Animal Collective presenta el video de “Sand That Moves”

El nuevo clip de la banda es un extracto del documental Crestone.

Hace unos meses se anunció la salida del documental Crestone, un filme que presenta a varios raperos de SoundCloud que viven en medio de la soledad, mientras cuidan sus plantíos de marihuana y componen música para Internet. Y, como el título lo dice, esta historia se desarrolla en Crestone, Colorado, y Marnie Ellen Hertzler se ha encargado de llevar a cabo su dirección. La música fue compuesta por Animal Collective gracias a que Marnie insistió en que fueran parte de esto, algo completamente nuevo para la banda.

El pueblo de Crestone no sólo es la locación de la película sino un personaje importante. Quería una banda sonora que fuera capaz de resaltar y elevar su importancia. No hay más músicos con los que me hubiera gustado trabajar para esta película, y no hay banda que pueda describir un paisaje de forma sonora mejor que Animal Collective", señaló Marnie Ellen Hertzler en un comunicado.

Ahora, ya se ha estrenado el documental y está disponible para su visualización en plataformas de streaming, así como el soundtrack, que posteriormente saldrá en formato físico el 23 de abril. No obstante, para coincidir con la salida del metraje, Animal Collective ha lanzado el video de "Sand That Moves", el cual compila varias imágenes que serán parte de este filme y que se empalman a la perfección a través de las acciones de cada uno de los músicos, pues se muestran en un ambiente completamente pasivo y ameno. Dale play a continuación:

U-Roy, la leyenda del reggae y dancehall jamaicano, ha fallecido

Descanse en paz el ícono del sound system y precursor del toasting.

Ewart Beckford, mejor conocido en el mundo del reggae y dancehall como U Roy, falleció este 17 de febrero a la edad de 78 años en su natal Jamaica. U Roy nació el 21 de septiembre de 1942.

Medios locales reportaron que la causa de muerte se debió a complicaciones de salud durante una cirugía en el Hospital Universitario de West Indies en Kingston.

Noticia que ya ha causado conmoción entre sus colegas músicos como Mad Professor o Shaggy, acérrimos seguidores y disqueras del gremio como Trojan Records que bajo el hashtag #RIPUroy han dedicado palabras de despedida para el fallecido ícono del sound system.

El artista jamaicano, también conocido como The Originator, se inicio como selectah y/o DJ en los sound systems de la isla caribeña durante las décadas de 1960 y 1970. Donde fue precursor de la técnica vocal conocida como toasting (DJ que recita o canta sobre un ritmo o base de reggae) método que la valió para ser considerado como uno de los pioneros que cambiará el sonido de la música en Jamaica.

A 10 años del 'The King of Limbs' de Radiohead

Música muy extraña para ser rock pero demasiado popular para ser experimental.

Los sonidos que se alejan de los parámetros establecidos suelen ser relegados a nichos. Por no contar con estructuras tradicionales ni ser proyectos complacientes se les cataloga como poco rentables. Eso los lleva a vivir en las sombras y ser del gusto de un número reducido de personas. Aunque existen algunos casos, bastante reducidos, que son la excepción a la regla. Son del gusto de las masas pese a que no siguen fórmulas establecidas. ¿Se puede hacer música experimental y llenar estadios? La respuesta es sí y Radiohead lo confirma.

El quinteto inglés surgió cuando sus integrantes eran unos simples pubertos y sus pretensiones eran minúsculas. Uno de los primeros nombres del grupo fue On A Friday porque los únicos días que ensayaban eran los viernes. Inclusive durante un par de años la banda se mantuvo inactiva porque sus miembros le dieron prioridad a sus estudios. Aunque al final la música triunfó y así se ha gestado una exitosa carrera.

Sin miedo a la constante reinvención.

Con el transcurrir del tiempo el combo ha demostrado que no le interesa seguir los caminos fáciles ni someterse a las reglas establecidas. Con la publicación de Kid A (2000) se negó a lanzar sencillos promocionales por respeto al álbum como una obra integral que no puede ser dividida en partes. Mientras que con In Rainbows (2007) fue de las primeras agrupaciones de renombre en ofrecer su trabajo en formato digital con la modalidad paga lo que quieras. Hoy es algo común en Bandcamp pero en su momento rompió esquemas.

Todo lo anterior conduce hasta el 18 de febrero de 2011 con la salida de su octavo material de estudio. Las expectativas eran altas y al mismo tiempo no se tenía claro lo que se podía esperar. Con Thom Yorke y compañía las sorpresas ya son habituales.

