PREMIERE: Meridian Brothers y Grupo Renacimiento estrenan “Bomba Atómica”

Posted on mayo 27, 2021 by -

El regreso a las pistas de baile.

Parece justo que después de tantos meses de encierro las ideas comiencen a tomar forma física, que los planes que se quedaron atorados en medio de una crisis global empiecen a encontrar sus caminos hacia la libertad y que todos esos discos que se quedaron en el tintero por fin se encuentren acechando al mundo de la nueva normalidad.

Club Coco es uno de esos proyectos. Producto de una inesperada fusión, es una de las producciones más encantadoras de los últimos meses. Se trata de una compilación curada por Coco María (radiohost de la prestigiosa radio por Internet WorldWide FM, coleccionista de discos y fiel defensora de las viejas y nuevas músicas afrolatinas desde hace años) y editada por Les Disques Bongo Joe, sello discográfico suizo que tiene los ojos puestos en los “subterráneos contemporáneos para desenterrar sonidos extraordinarios de ayer y hoy”. En ella se encuentra una colección de canciones tan necesaria como efectiva de la que hoy Indie Rocks! estrena un nuevo adelanto.

Se trata de “Bomba Atómica”, una poderosa canción de Meridian Brothers en su reencarnación como Grupo Renacimiento, aquel esfuerzo de Eblis Álvarez y compañía por hacer un firme homenaje a la salsa colombiana de los años 70, y que se encuentra al inicio de una compilación que pretende dar visibilidad a varios de los mejores proyectos de música tropical de hoy en día: de Frente Cumbiero a Romperayo y de La Redada a La Perla. La canción, a pesar de haber sido publicada hace unos meses de manera digital, se presenta en una versión mucho más contextualizada y por primera vez en una forma física que vale la pena atesorar.

Club Coco verá la luz muy pronto y, en un año en el que el retorno a la vida normal parece cada vez más cercano, se perfila como el perfecto punto de partida para regresar a las pistas de baile que el mundo no deja de anhelar.

Disfruta de "Bomba Atómica" a continuación:

Café Tacvba festeja 32 años con una transmisión especial

Posted on mayo 27, 2021 by -

30 + 2 ¡Que siga el taconazo!

Este jueves 27 de mayo toca festejar a una de las bandas más reconocidas de la escena musical de México: Café Tacvba. Los oriundos de Ciudad Satélite, Naucalpan, se encuentran celebrando 32 años de trayectoria y por ello decidieron convocar a sus fanáticos a unirse a #QueSigaElTaconazo una transmisión que sucederá hoy en punto de las 19:00 H.

Rubén, Meme, Quique y Joselo han estado, como quien dice, "echando el taconazo desde 1989" y su entusiasmo prevalece a través de los años y las circunstancias. Recién nos enfrentamos a situaciones difíciles, pero eso no ha impedido que la agrupación tenga intenciones de animar a sus fanáticos con sus canciones, entrevistas y mucho material inédito que prometen presentar en esta noche.

32 años de dar el taconazo. Transmitiremos parte de uno de los conciertos más emblemáticos que hemos tenido, además de unas entrevistas y datos que casi no recordábamos", expresó Café Tacvba a través de sus redes sociales.

La invitación se extiende a todos aquellos que deseen disfrutar de las memorias de aquel show que la banda ofreció en 2019 en el Foro Sol para celebrar su 30 aniversario. La transmisión sucederá a través de su canal oficial de YouTube. Te invitamos a que no te lo pierdas y mientras llega la hora disfruta de sus éxitos:

Easy Life — Life's a Beach

Posted on mayo 27, 2021 by -

Divertido álbum debut que también invita a la reflexión.

Parece que nunca llegaría, pero el encierro está cada vez más cerca de llegar a su fin, las fiestas volverán, los conciertos, las salidas en general y para el quinteto de Leicester, Easy Life, significa una nueva oportunidad para llevar su música a las masas. Lo cierto es que esta vez es diferente, lo hacen con lo que para cualquier proyecto representa una oportunidad única: su álbum debut. Life’s a Beach es ese lugar al que muchos esperan llegar una vez que no sea un peligro salir de casa, pero también es ese espacio mental dónde se pueden replantear las cosas antes de empezar de nuevo.

