Le Butcherettes tiene nuevo disco 'bi/MENTAL'

Se confirman todos los detalles de bi/MENTAL, el nuevo material de Le Butcherettes.

En abril de este año, la banda mexicana comenzó con los preparativos de su siguiente proyecto lanzando diferentes sencillos. Ahora, que estamos a solo unas semanas de que acabe el año, por fin la agrupación ha confirmado la publicación de su cuarto álbum de estudio, el sucesor de A Raw Youth.

El disco de Le Butcherettes se llama bi/MENTAL y llegará el próximo 1 de febrero a través de Rise Records, sello discográfico con el que firmó a principios del 2018. Este tendrá como productor al guitarrista de Talking Heads, Jerry Harrison y contará con colaboraciones de Mon Laferte y dos leyendas del punk: Jello Biafra de The Dead Kennedys y Alice Bag de The Bags.

Además de la noticia, Le Butcherettes compartió otro adelanto, llamado "father/ELOHIM". Con este ya son cuatro singles de los 13 temas que componen su nuevo álbum de estudio, sin embargo no hemos podido escuchar ninguna de sus colaboraciones, ya que sacaron una versión de "spider/WAVES" sin Jello Biafra.

Puedes escuchar "father/ELOHIM" justo aquí:

Tracklist de bi/MENTAL:

 

  1. "Spider/Waves" (feat. Jello Biafra)
  2. "give/UP"
  3. "Strong/Enough"
  4. "Father/Elohim"
  5. "Little/Mouse"
  6. "in/THE END"
  7. "Nothing/But Trouble"
  8. "La/Sandia" (feat. Mon Laferte)
  9. "Struggle/Struggle"
  10. "Dressed/In a Matter of Speech"
  11. "Mother/Holds" (ft. Alice Bag)
  12. "sand/MAN"
  13. "/Breath"

Sharon Van Etten comparte el video de su sencillo "Jupiter 4"

"Jupiter 4", es el segundo single de Sharon Van Etten que se desprende de su nuevo disco Remind Me Tomorrow.

La cantante norteamericana Sharon Van Etten se encuentra lista para el lanzamiento de su nuevo disco titulado Remind Me Tomorrow, su primer material original después de casi cinco años. Hace unos meses lanzo su primer single llamado “Comeback Kid”, y hoy regresa con el estreno de "Júpiter 4".

El audiovisual fue dirigido por Katherine Dieckmann, con quien, hace dos años, ya había trabajado en la creación de la película Strange Weather. La atmósfera del video es oscura y hasta cierto punto extraña, muestran diversos planos de la cantante interpretando "Júpiter 4" en diferentes lugares como una casa, un campo lleno de flores, un río e incluso un bosque.

A diferencia de su antecesor “Comeback Kid”el cual estaba lleno de sintetizadores y percusiones que te hacían volar la cabeza, "Júpiter 4", en cambio, tiene un ritmo más tranquilo y distinto a lo que nos tenía acostumbrados, aunque los sintetizadores no se quedaron fuera del sencillo.

La directora del video, mediante un comunicado de prensa, habló acerca del audiovisual y esto fue lo que dijo. “El truco consistió en descubrir cómo hacer coincidir el poder de la canción con elementos visuales que podrían servir a sus ideas sin deletrearlas. Decidí de inmediato trabajar en una paleta de tinta en blanco y negro y usar elementos crudos (agua, fuego, tierra, neblina, tierra, exuberantes prados y flores de verano) como un apoyo natural para Sharon y dispararle como escultórica fuerte".

Recuerda que Remind Me Tomorrow sale a la venta en enero de 2019, mientras tanto no te pierdas de "Jupiter 4"

Nuevo tema de Combo Musical Los Caquis

Fotos: Rafaella Cortés

“Lobo Cumbiero” es el título del bailable sencillo de Combo Musical Los Caquis.

El grupo surgido en la Ciudad de México comparte otro sencillo del que será su primer material discográfico. Caracterizados por hacer música con el objetivo primordial de hacer bailar a la gente que busca divertirse, Combo Musical Los Caquis lanza en esta ocasión el sencillo “Lobo Cumbiero”. Escucha a continuación.

El septeto capitalino se formó en 2013 en la colonia Vista Hermosa, inicialmente tres primos de la familia Abascal buscaron al apoyo de su mentor musical, Manuel de la Casa, con el objetivo de hacer ruido y experimentar en su estudio de grabación. El resultado de esa colaboración fue una explosión de diversión y creatividad que los convenció de que cualquier persona puede hacer música. Algunas de sus influencias son Sonido Gallo Negro y Ondatrópica.