La primera sorpresa llegó con el único sencillo promocional que se desprendió del LP. En “Lotus Flower” prevalece un aura de misticismo marcada por el sintetizador que se mantiene activo a lo largo de toda la pieza. Aunque lo más desconcertante es el video oficial en donde se puede observar al cantante hacer un extraño baile similar a los ataques esquizofrénicos de Ian Curtis de Joy Division. El resultado se popularizó a través de las redes sociales hasta convertirse en uno de los memes más famosos de Internet.

¿Un álbum incomprendido o poco valorado?

Resulta frecuente escuchar que algunos se sintieron decepcionados con este trabajo de los originarios de Oxford y puede ser comprensible. Aunque si eres fanático de Radiohead debes saber que los únicos a los que buscan complacer los integrantes es a ellos mismos. Puede sonar narcisista pero también es un acto de honestidad.

Mientras que por otra parte, “Bloom” muestra una faceta electrónica con tintes experimentales que rememora a lo hecho ocho años antes en “Myxomatosis”. El resultado podría ser una versión relajada de Aphex Twin o una acelerada de Kraftwerk. Es música que no está claro si fue creada en otro planeta o por un T-800 que vino del futuro.

Pero aunque el conjunto británico siempre ha estado abierto a los cambios, también existen algunas constantes que marcan su obra. Una de las más claras es su fidelidad absoluta a Nigel Godrich, quien es su productor de cabecera e inclusive ya es considerado como un integrante más. Su refinado trabajo ha generado una relación similar a la de Tony Visconti con David Bowie o George Martin con The Beatles. Ambas partes saben lo que buscan y eso deriva en resultados sobresalientes.

Puede ser demasiado electrónico para ser rock o muy pesado para encajar en el campo de los teclados y sintetizadores. Lo que no se puede negar es que Radiohead ha logrado crear un estilo con una marca personal y eso, dentro del actual contexto marcado por la clonación musical, es una invaluable virtud. Más meritorio todavía que pese a transitar por los terrenos de la experimentación goce de una aceptación a gran escala.

Glass Mind estrena video para “El Rey Negro”

Metal mexicano entre el sci-fi y el terror.

La escena del metal en México no ha hecho más que renovarse durante los últimos años. Especialmente en el mapa del metal progresivo, grupos como Obesity, The Alch3mist o Iden Gakusha nos permiten mantener la vela encendida. A ellos se suma Glass Mind, proyecto instrumental en donde Benjamín Berthier (guitarra), Pablo Berthier (guitarra), Alex Lozano (batería) y Michel Villamor (bajo) llevan el virtuosismo de este género a mundos insospechados.

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Glass Mind apareció en la escena con su álbum Haunting Regrets (2011), cuyos nueve cortes exploran diferentes matices del metal progresivo: desde cantos agudos acompasados por coros épicos y guitarras veloces, hasta un sonido más apabullante que roza con el estilo gótico.

Sin embargo, Glass Mind tardaría poco en abandonar las vocales y la ejecución ortodoxa del metal, para aventurarse en la invención de atmósferas desconcertantes sobre escenarios fantasiosos.

El grupo continuó su carrera con los sencillos "Detritus" (2014), "Inside the Whale" (2014) y "Babel" (2015), cuya creciente obsesión por los animales y la estética de los comics de ciencia ficción, desembocó en Dodecaedro (2017), su segundo álbum. Tal como lo indica su nombre, este trabajo sumerge al escucha en diferentes caras del mismo universo: las capas acústicas, los efectos electrónicos, los teclados y los punteos hiperveloces de guitarra se concatenan entre sí con un rigor casi geométrico.

Cuatro años después, Glass Mind busca expandir los confines de su propio universo. En su nuevo sencillo titulado "El rey negro" (2021) —que narra la historia de cómo un insecto gigante domina un planeta entero— el grupo se ha atrevido a mezclar la pesadez del metal progresivo con sonoridades jazz y un toque de ritmos latinos.

Mira el video animado e ilustrado por Pablo Berthier:

Glass Mind se ha presentado en diferentes festivales de metal como Domination 2019 (MX) y Progressive Nation at Sea 2014 (EEUU). Así mismo, ha compartido escenario con Blind Guardian, Animals as Leaders y otros referentes del género. Atrévete a explorar su mundo de animales, insectos y terror en Facebook, Instagram, Spotify y Bandcamp.

