Entrevista con Jesse Baez

Maestro del R&B en un mar de rap.

Jesse Baez es uno de los artistas más queridos en el sector urbano mexicano. Si bien no es rap ni trap o reggaeton, este artista ha conseguido ganarse un lugar entre los seguidores de estos géneros gracias a su particular estilo de R&B y sus temáticas que van más allá de la típica canción amor. Sin embargo, su historia con México comenzó unos años antes, cuando era vocalista de la banda guatemalteca Easy Easy.

“La primera vez que pisé México fue obviamente con Easy Easy. Desde el principio me sentí, o bueno, nos sentimos queridos, apoyados. Cuando llegó la hora de empezar mi carrera solista era muy obvio para mí que tenía que venir aquí a iniciarla, ahora que vivo en Los Ángeles volteo hacia acá con mucho cariño, es por eso que para mí fue muy importante lograr un sold out en Galera, creo que es la primera que lo hago y fue muy especial para mí”.

Aquí en México también es donde conoció a todos esos colaboradores con los que se abrió las puertas de la escena urbana. Uno de ellos C. Tangana.

“Con Pucho tengo relación desde que lo conocí en un Ceremonia en el que coincidimos, desde ahí nos volvimos amigos, después me invitó a abrirle un show, me parece que fue en el Lunario. Ya una vez hecho esto empezamos a colaborar, ya tenemos dos canciones públicas y pronto se viene una tercera”.

Hablando de colaboraciones, Jesse ha tenido varias muy notorias, Dillon Francis, Álvaro Díaz, Fuego, son solo alguna de ellas. Sin embargo, hay una que salta pues no se trata de una artista de la misma escena que los anteriormente mencionados: Paty Cantú, con la que sacó un tema el año pasado, justo después de firmar con Universal, lo cual hace pensar que se trató de una imposición.

“Es verdad que fue idea de la disquera, sin embargo no es como que no me haya gustado hacerlo, se trata siempre de estar abiertos. De hecho una de la cosas que me gusta de estar en una disquera como Universal es precisamente esa oportunidad de poder tener acceso a ese tipo de colaboraciones. De hecho ya tengo una con otro artista grande que se dio precisamente gracias a eso. Por cierto ya quiero que salga, seguro me tirarán mucho hate pero yo estoy feliz con ella”.

Sobre si se trata de algún artista R&B, Jessie solo atinó a responder. “En español no hay muchos artistas de ese género así que por lo pronto me tengo que mover con otro tipo de géneros, pero no hay problema, también me gusta, así que la paso bien”.

Por último Jesse habló de lo que viene para él en lo que falta del año. “Estoy preparando otro EP, sencillos, colaboraciones, tanto con los Broke Kids (colectivo/sello al que pertenece junto a Álvaro Díaz y MLKMN) como con otros, pero esas son sorpresa, solo te puedo repetir que hay una que estoy ansioso por lanzar, sobre todo por que me da curiosidad la reacción de la gente”.

Así, sin más y sin revelar el secreto de esta colaboración misteriosa, Jesse Báez se despide de la entrevista, sonriente como siempre, optimista como ninguno, listo para seguirla rompiendo en un género que normalmente queda relegado en México y el resto de países hispanos.

Joliette — Luz Devora

Con su nuevo disco Joliette es contundente y demuestra que no es más de lo mismo.

La agrupación poblana tomó a todos por sorpresa y se ha convertido en uno de los proyectos más interesantes de nuestro país. En una escena donde los sonidos se han vuelto simples y repetitivos, la banda sacude las cosas con un estilo conocido por muchos, pero que pocos grupos nacionales se atreven a tocar.

Las intenciones de Joliette son muy claras: convertir este 2019 en su año y no desaprovechar su creciente popularidad. Es por eso que este álbum, Luz Devora, es de enorme importancia para el grupo, pues los afianzará como una de las grandes promesas en México y además podrían darle enorme exposición al post hardcore en nuestro país.

