Perfiles: Aldo Ballesteros

La música también se ve y se siente.

La experiencia de estar en un concierto es y seguirá algo que solo se vive una vez.  Sin embargo, gracias a la tecnología ahora podemos revivir ese momento una y otra vez gracias al streaming. Este concepto de transmisión en vivo no es nuevo, pero fue gracias a esta modalidad que muchos, durante la pandemia, nos pudimos sentir un poco más cerca de la gente y del sentimiento que implica conectar con la música.

Tal vez ya fuiste testigo de algunas de estas presentaciones efectuadas con la ayuda de Switch It, productora audiovisual a cargo de Aldo Ballesteros la cual ofrece servicios de producción, de índole audiovisual es decir todo lo que tiene que ver con grabación, de cámara, de imagen y de audio y que además tiene una visión diferente de lo que los contenidos de calidad deben ser.

“Cuando decidimos iniciar Switch It, pensamos que era necesario ofrecer un servicio, que pueda abarcar de forma innumerable o de forma masiva estas necesidades que tiene el mercado: Es decir, dar esta parte artística y de dirección a hacer eventos que antes sólo hacían en tele”.

Ballesteros, quien estudió relaciones internacionales y ciencia políticas, llegó de manera un tanto accidental a la industria del entretenimiento, iniciando como asesor en el guion de la película de Zapata (debido a su conocimiento en la rama de historia) y una vez ahí, nunca dejó el medio. Poco a poco este lo fue acercando al mundo de la música, uno en el que siempre había estado conectado. Tras trabajar en varías productoras que abordan conceptos visuales con música en vivo; la llegada del streaming cambio por completo las cosas y Aldo fue uno de los primeros en saber que esto sería el futuro, o presente dependiendo del punto de vista que se tenga.

“Somos especialistas en streaming por que hemos ido a la vanguardia y además hemos aprovechado las herramientas que ahora están ahí, como todas las plataformas: YouTube, Facebook y demás; aprendiendo cómo funcionan y exprimiéndolas al máximo, usando la tecnología para poder comunicar”.

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Y es precisamente esta herramienta, la tecnología, la esencial para dar ese sello al producto y trabajo en Switch It. Sin embargo, es el cuidado y la forma de trabajar en sus producciones la puerta que permitió que llegaran las oportunidades, pues anteriormente esto sólo era exclusivo de Televisa y TV Azteca, quienes contaban con la tecnología, pero carecían de presupuestos para todo tipo de clientes además de que el cuidado y la visión del producto final obedecía a parámetros familiares para las empresas es decir, la televisión.

Switch It se vuelve un elemento diferente, a lo que muchas productoras audiovisuales hacen, entonces nosotros trabajamos en formatos que realmente no muchos tienen, llevamos este nivel de producción a un lugar mucho más alto. El cuidado que tiene el cine y el cuidado que tiene la publicidad lo empezamos a meter en conciertos y festivales en multicam.”

Es tal el empuje de las transmisiones por internet que durante el primer año y medio de pandemia la empresa se encargó de la transmisión de más de 150 streamings. Pero sin duda muchos fueron los artistas, políticos, incluso el sistema educativo los que hicieron uso de este servicio; Algunos lograron reinventarse e hicieron de un problema, una oportunidad de crecimiento. Pero está claro que muchos otros se enfrentaron a la precariedad tecnológica de nuestro país, y descubrieron que el transmitir es mucho más que prender tu computadora, transmitir y esperar a que todo el mundo te vea.

“Los retos más grandes en el nivel de entretenimiento, son los tiempos y los presupuestos, entonces ¿Qué es lo que se hace para tratar de minimizar riesgos? Es hacer una pre-producción impecable, trabajar a fondo en el proceso creativo y de producción … Yo he crecido en este medio a través de pensar que todo puede salir mal (risas) y teniéndolo claro te puedes ir previniendo. La idea es que nunca salga mal, pero pensando en todas las variables que podrían afectar es lo que te ayuda a evitar que no pasen”.

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Así que, ya seas una persona con un equipo y presupuestos grandes o un artista incipiente es necesario que uses la herramienta acorde a tus necesidades y expectativas reales. Pues ahora es casi como entrar a un canal “gigante” de TV. El internet transmite miles de contenido en vivo diariamente, pero son los contenidos relevantes, atractivos y por supuesto bien hechos los que permean en el gusto de la gente.

