de gira por todo el planeta, experimentando con conciertos acústicos y planeando su nuevo álbum. Pero lo mejor está por llegar y Kieran Macguinnes, guitarrista y coros de la banda, lo sabe y se prepara junto a sus compañeros para lo que sea que les depare el futuro. A pesar de sus más de 10 años de carrera, saben que aún hay un largo camino por recorrer.

“Siempre hemos sido una banda que mira hacia adelante y siempre pensamos que lo siguiente que haremos será mejor. Seguimos aprendiendo. En el momento en que tocamos en México, tuvimos un show increíble, quisimos regresar para tocar un show mejor, un show más grande, con mejores canciones. Si crees en lo que haces y las personas ven que crees en ti mismo, puede funcionar” reconoce el guitarrista.

Pronto, podremos verlos de nuevo en el Corona Capital, fecha que esperan impacientes. Desde Irlanda nos cuenta su entusiasmo por regresar a México. “Nunca nos imaginamos que tocaríamos alguna vez en México y finalmente lo hicimos; fue un gig increíble, conectamos con el público y después, que nos inviten a regresar para tocar en un festival tan importante como el Corona Capital es increíble” menciona con alegría y añade: “Logramos tocar en Guadalajara, Monterrey y Ciudad de México. Nunca nos imaginábamos cuando estábamos en Irlanda que íbamos a tocar en esos lugares. Para nosotros, si lo pienso, las canciones nos han llevado a esos lugares. Estamos orgullosos de la música que hemos hecho”.

Del humilde Foro Indie Rocks! al Corona Capital, hay una enorme diferencia. Es un gran paso en la carrera de una banda que busca tener presencia en la Ciudad de México. La audiencia es distinta, muchos no te conocen y esa ventana representa una gran oportunidad para presentar tu música frente a un gran público. En los últimos meses han tocado en festivales como Exegen en Irlanda y Sonorama Ribera en España. Saben que les espera un gran reto. “Para nosotros es increíble que haya gente en facebook y twitter que nos escribe ‘tienen que regresar. Vengan a Guadalajara, a Monterrey’. Nos da mucha confianza”.

En resumidas cuentas, estos chicos irlandeses se han fogueado en pequeños y grandes escenarios, aprendiendo y sacando lo mejor de ambos. “Creo que en lugares pequeños puedes conectar con la gente. Les hablas más directamente. Las canciones íntimas funcionan mejor y creas una conexión. Pero, por otra parte, al tocar en grandes festivales, si puedes crear algún tipo de conexión con las personas en ese tipo de escenario, la conexión es más grande, más abierta” reflexiona Kieran. “Ambos son perfectos. Si podemos tocar en ambos, entonces está perfecto para nosotros. Nos gusta mezclar ambos”.

Han sido 10 largos años para Delorentos, han vivido el nacimiento de la era digital, el streaming y las redes sociales. También han madurado: sus letras lo reflejan y para ellos, la época de hacer canciones estilo “Taylor Swift” ha quedado en el pasado.” Es una locura, porque llegamos después del iPhone y después de todo lo que pasó. Las personas no compraban música, la descargaban, la pirateaban. Nunca dejamos que nuestra música se tratara solo de sacar discos y pasar todo el tiempo en el estudio. Siempre hemos sido una banda que busca tocar en vivo lo más que se pueda, así que para nosotros el mundo no es tan diferente, porque hacemos lo que mejor sabemos hacer”.

En los últimos minutos de la entrevista, Kieran toma una respiro y cuenta una anécdota que la banda vivió en Monterrey al preguntarle sobre su interacción con sus fans: mientras esperaban su turno para subir al escenario, presenciaron como la banda que tocaba antes que ellos no se tomó un tiempo para convivir con los fans que andaban por la zona, ignorándolos. Él se sorprende de este tipo de actitudes, ya que ellos suelen ir con sus fans para convivir y platicar lo más que se pueda. “No puedo imaginar no hacer ese tipo de cosas. Solo estás donde estas, porque las personas quieren oírte, porque les importa lo que haces, así que tienes que darles todo”.

