AQAMARINA, la música de la era hiperconectada

Posted on noviembre 26, 2021 by -

“En la era del internet todos somos hijos de la hipercultura”, comenta el músico Saúl Zahid.

La aparición de esta cita no es gratuita en la época que vivimos. La exposición a montones de información ha abierto las puertas a nuevos conocimientos, pero también ha propiciado mezclas insólitas de expresiones culturales remotas, a través de las cuales ha crecido nuestro mapa de consumo. Ahí, en medio de la era de la sobreinformación, llega el proyecto de AQAMARINA, dispuesto a darle su forma final al cruce genérico del día a día.

 

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Detrás de AQAMARINA se encuentra el músico y cineasta Saúl Zahid, quien utiliza este nombre para crear tracks en donde se conjuntan influencias tan dispares como la electrónica, el hip hop, el RnB, la psicodelia setentera y otros sonidos. Esta mezcla, por cierto, se concreta desde la habitación de Saúl gracias a una técnica digital conocida como live looping, a partir de la cual cualquier músico puede integrar por sí mismo muchos instrumentos en una pieza a partir de repeticiones programadas.

Así, AQAMARINA debutó en 2020 con el sencillo “Así es como pasa”, pero es ahora cuando da su primer paso en las grandes ligas con el estreno de su EP INTER (independiente, 2021). Este material se compone de tres piezas con el particular sonido multi-estilístico de AQAMARINA, las cuales también dan cuenta del universo transmedial de Saúl. Dicha cualidad se logra a partir de la presentación del EP mediante clips y teasers, una sesión en vivo titulada INTER EP Live y el video musical de “La Ventana” dirigido por el propio Saúl. Dale play a estos dos últimos materiales a continuación.

[INTER se compone de] tres tracksitos que se quedaron flotando el año pasado. Estuvimos pensando mucho en la identidad, en lo que habita el espacio entre nosotros, en la integridad que se va yendo de nosotros en cada paso, y la que se va incorporando: ¿cómo es nuestra identidad como internautas? ¿Qué odiamos de estas interconexiones? ¿Hasta qué punto estamos conectados?”, comenta Saúl en redes sociales.

Ya puedes escuchar INTER a continuación o en tu plataforma favorita de streaming. Sigue a AQAMARINA en Facebook, Instagram, Spotify, Bandcamp y YouTube para que no te pierdas ningún ángulo de su retrato del mundo hiperconectado, y conoce más propuestas nuevas en Indie Rocks!

Zemmoa — Lo Que Me Haces Sentir

Posted on noviembre 26, 2021 by -

Recuperando terreno a través de enfrentarse a uno mismo.

A veces, o bueno casi todas las veces nada es tan complejo ni tan eterno que no se pueda resolver con la honestidad. Zemmoa ha tenido una constante búsqueda por descubrirse a través de su música a veces con resultados inesperados y por qué no, increíbles (NNVAV, Zemporio Records, 2016) y otras veces prescindibles como en el irregular “Covers”. Lo cierto es que nada de esto ha hecho que su nombre y estatus dentro de la música independiente no crezca, por eso es que a veces es de extrañarse el hype tan alto que conserva cuando lo que suena en las bocinas no siempre está a la altura. Hoy todo ello cambia, Lo Que Me Haces Sentir, su cuarto trabajo es el clímax, dónde por fin se escucha como en casa.

Para este nuevo trabajo Zemmoa repite la autoría de todos los temas, pero también deja un espacio para las co-escrituras que sin duda es uno de los aciertos de este trabajo, todo suena fresco, mucho mejor resumido y sin ningún interés por divagar, es un golpe en la cara.

A la fiesta se le suman, Martin Grinfeld, Imanol González, Mauricio García y America Fendi en los controles, todos ellos trabajando en equipo, nada suena fuera de lugar y parece que todos estuvieron en el mismo cuarto componiendo. La cantante presenta su mejor arsenal con la ayuda del siempre fiel escudero Juan Soto, que sigue siendo el que mejor la entiende y de él son los puntos altos cuando se trata de baile, en la melancólica “Ya te vi” (al lado de una contenida Nomi Ruiz) y la divertida “P*****o”, o el que ahora es el tema más exitoso de su carrera “Mi amor soy yo” al lado de Trans X y Tessa Ia, que sobresale por  estar al servicio de la canción, sin ninguna intención de destacar más de lo que la protagonista del tema le permita.

