Talaboman — The Night Land

Talaboman: Los chamanes del minimal house.

Comunión, trance y un grado de alucinación considerable. The Night Land tiene dos momentos extraordinarios. En el primero de ellos, la música va surgiendo como en un viaje psicodélico de post-house; misticismo en el cuerpo de cada canción. Notas coloridas-cristalinas y synths distorsionados nacen como las plantas en una selva, una detrás de otra.

En el álbum hay un beat constante que llega a ser ocultado por sonidos que aparecen y se desvanecen; dejan al descubierto esta vibración latente. Se trata de una jungla de elementos por descubrir. El clímax embriaga y adormece; pero, no alcanza un punto de pendiente gigantesco. No es una ascensión que busque una caída vertiginosa, es un ritual de electrónica alucinante en donde no hay destino, sino camino.

"Loser's Hymn" es uno de los ocho temas que ha creado el ente de cuatro manos, John Talabot y Axel Boman, mejor conocido en el medio como Talaboman.

El catalán y el sueco comenzaron a colaborar cuando el primero presentó un tema del segundo en su DJ Kicks (2013). Más tarde, el EP Sideral (2014) marcó el inicio formal del proyecto, una combinación de los diferentes estilos de producción que descarrila en un sonido particular. Electrónica a lo IDM (Intelligent Dance Music).

El resultado es un álbum caleidoscópico: deep house, minimal, techno y krautrock, más afropercusiones y terrenos ambientales. Paradójicamente es consistente en sus transformaciones; pero, no alcanza los puntos sólidos que Talabot logró en Fin (2012).

Para el segundo momento, el material ha cruzado diversos terrenos hasta llegar a las percusiones cuasi tribales. "The Ghosts Hood" es un festín de elementos, es mucho de lo que suele usar el español, golpeteos como si fueran martillos chocando contra unos clavos, mientras, el bleepsse se entromete a su antojo.

Empieza a perecer, a decaer, la pieza está agotando su propia naturaleza. Cae en la monotonía, sin goce; una ola ambiental baja sobre una playa de marea rutinaria resucitando el misticismo del track. Beats, synths con delays, más percusiones; la canción está mutando en algo gigante. Abrasivo. Manto electrónico que se expande hasta que se consume con unos latidos de eco.

Para el ritual de Talaboman hay que abrir la mente, cerrar los ojos, y dejar que te transporten desde México con "Midnattssol" (el águila, el jaguar y la tierra color rojo) hasta el África tribal. Lo que no podemos advertir es en dónde terminará el viaje; es parte del misterio.

“Es un viaje hacia adentro, un intento de alcanzar nuestro subconsciente y documentar nuestros sueños. Queremos prender la esperanza y empujar la imaginación. Cierren sus ojos y abran su mente”. 
Cita del Bandcamp de Talaboman

Descendents ataca a Trump con "Who We Are"

Descendents lanza "Who We Are", una canción con tintes políticos y una buena causa.

A pesar de que la banda californiana de punk rock regresó a mediados del 2016 con un nuevo disco, todo parece que la energía que acumularon en sus casi 12 años en silencio podrá dar para mucho más, ya que el día de hoy han revelado un nuevo tema.

El reciente estreno de Descendents se titula “Who We Are”, una canción de protesta, que fue escrita después de los resultados de las elecciones presidenciales. Tras la victoria de Donald Trump, la agrupación conformada por Bill Stevenson, Milo Aukerman, Karl Alvarez y Stephen Egerton empezó a trabajar en este tema, pero debido a los compromisos por el disco Hypercaffium Spazzinate tardaron en completar sus ideas.

Hoy, a menos de una semana de que el mandato de Trump complete los 100 días, el grupo tomó la decisión de compartir este tema que habla sobre la unidad del pueblo americano, así como hacer un lado las diferencias para combatir a un enemigo en común.

Las ganancias obtenidas con el nuevo tema de Descendents irán directamente al programa Planned Parenthood de la Unión Estadounidense por las Libertades Civiles, al igual que el Southern Poverty Law Center, una organización no gubernamental en defensa de los derechos civiles, conocida por sus victorias legales contra grupos de supremacistas blancos.

Puedes escuchar “Who We Are” justo aquí:

"Mercury", lo nuevo de Sufjan Stevens y Bryce Dessner

Sufjan Stevens y compañía compartieron "Mercury", segundo sencillo promocional del álbum Planetarium.

El músico de Michigan sorprendió a más de uno cuando anunció su regreso al proyecto de su amigo, el compositor Nico Muhly. Revelando “Saturn”, primer tema del disco Planetarium, con el que llevan trabajando desde el año pasado. Pero hoy, esta agrupación, que también enlista a Bryce Dessner de The National y al baterista James McAlister, ha revelado otro adelanto de este material.