Ya faltan menos de dos meses para que los fans de Delorentos tengan la oportunidad de verlos en el Corona Capital, un show en el que esperan conectar con el público mexicano a gran escala, como lo han logrado en Irlanda y en España. Sencillos, con los pies en la tierra, entregados. Eso los define y las últimas palabras de Kieran lo reflejan. ”Estamos ansiosos por verlos pronto. Puede sonar algo aburrido, pero es la verdad”.

Wild Belle en el Lunario del Auditorio Nacional

Wild Belle y su sonido hipnotizante en Lunario.

La noche de ayer, el dúo originario de Chicago, Wild Belle, regresó por segunda ocasión a nuestro país, después de haber formado parte del lineup del paradisíaco Carnaval de Bahidorá hace ya dos años, para dar un íntimo concierto en el Lunario del Auditorio Nacional, donde sin duda alguna, conquistaron a todos los presentes con sus ritmos seductores bajo el brillo magnífico de la luna.  

Allie X fue la encargada de abrir el show a las 21:00 H con su sonido electro pop oscuro, el cual entretuvo a la audiencia por más de cuarenta largos minutos. “All the rage”, “CATCH” y “That’s so us” fueron los temas que sobresalieron de su repertorio, sin embargo en algunos momentos aunque la voz de Allie X fuera desafiante se escuchaba un tanto chillona y desafinada. Además, su actuación se percibió algo forzada por estar su baile demasiado coordinado con las secuencias y el ritmo de la guitarra de su pareja.

Finalmente a las 22:06 H se encendieron las luces y comenzaron a escucharse los primeros beats de “Mississippi River” mientras se veía a Natalie Bergman lucir un estilo muy boho con su blusa con olanes en las mangas y su cabello desteñido, y a su hermano Elliot con una camisa estampada y su clásico sombrero negro, dejando claro el impactante concierto que se avecinaba.

Las canciones más coreadas de su segunda placa titulada Dreamland fueron: “Throw down your guns” donde la actuación de Natalie estuvo llena de energía a tal grado que se sentía la pasión y el coraje de su alma. Y en “Giving Up On You” ella se movía con toda la actitud y su voz pasó a ser más ruda e intensa. También complacieron a sus fans con temas de su primer material Isles, como: “Love like this”, “Keep you”, “It’s too late”, “Another girl” y “Take me away” que al estar compuestas por los géneros: reggae, funk, blues y jazz, propiciaron que la multitud bailara sin parar.

Entre algunas canciones, Natalie se daba el tiempo de agradecer a sus seguidores y bromear con ellos al decir: “¿Dónde está el mezcal para tí, para mí y para mi banda?” mientras todos la ovacionaban. El dueto de Chicago demostró que su talento musical es natural, ya que fácilmente transmitieron la emoción de todas sus melodías.

Wild Belle se despidió de su público mexicano a las 23:20 H con “Shine”, donde Elliot Bergman sorprendió a todos con su solo de saxofón, siendo un excelente final que flechó a más de un corazón en el Lunario del Auditorio Nacional y seguro será difícil de borrar de nuestras mentes por algún tiempo.

NANO MUTEK MX: Dixon en Mono

NANO MUTEK 2: Dixon, conquistando a la humanidad a través de la magia de sus sonidos.

La siguiente edición de MUTEK México está cada vez más cerca y por ello, la gente de MUTEK nos ha estado deleitando con algunas pequeñas dosis de música convertidas en una especie de pre-fiestas y en las cuáles han contado con artistas y productores increíbles. En esta ocasión, el turno fue para Dixon, el legendario DJ alemán co-dueño, junto a Âme, de la disquera Innervisions, que es uno de los labels más respetados y reconocidos del mundo.

La cita, por causas de fuerza mayor debido a la suspensión temporal de Foro Normandie, fue en el club nocturno MONO el 6 de octubre de 2016. Ubicado en el corazón de la colonia Juárez y con una reciente remodelación, debía de fungir en esta vez como el recinto para que Dixon impartiera cátedra de la música más fina, exquisita y rara del mundo de la música electrónica.