Burgos repite en el cadencioso y vintage primer single “Velocidad” que va a ganar mucho en vivo, con unos sintetizadores que piden a gritos una remezcla. Todos estos temas no son precisamente un reto porque ella siempre ha sabido llevarnos a la pista de baile, la sorpresa viene en los medios tiempos que no bajan la intensidad de los beats, pero tampoco aburren, están bien logrados y sobre todo se escucha una compositora honesta y menos cerebral. “Malos entendidos” acompañada de intro telefónico, conmueve y atrapa con una letra que preciosa sobre tratar de salvar algo que no tiene remedio. Si algunas te preguntas que pasara cuando la cantante haga algo más orgánico puedes estar en calma, “Te quiero” y el tema que cierra al disco “Te Quiero Mucho” son temas muy sencillos que, sin aburrir, prueban que aún hay mucho por explorar de la Zemmoa tranquila.

En “Como la primera vez” al lado de Valentina y America Fendi es simplemente la cumbre del baile, uno de los tracks que se volverán un clásico en su repertorio y la prueba de que cuando se trata de bailar llorando las posibilidades siguen siendo infinitas. El día que el amor sea solo uno de sus temas, explore otros universos sonoros y sobre todo se arriesgue a sacar ese registro que si tiene prepárense, porque seguramente el único nicho con el que se le va a relacionar es aquel en dónde están todos aquellos que siguen negando lo diferente y por necedad no la han escuchado. Lo Que Me Haces Sentir es el paso definitivo a la obra cumbre de la artista, atentos, esto apenas comienza y falta lo mejor.

The Darkness — Motorheart

Posted on noviembre 26, 2021 by -

El rock n' roll seguirá mutando, pero aquí estamos celebrando su ironía con The Darkness.

La banda liderada por los hermanos Hawkins ha destacado desde la salida de su álbum Permission To Land en 2003 y que por fin, después de llevarnos de viaje por cielo mar y tierra, en Motorheart fuera del mundo ordinario. 

The Darkness no es una banda tributo, ni una sátira a las bandas de rock; sino que en su pose trata de recopilar la vestimenta y estilo de los 70, las guitarras desenfrenadas y percusiones del glam metal, la oscuridad y la quietud del grunge unplugged para mezclarlas con líricas irónicas y apasionadas como un adolescente. 

En fin, rock n’ roll aún y cuando se encargaron de matarlo en su álbum Easter Is Cancelled (2019). Después de casi 20 años la banda no nos muestra algo nuevo, simplemente continúan haciendo lo que ya saben, pero con mayor grado de exageración. Motorheart es un musical compuesto por 3 actos: el que el tema principal es el amor a lo desconocido, a un ser cambiante y que habita en otro planeta. Aliens o robots, queda a la imaginación o a la interpretación de su portada con un arte que no es sorpresa para los fans. 

El telón se abre con “Welcome Tae Glasgae” y un bajo a punto de arrancar hacia la aventura con estilo Motörhea… ¡Motorheart! Cuidado con confundir. En esta introducción visualizamos el futuro entre gaitas y un acento británico difícil de confundir. “It’s Love, Jim” y “Motorheart” se acostumbran a la velocidad que las guitarras marcan mientras navegamos cual piratas en el espacio en búsqueda del ser que está por hipnotizarnos. 

En “Jussy’s Girl”, idealizamos a ese ser perfecto que debe permanecer a nuestro lado, mientras agitamos la cabeza con un riff que, genuinamente, nos recuerda a Panama de Van Halen. “Nobody Can See Me Cry” alcanza el punto álgido del álbum al envolvernos en una atmósfera de caos y distorsión. Después, nos encontramos en caída libre con un álbum que solo se disuelve. 

“The Power and The Glory of Love” es un tema que nos remonta al amor adolescente y con poco dinamismo. En cambio “Sticky Situations” es apasionado, invitándonos a bailar pegados con nuestro ser querido y al final encontramos un violín discreto y juguetón. “Speed Of Nite Time”, es el tema pop del álbum, con sintetizadores que iluminan el camino que una voz misteriosa está enfrentando entre un bosque de reverberaciones. “Eastbound” nos transporta a un lugar tranquilo, para ser exactos Lowestoft, Inglaterra, lugar que vio nacer la banda y el lugar en el que se posicionan para cerrar este musical. 