Este año, tras una serie de cambios, presentaciones en vivo y un periodo de inactividad, Combo Musical Los Caquis entró al estudio en julio para comenzar a grabar su disco debut, el cual promocionan con este sencillo y “El gato supercumbiero”, además de videos musicales y presentaciones en vivo por venir.

El primero álbum de Combo Musical Los Caquis constará de 10 bailables temas que explorarán temas variados a través de múltiples historias y personajes ficticios.

Entrevista con Mink

Foto Laura May Grogan

El retorno a lo natural como principio de lo auténtico: Mink.

El pasado 31 de agosto Mink, lanzó su segunda producción: Natural; esta nueva placa está cargada de un bagaje musical más complejo con sonidos frescos y experimentales que le aportan una identidad única a esta banda mexicana que cada día gana más seguidores.

A Natural lo respalda un gran proceso creativo el cual ha aportado mayor solvencia a Mink, que compartió en exclusiva para Indie Rocks! los detalles de este nuevo viaje que reveló un mundo interior lleno de texturas, emociones abismales y nuevas formas de vivir los sentimientos más esenciales, como el amor, la tristeza, la soledad y por supuesto aprender a decir “Adiós” desde otros vértices.

“Como bien dices el 2007 fue el año en el que ya oficialmente nos juntamos como banda y decidimos componer un disco, han sido años padres de mucha evolución personal y musical, para mí ha sido el mayor reto de mi vida emprender este camino a lado de estos cinco grandes músicos y grandes amigos; siendo la única chica de la banda ha sido un camino hermoso y al mismo tiempo complicado porque es como tener cinco novios al mismo tiempo, pues mientras  te contentas con uno, al rato te descontentas con el otro, aportó la vocalista Carol Villagran, sobre la cohesión de esta banda; mientras tanto para Adrián Paz (bajo), este ha sido un proceso que los ha llevado a una madurez más sólida como grupo, en donde incluso visualmente han tenido una trascendencia más estética. “Para mí ha sido una evolución muy satisfactoria, estamos más maduros en diferentes sentidos, que cuando publicamos nuestra producción anterior: Camino, de repente veo los videos que grabamos en ese entonces y si bien no ha pasado mucho tiempo, nos veo muy verdes, respecto a la cuestión musical nos veo más simples, y sin sonar muy dark, lo siento con un toque de oscuridad, y más complejo, sí siento un gran avance en este disco, también con lo que hacemos en vivo, ha cambiado todo".

Redescubrirse es indagar por nuevos caminos.

Respecto a su proceso creativo, este LP los ha llevado por un nuevo camino en dónde han explorado y explotado sus talentos personales, que van de la mano con una inmersión individual, que se ve reflejada en cada una de las piezas de Natural.

“Por lo regular siempre estamos Alex Sánchez (guitarra) y yo; Alex es también el productor de Natural, ambos nos sentamos a componer, creamos el espacio y la oportunidad cada vez que empezamos un nuevo proyecto, y nos tomamos un tiempo para iniciar la composición; cada quién aporta su sonido y su musicalidad. En Mink somos muy cuidadosos de los sonidos, y de los timbres que vamos a utilizar en cada canción y con cada instrumento, me gusta jugar mucho con mi voz, creo que en ese aspecto los cinco somos muy “clavados” para que Mink tenga ese sonido que empieza a tener. Trabajamos todos en conjunto para llegar a una satisfacción grupal", mencionó la frontwoman de Mink. Adrián en un mood más técnico mencionó que cada pieza está estructurada lo suficientemente sólida, como para tener sustento al ser tocada en vivo, pero que a su vez, cada una tiene el sello personal de cada integrante, mismo que le brinda un alma propia al disco, para conseguir un conjunto más fluido y a la vez consistente.

Para seguir hay que dejar todo atrás, para creer hay que soltar lo que está mal... "Somos más".

Mostrarse esencialmente es el leitmotiv de este nuevo disco, la banda mexicana tiene muy claro su objetivo, y lo aborda sin miramientos; desde su composición hasta su publicación los integrantes se han involucrado cien por ciento, encaminando sustancialmente el álbum a una raíz muy personal que termina reflejándose en una bóveda exterior que se expande hacia quien lo escucha.