El evento comenzó, en teoría, a las 23:30 H y digo en teoría porque desafortunadamente la mayoría de los asistentes tardamos entre 45 minutos y 1 hora para ingresar al club ya una vez formados en la parte de abajo. Sumado a todo este tiempo de espera, hubo un sobrecupo del lugar dejando a varias personas con boleto pagado fuera del evento. Esto, posiblemente ocasionado por el personal del lugar que permitió el acceso a personas sin boleto y que presumiblemente son clientes asiduos o conocidos del personal y socios del lugar. Honestamente, esto es un abuso que debería ser castigado por parte de organizadores, evitando llevar sus eventos a lugares que no respetan al público que asiste con la confianza de que disfrutará de la fiesta y no que se quedará fuera.

Regresando al tema musical, Mandrake fue el DJ encargado de preparar la pista a Dixon y lo hizo con un set bastante agradable, lleno de buenos grooves y en el cual, conforme fue avanzando, subía el nivel de intensidad. Todo, para calentar la pista y que ésta estuviera lista para la llegada de Dixon.

Comenzó a pinchar su sesión a la 1:15 H y vaya que la inició de una manera espectacular. La primera hora y media estuvo cargada de un house bastante fuerte, con vocales discretas y ritmos tribales que, si bien, no eran muy característicos en las sesiones de hace algunos años, en los últimos meses se han vuelto bastante recurrentes en sus sets y existimos algunos a quiénes nos encantan esos ritmos y vocales tan enigmáticos. Tracks como "General System (Main Dub)" de Trikk, "Waiting For A (Woman) [The Revenge Rework]" de Auntie Flo o un track que a pesar de no haber sido editado, como lo es "Moon" de Jimi Jules, sonó en un momento bastante adecuado.

Para la mitad de su sesión, Dixon elevó el nivel de intensidad y comenzó con lapsos de 20-30 minutos de increíble techno que hizo que los asistentes nos moviéramos de un lado a otro. Estos pequeños lapsos los combinó con grandes melodías llenas de vocales alucinantes que se convirtieron en bajones suculentos. Durante esta parte sonaron temas como "Passion is my Fashion" de Kotelett & Zadak o "Happy Piece For Happy Pleople Piece" del increíble productor Voiski y que definitivamente fue uno de los highlights de la noche.

Los últimos 45 minutos estuvieron dotados de tracks irreales que hipnotizaban oídos, cuerpo, mente, alma y movimientos de todos los presentes, y que a pesar del calor, la excesiva cantidad de gente y el poco espacio para movernos, no importó para esperar cada bombazo de Dixon y su armamento musical. En el desenlace sonó "Parallel Romance (Sb Re-Arrange)" de Anthony Georges Patrice, "Repeat Again After Me (Âme Remix Edit)" de Etienne Jaumet o "Out of Here (Roman Flügel's Cosmic Disco Drama Rework)" de Benedikt Frey.

Para cerrar la noche, Dixon pinchó dos temazos de esos que ponen la piel de gallina, siendo "Labyrinth" de los Tuff City Kids el de clausura y que terminó por liberar toda la energía que se había acumulado durante toda la fiesta.

Con esto, Dixon demostró el motivo por el cual lleva desde el 2013 siendo votado el mejor DJ del mundo y nos enseña, que si bien la técnica es muy importante a la hora de mezclar, la selección musical es fundamental y en el mundo, existen muy pocos DJ que entienden perfectamente lo que su público pide a través de sus pasos de baile, la atmósfera del lugar y el grado de intensidad y él es uno de esos seres que lo entienden a la perfección, al grado de representar a un ser que viene de otro mundo para conquistarnos a través de sus sonidos hipnóticos.

Pond comparte “Sweep Me Off My Feet”

Pond ha compartido “Sweep Me Off My Feet”, canción producida por el líder de Tame Impala, Kevin Parker.

La banda australiana lanzó su más reciente tema que, por el momento, solo podrá escucharse en Apple Music. Este es el primer estreno desde Man, It Feels Like Space Again, su último álbum de estudio hasta la fecha y que fue lanzado el 23 de enero de 2015. La canción, que tiene una duración de tres minutos con 30 segundos, fue producida por Kevin Parker, vocalista de la banda Tame Impala. Es preciso mencionar que esta no es la primera vez que el músico hace este trabajo, pues incluso hace unos días la cantante Lady Gaga reveló una canción producida por Parker.