“You Don’t Have To Be Crazy About Me… But It Helps” comienza con un groove con el que la voz va dando pequeños saltos mientras entona la canción. “It’s A Love Thang (You Wouldn’t Understand)” es un tema tranquilo con instrumentación que nos motiva a iniciar un nuevo día; en fin, vivamos el amor que como a nosotros nos gusta. Finalmente, “So Long” marca el final del camino con una guitarra acústica y violines con una voz melancólica. Se cierra el telón. 

Es cierto, difícilmente podremos regresar a este álbum, pues sus riffs ágiles y divertidos solo los encontramos en sus singles. Sin embargo, quedarán marcados en nuestro corazón si alguna vez nos encontramos con esta banda en vivo, celebrando la fiesta que es el rock n’ roll. Sigue celebrando y escucha Motorheart aquí:

 

Entrevista con George FitzGerald

Posted on noviembre 26, 2021 by -

Del escapismo sintético y su conexión con lo irreal.

Tras su presentación en el Corona Capital, celebrado el pasado fin de semana, tuvimos la oportunidad de conversar desde Indie Rocks! con el DJ y productor inglés George FitzGerald, quien nos compartió todos los detalles referentes a su relación con el público mexicano, los retos afrontados al momento de subir al escenario de un festival y la particular manera en la que nos relacionamos desde lo humano con el mundo de lo aparentemente sintético, encontrando la pureza del relief en los sonidos de la electrónica contemporánea.

George FitzGerald (01)

La carrera de FitzGerald se ha visto plagada de momentos destacables desde hace poco más de 10 años, contando con colaboraciones de actos como Lil Silva, Tracey Thorn (Everything But The Girl) o Bonobo, pisando escenarios del electro avant garde de manera internacional y contando actualmente con un total de cuatro aclamados álbumes bajo el brazo. El regreso a escenarios en tierras nacionales tras la reciente emergencia sanitaria pareció formar parte de esos puntos rojos dentro en la trayectoria del inglés.

Cada vez que vengo es mejor, hubo algo en el show de aquella noche que capturó la sensación post pandemia, algo extra por parte de la multitud, una especie de liberación de energía tras todo lo que ha pasado”.

El volver al oído público en el contexto de un festival cambia ligeramente las cosas para todos los involucrados, el mayor reto para los artistas se convierte entonces en afrontar la diversidad de los escuchas para llegar a cautivarles.

La belleza de los festivales es que expones tu música a nuevas personas. […] Debes lograr mantener su atención, unir aún más los momentos grandes, ellos no tienen por qué estar frente a ti, hay muchas más opciones, conectar es esencial.”

El puente entre lo humano y lo musical se ve canónicamente protagonizado por los aspectos más orgánicos de la melodía, en el caso de FitzGerald los sintetizadores y secuencias ofrecen una tangente bien explorada pero poco expresada por quienes conforman el gremio de lo electrónico.

No puedes cambiar el hecho de que es sintético pero la virtud de la música electrónica es la sensación de escapismo que le da a la gente. No aterriza constantemente como cuando tienes voces y cuerdas sonando, te transporta”.

Es esta filosofía alrededor del sonido la que ha guiado al artista a través de los últimos años, desde el respiro forzado de confinamiento obligándole a enfrentar su mundo interno para nutrir el impulso creativo hasta renovar su proceso de composición en pro de lo sensorial.

“Antes me concentraba mucho en el aspecto técnico, grabar bien, usar el equipo adecuado. Creo que ahora me guio mucho más por la sensación que deja. […] Al final es lo que le importa a las personas, cómo se siente una canción. Un track increíblemente producido que no es una buena idea nunca será una buena canción, pero una gran canción mal producida seguirá siendo una gran canción”.

Así y tras el estreno de “Ultraviolet” vía Domino Records a finales de septiembre, FitzGerald nos prepara para los sonidos del futuro cercano, envuelto de ganas de volver a México para contagiarnos de esa calidez entre el mar de lo sintético.

La ciudad es tan grande que no sé por dónde empezar, he estado en otros lugares como Tokyo o Londres donde todo es igual de cambiante. La Ciudad de México es asombrosa, casi abrumadora, me hace querer volver tan pronto como sea posible”.

Mosaik presenta “No puedo parar” junto a NATI

Posted on noviembre 26, 2021 by -

Atmósferas de R&B orquestal para disfrutar del momento.

