Florence + The Machine estrena "Delilah"

Esta es la mejor historia en la serie de videos que Florence + The Machine ha lanzado del disco How Big, How Blue, How Beautiful.

Florence Welch ha evolucionado artísticamente a un grado impresionante a lo largo de su carrera, más ahora con su último disco How Big, How Blue, How Beautiful.

Habiendo lanzado ya cinco videos del disco, Florence titula a este nuevo "Delilah (The Odyssey - Chapter 6)". Esto implica una narrativa que pareciera haber pasado desapercibida, ya que en realidad los videos no parecen estar ligados unos con otros, y ninguno había sido ligado a un capítulo.

En este último video, "Delilah" expone a la cantante pasando de un escenario a otro, formado más bien por referencias visuales y probablemente conceptuales, más que una historia lineal como tal.

Cuartos de hoteles, baños, Florence acostada en una cama con una criatura que pareciera goblin, sexualidad discreta; en fin, logró capturar su potencial artístico ahora más que nunca.

Una vez más, la dirección corre a manos de Vincent Haycock, creador de los otros cinco videos ( "Queen of Peace", "Long & Lost", "What Kind of Man", "Ship to Wreck"  y "St. Jude").

Florence

Florence también salió en el show de Ellen DeGeneres con una presentación increíble, acompañada de una piscina, misma que aprovechó para hacer de una presentación en televisión algo inolvidable. Chécala aquí.  También te dejamos el video de "Delilah".

Entrevista con Editors

Autonomía en la nueva etapa de Editors.

Cuando una banda o proyecto sufre demasiados cambios desde su idea original, corre el riesgo de perder su esencia. Y si a eso se le agrega la presión de ser comparados con agrupaciones emblemáticas como Joy Division —aunque hubo un tiempo en el que todas las bandas fueron comparadas con los oriundos de Manchester—, las vicisitudes son aún más. Por eso, es probable que algunas se pierdan en el camino; sin embargo, de alguna forma Editors ha logrado mantenerse de pie, en activo, con todas las bajas y altas que eso conlleva, porque después de todo, la música es como la vida misma.

"Después de un poco mas de 10 años de haber empezado la banda y de todos los cambios que hemos tenido, la mejor parte de estar ahora en Editors es que nos sentimos cómodos con nosotros mismos, y hablo de todos los miembros de la banda. Hacemos música para nosotros y para nadie más. Lo disfrutamos como parte de nuestra vida. No es nuestro trabajo, es una forma de ir por el camino que la vida representa. Encontramos una buena manera de trabajar juntos en este nuevo disco, produciéndonos a nosotros mismos, así que las banda ha crecido junto con nosotros", nos cuenta Russel Leetch, bajista y fundador de la banda junto con Tom Smith, vocalista.

Casualmente, como le pasó a Joy Division después de la muerte de Ian Curtis —al convertirse en New Order—, Editors deja un poco de lado las guitarras y se vuelca hacia los sintetizadores en In Dream, su nuevo disco, que tiene algunos invitados especiales en un par de canciones.

"Queríamos hacer una especie de disco sintético usando lo más posible los sintetizadores para cambiar el sonido de rock puro con el que salimos en el disco pasado. Lo buscamos de esta manera: usamos drum machines y sintetizadores desde el principio de la etapa de composición. Así surgió "The Law", la cual es mi favorita de este disco. En ella participó Rachel Glascow, vocalista de Slowdive, matizando aún más la canción y adentrándola en un mood suave y dark al mismo tiempo", comenta.

Editors

Entre aquellos años ochenta de grandes disqueras y presupuestos exorbitantes que se otorgaban a las bandas para hacer sus discos, y esta segunda década de los dos mil, donde la mayoría tiene que apostar por la independencia, existe todo un mundo de diferencia, incluso para aquellos músicos nacidos en el llamado primer mundo.

"Es muy difícil ahora, especialmente para las nuevas bandas, sacar un buen primer disco. Hay mucha oferta y se está volviendo un tanto truculento, así que estoy agradecido de que salimos cuando lo hicimos. Fue el momento justo para nosotros. Aparentemente ahora todo es más sencillo con las nuevas tecnologías, pero creo que es más difícil salir y destacar por sobre todo eso", considera.