Si después de esto piensas que es un disco “serio y maduro” la respuesta es no, al menos no como la conocemos. Aquí hay ciertos guiños a sus pasados mixtapes, pero también hay ritmos que navegan entre la electrónica más pueril y lo-fi, beats que beben del hip hop inglés, hasta unas programaciones que navegan entre el pop experimental, todo esto en una fiesta que mantiene el ritmo constante. La peculiaridad de este álbum viene con el trabajo de composición, dónde las letras se apoyan de una voz que cuando quiere suena a crooner juvenil o a alguien que tiene claro dónde colocar sus rimas dentro de la música.

“A message to myself” es el tema que da inicio a este disco, una base muy sencilla y algunos toques en las percusiones, pero es en la voz, tanto de su protagonista como por la de los coros que sutilmente lo acompañan en una canción diseñada para estadios para todos aquellos que aprendieron la “lección” de amarse a sí mismos.

Los puntos altos vienen en la mayoría de las canciones dónde la velocidad del beat aumenta, “Skeletons” es el mejor tema de este disco, una base electrónica dura, que invita al baile mientras descubres que lo terrible que resulta a veces mirar al pasado y como todos tienen algo que esconder. También hay pistas diseñadas para las playlist de estudio como “Daydream” que parece sacada de un manual de hip-hop/lo-fi y que podría convertirse en un grower en poco tiempo; lo mismo sucede en “Ocean View” con su sencillo truco que acompaña al coro y lo eleva por las nubes.

“Nightmares” es ya uno de los principales éxitos del disco y de su carrera, la canción tiene un sample que utiliza una discreta sección de vientos que se quedan en la cabeza de cualquiera. La canción evoca a una persona que se encuentra sumergida en su dolor, hasta que se da cuenta de que no es el único que tiene salir adelante por sus propios miedos “¿a quién le importan mis pesadillas?”.

El disco cierra con “Music to walk home” en una invitación a volver a casa, sin embargo, en un disco como Life’s a Beach, Matravers y compañía te invitan a reflexionar que, mientras estés con los pies en la tierra, no importa el lugar ni las circunstancias, el hogar está dónde este tu paz mental. Divertido, reflexivo y con el potencial de salir de la Isla, este es sólo el comienzo para una banda que está a punto de ser descubierta por el resto del mundo.

A 10 años de ‘Conejo en el Sombrero’ de La Gusana Ciega

Posted on mayo 27, 2021 by -

La incertidumbre de estar enamorado y la fortuna de luchar por lo que más quieres. 

La carta de amor llega a su fin.

Durante la década de los 90, unos amigos decidieron juntarse para armar un animoso proyecto con tintes de surf rock que respondía bajo el nombre de La Gusana Ciega. Sus atropelladas composiciones eran un retrato de su espontaneidad y divagación inspirada principalmente en viajes interestelares. Su música respondía a momentos de diversión que sin intención alguna pretendían simpatizar con sus fanáticos. 

A inicios de la década de los 2000, la banda atravesó por un infortunio que, forzosamente, exigió una separación momentánea. No obstante el tiempo y la fortuna permitió que los integrantes retomaran su camino dentro de la industria. El reencuentro puede definirse como un momento de motivación que dio pie a la nueva etapa de los mexicanos. Por años, hubo composiciones alineadas, covers a músicos que fungieron como inspiración y melodías fuera de la galaxia, pero no fue hasta 15 años después del lanzamiento de su álbum debut, cuando la banda decidió emprender algo distinto, algo que por primera vez definía un concepto musicalizado al ritmo de baladas rock que hablaban del amor. Así surgió Conejo en el Sombrero. 

El disco llegó a finales de mayo a través de Naranjada Records, el sello discográfico de La Gusana Ciega que se estrenó con la presentación de su álbum más ambicioso y favorito hasta el momento. Daniel Gutiérrez, Luis Ernesto Martínez, Germán Arroyo y Jorge Vilchis se involucraron de lleno en la composición y producción del mismo, logrando capturar el sonido individualmente. La confianza fue una de las bases de este LP. 

DANIEL GUTIÉRREZ_LGC

El amor y la dicha de tener a una persona con la cual compartir aventuras resuena entre las líneas de las nueve canciones que componen a Conejo en el sombrero. Principalmente, cae en la premisa de una historia donde los personajes relatan la incertidumbre de estar enamorados y no saber si ese amor será correspondido. Asimismo, cada una de las pistas conmociona al escucha por sus características notas con colores seleccionados, una fina relación a su rueda de color. 