“Sweep Me Off My Feet” es el primer avance del nuevo disco de Pond, que aún no tiene una fecha de lanzamiento pero que será en los primeros meses del próximo año y será publicado a través del sello discográfico Spinning Top Records.

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Para muchos Pond es un proyecto alterno de la banda Tame Impala, ya que tiene a dos de sus integrantes: Jay Watson y Nick Allbrook. La agrupación se originó en Perth, Australia, en el 2008 cuando los dos músicos anteriormente mencionados se juntaron con Joseph Ryan, compañero de Allbrook en Mink Mussell Creek y pensaron en crear un grupo libre de egos, sin un líder determinado y que fuera completamente inclusivo.

Debemos recordar que la banda estará en nuestro país para el festival Coordenada, pero también se presentará en el Sala Corona el 21 de octubre de este año. Así que seguramente seremos de los primero países en poder escuchar vivo este nuevo tema.

Puedes escuchar su nueva canción justo aquí:

L7 estrena el primer tráiler de su documental

Por fin podemos ver el primer tráiler del documental Pretend We’re Dead, filme que aborda a las integrantes de la banda L7.

Aunque aún no se tiene fecha exacta de estreno, la banda originaria de Los Ángeles, L7, lanzará a finales de otoño la cinta que comenzaron a grabar desde el año pasado después de anunciar el regreso del grupo. Sarah Price es la directora del proyecto que empezó como un crowdfunding creado por la compañía de Robert Fagan, Blue Hats Creative, Inc. Después de conseguir más de cien mil dólares de casi 1500 seguidores, la película ya está cerca de los cines.

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Este proyecto es muy prometedor, ya que contó con más de 100 horas de películas caseras, material nunca antes visto de sus presentaciones y sorprendentes entrevistas. Uno de los que colaboran con su opinión en este filme es el productor Butch Vig, quien trabajó con Nirvana y con L7 en el disco Bricks Are Heavy, lanzado en 1992 y clasificado como uno de los mejores álbumes de los noventa. Otros de los entrevistados son Shirley Manson de Garbage, Joan Jett, Krist Novoselic y Exene Cervenka.

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Debemos recordar que el 27 de enero de 2015, L7 confirmó su regreso para el festival español Azkena Rock. Si no conoces a esta emblemática agrupación femenina, esta es tu oportunidad para relacionarte con una banda que fue la cabeza de varios Lollapaloozas, que influyó a diferentes artistas de la escena del punk rock y que organizó uno de los festivales más controversiales llamado Rock For Choice y que estaba a favor del aborto. También podrás tener detalles de la vida de mujeres tan polémicas como Donita Sparks y Suzi Gardner. Con esta película realmente no importa si eres hombre o mujer, sin duda te sentirás identificado con este grupo de chicas que se abrieron paso en la industria de la música ganando el respeto de todos.

Puedes ver el trailer justo aquí:

Gorillaz hace un comercial para Jaguar

Gorillaz ha formado equipo con la marca de autos Jaguar, convirtiendo a la integrante Noodle en la imagen del proyecto que tienen en la Formula E.

Ayer, a las 10 de la mañana, la banda Gorillaz subió en su Twitter un gif de un casco de piloto pintado con aerosol, esto prometía nuevos detalles de su próximo disco, y aunque no recibimos lo esperado, si nos dieron muy buenas noticias. Noodle, guitarrista de la agrupación, ha sido anunciada como la nueva embajadora del equipo Jaguar Racing en la Formula E.

Para los que no sepan de qué se trata esto, la Formula E es una competencia para autos de carrera eléctricos y un evento que promueve múltiples novedades tecnológicas para automóviles, como motores, llantas y sobre todo alternativas energéticas. Sobre esta competición, esto fue lo que dijo la integrante de Gorillaz: “Es un bebé, sólo dos años de edad. Sólo se utilizan coches eléctricos. Piensen en toda la investigación y desarrollo de motores eléctricos! Tendrá un beneficio para todo el mundo, así que quiero alimentar esto, apoyarlo y ayudarlo a crecer. Como un Tamagotchi ¿los recuerdan?”.