El streaming ha cambiado mucho, la gente se ha vuelto más exigente, y durante la pandemia hizo que se volvieran aún más. Aun así, creo que para todo hay mercado, mientras la producción y el valor del contenido esté a la altura”.

Aldo, quien al lado de Switch It son responsables de la transmisión de festivales como Vive Latino y Corona Capital, entre otros., reconoce que ha sido un camino construido a base de experiencia y sobre todo constancia, en una industria que constantemente está cambiando y que se construye a partir de la gente que desea estar en constante aprendizaje y al mismo tiempo en busca de la especialización.

Cómo consejo es dar todo tu corazón y toda tu cabeza ahí… pero entrega todo lo que tengas que entregar porque en este medio se valora muchísimo esa gente … No hay puesto chico en este medio, si ya estás en el medio te lo juro que te va a absorber, entonces si te ofrecen entrar a cuidar la cocina de una productora acéptalo, lo importante es estar ahí".

Servicio a la comunidad o dos preguntas recurrentes para Aldo Ballesteros

1. ¿Qué necesito para hacer un streaming?: Esta pregunta se debe responder después de tener las respuestas a las siguientes cuestiones. ¿Quieres transmitir un concierto? ¿tienes los derechos?,¿Qué quieres hacer?, ¿Cuánto tienes para producir?, ¿Qué elementos quieres usar?, ¿Quiénes se van a presentar y que tienes cubierto?, ¿Hay buena iluminación? ¿habrá público o no? Y que facilidades tenemos alrededor y sobre todo ¿Cuáles son tus EXPECTATIVAS?.

2. ¿Cuántos calculas que me van a ver?: ¿Quieres que te vea mucha gente?, perfecto, pero hagamos un contenido que sea atractivo, hagámosle publicidad, que las personas sepan lo que vas a transmitir. No hay concierto chico o grande, hay expectativas pequeñas o grandes.

 

Soccer Mommy — Sometimes, Forever

El nuevo disco de Soccer Mommy muestra su lado más abrasivo y posibilidades infinitas.

Desde que se confirmó que la cantante estadounidense tendría a Oneohtrix Point Never acompañándola como productor, sabíamos que este disco iba a ser algo diferente, no solo por el estilo de Dan Lopatin, también porque el músico de Boston tiene una personalidad muy fuerte. Este siempre marca su estilo, incluso con artistas en lo más alto de la cadena alimenticia, como The Weeknd.

A pesar de que la intérprete ha buscado demostrar su evolución en cada material, los sencillos y el equipo detrás, que por cierto recomendó su sello Fat Possum, prometen un cambio más agresivo.

También, algo que cabe destacar, es que cambia el concepto lírico detrás de Soccer Mommy. Sí, sigue explotando la introspección emocional y sus ideas sobre las relaciones humanas, pero deja a un lado la angustia adolescente irresoluta por una mirada más madura, donde ni el dolor ni la felicidad duran para siempre.

Tenemos, como es costumbre, la promesa de grandes interpretaciones, un buen uso de guitarra y un estilo narrativo, pero a la mezcla se unen emociones intensas y un nuevo camino musical. Este disco en teoría tiene todo para darle un giro a la carrera de Sophie Allison, seguir ganándose a la crítica y probablemente pelear un lugar entre los mejores discos del año. No obstante, todo siempre depende del resultado

Sometimes, Forever inicia desde un lugar conocido, con Soccer Mommy retomando una esencia clara de los 90 y con una guitarra lacerante como arma principal en “Bones”. No vemos ese cambio que estábamos esperando, tampoco es una sorpresa que te explota en la cara, pero sigue siendo un tema destacado por el desarrollo en la lírica de la cantante de Nashville: iniciamos viendo una relación que se va desintegrando por las inseguridades de la narradora y la revelación de que el dolor no le ha permitido ver que ha desgastado su relación hasta los huesos.