Lo nuevo de Sufjan Stevens y compañía se titula “Mercury”, última de las 17 canciones que componen este álbum, que saldrá el 9 de junio a través del sello discográfico 4AD Records (Beirut, Grimes). Además, este sencillo viene acompañada de un video creado por Deborah Johnson, mejor conocida como Candy Stations, conocida por su trabajo con artistas como M83 y St Vincent.

Debemos recordar que la idea de este disco comenzó en la sala de conciertos holandesa Muziekgebouw Eindhoven, cuando le pidieron a Muhly crear una nueva pieza musical, por lo que llamó a los demás músicos buscando nuevas ideas. Esto fue lo que dijo Sufjan Stevens sobre el proyecto: "Habíamos grabado todos los arreglos y las partes en vivo en un estudio después de la última presentación", así que años después, cuando todo estaba en calma, pensamos en abrir la caja de Pandora".

Los cuatro intérpretes se reunirán este 10 de julio en París para presentar el álbum Planetarium completamente en vivo, acompañados de una orquesta con cuerdas y metales.

Tracklist de Planetarium:

  1. Neptune
  2. Jupiter
  3. Halley’s Comet
  4. Venus
  5. Uranus
  6. Mars
  7. Black Energy
  8. Sun
  9. Tides
  10. Moon
  11. Pluto
  12. Kuiper Belt
  13. Black Hole
  14. Saturn
  15. In the Beginning
  16. Earth
  17. Mercury

Vanbot — Siberia

La gélida experiencia de un viaje sonorizado por Vanbot.

Van seis años desde que Ester Ideskog, mejor conocida como Vanbot, lanzó su álbum debut, Vanbot (2011). Fue justo a la mitad de la primera década del siglo en curso: 2005. Año clave, el electro-pop de Europa del Norte tomó forma internacionalmente gracias a discos como el homónimo de Robyn; el The Understanding de Royksöpp; y, el Anniemal de Annie. También surgieron actos importantes, como el de Say Lou Lou; iamamiwhoami; y, The Knife. Éstos, estandarizaron el estilo nórdico: pop hermoso, extraño y demasiado electrónico a la vez.

Con el tiempo, Vanbot desarrolló un estilo poco personal, pero muy característico de la ola a la que pertenecía. Es, hasta ahora, con Siberia, su tercer álbum, que puede surgir una individualización artística.

Siberia se desarrolló durante 17 días, bajo la atmósfera conceptual de ser un álbum hecho fuera del estudio. Con la premisa de aprovechar la tecnología para poder crear en cualquier momento.

Los 17 días se vivieron en el Ferrocarril Trans-Siberiano, que conecta Moscú con la parte este de Rusia, pasa por China y Corea del Norte. El músico Petter Winnberg y el productor Johannes Berglund (quien ha trabajado con The Knife y FKA Twigs) acompañaron a Ideskog durante esta experiencia.

El título de cada canción viene escoltado de un subtítulo que referencia a la zona que produjo la inspiración para el track. "Collide (Krasnoyarsk)", el primer sencillo es una perfecta introducción al álbum. Contiene una textura rica en efectos etéreos. 

Si bien, el álbum ilustra la experiencia de estos tres músicos; difícilmente provoca lo que Brian Eno creó en un Thursday Afternoon (1984) o en Music For Airports (1978). Entiendo que la finalidad de Vanbot está muy alejada del ambient que busca mimetizar más que representar; pero, entonces, es importante reconocer que Siberia no suena a Siberia. Suena a una experiencia inspirada con la cual difícilmente podremos imaginarnos los espacios que acompañan los títulos de las canciones como tal. Sin embargo, podremos representarlas con algunos colores, climas, momentos y  emociones. Aquí es donde reside la fortaleza del material sonoro.

“Not That Kind (Moscow)”, “On the Fly (Omsk)” y “Close Enough (Ulan Bator)” son los puntos fuertes de Siberia. Independientemente de la poca estructura en sus letras, Ideskog y compañía, crearon canciones que, aun descontextualizadas del LP, funcionan como un pop meditativo. Si bien, no es innovador, cumple con el estándar cualitativo del pop nórdico.

Siberia es un disco que debe reproducirse una, otra, y otra vez, para captar la totalidad de los detalles introducidos en él. Cada canción puede pasar por alto sin la atención necesaria; pero, con esfuerzo, encontrarás una posible reinvención en Vanbot. Bien podrá ser la nueva pauta que caracterice a sus futuras propuestas sonoras.