Y mientras hay bandas que nunca salen de su país, ellos van de giran por todo el mundo...

"Cada vez que tocamos en México es fabuloso. La última vez que tocamos allá fue en El Plaza Condesa y hubo lleno total, entonces siempre estamos buscando volver pronto. La gente es encantadora. Hemos tocado tres veces en CDMX y una vez en Guadalajara", recuerda.

Finalmente, nos cuenta que quedó maravillado con el sonido de una banda —creemos que mexicana— que escuchó en algún festival, lo malo es que no recuerda el nombre.

"Recuerdo estar en este festival que tocamos el año pasado en Europa y escuchar a una banda cantando en español con un sonido totalmente nuevo para mí. Lástima que no recuerdo el nombre y nunca supe quiénes eran", confiesa.

Así que nos quedaremos con esta incógnita por el restos de nuestros días... o al menos hasta que Russel logre hacer memoria.

Gwen Stefani estrena "Used to Love You"

La mayoría de nosotros recordamos a Gwen Stefani por debutar como cantante en la banda californiana No Doubt, aquella que vio sus años de esplendor en los noventa. Con la incursión de Stefani lanzaron su tercer álbum Tragic Kingdom (1995), y de él se desprende uno de los temas más coreados de la banda, particularmente por aquellos que sufren o han sufrido de amor: "Don't Speak".

De aquel hit ya han pasado 20 años, en los cuales Gwen Stefani ha trabajado en su proyecto solista, lanzando hasta el momento dos discos: Love. Angel. Music. Baby. (2004) y The Sweet Escape (2006). Ahora, la cantante y compositora regresa para presentarnos lo que será su tercera placa discográfica, con el tema "Used to Love You".

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El tema "Used To Love You" se estrenó durante el concierto de MasterCard Priceless Surprises en el Hammerstein Ballroom, en Nueva York, donde Stefani agradeció a los presentes y comentó que cantaba sobre el “dolor y amor en su vida real”, y continuó diciendo: “Esta canción es realmente especial”.

Recordemos que la también juez de The Voice en Estados Unidos, anunció recientemente su divorcio con el rockero Gavin Rossdale, líder de la banda británica Bush, después de 13 años de casados y con tres hijos en común. De esta manera, Gwen decide crear la canción "Used to Love You", misma que fue coescrita con Justin Tranter y Julia Michaels.

En el video podemos apreciar a una mujer triste, decepcionada quizá, pero con la frente en alto, dispuesta a recuperarse y seguir adelante con su vida al lado de sus tres pequeños. Si al igual que la vocalista de No Doubt te encuentras pasando por una difícil situación, recuerda que siempre puedes canalizar esa energía en algo productivo, tal como siempre lo hace Gwen Stefani.

Versión inédita de “Subterranean Homesick Blues” de Bob Dylan

Amado por miles y odiado por otros miles, Bob Dylan entrega una versión nunca antes escuchada de “Subterranean Homesick Blues”.

Bob Dylan continuará liberando sus Bootleg Series, que se encargan de recopilar lo más icónico y prolífico de su carrera. En The Cutting Edge 1985 - 1966: The Bootleg Series Vo. 12, reúne todos los sencillos que The Bard grabó durante las sesiones que produjo en Bringing It All Back HomeHighway 61 Revisited y Blonde on Blonde.

Ya puedes preordenar esta edición de lujo que contiene seis CDs, más los estrenos de versiones nunca antes escuchadas de algunos tracks clásicos, incluyendo el disco entero que tiene “Like a Rolling Stone” y dos versiones completamente diferentes de “Subterranean Homesick Blues”. Este estará a la venta a partir del 6 de noviembre.

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Hoy deja a la escucha una versión inédita y mejorada de “Subterranean Homesick Blues”, con más brillo en los instrumentos, mejor calidad de la voz y detalles de piano y armónica, toda una mezcla obtenida de diversas grabaciones en estudio.

Escucha la original:

Ahora, escucha y ve esta nueva versión, acompañada de un video inédito.

 

Dorian estrena el video "Cualquier otra parte"

Después de ver el nuevo video de Dorian querrás encontrarte con ese viejo amor e ir a cualquier otra parte.