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Algo de lo que también habló la joven creada por Jamie Hewlett, fue sobre las razones por las que la compañía de autos Jaguar decidió usarla como imagen de este proyecto. Más que nada el objetivo es atraer la atención de los jóvenes, en especial de las mujeres, para que se acerquen a la ingeniería automotriz y al desarrollo de autos eléctricos o energías ambientales. La interprete de “DARE” mencionó lo siguiente: “Las mentes jóvenes de hoy son los ingenieros del mañana. Estamos en el asiento y nuestra imaginación es el combustible. ¡Es hora de comenzar a construir un mundo mejor!”.

Entre otros detalles, Jamie Hewlett dirigió el spot de la empresa y además pudimos ver una animación de la imagen actual de Noodle, quien luce con más edad que en otros vídeos. Puedes ver el comercial justo aquí:

'Reign In Blood' de Slayer cumple 30 años

A 30 años del primer vuelo del ángel de la muerte.

Raining blood
from a lacerated sky
bleeding its horror
creating my structure
now I shall reign in blood

Nunca juzgues un libro por su portada, reza un viejo adagio, pero al observar detenidamente la imagen que simboliza el disco Reign In Blood sabemos que estamos condenados a viajar no en 9, sino en 10 círculos del infierno. Cual odisea de Dante, la bienvenida al viaje sangriento la da Josef Mengele en las puertas del campo de concentración de Auschwitz convertidas en cenizas. En su papel de “Angel of Death” nos describe sus cruentos experimentos con seres humanos y se autoproclama monarca del reino de la muerte.   

“Piece By Piece” para enmarcar la diferencia entre Slayer y demás bandas cuyo crisol se centró en el área de la bahía de San Francisco: velocidad, crueldad, mutilaciones, un tempo de 210 beats por minuto sin pausas, sin solos épicos, sin coros para cantar en un estadio repleto. Ante nuestros ojos se cierne un altar de sacrificios, Jesús puede salvarnos pero está ocupado atendiendo otros asuntos.

Bajo el mando de Rick Rubin en las consolas, la voz de Tom Araya parece más un rictus salvaje que solo gritos sin sentido. Dave Lombardo emulando una pesada artillería con la batería y maquilando un nuevo modo de ejecución que sería imitado pero jamás igualado por muchos bateristas. Kerry King y Jeff Hanneman predicando la difusa verdad entre filosos bends y riffs que terminarían inspirando a una nueva generación de bandas: “Escucha “Domination” de Pantera y está totalmente inspirada por Slayer”, refirió Phillip Anselmo al respecto del legado de los 4 jinetes del apocalipsis. Es bien sabido que Kerry King y Dimebag Darrell llevaban un lazo de mutuo respeto, amistad y shots de Jägermeister, misma bebida con la que brindó Kerry en honor al fallecido Hanneman en la entrega de los Revolver Golden Gods Awards del año 2013.

Con títulos de canciones como “Criminally Insane” era obvio que el material encontraría trabas para su distribución comercial, aun así, Reign In Blood es catalogado como uno de los discos más importantes de la historia del metal y artífice de varias de sus vertientes más brutales. Después de tantos círculos que nos envuelven en una espiral de ocultismo, el gran final llega en forma de lluvia de sangre para dejar de manifiesto el salvajismo instrumental que controla el movimiento de nuestros cuellos, la taquicardia cerebral, el reflejo de un mundo enfermo y la catarsis que resulta ser para aquellos ávidos de furia estos 28 minutos y 56 segundos de una travesía dantesca, como bien lo mencionó Scott Ian de Anthrax: “Slayer hace el soundtrack del infierno”.

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Entrevista con Allah-Las #CC16

Allah-Las a la mexicana.

La salida de su nuevo disco y la próxima visita a nuestro país, son pretextos perfectos para platicar con una de las bandas que estaremos escuchando en lo que resta del año, Allah-Las, por lo que Miles Michaud, vocalista del cuarteto angelino sostuvo una charla con Indie Rocks!

Se conocieron en la escuela, la mayoría trabajó en una importante tienda de discos, por lo que han estado ligados a la música desde muy jóvenes, y hoy buscan darle un golpe de consolidación a su carrera con su tercer álbum.

Calico Review es el nombre del nuevo disco, fue grabado en el legendario Valentine Recording Studio que después de 30 años reabrió sus puertas, y la banda aprovechó para trabajar en él, hecho que influyo mucho en el sonido del material.