 

Entrevista a Chetes

Chetes, dos décadas de trayectoria musical.

A lo largo de los últimos 20 años, de una u otra forma, Chetes ha sido parte importante de la escena rock a nivel nacional. Fue indispensable en Zurdok y Vaquero. Como solista, creó canciones memorables: “Poco a poco”, “Completamente” y “Que me maten”. Además, ha colaborado con importantes personajes como Meme, Clemente (Jumbo) y Amaral, sólo por mencionar algunos.

El próximo viernes 12 de mayo, Luis Gerardo García Cisneros (nombre real) festejará su vigésimo aniversario en la industria con un show en el Teatro Metropolitan. Repasará su carrera; desde Zurdok hasta su más reciente material, Stereotipos (2016).

"Queremos hacer un concierto especial, con invitados que de uno u otro modo hayan formado parte de mi carrera. Por eso, podré meter canciones de todas mis etapas. Por ejemplo, subirá a cantar conmigo Jay De La Cueva, con él participo en el proyecto Mexrrisey, y esto, es una parte importante de mi presente", adelantó Chetes.

En estas dos décadas, su carrera ha tenido altibajos. En 1997, con tan sólo 17 años, se integró a Zurdok. Con esa banda comenzó a mostrar sus composiciones y su voz –pese a tener que compartir su posición de vocalista con Fernando Martz en dos de los tres discos de la agrupación.

En 2002, tras la desintegración de Zurdok, formó Vaquero. Un proyecto que ambicionaba introducir el idioma inglés dentro del rock nacional; sin embargo, no logró el éxito imaginado.

"No tuvo la aceptación que esperaba. No sé, tal vez el público no estaba preparado para un rock mexicano en inglés. En un par de años, a pesar de tener varias presentaciones exitosas (Vive Latino 2005), desintegramos el proyecto porque notamos que no iba por el camino adecuado. Sin embargo, me quedo con comentarios de mucha gente que me dice que lo extraña y que es lo mejor que he hecho", aseguró García Cisneros.

Tras la separación de Vaquero, Chetes se concentró en su carrera solista. En 2006 lanzó Blanco Fácil y, todo explotó.

"No sé si mi etapa solista sea lo que mejor de mi carrera. Pero, sin duda, es lo que más satisfacción me ha dado; monetaria y personalmente. En esta etapa es en donde más libertad he tenido, y esto se nota pues no sigo la misma línea; intento mantenerme experimentando con nuevos sonidos”, reflexionó Chetes.

Y sí, la etapa solista de Chetes le ha dado bastantes satisfacciones. Aunque, esto no lo ha metido en una zona de confort. En 2014 tranquilizó una inquietud que tenía en la cabeza. Se volvió a juntar con sus antiguos compañeros de Zurdok y se presentaron en el Vive Latino. A pesar del éxito de esa actuación y de una pequeña gira con llenos totales, la experiencia le sirvió para darse cuenta de que la decisión tomada 12 años atrás había sido la correcta.

“Fue increíble ese reencuentro. Pudimos presentarnos en el escenario principal del Vive Latino, en horario estelar, y llenar foros que antes no imaginamos, como el Metropólitan. El problema fue que, también, nos sirvió para darnos cuenta que las razones por las que nos separamos seguían ahí. La lucha de egos no desapareció”, apuntó.

“Desde mi punto de vista esto me dejó más tranquilo que decepcionado. Ya no me pregunto: '¿qué hubiera pasado si no nos separábamos?'”, comentó Chetes.

Hoy, Chetes tienes mucho para celebrar. A sus 37 años ha formado parte de una las bandas más importantes del rock nacional; inauguró la moda de cantar en inglés, lo cual provocó que salieran bandas como Rey Pila. También, consiguió el éxito como solista y, se dio el lujo de participar como acompañante en el unplugged de Zoé y colaborar en Mexrrisey, proyecto que, aunque en México no ha tenido el éxito esperado, ha sido muy bien recibido por la prensa especializada en el extranjero. Así que, no hay pretexto para perderse esta celebración. La cual, por cierto, se piensa grabar para lanzar un disco en vivo.

 

Goldfrapp estrena video para "Systemagic"

Checa el resultado del debut como directora de Alison Goldfrapp.

El dúo compartió un electrizante video musical para su nuevo sencillo “Systemagic”, tema extraído de su más reciente álbum de estudio, Silver Eye, que salió a la venta el pasado 31 de marzo a través de Mute.