El grupo comienza con “Cecapsis”, una muestra de su naturaleza abrasiva. El track no es una invitación abierta, no es un llamado a que los conozcas y tomes con tiempo tu elección. Este tema es una emboscada que te da solo unos segundos para decidir si vas a seguir adelante o te rindes ante tanta agresividad.

Si es que decidiste continuar, bien por ti, tomaste la decisión correcta. Pues canciones como “Vacío” y “Jupiter Jovial” se deshacen del sonido tan saturado, pero manteniendo la fuerza y velocidad. Una vez que te dejas contagiar por la violencia de Joliette, uno encuentra por qué son una agrupación tan emocionante y atractiva.

Pero la música de esta banda no es solo contundencia y exaltación, si prestas atención, aunque no tengas experiencia con el género, podrás hallar la identidad y cualidades del grupo, elementos muy característicos en su composición, como una constante sensación de asedio y letras que transmiten tormento adolescente, en el buen sentido.

El disco, Luz Devora, ve de sus mejores momentos con “Muletilla Japonesa”, pues Joliette parece desenvolverse mucho mejor y también logra un equilibrio en cada uno de sus elementos. Hay una frenética esencia punk, pero concentra ese ímpetu y le da la dirección correcta ¿de qué sirve la fuerza si no sabes qué hacer con ella?

Pasando la primera mitad de este material, la velocidad ya no parece la mejor opción y el grupo lo sabe manejar dándole un giro a su sonido. El cambio se hace presente en “Strathos” y le sucede en “Futuras Campanas”, pues se hacen de un tono más obscuro y bajan el ritmo por momentos. La intensidad es una constante en este álbum, pero la banda demuestra que sabe adaptarse y sin duda tomó en cuenta que mantener el mismo paso sería agotador para todos.

Cerca del final Joliette recupera su energía y deja de contenerse. “Pudre Infante” y “Señor Mora” son de los tracks más veloces y punzantes del disco, pues te ponen en un estado total de alteración y el impulso es tal que logran enchinar la piel.

Finalmente, la banda cierra con “Defenestra”, una canción de 10 minutos. La duración puede parecer una exageración, sobre todo para el estilo que están manejando, pero es bueno ver que el grupo se plantea retos y mejor aún, que los supere con éxito. Fuera de darse el gusto por experimentar, este fue un track que puso a prueba sus capacidades en la composición y que deja en claro que hay ambición y sobre todo grandes capacidades.

Luz Devora es un disco bastante sólido, que nunca pierde el objetivo y que jamás decepciona. Pero ahora esa es la mitad del trabajo para Joliette, pues con un disco tan enérgico y vibrante siempre surge la duda de cómo sonará en vivo. La banda se tendrá que poner a la altura en cada show y se ha desafiado a no bajar el ritmo. Ha puesto las expectativas altas, pero confío en que lo logrará.

The Simpsons regresarán a la pantalla grande

Las salas de cine internacionales recibirán, de nueva cuenta, a The Simpsons. Conoce los detalles a continuación.

Matt Groening, el creador de la familia amarilla The Simpsons, se presentó en la Comic Con de San Diego. Ahí mismo confirmó la secuela de la película del 2007 y pronto estará en los cines.

Fue a principios del año cuando la familia amarilla más entrañable de Springfield fue adquirida por Disney. Esta vez son ellos quienes se encargarán de capitalizar la película.

Han pasado 12 años desde la primera vez que The Simpsons hicieron su debut en cines y llegaron al éxito, pero Groening no lo ve de esta manera. “La primera película casi nos mata. No teníamos un equipo B esperando para hacer The Simpsons Movie, así que las mismas personas que escribieron, animaron, expresaron e hicieron la música para el programa de televisión también hicieron la película".

Aún no se tiene una fecha asegurada. Pero aquí puedes recordar una de las escenas que más entrañables de la película.