“Este disco lo hicimos de diferente forma, durante el transcurso del año grabamos algunas canciones en el estudio de un amigo, después entramos en el Valentine Studio y juntamos todas las canciones, estuvo bueno grabar ahí porque es un lugar que tiene más de 30 años, y hay herramientas de trabajo que llevan el mismo tiempo; fue genial trabajar con eso”.

Allah-Las

Esta nueva placa ha sido trabajada a conciencia, síntoma de que Allah-Las ha madurado y se exige cada vez más: “en todas estas canciones nos llevamos mucho tiempo trabajándolas, a todos los discos les damos su espacio pero Calico Review es al que más tiempo le hemos dedicado, estamos contentos con el resultado”.

Un nuevo disco es sinónimo de una nueva gira y la agrupación ya tiene planeado pisar México para tocar en un par de festivales, Miles asegura que aunque no es la primera vez que toquen en la playa se mueren de ganas por hacerlo en el Festival Trópico, además mostró su emoción por poder tocar junto a Brian Wilson.

¿Y el Corona Capital?, “estamos muy entusiasmados, será la primera vez que toquemos en la CDMX, además los artistas que se presentarán son una gran influencia para nosotros y es un honor compartir escenario con ellos”, respondió el también guitarrista.

Miles declara que la banda está enamorada de México, por momentos se atrevió a hablar en español, mostró su gusto por bandas como La Revolución de Emiliano Zapata y The Cavernarios, además aseguró que Allah-Las viene a comer muchos tacos y a comprar muchos vinilos, por lo que la química con el público será casi inmediata.

Son casi diez años de shows, de giras y de mucha diversión, Allah-Las nos visita tal vez en su mejor momento, y a nosotros solo nos queda disfrutarlos.

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#LRReseña: Michael Kiwanuka – Love and Hate

Love and Hate: Cómo Michael Kiwanuka encontró el balance.

Escrita por Fernanda García Gómez

En el 2012 Michael Kiwanuka ganó el premio de la BBC 'Sound Of’ y fue nominado al UK Mercury Prize gracias a su álbum debut Home Again. Sin embargo, esto no creo un impulso creativo lo suficientemente fuerte como para sacar otro disco de manera inmediata en el 2013.

No fue hasta julio de este año que Kiwanuka decidió sacar su segundo material Love & Hate, el cual fue producido por Brian Burton, mejor conocido como Danger Mouse. Con la colaboración de Danger Mouse, Kiwanuka pudo por fin salir del bloqueo creativo gracias a que Burton lo animaba a componer y construir canciones desde cero en el estudio, creando así piezas que suenan tan largas como nostálgicas.

La canción con la que abre, "Cold Little Heart", es una pieza progresiva de 10 minutos –de los cuales 5 son meramente acústicos–. Aunque en un principio la canción tiene unas guitarras que bien nos podrían remitir al trabajo de David Gilmour en sus años en Pink Floyd, conforme avanza, esta pieza se va transformando hasta culminar en una canción que toma todos los elementos del principio para crear una especie de outro.

"Black Man In A White World", el primer single de esta producción, nos transporta completamente a las canciones de protesta de los años sesenta al incluir elementos tan simples como aplausos y una guitarra muy sutil que hace una mezcla de blues y soul para transmitir ese sentimiento de inconformidad mientras canta “I'm in love but I'm still sad, I’ve found peace but I’m not glad”.

A partir de "Falling", la tercera canción del disco, se puede notar no solo que el tempo de las  siete canciones restantes se vuelve más lento sino que, en general, el álbum comienza a sonar mucho más nostálgico que al principio. Para muestra de esto sólo basta escuchar "Rule The World" o "Father’s Child".

Definitivamente Love & Hate es un recorrido musical nostálgico, evocando sonidos del soul  de los sesentas y setentas. Con una voz muy al estilo de Otis Redding, Michael Kiwanuka expresa a lo largo de los 10 tracks que conforman el álbum que el amor y el odio son una constante batalla que vale la pena ser luchada si el resultado es encontrar un balance como lo hace él en esta producción.

Love and Sound ya está disponible en La Roma Records.