Es en “With U” cuando realmente notamos esa transformación en el sonido de la intérprete, pues OPN acompaña a la cantante con un sintetizador que evoca a la psicodelia. En este track, Allison ya no se siente como una adolescente sola en su cuarto tocando la guitarra, la esencia de este sencillo deja muy atrás los años de Clean, pues se inclina por completo a la grandiosidad.

El tercer disco de Soccer Mommy, tal y como ella dijo, es una oportunidad para expandir sus límites, para conocer qué puede lograr con sus probadas capacidades. Esto se reduce a buscar nuevos géneros, sonidos que no se alejan por completo del espectro del rock, pero sí le llevan al lado más obscuro.

En “Unholy Affiction” y “Following Eyes”, la cantante transgrede por completo su naturaleza y se cubre de un manto sombrío y decadente, con toques cercanos al goth. Son dos canciones que rompen con toda la estética del álbum, pero que avivan nuestro interés sobre las vertientes que puede tomar el proyecto de Soccer Mommy.

Otro de los temas a revisar bajo esa misma categoría es “Darkness Forever”, un track engañoso, pues en un comienzo te transporta al debut de Billie Eilish gracias a su atmósfera opaca y los efectos vocales. Sin embargo, la canción evoluciona con fuertes riffs acompañados por sintetizadores.

Sometimes, Forever es un material sin ningún orden en particular, tenemos momentos contrastantes como “Don’t Ask Me” que es una zambullida completa al pop rock dosmilero, seguido de “Fire in The Driveway”, un pequeño regreso al bedroom pop de su primer disco. No obstante, este álbum es un experimento y debe ser tratado así, no pensar en consistencia ni estructura.

Bajo esa idea, creo que este disco tiene lo necesario para ser de lo más destacado de este 2022, mas no competir en ser de lo mejor. Lo más importante del tercer álbum de Soccer Mommy es que es la plataforma, el primer paso, para infinitas posibilidades. El siguiente disco podría ser shoegaze, podría ser pop o hasta nu metal, al más puro estilo de SASAMI. Cualquier género, cualquier camino que tome haría mucho sentido y tendrá la experiencia necesaria para llevar cualquier sonido al siguiente nivel.

Se nota la mano de Oneohtrix Point Never, pero no como tal en la dirección de Sometimes, Forever, sino como un puente para que Sophie Allison pudiera satisfacer esos caprichos creativos. Fuera de su incursión con los sintetizadores, se siente como una idea completamente sacada de la mente de Soccer Mommy.

Personalmente me gustaría un cambio más radical en su siguiente disco y, por supuesto, ver un concepto definido, pero este álbum brilla de manera espectacular por sus individualidades.

Forma parte de Bime Pro y haz crecer tu start up musical

Compite para ser uno de los proyectos elegidos para la siguiente edición de BIME PRO.

Si tienes alguna idea o start up, que pueda favorecer a la industria musical, esta es tu oportunidad para presentarla al mundo. BIME PRO es una plataforma y evento que genera experiencias y sinergia entre el continente europeo y latinoamericano, para el desarrollo de negocios, talento emergente y conocimiento de la industria musical.

La convocatoria para registrar tu proyecto ya se encuentra disponible en la página oficial de BIME y podrás completar tu registro hasta el 31 de julio. Solamente tendrás que preparar algunos materiales que destaquen lo mejor de tu propuesta y estarás participando para presentar tu proyecto, frente a diversos inversores.

Además de presentar tu proyecto ante distintos inversores, el proyecto también consiste en ser uno de los expositores en BIME Bogotá 2023, hacer una gira de financiamiento en Silicon Valley, tener una mentoría con Bill Reicher para crear un gran pitch de negocios, y también tendrás un booth en STARTUP VILLAGE.

Realiza tu registro aquí.

Puedes participar también para conseguir una de las becas de BIME CAMPUS +, que te harán parte de cinco días de formación avanzada en la industria musical en BIME PRO Bilbao. Puedes revisar las bases dando click aquí (solo para mayores de edad). Anímate a dar ese paso que te falta para concretar tu proyecto, participando en estas convocatorias. También podrás formar parte del evento consiguiendo tus boletos, que tienen un costo de 25 euros. Consigue tus entradas aquí. 

Dave Rowntree debuta como solista con “London Bridge”

En este tema el ex baterista de Blur regresa al sonido rockero de los 90 con el que cosechó varios éxitos.