Continuando con sus colaboraciones con cantautoras peruanas, Mosaik, este proyecto que busca generar espacios de exploración musical; está de estreno con “No puedo parar”, tema en el que se acompaña de NATI.

Para este tema, se contó con el arreglo del joven compositor peruano Rodolfo Stornfelt; “No puedo parar” es una mezcla de R&B y pop, que se mezcla con sonidos orquestales, que son característico de Mosaik.

“No puedo parar” en voz de NATI es un tema lleno de seducción, pues los arreglos vocales y las cuerdas, hacen que el sutil R&B cree una atmósfera sensitiva, de la que, la experiencia sonora es algo único.

Las colaboraciones que realiza Mosaik, tienen el objetivo de generar un diálogo entre la música de academia, es decir, la música orquestal y el pop nacional. Para el 2022, el proyecto publicará un álbum recopilatorio de estas colaboraciones.

Déjate envolver por estos sonidos y dale play a “No puedo parar” a continuación:

Top 10: Los mejores videos de noviembre

Posted on noviembre 26, 2021 by -

Un último vistazo a los mejores videos que llegaron este mes.

Antes de que inicie el último mes del año y sientas que los días pasan más rápido de lo normal, date un respiro, toma asiento, relájate y abre bien los ojos porque Indie Rocks! trae para ti los mejores 10 videos que acompañaron de forma estética y visual a canciones que seguramente ya te sabes a la perfección.

Por otra parte, si no has estado muy actualizado musicalmente estos días, este es el momento perfecto para hacerlo con la ayuda de este top. Aquí vas a poder gozar desde Arca y su extravagante forma de transportarnos a su mundo único, hasta Run The Jewels y una historia en blanco y negro que se convierte fácilmente en un terrorífico misterio.

Recuerda que tenemos una playlist donde podrás encontrar los mejores estrenos de los últimos meses y obviamente las canciones que están abajo también forman parte de la lista. Síguela, escúchala en aleatorio y descubre buenas rolas para cualquier mood.

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Escucha “Klapaucius”, nuevo sencillo de Al Menos Se Intenta

Posted on noviembre 25, 2021 by -

Llénate de optimismo y buenas vibras con el nuevo sencillo de Nicolás Lorca y su proyecto solista.

Al Menos Se Intenta, proyecto solista del músico chileno Nicolás Lorca, ha estado imparable últimamente. Hace no mucho se encontraba celebrando el estreno de su EP Podría Estar Peor (2021) y, ahora, expande su universo de colorido indie rock con una nueva canción. Se trata de “Klapaucius”, tema en colaboración con el productor Aquiestawally.

“Klapaucius” nos envuelve en good vibes y pensamientos optimistas con una letra que nos recuerda que es normal perderse en el pensamiento de lo que ha salido mal, “pero si te das espacio para ver lo bueno te hará menos conflicto recordar”, como dice su letra. Esta canción integra un montón de efectos de sonido, filtros, distorsiones y más elementos que oscilan entre el indie rock y la música de videojuego. Dale play a continuación.

La canción se llama ‘Klapaucius’ por un truco en el juego Los Sims. Con ese podías tener dinero infinito y vivir tranquilo, sin problemas. Eso me calzaba con la temática de la canción, que es una conversación donde una persona aconseja a otra sobre cómo enfrentar sus problemas cotidianos”, comenta Nicolás en comunicado de prensa.

Nicolás Lorca no ha aclarado si “Klapaucius” formará parte de un nuevo material de Al Menos Se Intenta. Pero, eso sí, el músico ha prometido que vendrán muchas sorpresas con su proyecto. Así que no olvides seguirlo en redes sociales para que no te pierdas ni una sola.

Rubio comparte video para “Mango Negro”

Posted on noviembre 25, 2021 by -

La censura del fruto prohibido.

Entre imágenes censuradas Rubio comparte el visual para el tema “Mango Negro”, una pista que habla de desear aquello que está prohibido, en este caso Rubio comparte esta metafora como el fruto prohibido, y lo plasma muy bien en el video de esta canción.

“Mango Negro” se despren del LP que lleva el mimo nombre y que se publico en 2020; el proceso creativo de este video fue dirigido por Leo Medel, en el que deja ver este lado cinematográfico de la canción, en donde la censura y la prohibición son la idea principal.