SG Lewis — Times

La naturaleza reflexiva, el tono optimista y los diferentes sonidos en Times de SG Lewis.

Posicionando la música del Reino Unido en el mundo, se encuentra, SG Lewis, el joven que nos lleva a una nueva era en este debut tan esperado y atrevido. En 2020, teníamos adelantos de su talento, con su existoso sencillo “Chemicals”, una canción que rompió el bloqueo de la creación de banda sonoras y de funk electro-pop. Ahora, en 2021, presenta su álbum  titulado Times, con 10 pistas en su haber y con una serie de singles colaborativos.

Las líneas de bajo maravillosamente animadas hacen que canciones como las primeras “Time” y “Feed The Fire”, sean brillantes. “Time” tiene la voz enigmática y serena del nativo de Canadá, Rhye, creando un tono relajado con el falsete conmovedor capturado por su acompañante. El 26 de octubre de 2020, Lewis, lanzó  “Feed The Fire” con Lucky Daye, elevando la energía de la producción. El instrumental liderado por su genial batería y su línea de bajo con infusión de funk, se siente bien acompañado con el vocalista, lo que permite al productor encontrar descubrimientos que aún no veíamos.

La tercer pista, “Back To Earth” trae una voz simple y conmovedora, capturando un instrumental en constante evolución. Actúa como un descanso antes de dirigirse a una de las características más destacadas del proyecto. En “One More” hace su aparición el pionero del crossover del funk y la discoteca, Nile Rodgers, usando una letra que nos invita a seguirlo en una noche típica, capaz de capturar el momento de lucha o huida de conocer a alguien.

Para la mitad del álbum esta “Heartbreak On The Dancefloor”, con la vocalista destacada, Frances, que trae una melodía emocional, realzada por su voz delicada pero conmovedora. Le sigue “Rosner’s Interlude”, que continúa sobre el tema de la armonía y su necesidad en una buena pista disco. La música de Lewis siempre ha tenido ese mismo entendimiento, una línea que se remonta a su primer sencillo. El tema que salió a la luz en abril de 2020 fue “Chemicals”, seguido por “Impact” con Robyn y Channel Tres. El primero, contiene melodías eufóricas y reúne una mezcla equilibrada de vulnerabilidad y una producción optimista. El segundo, tiene un sonido de la década de los 90.

Hacia el final de este amplio proyecto, en “All We Have” se ve al dúo australiano de synth-pop, Lastlings, ofreciendo un lanzamiento eufórico. Por último, “Fall” combina una instrumentación pesada mientras opta por una melodía sentimental y una voz vulnerable.  Es un single como  tributo a todas las cosas que hemos perdido durante el año pasado que nos permitieron sentirnos vivos.

Tiene mi música favorita que he hecho. Nunca hice un proyecto completo. En un álbum, hay un compromiso real con una visión y estoy muy orgulloso. Hice el álbum que quería hacer. Ahora solo espero que a la gente le guste. Estoy lo suficientemente orgulloso de él como si realmente no me importara en particular cómo se recibe”, declaró Lewis en una conversación para Interview Magazine.

En general, Times es una oda al momento presente y a las pocas posibilidades que tenemos de celebrarlo. Es una exploración del escapismo y la euforia, y los recuerdos adjuntos a esas experiencias. Este álbum debut de SG Lewis es un faro de luz muy necesario en estos tiempos.

Tash Sultana — Terra Firma

La australiana se mueve entre las arenas movedizas de la calidad y lo genérico.

La cantante australiana,Tash Sultana, tiene sin duda una de esas voces oníricas que te invitan a escucharlas por horas. Ese hecho, sumado a su juventud (nació en 1995) la colocan como una promesa a seguir. Sin embargo, si bien su nuevo álbum, Terra Firma, es dulce y lindo, y bien producido, por momentos parece demasiado seguro, repetitivo o genérico. Aún así vale la pena escucharlo pues lo que carece en originalidad lo compensa con dulces melodías. Contiene la clase de rolas que te encantan cuando las escuchas pero que realmente luego de un rato no recordarás más.