Un regreso a la música que nadie vio venir pero que se agradece demasiado es el de Dave Rowntree, quien fuera baterista de la banda inglesa Blur. Aunque esta agrupación está más que sepultada por la carrera de Damon Albarn como solista y con GorillazRowntree ha decidido seguir los pasos de su colega y lanzarse como solista. El primer tema que Dave sacó lleva por nombre “London Bridge” y es todo lo que esperas oír de alguien que hizo música entre 1990 y el 2000. Eso sí, el músico inglés no es nuevo en esto de hacer música después de Blur ya que cuenta con algunos soundtracks y remixes en su haber.

 

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“London Bridge” nos presenta una batería tocada de manera perfecta en cuanto al tiempo y el ritmo, está tan bien marcado cada golpe que parece que un robot la está tocando. Aunque tiene pocas variantes, cuando la canción llega al coro es donde todo tiene una subida en cuanto a la intensidad más no en el ritmo. Por otra parte el bajo es el compañero ideal para la percusión ya que ambos instrumentos se llevan uno al otro y encajan muy bien con la voz grave y distorsionada de Dave Rowntree.

Por último, “London Bridge” llega con un vídeo oficial dirigido por Cauboyz y cuya idea central estuvo a cargo del mismo Dave Rowntree. En este clip vemos un cilindro que da vueltas mientras una cámara tiene fijada una toma dónde vemos pasar diferentes paisajes como un suburbio, una carretera en el desierto y en algunas ocasiones tenemos imágenes más surreales, es muy agradable a la vista y una idea bastante interesante puesta en práctica de manera excelsa.

Nuevos discos julio 2022

Comienza el séptimo mes del año con una ráfaga de sentimentalismo musical.

Steppenkind — Undefined Lovers 

SteppenkindUndefined Lovers 

Por Blues Araiza

El proyecto conformado por Brendan Cleary, Hotte Schulz y Can Winter transporta, por segunda ocasión, la alta energía de los clubes berlineses a un formato de record larga duración. Elevando la bélica sonora entre baterías jazz, techno avantgarde y una sensación de ahogo a punto de explotar.

Undefined Lovers, lanzado de manera independiente, consolida al triplete europeo como una de las propuestas más interesantes dentro del synthground, mezclando referencias analógicas con emociones más allá de lo festivo para crear un tracklist de rave único en su tipo. ¡Disfruta!

Gwenno – Tresor

Gwenno – Tresor 

Por Ana Rodríguez 

Si deseas tener un momento de introspección debes recurrir al tercer álbum de estudio de Gwenno. La idea de vivir en soledad, aislada y con un sinfín de ideas arrasando tu cabeza se comprenden a la perfección entre delicadas y alucinantes notas que van desde su tradicional pop hasta atenciones sublimes de psych folk. Tresor fue escrito antes de la pandemia, sin embargo, el proceso de completar esta producción se llevó a cabo durante esta, y por esa razón, la artista hace hincapié en compartir esta experiencia y sentimiento compartido por todos. Puedes iniciar este viaje desde el principio, te recomiendo el tema que da título al LP. ¡Dale play a esto que llega vía Heavenly Recordings!

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Fryturama – Punk de Cuarto

“A veces me gustaría desaparecer”... ¿Quién no ha dicho esto alguna vez en su vida? Fryda Magaña y Arturo Tranquilino andan con un nuevo estreno. Se trata de Punk de Cuarto, un material de nueve pistas que ellos mismos definen como “un manifiesto, una idea, una granada”; todo eso y más sostiene a esta oda punk revolucionaria. El material hace honor a su nombre, pues entre distorsiones profundas, y un noise suave, Fryturama nos lanza un hechizo para terminar con el miedo que nos domina. El mensaje está claro y lo único que tienes que hacer es escuchar con atención y lanzarte a conquistar el mundo. Te recomendamos “Explotar”. ¡Disfruta!

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'Nene', el disco debut de Noah Blanco

Es un disco tan personal que se convierte en colectivo.

Noah Blanco estrenó su primer material de larga duración. Nene va más allá de la inspiración que se puede tomar de otras obras y artistas, el artista buscó conocerse y reconocerse para crear este álbum.