Daniel Gutiérrez logró proyectar sorpresas y sentimientos sinceros en una vasta selección de sonidos y texturas que se viven y, en palabras del mismo vocalista, “saben a una noche calurosa, sabe sensual, habla de distintos momentos entre un hombre y una mujer con planteamiento desde ciertos puntos de vista”.

La nueva era arranca con “Entra en el Agua”, una melodía en la que prevalece su tradicional surf rock que se alinea con divertidas notas y explota en una dosis de energía; un track sin limitaciones que te invita a arriesgarte y darlo todo por aquella persona. No obstante, al poco tiempo llega un excepcional contraste; la pista que da nombre al álbum interfiere en forma de una cabizbaja balada que se apodera del corazón de las personas. De esta manera se empieza a definir la línea que tomará la producción la cual se asimila a un acto de magia, en donde los sentimientos cambian instantáneamente al ritmo de efusivas guitarras eléctricas y acústicas. 

Conejo en el Sombrero sí tiene mucho romanticismo y nostalgia, pero también cuenta con un momento de mucha lucidez y enfrentamiento en "Dolor de Huevos", el único tema colaborativo en el que Jessy Bulbo se afilia y aporta su carisma en un dueto poco convencional en el que se escuchan circunstancias con justificaciones innecesarias; todo al compás de agradables notas que pronto recaen en el solo de un saxofón por parte de Lu; un toque único y divertido a la producción. 

Después de 10 años de su lanzamiento, se agradece el atrevimiento por parte de la agrupación, quien logró presentar algo totalmente diferente que sirvió de refugio para los días más desolados de las almas perdidas y corazones rotos. El disco marcó un antes y un después en sus producciones. Sin su lanzamiento hubiese sido casi imposible escuchar Monarca o bien, Borregos en la Niebla, producciones cercanas de La Gusana Ciega. 

Su convencional discurso conmovió a un público particularmente adolescente que aún disfruta escuchar y dedicar temas como "Conejo en el Sombrero", "Ella Estrella" y "Castillo en la Luna"; sus composiciones cercanas a los sentimientos de los terricolas serán recordadas hoy y siempre. Tienes el poder de cambiar el color de la rueda. Hoy, ¿A qué te suena Conejo en el sombrero? A mí a nostalgia, una nostalgia profundamente en tintes morados.

BRATTY — tdbn

Posted on mayo 27, 2021 by -

Observa dentro de ti y busca esa paz que tanto necesitas.

“Sé que me quieres y te quiero”

¿Alguna vez has expresado tus sentimientos a través de una carta? Bueno, te animo a que esta sea tu primera vez. Toma un boli y una hoja y comencemos. Primero que nada ¿cómo te sientes? Si no estás bien, no te preocupes, ¡vamos a expresarlo!

La simulación de redactar una misiva es una buena opción para comprender tdbn, el nuevo álbum de Jenny Juárez, quien desde hace poco más de tres años comenzó su proyecto bajo el nombre de BRATTY. La jovialidad de Jenny no solo ha motivado a que su sonido mantenga una frescura melancólica al ritmo del bedroom pop, sino que ha permitido que los escuchas se sientan identificados con sus líricas sencillas que hablan de los sentimientos más sinceros de una persona. La estabilidad emocional y el amor son los temas que conducen la línea de este LP.

El material inicia con “epílogo”, una melodía corta marcada por el sutil sonido de la guitarra eléctrica que coloca al público en un escenario blanquecino lleno de nebulosa y en el que apenas se alcanza a percibir una luz de esperanza que se abraza del mensaje “el mañana será mejor”. Inmediatamente en “tdbn” la intérprete habla con el corazón en la mano e indica que efectivamente así como hay días buenos, hay días malos y también es válido decir que no te encuentras en un buen momento. Fingir felicidad con el resto solo es hacerte daño. Las juguetonas y dulces guitarras te animan a ser sincero contigo mismo. La complicidad de la guitarra y la batería generan tranquilidad para “tarde” y te recuerdan que en esta vida ¡no hay que buscar culpables!