El viaje inicia con “Musk”, poco más de cuatro minutos instrumentales que dejan claro cuál será la atmósfera del resto de las 13 canciones en el disco;  sensual, alegre, con guitarras, distorsiones y un ligero cambio de ritmo a la mitad. “Crop Circles” es el primer tema donde la hermosa voz de Tash se pregunta a dónde va. Se trata de un tema nostálgico que sería bastante promedio si no fuera por la bella interpretación de la cantante. También resultan rescatables los arreglos del piano, muy jazzeados. Con una introducción muy radiable, “Greed” tiene un ritmo más influenciado por el R&B, que hace de su coro uno de los más pegajosos del material.”Pretty Lady” mantiene el mismo espíritu más comercial, sin que esto sea algo despectivo, mientras que “Beyond The Pine” tiene una onda noventera, como de quien creció escuchando lo mismo The Fugees que TLC y Janet Jackson.

Otro momento destacado del material es “Dream My Life Away”, pues en él la cantante es acompañada por Josh Cashman, el resultado es un tema cuya guitarra remite al viejo oeste, mientras las voces se funden en una sola, con el mismo nivel de protagonismo. Una vibra similar permea en las cuerdas de “Coma”, aunque esta resulta un poco más oscura.

“Maybe You’ve Changed” es una rola romántica que parece diseñada por el supervisor sonoro de Grey 's Anatomy y en ella es en una de las que más luce la voz de Tash. Más copera resulta la linda “Sweet & Dandy”, en que la cantante habla sobre cómo ella tenía la razón en un conflicto. Luego aparece un segundo dueto, en esta ocasión con Jerome Farah, quien prestó su talento para la rola “Willow Tree”, que destaca por sus trompetas y ritmo más apresurado pero exquisito. Completan la alineación “Vanilla Honey”, “Let The Light In” y “I Am Free”.

Glass Spells estrena video para “Empty Road”

Con este lanzamiento, Glass Spells continúa la promoción de Mirrors, su último EP.

Prepara tus audífonos y disfruta un viaje en carretera por el mundo retrofuturista de Glass Spells. El dueto de synth pop oscuro basado en California acaba de estrenar video musical para su canción “Empty Road”. Ésta forma parte del EP Mirrors, que fue estrenado en junio de 2020 vía CD Baby.

El visual de “Empty Road” nos evoca a la nostalgia de las calles solitarias y oscuras mediante tomas con estética ochentera, protagonizadas por Tania Costello (vocales) y Anthony Ramírez (bajo y sintetizador). El video fue dirigido por Mitch Wilson y editado por la propia Tania. Velo a continuación.

“Empty Road” sigue al estreno del video musical para la canción “Mirrors”, lanzado en marzo del 2020. Estos cortes, junto a “Night Hour”, “Psychic Lovers” y “Don’t Save Me” completan el EP Mirrors, que fue producido por Blake Miller, líder de Moving Units. Puedes ordenarlo en este enlace y escucharlo aquí.

Desde su debut en 2014 con el sencillo I Feel It, Glass Spells ha ganado la atención de los medios por su mezcla entre música electrónica y elementos de indie rock y post punk. También ha acompañado presentaciones de artistas y bandas como Alice Glass, PRAYERS, Moving Units, miembros de The Faint, entre otros. El grupo espera continuar su camino para convertirse en un referente de la música de baile.

“Mi propósito es hacer canciones con las que la gente pueda identificarse y también bailar. Quiero crear música que la gente cante y se divierta mientras lo hace”, explica Tania Costello en una entrevista.

BadBadNotGood estrena remix de “QADIR”, tema de Nick Hakim

El grupo canadiense no ha manifestado la intención de continuar su discografía, pero se ha mantenido en el radar con estrenos de sencillos y remixes.

Jazz, instrumental, electrónica… es imposible definir el sonido del grupo canadiense BadBadNotGood, mucho más cuando dedica su talento a remezclar el trabajo de otros artistas. Esta vez, BBNG compartió un remix de la canción “QADIR”, interpretada originalmente por el músico neoyorkino Nick Hakim, que ya está disponible en todas las plataformas de streaming.

BadBadNotGood tomó “QADIR” y la hizo suya. Los beats apacibles y el suave piano eléctrico de la canción original fueron sustituidos por guitarras, bajos y una batería imperante que invita a bailar en todo momento. Escúchalo a continuación:

También, escucha la versión original de “QADIR” aquí:

El remix de “QADIR” formará parte de un álbum donde Nick Hakim recopilará los remixes que otros artistas hicieron sobre los temas de su último larga duración, WILL THIS MAKE ME GOOD (2020). Entre la lista de colaboradores, se encuentra también Luke Temple, Slauson Malone, James Krivchenia, KeiyaA, entre otros. Este recopilatorio verá la luz el próximo 26 de febrero vía ATO Records y puedes preordenarlo en este enlace.