El disco cuenta con ocho canciones que muestran la biografía de Noah, enseña sobre el uso de los pronombres y toca temas como la pena profunda. El resultado de todo el proceso es mágico, lleno de rebeldía y pasión. Durante la creación de Nene, el artista uruguayo estuvo con sus amigues Martina Lluvias, Dulce y Agraz, Pancho Gana, Pau!, Tebby, Francisco Holzmann, Legatto, Ismael Palma, Boris Reyes, Victoria Cordero y su banda compuesta por Vitto, Tebby y Jose.

Un material que fue creado en el encierro de la pandemia y que logra tocar temas sobre la sociedad, la fe, el amor, sobre sentirse parte de algo, sobre la propia búsqueda de identidad. Un disco desde la perspectiva trans que va más allá del indie, pues tiene géneros como el trap, el pop y reguetón para mostrar de qué se trata Nene.

Es un disco que tiene que ser escuchado de principio a fin para ser comprendido. Nos vamos a encontrar con un sonido nuevo y con ideas que vienen de la visión de una persona transmasculina en Chile. Les va a gustar escuchar 'Nene', es un trabajo bonito, nutrido de colaboraciones que muestra el lugar en donde se encuentra Noah Blanco en la industria”, explica el artista.

Dale play a Nene:

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Roxy Music estrenará el álbum, 'The Best Of'

Los grandes éxitos de la banda, serán remasterizados a través de un vinilo.

Roxy Music, anunció un nuevo LP The Best Of que tendrá un total de 18 de sus más grandes éxitos, contenidos en 2 vinilos, disponibles a partir del 2 de septiembre, antes de comenzar su gira conmemorativa, a través Virgin/UMC a un precio de $41.99, con canciones totalmente restauradas y remasterizadas.

El álbum ya está disponible para pre ordenar en este link. Podrás encontrarlo en 2 colores, negro de 180 gramos y la edición limitada en color amarillo D2C, algunas de las canciones que podrás escuchar en su LP, son sus éxitos, “More Than This”, “Jealous Guy”, “Love Is The Drug” y “Virginia Plain”.

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El álbum fue remasterizado a media velocidad por Miles Showell en los icónicos Abbey Road Studios de Londres y las dos versiones cuentan con ilustraciones y letras mejoradas.

La banda británica de rock de principios de los 70, está celebrando sus 50 años de música con un tour que recorrerá diversas ciudades de Canadá, Estados Unidos y Reino Unido, a partir del 7 de septiembre y que dará fin a mediados de octubre.

Morrissey estrena sencillo sobre el atentado de Manchester 2017

Un sencillo muy al estilo Morrissey, que ha causado controversia, críticas y aplausos.

Morrissey presentó recientemente en su concierto en Las Vegas un nuevo repertorio que forma parte de su nuevo álbum por lanzar Bonfire of Teenagersentre estas canciones, una en especial con el mismo título del álbum, llamó la atención de los asistentes y del público general.

"Bonfire of Teenagers" es una canción cruda y honesta, que de acuerdo al mismo Morrissey, trata sobre el atentado que ocurrió en un concierto de Ariana Grande en Manchester el 22 de mayo del 2017, el "9/11 de Inglaterra" como lo llamó el cantante británico. Antes de presentarla pronunció unas palabras:

Esta canción es nueva, es sobre el 9/11 de Inglaterra (…) Obviamente en la alegre y vieja Inglaterra, la mayoría de la gente no hablará sobre esto, pero yo lo haré”.

De acuerdo a la letra y el mensaje de apertura del cantante, la forma en que su nación abordó la situación fue incorrecta para él, así se deja ver cuando en una parte hace referencia al homenaje One Love Manchester, que se hizo en aquel momento donde el himno que representó el evento fue "Don’t Look Back in Anger" de Oasis.

Con una voz actitud y voz socarrona el cantautor interpreta las líneas que hacen referencia a esta canción, mostrando su descontento y su coraje, mientras narra los hechos acompañado de una melodía suave, triste pero con un potente mensaje.

And the silly people sing ‘Don’t Look Back in Anger’, And the morons sing and sway: ‘Don’t Look Back in Anger’, I can assure you I will look back in anger ’till the day I die”, letra de la canción "Bonfire of Teenagers".