Nirvana lanzará álbum en vivo ‘Live and Loud’

Una de las últimas presentaciones de Nirvana estará disponible en vinilo y servicios streaming este verano.

En 1993, Nirvana grabó el icónico MTV Unplugged en Nueva York. A finales de ese mismo año, ofreció un show en el Pier 48 en Seattle.

Esta presentación fue grabada incidentalmente por MTV. Por lo que más tarde, Live and Loud  apareció en la edición delux del álbum In Utero con motivo del 20 aniversario en 2013.

A través Geffen Records y Universal Music Group Live and Loud estará disponible por primera vez en vinilo y en diferentes servicios streaming. Lo puedes obtener a partir del próximo 30 de agosto y ya puedes pre-ordenarlo aquí.

El doble vinilo incluirá 17 canciones entre las cuales se encuentran “All Apologies”, “Come As You Are”, y el cover a David Bowie, “The Man Who Sold The World”. Además incluye un backstge pass que permite descargar los audios.

Recuerda esta presentación a continuación

A 40 años del 'Highway To Hell' de AC/DC

La autopista que conduce al infierno es alumbrada por 40 velitas.

De caminos sinuosos y sin sentidos la vida está hecha. Altas velocidades, accidentes y descomposturas suceden en vías de asfalto consumido por el peso de insostenibles penas. Rutas para olvidar insatisfacciones preceden catástrofes. De estas autopistas despunta una que cumple 40 años, Highway To Hell, disco que –para quienes saben de canguros, koalas y hard rock– es el más electrizante de AC/DC.

El origen del evocado título fue establecido por lacerados traslados durante las giras en infinitas carreteras, los padecidos tripulantes y sus oficios fueron, Bon Scott, alaridos; Angus Young, guitarra patrona; Malcolm Young, guitarra rítmica; Cliff Williams, bajo y coros, Phil Rudd, batería.

El infierno y su residente

El número seis es supeditado a los enemigos de Dios y, el sexto álbum de la Corriente Alterna / Corriente Continua, que fue extraído de infernales entrañas diabólicas el 27 de julio de 1979, bautizado con el demoniaco título de Highway To Hell, lo confirma. El vinilo, asfaltado con endemoniados requintos de Angus Young, surca las 10 conjuradas pistas con la anuencia de Satanás, que satisfecho, cabecea con fuerza afirmando su gusto por lo que escucha.

Esta sexta producción también sería la última rugida por Bon Scott, quien –a la edad de 11-12 años– cargaba con la henchida reprenda de su madre. “Bon, si no puedes cantar canciones apropiadas, cállate. No cantes esa basura de rock and roll”*. Ese niño desobediente creció para convertirse durante seis años, sí, seis, en el vocalista de AC/DC.

Este embrionario periodo, fue acompañado por los estruendosos riffs de Angus Young que se extendieron a lo largo de Australia, el sexto –sí, otra vez el seis– país más extenso del planeta. La guitarra de Angus colonizó desiertos y montañas, habitándolas de lamentos y estallidos.

El halo demoniaco y claro, también demencial de Highway to Hell, lo portó como si se tratara de un arma homicida, el asesino en serie Richard Ramírez, quien tras escuchar afanosamente la pista cinco del lado b, "Night Prowler", cometió el crimen de la muerte.

Sin paganismos y de manera oficial, Atlantic Records lanzó tres sencillos, "Highway to Hell", "Girls Got Rhythm" y "Touch Too Much". El primer single por todos conocido, además de sus identificables guitarrazos, cuenta con antagónicos covers como sus intérpretes; así la intensa versión explosiva de Marilyn Manson o, la muy rocanrolera presentada en vivo por Bruce Springsteen, Eddie Vedder y Tom Morello. El vigor de "Girls Got Rhythm" traspone el brío a la letra, donde el sexo transmuta así. "La chica tiene ritmo / el ritmo del asiento trasero… Ella me da lo máximo / Me satisface de verdad / Me ama hasta tambalearme". En el tercer sencillo, "Touch Too Much", el manifiesto de la canción tampoco queda a deber. "Ella lo quería duro / Ella lo quería rápido".