¿Quién no recuerda a Dorian con aquella canción que los catapultó e inmediatamente robó la atención de muchas personas; aquella que incluso formó parte del soundtrack de una película española que llevó por nombre Tres metros sobre el cielo? Nos referimos a "La Tormenta de Arena", tema que forma parte de una trilogía de videoclips que narran una historia de amor entre dos jóvenes.

De eso ya han pasado unos años y en pleno 2015 lanzaron su sexto material discográfico, Diez años y un día, mismo que los ha llevado a numerosos festivales y presentaciones. Este material incluye versiones nuevas a algunos de sus temas más conmemorativos, con inclusión de cuerdas, percusiones e instrumentos que le dan otro aire a la banda para celebrar sus 10 años de carrera.

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Ahora, la banda española nos presenta el videoclip que acompaña a "Cualquier otra parte", un trabajo que contó con la actuación de Daniel Brühl, a quien reconocemos por participar en películas como Malditos Bastardos, Goodbye Lenin! y Rush; y María Valverde, la chica de la que se enamora "H" en la película Tres metros sobre el cielo.

El video corresponde a la versión unplugged de la canción "Cualquier otra parte", que se desprende de su último álbum. La historia gira en torno a un amor infeccioso —ese que nos carcome por dentro— tras una separación, y es gracias a un concierto de Dorian que ambos protagonistas se vuelven a encontrar y recuperar el tiempo perdido.

Recuerda que Dorian visitará nuevamente nuestro país en noviembre próximo para llevar a cabo la última gira del año, haciendo una parada en SALA (CDMX) el 6 de noviembre, para luego presentarse en Monterrey, Querétaro y Guadalajara. Por lo pronto disfruta aquí abajo de su más reciente sencillo cuyo videoclip corrió a cargo de Alexandr Tregón.

Tracklist de Diez años y un día:

1.Arrecife
2.Cualquier otra parte
3.Los amigos que perdí – con Santi Balmes
4.Verte amanecer
5.La tormenta de arena
6.Solar
7.Paraísos artificiales
8.El temblor – con Marion Sosa
9.El sueño eterno
10.Soda Stereo
11.Estudios de mercado
12.Ara
13.Tristeza

Drake estrena el video "Hotline Bling"

¿Te imaginas trabajar en una oficina repleta de mujeres atractivas? Pues deja de imaginarlo y mejor dale un vistazo al nuevo video de Drake, "Hotline Bling".

Después de ver este video, seguramente te darán ganas de trabajar en un call center. Y es que todo inicia en una oficina con bellas y sensuales telefonistas que te robarán los suspiros al momento de admirarlas. Después entra en escena Drake, con un baile despacito pero con bastante ritmo, en medio de un cuarto futurista cuyas paredes cambian de color conforme pasan los segundos.

Recordemos que "Hotline Bling" se estrenó hace un par de meses y ha sido tal el éxito de dicho track que muchos artistas se han dado a la tarea de hacer sus propias versiones, desde Nick Jonas hasta Erykah Badu, siendo este último el más notable, ya que además de reimaginar la canción y darle su propio estilo, también mezcla su propio sencillo "On and On".

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El tema del rapero canadiense ha sido criticado e incluso comparado con el corte "Cha Cha" del músico D.R.A.M., a lo que Drake nunca ha confirmado que se trate de un remix, pero que sí tiene un sampleo que obtuvo del tema "Why Can't We Live Together", canción original de Timmy Thomas.

Actualmente, el nuevo hit de Aubrey Drake Graham, mejor conocido como Drake, se encuentra en la segunda posición de la lista de popularidad Hot 100 de Billboard, por debajo de su amigo The Weeknd con el tema "The Hills". En su cuenta de Instagram, el rapero publicó que se encuentra ansioso por llegar a la primera posición, ya que nunca lo ha logrado. "Si consigo mi primer número uno durante el mes de octubre será el momento más grande de mi carrera hasta la fecha (en mi mente)", comentó.

SBTRKT comparte nueva canción

Si querían nueva música de SBTRKT, hoy es un buen día para estar vivos.

Bien, el año pasado, SBTRKT publicó su segundo álbum de larga duración, Wonder Where We Land, que contó con colaboraciones de Ezra Koenig de Vampire Weekend; A$AP Ferg; Raury; Caroline Polachek, vocalista de ChairliftDenai Moore; y Stella y Emily, baterista y vocalista de Warpaint respectivamente.