Sobre la construcción de estos sonidos y estructura medular de Natural, Adrián comentó. “A mí me gusta ver la metafísica de la música siento que la banda cambió, este disco suena distinto, los músicos aportan otros timbres, tuvimos distintos procesos y mucho tiempo para hacerlo, nos fuimos a grabar a Sonic Ranch (Texas) ya con ideas estructuradas, pero nos encontramos con otro tipo de instrumentos que nos ayudaron a materializar los sonidos que se perciben en este álbum, en el caso de las letras, recuerdo que Carol no tenía algunas totalmente definidas y las terminó allá, siento que algunas de estas canciones como en la de "Adiós"; se plasman reflejos de este desierto mágico.

Por su parte Carol agregó. “Desde la composición Alex y yo tuvimos muy claro que queríamos un disco que tuviera esa sonoridad un poco más oscura, más real, con mucha más honestidad, creo que esa combinación terminó siendo una buena mutación, apuntó.

El adiós como un proceso de liberación

Entre las pistas de este álbum podemos encontrar un gran matiz de emociones, algunas con un acento más profundo y personal, tal es el caso del track "Adiós" con el que la frontwoman, nos abre una ventana hacia un mundo interior, que va más allá de la fórmula del amor y el desamor y se aproxima hacia un proceso liberador, que deviene en música…

'Adiós' es una pieza muy sentida, es una despedida muy amable, esta canción es parte de una etapa muy personal, es una canción fuerte y muy poderosa que desahoga muchos sentimientos, esta pieza permite liberarte de todo lo que ya no encaja. La palabra 'Adiós' de por sí es fuerte, y significa muchas cosas, despedirse siempre es triste, pero también decir adiós, siempre implica el inicio de otras cosas. Tú decides cómo terminas con algo, cómo das ese final, cómo abordas ese cierre y cómo inicias de nuevo, fue una etapa muy fuerte para mí, la grabé llorando y la terminé llorando, esta canción y la de 'Este Final', son piezas muy fuertes para mí, al grabarla, tuvimos que parar, pues nos envolvió un silencio muy fuerte, era mucha energía y me estaba afectando. Hubo una época en la que no podía cantarla sin llorar, pero una vez ya liberada esa energía, las escucho y noto cómo el resultado impacta en el público y nos deja sorprendidos".

La mirada del otro, nos lleva hacia nosotros mismos

En el arte de esta producción destaca la propuesta visual y conceptual, en donde se pueden presenciar figuras humanas que deambulan por la ciudad, con cubos-espejo en lugar de cabeza, mismos que incitan a cuestionarse y adentrarse en el reflejo del otro que termina siendo uno mismo.

“Estos cubos somos todos pero a la vez no somos ninguno, son un misterio, –cuando grabamos el video de 'Natural', fue en donde nació la idea de ese concepto– y recuerdo que cuando me puse ese cubo de espejo, caminamos por diversas calles de la ciudad y me di cuenta que a mucha gente no le gustaba verse en el reflejo, muchos huían, y aunque les gustaba ver a este personaje, esquivaban la mirada. La idea principal de Natural, sigue el principio de: ‘Yo soy Tú / Tú eres Yo’; somos lo mismo en diferentes proporciones y en diferente piel. Cuestionamos, por qué no te ves como te veo yo, como un ser maravilloso, que siente, que respira que piensa y que posee las mismas terminaciones nerviosas que tengo yo. ¿Por qué no te gusta mirarte en el espejo y mostrar todo lo natural que eres? lo 'Natural' desde diversas perspectivas, entre ellas, la naturaleza humana en general, y la naturaleza del ser interior, por ejemplo. Eso es lo que significa realmente este LP, que te aceptes como eres, que te veas tal cual eres, porque todos somos únicos", concluyó Carol.

Sobre el concepto, Adrián aborda respecto la necesidad de protagonismo que impera en esta época. “Todo esto también tiene que ver con la idea de despersonalizarnos un poco, considerando que todo el mundo está ávido de protagonizar; para nosotros la idea de no tener rostro también tiene que ver con quitarnos de ese centro y que la gente conozca nuestra música en sí, más allá de una pose, y volvernos espejo pues al final todos somos el reflejo de cada uno.

Mirarse a través del otro, regresar a lo esencial, reconocerse en la oscuridad, soltar, decir adiós, la autodeterminación, son al parecer, tópicos que definen la psique colectiva de este momento y que Mink aborda con una huella propia, los traduce y los hace manifiestos, con sonidos y letras que toman forma para crear un concepto más integrado.

 

The Prodigy — No Tourists

Homenaje a una época de rave, pero sin ravers.