Nadie me va a frenar

Decenas de vasos de whisky colmaron el tanque de gasolina. En la autopista al infierno, kilómetros adelante, Bon Scott dio aventón a una desconocida en el kilómetro marcado con el 19 de febrero de 1980, descubrió que esa pasajera, era la muerte.

Si el LP, el cassette o el disco compacto volcaron en la carretera del sonido, conduzcan hacia la red y pavimenten sus oídos escuchando de principio a fin Highway To Hell, si pierden el control y colisionan, tal vez se encuentren con Bon Scott, quien, portando los mismos cuernos de la portada del disco, les dará la bienvenida al infierno.

 

Slipknot estrena video para "Solway Firth"

Slipknot comparte el video musical de su nuevo sencillo. Descubre de qué se trata a continuación.

La banda estadounidense de metal liberó el segundo sencillo que formará parte de su nuevo material discográfico. Se trata de "Solway Firth", tema que viene acompañado de un curioso video musical.

El visual –dirigido por M. Shawn Crahan, quien anteriormente había trabajado con Slipknot en la producción del metraje para "UNSAINTED"– nos muestra un montaje de la más reciente presentación de la agrupación en el Download Festival de Reino Unido, acompañado de algunas escenas pertenecientes a la nueva serie de Uproxx: The Boys, la cual podrás ver a través de Amazon Prime el próximo 26 de julio.

Da play a continuación para ver este interesante video y descubrir lo que tiene preparado para ti esta nueva serie de superhéroes.

"Solway Firth" formará parte de su nuevo álbum de estudio We Are Not Your Kind, el cual estará disponible el próximo 9 de agosto a través de Roadrunner

Recuerda que Slipknot se estará presentando el próximo 30 de noviembre en el festival Knotfest México. Ya puedes adquirir tus entradas para que no te pierdas de este tema y de otros de sus grandes éxitos en vivo.

 

Alex Turner y Julian Casablancas se reúnen en París

Julian Casablancas y el líder de Arctic Monkeys se reunieron anoche en una fiesta. 

Ayer la banda estadounidense The Strokes, se presentó en el Lollapalooza París 2019, donde miles de fanáticos los acompañaron para disfrutar en vivo todos esos éxitos que marcaron el inicio de los 2000. Después de su gran show, la agrupación tuvo una pequeña reunión a la que asistió nada menos que el músico británico, Alex Turner.

Ambos artistas, fueron fotografiados por un fanático que se logró colar a los bastidores. En la imagen, podemos observar a Julian Casablancas junto a Alex Turner. Al parecer, estaban platicando antes de que el fan pudiera capturar el momento. Mira la foto a continuación:

En realidad no hay señales de que los músicos estén preparando algo juntos, pero recordemos que el líder de Arctic Monkeys se ha manifestado como un fanático de la agrupación estadounidense desde hace mucho tiempo, ya que después del lanzamiento de Tranquility Base Hotel & Casino (2018), comento. "Solo quería ser uno de The Strokes, ahora mira el lío que me hiciste hacer".

Tú que piensas de esta pequeña reunión, ¿Fue simplemente para festejar juntos el regreso de The Strokes a los escenarios?, o ¿Los músicos estarán planeando una colaboración? Déjanos tus comentarios aquí en Indie Rocks! También recuerda que The Strokes se estará presentando el próximo sábado 16 de noviembre, como parte del lineup del Festival Corona Capital. No te puedes quedar sin verlos ¡Adquiere tus boletos!

 

 

 

 

Ruido Rosa — Fragmentos

Fragmentos inaugura una etapa más madura de Ruido Rosa.