“¿Para qué me dejaste enamorarme de ti?”

¿Tu amor ha sido correspondido? En “tuviste” BRATTY se unió a Santiago Casillas (Little Jesus) para producir un tema que habla de una experiencia desagradablemente dolorosa de una relación en la que uno de los personajes jugó con sentimientos del otro. Particularmente para esta melodía la intérprete implementa el sonido de un saxofón que no solo conmociona al escucha, sino que le ofrece la fuerza necesaria para afrontar este doloroso encuentro. Pese al daño, ¿tú le desearías lo mejor a esa persona? 

Llega “tú” y comprendes el concepto de tdbn; identificas que el material está dividido por etapas que conducen a un final ¿doloroso? Quizá. El sonido de los destellos solo representa que esa luz al final del túnel está cada vez más cerca. La pista se interpreta como un cambio de estación. 

Desde el inicio, “jules” se siente como una melodía tierna de amor sincero. Las guitarras flotantes abrazan la historia de amor entre dos chicas; su primer tema LGBT de BRATTY. Posteriormente entra “contigo”, una pista más lenta que de igual forma se construye bajo el sentimiento del amor.

La importancia de los colores.

En “lejos”, la guitarra juega un papel súper importante para construir una atmósfera llena de melancolía en la que solo se escuchan líneas de despedidas. La carta empieza a llegar a su fin y se siente, solo basta con escuchar “friend” para comprender que todo se ha acabado. Esta última parte de tdbn se siente triste pero de igual forma mantiene un aire de esperanza. 

El cierre del disco llega con “virgo”, una canción hecha a piano que cuestiona tus miedos y lo que has aprendido de ellos. El tema se construye en dos partes. La nebulosa se empieza a dispersar y todo comienza a ceder. Finalmente la sinceridad es esa luz al final del túnel que ayuda a nuestra intérprete a salir de ese abismo. El tema crece al compás de cuerdas y la banda completa. Es un cierre que permite decir adiós y es normal terminar desolado y con una interpretación similar a la que BRATTY mantiene en la fotografía del álbum -realizada por la fotógrafa Krishna VR-. Esta puerta se cierra para abrir otra ¿estás preparado para intentarlo? 

Entrevista con Tokyo Ska Paradise Orchestra

Posted on mayo 27, 2021 by -

Bailando ska por 36 años y 25 discos con la SKAPARA.

Desde Japón, Tokyo Ska Paradise Orchestra -o la SKAPARA para los más ultra valedores buena onda- vienen estrenando disco nuevo, su disco #25... ¡¿25?! ¡¿Qué demonios?! Y aprovechando la promoción nos contactamos con ellos para entrevistarnos por trillonésima vez porque son re súper cábulas y los amamos.

SKA=ALMIGHTY, es su disco #25 y eso evidencia un poco su larga vida, pues al día de hoy la SKAPARA tiene 36 años de sudar ska dentro y fuera del estudio de grabación, arriba o abajo del escenario.

Cuando empezamos, básicamente no había ska en la escena musical de Japón y el J-rock apenas comenzaba. No había festivales de rock y solo algunos pocos festivales de reggae y festivales de jazz. Los festivales fueron creciendo poco a poco y con eso la SKAPARA empezó a tener reconocimiento”, comparte el buen compa Yanaka, saxofón barítono de está fina agrupación nipona.

En la segunda mitad de los 80, en sus meros inicios, la SKAPARA se refinaba conciertos en pequeños lugares, pero después de bastante tiempo picando piedra comenzaron a tocar en escenarios cada vez más grandes hasta llegar al tamaño de estadios.

“Estoy muy feliz, de poder tener la sensación de unidad tocando en estadios o arenas. Creo que uno de nuestros mejores conciertos fue durante nuestra gira por México en 2011, el Vive Latino en Foro Sol. Todavía me gusta tocar en pequeños lugares porque hay una sensación de emoción diferente en comparación con los estadios”, nos dice el más cábula de todos cábulas de la SKAPARA, Kato el guitarrista de la banda.

Es cierto, ese concierto en el Vive Latino del 2011 estuvo increíble, yo estuve cuando todo ser vivo en el escenario principal bailaba ska como un solo ente moviéndose frenéticamente de lado a lado. Previo a vivir la máxima experiencia de su vida, Kato vivió otra no tan satisfactoria, la famosa revancha de Moctezuma.