Este es el primer visual dirigido por Alison Goldfrapp, quién estuvo a cargo del arte para el clip de “Anymore”. Aquí podemos ver a un grupo de personas ejecutando una coreografía en una habitación oscura para dar paso a unos seres con rostros de espejo.

goldfrapp silver eye systemagic

“Quise que el enfoque estuviera sobre los bailarines, sus cuerpos y su movimiento”, dijo Goldfrapp en una declaración. “Es mi primera incursión en dirección y, ¡wow, qué experiencia! Espero hacerlo más. Es un mundo que me encantaría explorar y aprender mucho más”. Mira el visual a continuación:

Además de los videos para “Systemagic” y “Anymore”, hemos escuchado también cortes como “Moon in your Mouth” y “Ocean” extraídos de Silver Eye. Escucha el material en su totalidad aquí:

Gorillaz estrena "The Apprentice"

Escucha un nuevo corte de Gorillaz previo al lanzamiento de Humanz.

La agrupación liderada por Damon Albarn compartió "The Apprentice" una nueva canción en colaboración con Zebra Katz, Rag'n'Bone Man y RAY BLK, extraída del esperado sucesor de Plastic Beach y The Fall. Escucha la melodía más abajo:

Como ya es tradición, cada uno de los discos de Gorillaz se ha caracterizado para traer una ola increíble de artistas colaboradores y para Humanz, no será la excepción, ya que podremos escuchar cortes con artistas como Grace Jones, Kelela, Kali Uchis.

Hasta ahora hemos escuchado "Andromeda", "We Got The Power", "Saturn Barz", "Ascension" y "Let Me Out". No olvides que Humanz de Gorillaz sale a la venta este viernes 28 de abril. Aún estas a tiempo, preordena tu copia haciendo clic en la portada.

gorillaz humanz

Low Roar — Once In A Long, Long While

Once In A Long, Long While: catarsis por el fin de una relación de pareja.  

¿Alguna vez han experimentado una situación que creen no se repetirá? Seguramente sí. Independientemente de que haya sido una vivencia positiva o negativa, hay momentos que quizá no volvamos a vivir (al menos no en mucho tiempo).  

Para Ryan Karazija, líder del proyecto islandés Low Roar, la separación de su esposa le dejó una huella muy profunda. Plasmó por entero ese sentimiento en su nuevo disco Once In A Long, Long While. A lo largo de sus 13 pistas, la música y la melancolía hacen una mezcla homogénea.

“Don’t Be So Serious”, inaugura esta producción. Su sonido se apoya en elementos sintéticos que contrastan con el folk que nos sedujo en los primeros álbumes de la banda. Sin embargo, la esencia de Low Roar sigue intacta; la combinación de emociones al escuchar su música prevalece.

El primer sencillo del álbum llega. “Bones” es un tema que derrocha sensualidad de inicio a fin. Sincroniza destellos de cuerdas, instrumentos de viento y una base rítmica cadenciosa. La suave voz de Jófríður Ákadóttir, cantante islandesa, le da un toque especial.

Este LP cuenta con canciones que sonarían perfecto en una presentación acústica. Los tenues arreglos de “St. Eriksplan”, “Poznań” y “Miserably”, podrían sustituirse por una sutil guitarra acústica.

“Give Me An Answer”, el otro single del álbum, cautiva desde los primeros segundos de escucha. El ritmo nos lleva, cautelosamente, por un sendero de tranquilidad. Nos acompaña con percusiones diversas y tintes de una guitarra eléctrica; además, es antesala de los siguientes 3 tracks que, considero, son el clímax de este disco.

Once In A Long, Long While posee una fuerte carga sentimental. Potencializada, principalmente, desde que escuchamos “Waiting (10 years)”. Sigue “Without You”, canción en la cual, el escucha podría soltar algunas lágrimas al recordar a un ser amado que haya perdido. Casi cual si fuese una continuación del tema anterior, “Gosia”, nos regala, nuevamente,  un momento de paz. Recordamos así, que sólo nos necesitamos a nosotros mismos para lograr nuestros sueños.

El tema homónimo del disco es de los más disfrutables. Combina el sonido sintético de la distorsión en las guitarras con una base rítmica calmada. Más adelante, ya para cerrar, experimentamos una atmósfera musical a través de temas instrumentales: “Crawl Back” y “13”.

Pese a ser un disco con gran carga nostálgica y depresiva, los tracks bailables, instrumentales y con cierto grado de sensualidad le ayudan para levantar el ánimo y brindar armonía al finalizar éste.

Low Roar consolida su evolución musical a través de este álbum. Logra canalizar y transmitir el pesar de Ryan por medio de la música. Concreta un vínculo sentimental con el escucha, y lo transporta por múltiples estados de ánimo.  