Sentí que Mango Negro era una canción muy cinematográfica y me inspiró este conjunto de pequeños cuadros, que podrían estar sacados de diferentes películas. La idea del Mango Negro me evocaba la de un fruto prohibido y buscamos imágenes que evocaran la idea de prohibición. En eso se nos apareció la censura y finalmente todo orbitó sobre la idea de la belleza de la censura”, compartió Leo Medel del video.

Mira el video de “Mango Negro”, dirigido por Leo Medel, a continuación:

Mango Negro es el segundo álbum de Rubio, y fue publicado en 2020, a este disco le siguió el tema “Invierno”. En 2022 Rubio regresará a México como parte del festival Bahidorá.

Asaph Sánchez estrena videoclip para “Bad Fame”  

Posted on noviembre 25, 2021 by -

El mexicano nos invita a ahondar en la contemplación del sonido. 

La ambientalidad y el minimalismo se apodera tus oídos con “Bad Fame”, el nuevo track del compositor y saxofonista mexicano, Asaph Sánchez. Este es el primer tema en lista de su nuevo EP, Renaissance, ya disponible en plataformas digitales.  

En compañía de un videoclip oficial dirigido por el piloto del dron y productor audiovisual Daniel Torres, el visual grabado en Río Frío retrata un viaje inmersivo por terrenos boscosos y panoramas soleados. Esta canción es una manifestación abierta de sonidos expansivos y sintetizadores reverberados que fungen perfectamente como un soundtrack digno de una gran producción cinematográfica.  

Entra paisajes y texturas únicas, este compilado de cinco temas explora el arte sonoro experimental a través de piezas ambientales contemplativas, que dejan de lado su instrumento principal para abrir paso a secuencias electrónicas, suspensivas, intrigantes y abrazadoras.  

Previo a este corta duración, publicó durante 2020 un LP titulado Nzúmbi, en compañía de Doble Redoble, Borchi, Taiwan MC, Boogát, Charlot y Baja Frecuencia. Escúchalo aquí.  

Sánchez ha compuesto y producido de manera independiente música para algunos cortometrajes, cine independiente, podcast y proyectos experimentales. Además de haber trabajado con agrupaciones como Juggernot y Doble Redoble. 

Escucha “Bad Fame” y su nuevo EP, Renaissance, a través de Indie Rocks!  

La Juventud, el divino tesoro del pop y el rock & roll 

Posted on noviembre 25, 2021 by -

Madurez, revolución y locura.  

La Juventud, un quinteto madrileño que desde 2018 se ha solidificado en “eclecticismo”, fusión de sonidos psicodélicos, “africanos” y del rock and roll más puro que podrías escuchar.  

Manuel Romero (voz y guitarra) emprendió un viaje con sus primeros temas originales y cuatro amigos abordo. En un principio era algo incierto el lugar al que quería llegar, “prácticamente dos meses después de grabar y dar conciertos...” (y aún bajo su antiguo nombre Red Gurd), “...no sabíamos lo que queríamos”, expresan en entrevista para En Clave Indie. Pero hoy eso ha cambiado.  

El tiempo, al igual que su experiencia en vivo por algunos festivales, concursos y demás conciertos, sirvieron para encauzar su transición y crear su primera producción de larga duración, ahora con un nuevo nombre. Con ello emerge un concepto y una intención más certera. Claramente influenciados por el rock británico de los 80, notas de krautrock y “hasta la chicha”, la banda publicó su disco homónimo, once canciones de las que sobresalen temas como “Kárate a Muerte” o “Hubiera Estado Tan Bien Contigo”.  

Una voz histriónica, alternante, cambiante en función de la emoción de las guitarras altisonantes, pomposas, ritmos alocados y ambientaciones divertidas. Subidas y bajadas anímicas; amor, desamor, el paso del tiempo, problemas económicos, nostalgia y demás tópicos por descubrir.  

Actualmente el conjunto español ha potenciado su espíritu creativo y traducido esta intención en su segundo álbum de estudio. Otra noche en la calle “acompaña al oyente a lo largo de una noche de fiesta pre-pandemia, pasando por distintos estados de ánimo (excitación, recogimiento, desenfreno, …) y ritmos que van desde la balada de piano al rock más crudo”.  

Con algunos singles recientemente publicados este año, La Juventud (divino tesoro), le hace honor a su statement “nostalgia pop por un futuro mejor”, pues con el propósito de crear y partir de su esencia, parece que seguirán el camino de un porvenir mucho mejor, repleto de pop rock alternativo y energía.  

Descubre más proyectos como este a través de Indie Rocks!