Desde entonces, SBTRKT no ha parado de trabajar y ha puesto a la escucha del público una serie de sencillos. “Guadalupe”,“Roulette”, “Runner Replicant” y “FLAREtWO”, nos han mantenido conectados con la música del productor británico.

Tampoco olvidemos que en junio de este año, en su Twitter se armó una disputa por el arte de Caracal, nuevo álbum de Disclosure, ya que SBTRKT —y su director creativo—, encontraba fuertes similitudes entre este trabajo y los que él había publicado para sus portadas de discos.

Ahora nos trae música nueva, extraída de su residencia en su programa de la BBC Radio 1. El nuevo tema se llama “Flicker” y a pesar de que no tiene letra, es un goce para nuestros oídos, gracias a la vanguardia musical a la que SBTRKT nos tiene acostumbrados.

No lo pienses más y dale play... ¡ahora!

David Gilmour - Rattle That Lock

Rattle That Lock: el regreso de David Gilmour.

Una tarde cualquiera del 2013, David Gilmour esperaba un tren en la estación de Aix-en-Provence —una comuna francesa ubicada en el sur del país—, cuando escuchó la melodía de la SNCF, la empresa pública de transporte ferroviario. Algo de esas cuatro notas que se repetían una y otra vez llamó su atención, por lo que decidió sacar el teléfono y grabarlas para no olvidarlas. Un tiempo después, el jingle publicitario que le había provocado ganas de bailar lo inspiró para componer Rattle That Lock, el tema que le da nombre a su primer disco de estudio en nueve años.

El cantar de los pájaros y un piano épico empiezan a preparar la atmósfera. A los pocos segundos, la Gibson Les Paul Gold Top de Gilmour se hace presente y comienza a puntear un solo con el estilo tan personal que lo caracteriza, mientras que una segunda guitarra toca un arpegio suave que le sirve de colchón. Si uno cierra los ojos  puede imaginárselo arriba del escenario —parado, tranquilo, triunfante—, con el instrumento que lo consagró entre sus manos anunciando su regreso. Eso pasa en el inicio de la instrumental “5 A.M”,  que sirve como carta de presentación y al final se desvanece en fade para darle lugar a “Rattle That Lock”, el corte de difusión en el que participa el coro de expresidarios Liberty Choir. Se trata de un grito de protesta contra la apatía que habla de lo bien que nos sentiríamos al enfrentarnos a las cosas, incluso aunque no tengamos éxito.

Después de escuchar “5.AM”, encontrarse con “Rattle That Lock” sorprende y provoca cierta desorientación, algo que ocurre varias veces al pasar de un track a otro. Gilmour se permitió juntar canciones de diferentes estilos y unirlas mediante el piano, la guitarra y su voz, pero por momentos eso no es suficiente y la conexión entre los temas se siente débil. Por otro lado, los puntos más altos se encuentran en algunas de esas piezas independientes que brillan por sí mismas como “Faces of Stone” —un vals melancólico que trata sobre el punto donde coinciden el final y el comienzo de la vida—, “The Girl In The Yellow Dress” —un acercamiento al jazz más puro, con Jools Holland en piano y un exquisito solo de saxo de Robert Wyatt—, y “In Any Tongue” , en donde Gilmour interpreta el mejor solo de guitarra de todo el álbum al estilo de “Comfortably Numb” en The Wall.

Otra vez, Gilmour volvió a hacer equipo con Phil Manzanera —encargado también de la coproduccción de On an Island (2006), su trabado anterior—, y con su esposa, la novelista Polly Samson, que escribió la letra de cinco canciones. Si bien los tres venían trabajando en este proyecto  hace tiempo, su lanzamiento se tuvo que postergar para que pudieran concretar The Endless River (2014), la obra final de Pink Floyd, y un homenaje al tecladista del grupo, Richard Wright, a quien se vuelve a recordar en “A Boat Lies Waiting” de Rattle That Lock . Este tema —dueño de una textura sonora pinkfloydiana— cuenta con la colaboración de David Crosby y Graham Nash en voces, y tiene como protagonista a una grabación de Gilmour tocando el piano hace 18 años, en la que se puede escuchar a su hijo cuando era un bebe.