Estar hospitalizado en México fue una situación muy dura, pero también fue una experiencia valiosa. Me sentí muy solo durante mi primera hospitalización fuera de casa, pero pude regresar al escenario gracias al buen tratamiento del equipo médico. Desde entonces, soy muy cuidadoso con la comida cruda mientras disfruto las giras en Sudamérica”.

La SKAPARA se crea con toda la energía de la buena onda y la ultra diversión en 1985, pero antes de que existiera siquiera la idea de crear una banda de ska tenían otra vida un poco distinta a la que tienen ahora.

“Yo estudiaba Psicología en la Universidad, aún seguía estudiando cuando debutó la SKAPARA”, es la historia pre-SKAPARA de Yanaka. Por otro lado, Kato dice que “Tocaba la guitarra en mi propia banda de rock. Después de encontrar a la SKAPARA, descubrí el ska y me puse a estudiar muy duro. Incluso ahora, me gusta escuchar no solo ska, también me gusta escuchar música rock”.

Después de tantos años, tantos conciertos, tantos discos, el disco #25 podría ser solo un tramite más en la carrera de un artista, pero en el caso de la SKAPARA no es tanto así. Para ellos todavía hay mucha alma y buena vibra que compartir con el mundo.

“Creo que la fuerza de esta banda es que podemos decir con orgullo que el álbum más nuevo es el mejor. En los últimos años, no por nuestro egoísmo, pero estoy realmente sorprendido conmigo mismo porque siento que mi diversión proviene de la diversión del cliente”, Yanaka nos comparte uno de los mejores pensamientos de parte del músico directo a su público.

La SKAPARA ha colaborado con montón de músicos alrededor del mundo y muchos músicos de diferentes latitudes han colaborado con ellos. En SKA=ALMIGHTY no cabe la excepción, también hay un montón de artistas que untan algo de su magia en las canciones de la SKAPARA.

“Estoy muy agradecido de haber conocido a tantos músicos maravillosos mientras recorría América Latina. Estoy muy feliz de poder presentar a los oyentes en Japón músicos maravillosos de diferentes países como iLe, Monsieur Periné, LAD, Moral Distraída y Emicida. Siento que SKAPARA tiene un papel importante en conectar la escena de la música latina con la escena musical japonesa” palabras de amor a Latinoamérica del buen Kato.

La SKAPARA siempre ha divulgado que su actitud más revolucionaria es compartir energía positiva a través de su música y letras. Según el buen Yanaka las 5 canciones de la SKAPARA que transmiten al 1000% el mensaje de energía positiva son: “Down Beat Stomp”, “Paradise Has No Borders”, “Pride of Lions”, “Glorious” y “Five Days of Tequila”.

Una lista breve de rolas buena onda recomendada directamente por la misma SKAPARA para ir a escuchar de inmediato.

En estos 36 años de vida, la SKAPARA, definitivamente, ha formado parte del soundtrack en la vida de diferentes generaciones y aun continúan atrayendo nuevos fanáticos de generaciones más frescas.

“El ska se puede fusionar con varios géneros y creo que es un tipo de música muy conveniente para tener sesiones con músicos de diferentes generaciones. Creo que el poder positivo del ska y su sincopa que hacen que todos quieran bailar seguirán influyendo en la música para que varios géneros trasciendan generaciones”, esas fueron las palabras finales del buen Kato para ponerle fin a la entrevista.

Adéntrate en la psicodelia metafísica de Evolfo

Posted on mayo 26, 2021 by -

Psych-rock entre la vida y el más allá desde Brooklyn.

La buena música nos eleva, pero también nos arrastra y nos ensucia. Nos acompaña en nuestros viajes pero también nos sumerge en uno al interior de nuestras imágenes mentales. Nos queda claro que los géneros psicodélicos, con sus guitarras saturadas, son los mejores acompañantes para dichos estados. Por ello, si te gusta King Gizzard & the Lizard Wizard u Osees, te llevarás una sorpresa al conocer a Evolfo.