Muchos aplaudieron la actitud de Morrissey, otros criticaron al cantautor por llamar tontos a los que decidieron optar por mensajes de amor en un tiempo de duelo. Sea como sea, el mensaje sobre dejar de ser indulgentes con los culpables de estas atrocidades fue fuerte y claro.

Escucha el remix de Clark para “Love Me More” de Mitski

La nueva versión de “Love Me More” te trasladará directo a la pista de baile.

Con el amor como estandarte y la necesidad de contar historias, Mitski nos deleitó recientemente con su último álbum, Laurel Hell, el cual contiene joyas invaluables como “Everyone” o “Love Me More”, el que sería posiblemente el sencillo más destacado del álbum.

La cantautora, entusiasmada por mostrar otra cara de la aclamada canción, se esmeró en la búsqueda del artista que impregnaría de nuevos aires a “Love Me More”:

La música de Clark, específicamente su álbum Death Peak, fue lo que me abrió los ojos a la música electrónica contemporánea”, declaró Mitski en un comunicado. “Me mostró lo emotivo que podía ser. Entonces, cuando me pidieron que hiciera un remix, él fue la primera y única persona que me vino a la mente para el trabajo”.

Las letras de Mitski se caracterizan por su profundidad y las intensas emociones que emanan de ellas. Como parte de un viaje a sus adentros, a la vulnerabilidad y la resiliencia, la tristeza y el deleite, el error y la trascendencia, la artista compuso Laurel Hell con el único propósito de decirse a sí misma lo que llevaba mucho tiempo queriendo escuchar: “If I keep myself at home/ I won't make the same mistake/ That I made for fifteen years/ I could be a new girl/ I will be a new girl

MUNA — MUNA

La importancia de ser tú, lo nuevo de MUNA.

El trío MUNA, nos presenta su tercer álbum de estudio, MUNA, a través del sello Saddest Factory. Tres años y muchos acontecimientos han sucedido desde Saves the World del 2019, su anterior disco. En medio de la pandemia, y saliendo de RCA, la banda estaba a la deriva, paradójicamente este escenario significó la creación de su material más optimista. Firmado por la recién fundada disquera de Phoebe Bridgers, el proyecto retoma su rumbo, posicionándose en el lugar que les corresponde como figuras estelares de la escena independiente, con vistos de alcanzar el mainstream, haciéndolo a través de un proceso de autoconocimiento.

El característico electropop que había definido sus trabajos anteriores sufre un cambio, uno mayúsculo, a partir de una explosión sonora de ritmos que incorpora elementos de otros géneros, o en algunos casos, adopta la totalidad de estos. El trío apuesta por sí mismo, no es casualidad el título homónimo, este disco es una reafirmación, una declaración de principios y una muestra de la potencia de MUNA, tanto en el aspecto musical como en el social, es decir, no sólo son un acto principal, también asumen ese rol al darle voz a la comunidad Queer, y lo hacen a través de un discurso mucho más abierto y hablando desde su perspectiva. Para muestra “Silk Chiffon” tema que abre el disco y en el que participa la misma Bridgers, pop sencillo, pero no simple, que nos da la bienvenida a este mundo de ritmos bailables, brillo y color, en el que nos encontramos de frente con el amor, deseo, y demás emociones confusas pero intrigantes. Por otro lado, “Kind of Girl” es una particularidad dentro del catálogo de MUNA, auto reflexivo y en guitarra acústica, que navega por el country izando la vela del grupo, para ofrecernos su interpretación del género. Destaca también, “Loose Garment” sentida balada que baja los decibeles y desacelera los beats de la primera parte del disco, dando un cierre melancólico, sentimiento que te invade de camino a casa luego de una noche de fiesta.

En conclusión, es un buen disco, que marca la nueva etapa de la banda, una donde amplía su espectro musical, conservando sus rasgos distintivos, con altibajos muy marcados muestran que están en el inicio de la misma. MUNA, es una carta de presentación o para decirlo de mejor manera de representación, donde el valor más importante es la fidelidad, como banda y como individuo, con los claro oscuros que eso significan. El mensaje es contundente, está bien ser tú mismo.