En el final, “And Then” —la segunda parte de “5 A.M”— cierra el disco con la misma eficacia con la que inicia, pero a esta altura del recorrido las expectativas no son las mismas. Rattle That Lock tiene lo suficiente para acercar a Gilmour a aquellos que no son fanáticos de sus trabajos anteriores, pero también para volver a traer al presente los mejores recuerdos de los seguidores más nostálgicos. Tal vez no logre conformar del todo pero hay algo que es seguro: tener a David Gilmour devuelta siempre es una buena noticia.

Entrevista con Flip Tamez

Flip Tamez y su camino paralelo lleno de blues, garage y country.

Con una carrera consagrada al lado de Jumbo, Flip Tamez —desde hace cinco años— se embarcó en formar una historia musical paralela a la banda que lo vio crecer como músico. Contando anteriormente con dos trabajos, Adiós Domingo Gris (2009) y Enemigo Común (2012), este 2015 será el año en que de alguna manera se formalice esta aventura de Tamez, ya que se encuentra estrenando Un Tercio, un EP que formará parte de una trilogía que se convertirá en su nuevo material. Indie Rocks! tuvo la oportunidad de escuchar este álbum al lado de Flip, ocasión que no podíamos desaprovechar para platicar con él acerca su música, sus influencias, Monterrey, el futuro de Jumbo, y los detalles de esta nueva etapa como solista.

"Un Tercio de alguna manera sí es mi disco más formal. Mi primer disco no es que lo considere un disco, pero sí es más una bola de experimentos y de demos caseros grabados informalmente. El segundo, aunque es un disco en un estudio, con músicos e ingenieros, es ahora con Un Tercio que me siento como muy consolidado, muy arraigado, con un sonido, con performace y con todo lo que implica. Este álbum se disfruta manejando. Del primer material Adiós Domingo Gris, a ahora, ha sido una búsqueda de atreverme, de hacer todo bien de raíz, más cercano al blues, al garage, al country. Creo que desde luego siempre he sido durante mi carrera un guitarrista de rock alternativo y en algunas canciones aún se puede notar eso", comentó Flip acerca de su nuevo material.

En Un Tercio, Flip Tamez se encuentra rodeado de amigos: fue producido por Milo Froideval, y estuvo acompañado en vivo por una banda que —como el mismo nos comentó— no buscó por ser los más virtuosos o los que se vieran más cool, sino a los que tuvieran la misma pasión y gusto por la música, cosa que se refleja en cada presentación en vivo.

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"Al principio soy yo grabando todo y luego me rodeo de amigos  para tocarlo en vivo. Poco a poco se fue volviendo una banda. Probablemente muy pronto saldrá un disco de Flip Tamez y los algo… (risas). Ahorita se están ganando el apodo como los boxeadores. Busqué un grupo de amigos que disfrutaran lo que estoy haciendo, que lo disfrutaran y que me llevaran a hacerlo con esta frescura. Yo tomo el ejemplo de mis primeras bandas, ensayábamos en una cochera, de Saénz, el que era baterista de Zurdok. Con este wey comencé mi primera banda en la secundaria, y esa sensación de soñar, tocar, unas cheves, cenar y seguir tocando para pasarla bien, es en eso que se está convirtiendo esta banda", contestó.

Aproximadamente desde 1996, él ha sido el guitarrista de una de las bandas más importantes del rock mexicano. Siempre ha llevado el ritmo y los acordes de la guitarra de Jumbo, pero de cinco años para acá, se ha convertido en el cantante y frontman de su proyecto. Grandes personajes de la música lo han hecho, como Johnny Marr o David Gilmour; ahora, Flip Tamez nos contó qué tan difícil ha sido este cambio.

"Al principio fue un reto enorme, ya había tenido la oportunidad de aparecer en un par de canciones como el cantante o en algunos palomazos, pero ya llegar a un concierto y dar la cara me costó trabajo; detalles como no perder la conexión entre el público. Como guitarrista, tienes todo el tiempo del mundo entre canción y canción, hasta para fumarte un cigarro si quieres. Tienes que acomodar tus pedales, no tienes que ver a los ojos a nadie, y como cantante sientes cómo la gente no te suelta, pero rápido aprendí a disfrutarlo. Yo creo que sufrí unos siete conciertos en estos cinco años. Para Enemigo Común aprendí a disfrutar, ahora me siento muy a gusto", comentó.