Este es el nombre de un septeto basado en Brooklyn que llegó a buscar un lugar en la escena lisérgica. A cargo se encuentran Matthew Gibs (guitarra, voz), Rafferty Swink (teclado, lap steel, guitarra), Ben Adams (guitarra, voz), Ronnie Lanzilotta (bajo), Dave Palazola (batería), Jared Yee (saxofón) y Kai Sorensen (trompeta, voz).

Con esta alineación, Evolfo debutó en 2017 con Last of the Acid Cowboys. El título western de este álbum es engañoso, pues en realidad es un viaje hacia el rock sesentero cargado de fuzz, la velocidad de los 13th Floor Elevators y un poco de boogie. Mira el video de “Science” aquí.

Ahora, cuatro años después, Evolfo se aventurará en una nueva travesía, que explorará los caminos más profundos de nuestra psique en estado puro. Site Out of Mind, su próximo álbum, verá al grupo sumergirse en conceptos metafísicos e imágenes de ciencia ficción que trasladará al sonido con versos poéticos, líneas de órgano, notas eternas de violín y un sinfín de recursos psicodélicos. Ya puedes ver el video de “Give Me Time”, dirigido por El Oms, a continuación.

Si en el álbum pasado murió un personaje, en éste haremos un viaje por su interior, volteando el pasaje y atravesando la montaña de su mente en ese momento de mortalidad; quizás una confusión de la actividad cerebral entre la vida y el más allá”, comenta el grupo.

Site Out of Mind se estrenará el próximo 18 de junio a través de The Orchard Music. Apártalo en Bandcamp y sigue al grupo en Facebook, Instagram y Spotify. ¡Déjalos que te acompañen en el viaje!

Evolfo_OutOfMind_2021

01. "Give Me Time"
02. "Strange Lights"
03. "Zuma Loop"
04. "Blossom In Void"
05. "Drying Out Your Eyes"
06. "In Time Pt. 1"
07. "In Time Pt. 2 & Pt. 3"
08. "Let Go"
09. "Broken Hills"
10. "Orion's Belt"
11. "White Foam"

Inunda tus oídos con el chillwave de Sweet Mila

Posted on mayo 26, 2021 by -

La formación, oriunda del sur de la República Mexicana, comparte un nuevo single y da apertura a su nueva etapa.

En medio del vacío, en espera de materializarse, yace aquello que nunca llega, y junto a las olas sentimientos encontrados que arriban a la orilla: “Altamar”, el nuevo sencillo del dúo yucateco Sweet Mila, que envuelve en un vaivén rítmico la sintonía del chillwave, lo electrónico y lo alternativo. “Un paisaje de ensueño donde inunda la melancolía al compás de la batería y una suave voz que susurra  ‘solíamos navegar, solíamos escapar’”. 

Para este lanzamiento, la copla construye a partir del indie y el pop alternativo una secuencia de sintetizadores iniciales que remontan a un trip espacial, mismo que persigue la estética wave, ambientes volátiles y ambientales. Esto aunado al componente visual, dirigido por el artista visual Kesniel Chan Toledano y producido por Seon Films, filmado en su totalidad en Mérida y editado en Dinamarca; donde retratan la complicidad de dos jóvenes, quienes entre luces y matices replican una narrativa conceptual.  

Victor Rivas (producción, composición y sintetizadores) y Omar Colorado (voz y guitarra), combinan en este proyecto elementos provenientes del pop, el dance y el synth pop con “otra era de sonidos electrónicos vanguardistas que le dan un estilo único a su música”, y una vibra playera que acompaña sus orígenes.  

Así, el sonido de Sweet Mila navega entre lo suave, lo sutil, lo romántico y lo pasional para explorar sentidos íntimos y humanos mientras transportan al escucha a otra dimensión a través un baile sin descanso” describen ambos músicos. 

Como antesala a esta producción, la agrupación liberó su más reciente single “Ámbar”, que incluye nuevos elementos como la trompeta y grooves funk, a la par del electro pop que inunda en cada una de sus piezas; además su primer álbum de estudio 21 de 2019, del que sobresale el track “Deja Vu”, y su EP debut Stay High (2016). 

Actualmente “Sweet Mila está listo para compartir nueva música y abrirle paso a una nueva etapa musical”. 

Escucha "Altamar" en todas las plataformas digitales:

Altamar_SweetMila_2021

Low Hummer comparte nuevo track rumbo a su esperado debut

Posted on mayo 26, 2021 by -

Sonidos estridentes de aquellos quienes jamás encajaron.