BadBadNotGood, por su parte, sorprendió recientemente a sus fanáticos con el estreno de dos sencillos después de cuatro años sin música nueva: “Goodbye Blue” y “Glide”. Escúchalos por aquí. También, revive la última visita de los canadienses a México en Festival Sónar (2019) a través de nuestra reseña en Indie Rocks!

 

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Bryce Dessner de The National anuncia nuevo álbum clásico

El miembro de The National trae un nuevo compilado de temas clásicos que musicalizarán a una compañía de danza contemporánea australiana

El guitarrista y tecladista de la agrupación estadounidense, The National, dispondrá al público su nuevo álbum de música clásica Impermanence/Disintegration, en compañía de la Australian String Quartet y Sydney Dance company, mismo que estará disponible a partir del 2 de abril a través de la disquera 37d03d. Hasta el momento el compositor australiano liberó el primer sencillo de este larga duración, titulado “Emergency”, el cual puedes escuchar aquí: 

 

Dessner creó esta producción especialmente para la ya mencionada compañía de danza contemporánea líder en Australia, la cual estará musicalizada por esta pieza en su próxima presentación dentro del teatro Roslyn Packer en Walsh Bay, Sydney, para este mes, y coreografiada por Rafael Bonachela.

Impermanence/Disintegration contiene un arreglo de cuerdas proveniente de Another World, un EP producido por ANOHNI, además de aditamentos electrónicos y mezcla por parte del compositor francés David Chalmin

A lo largo de su carrera, el compositor ha musicalizado diversas cintas cinematográficas como The Kitchen,  la producción de Netflix, The Two Popes en 2019, El Chan y The Revenant, mismas que preceden su último LP Bryce Dessner: Tenebre del mismo año. 

Por otra parte, Bryce ha colaborado  en la producción de los últimos álbumes de Taylor Swift, folklore y evermore (2020, 2021).

Ve el teaser de Impermanence:

BALA comparte “Agitar” y anuncia álbum

Sube el volumen y déjate llevar por la frenética vibra del dúo gallego.

Recientemente, BALA —proyecto de rock progresivo y stoner originario de Galicia, España— presentó un nuevo sencillo titulado "Agitar". El estreno forma parte de la celebración por su incorporación al sello discográfico Century Media Records, con quien tiene planeado lanzar un nuevo álbum de estudio el próximo 14 de mayo bajo el nombre de Maleza. De esta forma, Anxela Baltar (voz, guitarras) y Violeta Mosquera (voz, batería) nos invitan a hacer ruido y a gritar a más no poder.

Además, la pista llega acompañada de un videoclip dirigido por Javier García-Suárez Pozuelo en el cual apreciamos a ambas chicas interpretar la canción mientras la skater Valentina Planes hace algunos trucos.

¡Disfrútalo, aquí!

Bueno, ¿Qué podemos decir..? Estamos tremendamente emocionadas de poder continuar a pesar de las circunstancias y un nuevo álbum y un nuevo sello son un delicioso comienzo para esta nueva etapa de la aventura. 

Este es un sello de referencia, que ha dado soporte a muchas bandas con las que hemos crecido y estamos ansiosos por ver nuestro nombre entre tantos otros. Esperamos que la situación general mejore y que podamos volver cuanto antes a la carretera y al calor de los conciertos y queremos aprovechar esta oportunidad para agradecer a todas las personas que de una forma u otra nos han acompañado a lo largo de este tiempo. ¡Fuego!”, expresó el dúo en un comunicado.

Maleza se grabó, mezcló y masterizó en los estudios Ultramarinos, ubicados en Barcelona, además es la tercera producción de estudio de BALA. Anteriormente el proyecto grabó dos discos de forma independiente: Human Flesh (2015) y Lume (2017), producciones que llevaron a Anxela y Violeta a presentarse en el Reino Unido, Japón y Australia, así como en los festivales Stone and Dusted de Estados Unidos y Rock al Parque de Colombia.

Te recomendamos no perder de vista al dúo y si te interesa pre ordenar el álbum, dale click al siguiente enlace. Mientras tanto, checa la portada y el tracklist completo.

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BALA_Maleza_2021

01. "Agitar"

02. "Hoy No"

03. "X"

04. "Mi Orden"

05. "Cien Obstáculos"

06. "Quieres Entrar"

07. "Rituais"

08. "Bessie"

09. "Una Selva"

*Fotografía por Facundo Pardo.