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Flip también nos platicó qué guitarristas nacionales son los que más le parecen interesantes en este momento.

"Un guitarrista de un proyecto que se llamaba Serbia, que ahora se llaman Tres Álamos. Le veo una madera brutal, es bárbaro. También siempre me ha gustado Mau de Dirty Karma, que ahora está por sacar un proyecto que se llama creo Costas. Se me hace un guitarrista muy completo, tiene muy buen sonido. Y desde luego, Alex Otaola. Es un monstruo, con una escuela distinta, más cercano a Zappa, pero sobre todo con San Pascualito Rey es increíble. Apenas escuché unas grabaciones nuevas y suenan brutal. Y en la onda de rock sureño, me gustan mucho los Mud Howlers, traen una onda muy buena", comentó.

Durante el sexenio del expresidente Felipe Calderón y su lucha contra el narcotráfico, una de las ciudades que más sufrió por la inseguridad y este hecho fue la ciudad de Monterrey, cosa que afectó su escena musical y sobre todo la vida de sus habitantes, aunque parece que poco a poco esas heridas han ido sanando.

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"Ahorita hasta se siente como superficial decir que afectó a la escena, porque afectó a niveles mucho más íntimos y más duros. Realmente es espantoso tener miedo y vivir con él hasta para salir a la tienda; de que se te haga tarde en la calle, es horrible. Y para los que vivimos de la música, mató la escena. No la disminuyó, la mató. Nadie salía de noche. Monterrey se convirtió en un desierto. Con Jumbo, de alguna manera teníamos la buena fortuna de tener una carrera y poder tocar en otras ciudades del país, pero las bandas nuevas no tenían eso; tener un lugar donde compartir música, encontrar oídos que buscaban nuevas cosas, era terrible. Muchas bandas optaron por venirse a DF. Afortunadamente ha ido sanando parcialmente. Cada vez hay más festivales allá, hay lugares nuevos bien padres. Hace poquito toqué en uno que se llamaba Nodriza, y me llamó mucho la atención. Me recordó esa escena que yo viví, de ese lugar alejado de cualquier onda antrera; es un lugar con un equipo austero. Cuando estaba haciendo el soundcheck dije: "Madres, ¿qué estoy haciendo aquí?", pero ya en la noche dije: "¡No mames, es el lugar que he tocado en muchos años en Monterrey!". Porque la gente va a escuchar música y eso hace toda la diferencia, porque cuando tú estás tocando y los vatos están viendo morras, están bostezando, o están esperando a que acabes para bailar techno, no es tan padre. Pero en este lugar no sientes eso, si van a Monterrey, tírense un toque, ahí sí pueden", platicó Flip sobre su tierra natal.

Algunas personas podrían pensar que, al tener a varios de sus integrantes con proyectos alternos, este es el final de la carrera de Jumbo, pero quién mejor que su guitarrista para aclararnos qué es lo que está pasando con la banda y sus proyectos paralelos.

"Pasa en muchas bandas: Castillo por primera vez está sacando un disco, que coincide con que yo esté sacando el mío, y también está por salir uno nuevo de Búfalo Blanco que es la banda de Charly. Nosotros mismos no lo planteamos, esto por primera vez afecta más fuerte a Jumbo, pero no estamos separados. Sí vamos a tratar de no cancelar tantas fechas de nuestros proyectos por Jumbo, sin embargo tenemos fechas en un par de semanas y el calendario de conciertos de Jumbo sigue. Ahora solo está un poco más con lupa para adaptarse a las fechas de nuestros proyectos personales. Recuerdo que una vez hubo un concierto de Búfalo Blanco en el Iguana de Monterrey, después toqué yo y luego Jumbo. Creo que se puede hacer muy bien una fiesta, pero ahora con los tres proyectos de nosotros, sin que toque Jumbo. Ojalá se pueda hacer pronto en un bar", comentó Flip al final de nuestra plática.

Kelela - Hallucinogen (EP)

Hallucinogen revoluciona la capacidad emotiva en la música electrónica.