Cuando piensas en la escena musical en México se te vienen a la mente bandas como Little Jesus, Zoé, Café Tacvba, Enjambre, Camilo Séptimo, entre otras, todas compuestas por hombres, ya que la industria musical siempre ha estado dominada por ellos. Sin embargo, Ruido Rosa con su propuesta nos muestra que hay mujeres combatiendo este problema, así como una visión más fresca de la música.

La espera fue larga, y durante todo este tiempo Alejandra Moreno (voz), Daniela Sánchez (guitarra), Carla Sariñana (bajo) y Alice Zepeda (batería) estuvieron trabajando en proyectos personales que las ayudaron a comprender el camino que querían trazar para llevar su música. El titulo del EP surge de la manera en la que trabajaron, no necesitaban estar juntas para crear, tomaron pedacitos de cada una que después unieron para formar Fragmentos.

La nueva producción discográfica está compuesta por seis canciones, la primera es "Armas", con la cual decidieron abrir por ser una de sus favoritas, y fue un gran acierto, pues sus sonidos potentes y crudos dejan claro que es una nueva etapa para Ruido Rosa, y habla acerca de estar lista para enfrentar la vida misma.

"Casa de Naipes" cambia un poco el ritmo por uno más suave, y en ella nos cuentan la fragilidad que existe en cada mentira y cada engaño. La voz de Ale entra para hipnotizarte con "Ojos Bellos", tema que presentaron hace unos meses con un video que se enfoca en recrear la mirada masculina y admirar la belleza desde otra óptica.

El single "Renacer" únicamente puede ser descrito con una palabra: fuerza. No solo por el potente sonido, sino también por el mensaje que te dice que es necesario salir del letargo y resurgir. La canción más romántica y por lo tanto con un ritmo más suave es "Vértigo", en la cual se explora el miedo a enamorarse, pero a la vez las ganas de ceder y permitirte querer.

"Solo" es el tema que le podrías dedicar al fuckboy para confrontarlo con su soledad, además es una perfecta elección para cerrar Fragmentos, pues volvemos al rock clásico y crudo que las caracteriza, también nos recuerda que el sonido Ruido Rosa maduró y ha llegado para reafirmar su importante lugar en la escena musical mexicana.

Ruido Rosa regresa con un excelente material y un sonido más estilizado. Aunque la banda parte del rock, juega con los beats en busca de nuevos ritmos, pero sin duda los riffs de las potentes guitarras son los que atrapan toda tu atención. Con Fragmentos, Ruido Rosa no solo se define sino también llega para marcar una nueva pauta y ofrecer un sonido diferente al de las demás bandas, no les pierdas la pista.

Divino Niño — Foam

Foam: álbum que destaca por lo refrescante, dulce e ingenioso.

No es novedad que a nivel global se está viviendo una invasión de la cultura Latinoamericana que está siendo recibida con los brazos muy abiertos. Desde el sencillo “Despacito” el cual fue compuesto por el puertorriqueño Luis Fonsi, hasta todo el fulgor que han causado artistas como Bad Bunny y J Balvin, además de la popularidad de medios como Remezcla, es evidente que el movimiento latino está en auge a nivel mundial. 

Y no solo en el lado del género urbano, este un fenómeno que toca a diversas ramas de la música, como es el caso de Divino Niño. Agrupación con origen colombiano que recientemente publicó su álbum titulado Foam, en donde mezcla sus influencias latinas con dream pop y rock psicodélico, dando como resultado una producción realmente agradable llena de coros memorables y letras ingeniosas en español e inglés. Este es un álbum que cuenta con –por lo menos– un par de temas que se te van a quedar pegados por varias semanas de una forma bastante placentera. 

La presencia del idioma español en todo el álbum es menor, pero los temas que comparten estas características son de los que más resaltan. En primera instancia se presenta la canción “Quiero”, una bonita balada en donde las influencias hispanas son evidentes, pero la mezcla tiene tendencias musicales modernas como dream pop y neo psicodelia combinadas con memorables letras.