#RecordStoreDay2017: Al calor de los discos en La Roma Records

La Roma Records. Una crónica desde el epicentro de la fiebre del vinil.

En 2007, cuando la industria parecía colapsar por el streaming, Chris Brown ideó un día para reconocer el trabajo de las tiendas locales y para fomentar la compra de vinilos. Desde entonces, cada año, el tercer sábado de abril se ha convertido en una fecha importante. Creadores, promotores, vendedores y consumidores, celebramos a la música. Visité La Roma Records para entender el interés del público capitalino, a continuación algunos apuntes de lo que noté. 

Repisa por repisa. Los melómanos, con los dedos índice y medio deslizan un vinil tras otro. Cuando encontraban uno que llamaba su atención –sin sacarlo del estante– se detenían a mirarlo un par de segundos mientras sus pupilas se dilataban. Lo tomaban con ambas manos (como cuando el viejo Rafiki presenta a Simba con el resto de los animales), le daban la vuelta a la contraportada para leer la lista de canciones y, finalmente, regresaban a la portada para observar los detalles del arte. Si éste los convencía, de inmediato lo ponían bajo el brazo. Repetían el procedimiento una y otra vez, hasta encontrar el nuevo acetato que formará parte del soundtrack de sus vidas.

“Siente el calor de los discos”, bromeaba un hombre de edad media con su Goose Island en mano.

Desde la parte superior de La Roma Records observaba a los exploradores sumergirse entre los viniles. Debido al reducido -pero, normalmente acogedor- espacio de la tienda, la gente hacía fila para ingresar. Parecía un sauna. Ni los dos ventiladores a su máxima potencia, ni la cerveza fría podían refrescar el ámbiente. La fiebre del disco, que le llaman.

Sólo la venta y firma de autógrafos de Vox Electra, segundo disco de Pastilla, lanzado en 1999 (remasterizado por Latinoamérica en vinil) logró dispersar un poco el calor humano. La gente compraba su disco, se formaba y, como si se tratara de un regalo, desprendían el plástico protector para entregárselo al vocalista de la banda. Víctor Monroy con sus característicos labios rojos sonreía mientras firmaba y se fotografiaba con su público.

El bochornoso calor volvió a arremeter en el primer piso de la tienda cuando la banda liderada por Víctor realizó su showcase. Interpretó canciones como “Ataud” y “Vox Electra”. Las personas que no podían ingresar completamente al local, coreaban desde la puerta. El cantante advirtió, en tono de broma, que no recordaba del todo las canciones de su segundo álbum pues, hacía 20 años que las compuso.

Entre la multitud que evocaba el final de los 90’s, se encontraba un despistado que, impaciente, le preguntó a uno de los encargados de la tienda por Moctezuma, tercer materia discográfico de Porter, del cual sólo se encontraban 100 piezas a la venta (disponibles desde las 3:00 pm).

Se dispersó un poco la gente y alguien reclamó la tornamesa. Bonz, bajista de Hello Seahorse!, se encargó de amenizar la búsqueda.

Según algunos compradores, los viniles habían sido tan manoseados que para las 8:00 pm., resultaba difícil encontrar algo de interés.

La Roma Records está por cumplir cinco años de “incrementar la cultura del vinilo entre compas”. Así lo declaró el co-fundador de la tienda, Alan Ornelas, en nuestro impreso número 97. Por ello, no sorprende que este año la tienda haya sido parada obligada en el Record Store Day. El festejo cumple ya un lustro de vida en tierra mexa.

Phoenix estrena música en su regreso a los escenarios

Tras un periodo de ausencia, Phoenix se presentó en Bélgica.

Después de tres años de descanso, la agrupación originaria de Versalles dio un concierto en la ciudad de Antwerp.

De acuerdo al setlist y a diversos clips e imágenes que circulan por la red, Phoenix debutó música nueva del esperado sucesor de Bankrupt! (2013). Gran retorno.

Dentro de las nuevas canciones, se encuentra “J-Boy”, un tema que fue adelantado cuando anunciaron las primeras fechas de su gira. “Ti Amo” y “Role Model”, fueron temas sorpresa en el show de Phoenix.

A continuación te dejamos algunos videos y el setlist completo que ofreció la agrupación en su presentación:

#phœnix #wearephoenix first show of the tour

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phoenix setlist 2017

 

ACTUALIZACIÓN.

El sexto álbum de estudio de la banda llevará el título de Ti Amo. Está firmado por el sello Glassnote; y, verá la luz el viernes 9 de junio.