Björk alguna vez mencionó que la carencia de emociones en la música electrónica se debía a que nadie se había propuesto a ponerlas en ella. Con toda razón, suponer que la tecnología dispone de la posiblidad de crear un puente hacia la expresión sentimental por ella misma es ridículo. Se contemplan sus alcánces, pero a la vez se debe limitar como una mera herramienta, como cualquier instrumento; existen, pero depende de su manejo, no de su existencia.

Con el EP Hallucinogen, Kelela explota la posibilidad de manipular las producciones de sus colaboradores hasta hacer tangibles sus experiencias, contando un romance imperfecto en una ciclo revertido, de fin a inicio, en tan solo seis canciones. Aunque no es un LP formal, la construcción del EP tiene la coherencia necesaria para considerarlo un hito en su generación, que merece contemplarse canción por canción para resolverlo como un álbum conceptual.

"A Message" da inicio a su narrativa: es el momento en el que comprende que continuar parece mejor opción que estancarse; en el que lamenta no lograr satisfacción en el otro, para poder superar y liberarse emocionalmente de él. Arca sirve como arquitecto rítmico, rescatando elementos de su producción perdidos en Yeezus por la monstruosa cantidad de productores, mientras Kelela destaca su evolución vocal desde Cut 4 Me —no solo en "A Message", sino a lo largo de todo el EP—.  "A Message" refleja lo humana y sensible que es al recorrer sus errores y transformarlos en evolución: "And I never satisfied you... / You are not the one".

"Gomenasai" ("perdón" en japonés) permite a Kelela asumir el papel de una mujer con la convicción suficiente para dominar una relación. Pareciera hablar de liderar en un escenario sexual, pero en realidad se expande a la relación en sí: "You beg again and again / But I like the view from on top / And when you're giving in / It's my name you'll scream out". Como pieza instrumental, evoca un ritmo trap, superando por mucho cualquier referencia del género. Aun así, la voz de Kelela es definitivamente el instrumento más hipnotizante en "Gomenasai".

Al tener la sensación más energética del EP, "Rewind", producida por Kingdom, destaca también por su contenido lírico. Sirvió como vehículo para contar la historia de una amiga de Kelela que buscaba a la persona con la cual había estado toda la noche en un club, misma que desapareció por completo. A partir de esto, desarrolló una historia que perfectamente describe lo adictiva que se vuelve la atracción repentina y su efecto narcótico en el cuerpo.

Pareciera que la estructura de la canción se encuentra en los claps y los drums, pero detrás de ellos, existe un enigmático sintetizador que vuelve aún más dinámica la canción; melódicamente adictiva. El ejercicio vocal de Kelela en "Rewind" transmite una semejanza a la de Aaliyah —como reinterpretación, jamás como copia—, desde los suspiros hasta las partes solamente habladas.

A manera de autoanálisis, en "All the Way Down" busca abandonar las reglas innecesarias y enfocarse en los elementos que realmente importan cuando se trata de relaciones, específicamente buscando resolver la duda de si deba importarle salir con alguien menor que ella. La producción, originalmente pensada para Tinashe, fue modificada para Kelela, logrando una esencia delicada y sofisticada en manos de DJ Dahi.

El final del álbum es llevado por "Hallucinogen" y "The High", ambas lo suficientemente fuertes como para darle una conclusión —que en realidad es el inicio— a la historia. La complejidad en su producción vuelve a "Hallucinogen" la pieza más fuerte del EP, caracterizada por la distorsión y la coherencia lograda por Arca y Kelela. Esta canción única en su clase, nació de la experimentación total y del primer y único intento en la grabación, y lleva consigo una carga musical especial que debería adaptarse por más artistas. A su vez, "The High" es una genialidad absoluta que demanda tu atención conforme se acerca el final; lo que inició como un suspiro, termina como un eco tan atractivo como el sutil respiro que le dio forma. La producción de Gifted & Blessed fue la más minimalista del EP y, aun así, tiene un gran peso dentro de él por su contendio lírico y por hablar del nacimiento de la relación que dio pie a las demás piezas.

Hallucinogen es el resultado de la búsqueda introspectiva de Kelela, demostrando ser la artista más orgánica de su generación. El contenido emocional expone su avanzada conexión entre corazón y mente, y definitivamente demuestra la existencia del alma y los sentimientos en la música electrónica.