Por otro, lado está la canción “Maria”. Un contagioso tema de desamor que probablemente sea de los más destacados en todo Foam. La melodía es bastante melosa y absorbente, además de que el sonido de la instrumentación destaca por la producción pues termina por sentirse muy cálido. Aunque esto es algo característico de todo el álbum, esta es la pieza que me hizo empezar a notarlo y era de esperarse pues se involucró a Paul Cherry, Colin Croom de Twin Peaks, y Matt Roberts de Mild High Club a la hora de producir este material de larga duración. 

Otro de los cortes que más disfruté en esta reciente  producción de Divino Niño fue “Melty Caramelo” el cual es un himno al ácido que se representa en una ingeniosa lírica adornada por muchos de los atributos que comparten todos los temas del álbum, pero haciendo la aclaración de que nunca se siente repetitivo y eso le otorga una energía muy refrescante. 

En general Foam se separa muy bien dentro de otros lanzamiento de géneros similares y no solamente por el toque latinoamericano pues en general las melodías son realmente memorables, la instrumentación en conjunto es contagiosa y las letras son algo que se puede disfrutar bastante. Todo termina por ser una experiencia musical muy digerible, pero nada aburrida. Como un perfecto álbum de verano.

Debit — SYSTEM

SYSTEM: Una serpiente ¿precolombina? Se devora eternamente así misma.

Estamos en “The Alphabet”, primera pista del EP SYSTEM, que desde el arranque nos muestra la excelente técnica sonora que tiene la productora mexicana Delia Beatriz

Podríamos considerarlo a este track como una estrella fugaz que se deshace conforme se acerca a la atmósfera caliente de un planeta no lejano. A su paso, la estrella deja fragmentos de polvos que antes la formaron y esos polvos después serán otros planetas o estrellas.

Ya lo tribal despunta como una base sólida de la cual Debit, como prefiere llamarse la también DJ, hace girar para disparar sonidos industriales y tecno que nos adentran en distintas atmósferas. “Encounters” es más electro mientras que la pista inmediatamente después, titulada “My House”, nos recibe con los sonidos metalizados y fríos de lo industrial.

Debit trabaja con espectros colectivos para mostrarlos ya sea en ritmos que rozan lo tenebroso o dejan la sensación de estar tranquilo en un recorrido íntimo. Debido a las texturas conseguidas en SYSTEM, la sensación de que hay algo tenso que en cualquier momento explotará, no abandona ni un momento los seis temas de esta entrega. Ejemplos muy marcados de esto son “Encounters” y “Medicine”. Esta última con un poderío tal que se mete en lo psíquico y corporal.

Y es que Debit claramente lanza pistas para entender su cosmogonía y los mensajes ocultos en ella. Por ejemplo, las bases de percusión y el título de los temas. Se entiende que la artista busca cuestionar lo más establecido en la sociedad actual. Incluso, podemos encontrar pistas en la tapa del álbum. En ese sentido también podemos comprender su propuesta como una obra completa que se alimenta del resto de sus componentes para tomar más fuerza y llegar más lejos. 

SYSTEM abre con un tema en colaboración con el rey del tribal huarachero Javier Estrada y cierra con “Numbering” en colaboración con DJ Earl, oriundo de Chicago y caracterizado por integrar en sus mezclas ritmos densos combinados con jazz y hip hop. Así, el ciclo vuelve al inicio para seguir avanzando. Es el Uróboros sonoro, creado para adentrarse cada vez más a una excelente combinación de sonidos que se multiplica, se desenreda y se complejiza conforme se vuele a escuchar. Los dos temas comparten una atmósfera densa y nerviosa. Podríamos decir que incluso son una continuación con distintas reinterpretaciones. 

SYSTEM brilla sobre la cabeza de Debit. Nos hace pensar que la líder del tribal huarachero se hace presente y busca más fieles y seguidores para mantener el sitio que en todo caso, se lo ganó con este EP.