El punk surgió como una avalancha de furia y contracultura que crecía lentamente desde las entrañas del rock and roll llevado a sus expresiones más polares. Desplantes de intensidad emocional donde el virtuosismo quedaba atrás para centrar nuestra atención en el mensaje de aquellas balas perdidas gritándolo sobre nuestros rostros. El punk no ha muerto, el punk ha vuelto a las entrañas de la música alternativa para volar la cabeza de la contemporaneidad y dar cobijo a aquellos parias que nunca encontraron un lugar donde sentirse vivos. Es en este cobijo donde nace Low Hummer, punk para la vida moderna.

 

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Dan Mawer, Aimee Duncan, John Copley en las guitarras, Jack Gallagher en el bajo, Stephanie Hebdon en los teclados y Joe Gray en la batería forman a la agrupación oriunda de Kingston upon Hull. Firmando en 2019 con el icónico sello Dance to the Radio, la banda se había limitado a lanzar sencillo tras sencillo, dejando claro ese estilo eléctrico y fresco, lleno distorsiones, juegos de voz dinámicos y líneas de bajo que nos impulsan a seguir a través de cada track, rozando sonidos con bandas como Pixies, Sonic Youth, Bass Drum of Death o Girl Band.

El proyecto llega este 2021 como una de las bandas revelación a seguir con el anuncio de su muy anticipado Modern Tricks for Living, álbum debut próximo a estrenarse este 17 de septiembre del que ya hemos podido escuchar sencillos como “Take Arms”, “Never Enough” y el recién estrenado “The People, This Place”, todos acompañados con el arte de Joseph Cox a través de Form Studio.

El preorder para el primer larga duración de Low Hummer se encuentra ya disponible desde el siguiente enlace, con lo que promete ser uno de los lanzamientos más interesantes en el mundo del ruido angloparlante.

Low Hummer (Modern Tricks for Living)

 

Esteban Gómez-González regresa a la escena musical

Posted on mayo 26, 2021 by -

El antiguo miembro y vocalista de la agrupación Odisseo, retoma de manera pública su regreso.

Bastaron cuatro largos años para saber oficialmente del cantante y compositor mexicano, sin embargo, este lapso nunca inhibió su capacidad y búsqueda creativa, lo que le permitió emprender su carrera como solista y hasta ahora confirmar el lanzamiento de un nuevo material que verá la luz el próximo mes de junio. Esteban Gómez-Gonzales llega de la mano del sello independiente Campus On Stage Records para reafirmar la premisa que marcó un hito en su carrera musical: “El compromiso con el arte”. 

A través de este nuevo álbum, el vocalista refiere un concepto que retoma sus inicios y redescubre sus raíces, con estructuras clásicas y la formación básica de “bajo-guitarra-batería-voz”, todo en un rock pop que matiza con ritmos latinos, y la expectativa de la experimentación u otros elementos que aporten a su trabajo. 

Mucha música que se hace actualmente de manera automatizada, hay una urgencia por crear ‘sencillos’ cada semana, este álbum fue creado para mostrar que no todo debe ser así y hay música que debe permanecer de forma orgánica, interpretada en vivo por el músico, no por un sampler o secuencia, las letras están inspiradas en esa vacuidad generacional que nos da estrellas instantáneas sin algún concepto y contexto”, describe el artista. 

Esteban Gómez-González_2021

Desde 2017, Gómez-González se ha presentado con cierta constancia en los escenarios desde la separación del cuarteto de rock pop Odisseo, y lanzado distintos singles y EPs como Libro Negro (2017), duración extendida que contiene la sencillez de las baterías programadas, riffs de guitarras picarescos y letras juguetonas; “G.L.A.M” (2018) track con el que incursionó con líricas en idioma inglés, al igual que “Nailbiter”, “Need No Stars”, “Calacán”, caracterizadas por guitarras recargadas de distorsión y ritmos más bailables; o su EP Yours Truly de 2018, con el que cerró un ciclo que renació hasta el año pasado en su tema “Dubai”, cantado en español. 

No te pierdas del primer adelanto del nuevo disco de Esteban Gómez.-Gonzales este próximo mes de junio, y mantente al pendiente de Indie Rocks! para conocer más del artista.