La muerte del LP pesa cada año un poco más, y si no se extingue en su totalidad por lo menos se hace más evidente que le falta poco. Cuando los álbumes eran publicados en vinilos, CDs o incluso cassettes, tenía sentido demorar algunos años en producirlos. Parecía esa la meta de las bandas, la publicación de un álbum. Pero ahora lanzar álbumes suena a cosa del pasado, algo obsoleto y arcaico. Antes se decía que las giras eran para apoyar la publicación del LP, ahora parece al revés, lo que importa es dar conciertos. En 2015 Liam Howlett declaró que probablemente The Prodigy no publicaría más música de esa forma y la idea fue apoyada por su compañero Maxim. Tres años después la banda electrónica presenta un álbum de 10 tracks y una duración de casi 40 minutos, No Tourists.

Sin muchas sorpresas The Prodigy se arroja con fuerza, punch, big beat y el rave que la caracteriza en su música y en su prosa. “Estamos aquí, es ahora, el tiempo ha llegado, vivimos para siempre”, es la consigna en “We Live Forever” mientras su agresivo sonido se va encimando sin espacio para el descanso. La idea que generó la electrónica para el desconecte y el pensamiento posmoderno no puede seguir siendo el ancla que sostenga una canción. No Tourists es, según lo dicho por el propio Howlett, un homenaje a los raves y al sonido primario de la banda inglesa. Y suena a eso, por desgracia y por fortuna. La banda no ha arriesgado ni ha propuesto nada que no se le conozca, y por el contrario, algunos temas no contienen algún beat que se ancle en el cerebro o que se integre a su repertorio de clásicos. Es rápido y furioso, pero poco contundente, las canciones están lejos de los macanazos que los lanzaron al vacío como “Smack My Bitch Up”, “Firestarter”, “Baby’s Got a Temper”, “Girls” o “World’s on Fire”, recientemente.

En “Fight Fire With Fire” participa el duo de hip hop Ho99o9, algunos sonidos desequilibrantes le dan personalidad al tema, pero la composición es más de lo mismo –que en vivo enciende tumultos– sin deslumbrar. Para entonces ya nos acercamos a la segunda mitad de una predecible y monótona composición. En una época en donde los álbumes parecen fuera de lugar, los raves probablemente también lo sean como espacios underground y de resistencia, incluso como de escapismo, sobre todo cuando se han establecido como una oferta “controlada” para un nicho específico. La voz de Keith Flint es el soporte en “Champions Of London”, es reconocible y él nada en un terreno conocido, le da fuerza a un tema que podría ser un repetitivo sonido agotado en su primer minuto.

En la portada de No Tourists aparece un autobús cuyo destino es The Four Aces, el club en donde debutó la banda en vivo en 1990 y de eso se trata este álbum, del sonido que identifica a la banda, que arde en las giras, que pone a bailar, pero que casi 30 años después va dando tumbos, no encaja en las nuevas narrativas y mucho menos abre espacio para generar ideas. En una época caracterizada por espacios para escapar, buscamos huir para encontrar algo nuevo y no más de lo mismo.

MUTEK 2018: Experience

Conectando la electrónica con los espacios.

Una vez más, MUTEK aloja el cierre de su programa en el Museo Tamayo, siendo su actividad de acceso libre y de contribución cultural en espacios públicos. Esta edición, la curaduría musical aparentemente tuvo toda la idea de celebrar XV años con una expectativa de calidad en su contenido. Kuniyuki Takahashi y su aparente eterna relevancia en los submundos del house y techno dentro de la electrónica japonesa; su presencia en el festival solo confirma el emparejamiento de talento día con día. Los espacios públicos permiten que eventos con contenido electrónico provoquen mucha más atención al descontextualizar los espacios fácilmente. Paperworks y su constante aproximación a IDM convirtieron el Tamayo en una fábrica robótica/electrónica en el comienzo del evento, por lo que la audiencia que iba cruzando y recién se había instalado, pudo reaccionar fácilmente y digerir sin mayor inconveniente. La evolución del contenido potente de Paperworks hacia la excelencia del dance en la firma de Takahashi, los que se quedaban cada vez eran más y el desarrollo del ambiente fue lo que lo permitió. La emoción en la audiencia había crecido hacia el del set de Takahashi, así que para la llegada de Brandt Brauer Frick (BBF), quien no se lo esperaba ya estaba contextualizado de cualquier forma.

La llegada del trío alemán acertó con el atardecer y realmente se sintió un breve respiro de atención total al comienzo de su presentación, acompañados por la Orquesta Filarmónica Mexiquense y dirigidos por Rodrigo Macías. El concierto confirma toda la información previa que uno puede recabar de la agrupación alemana; el entrenamiento musical es evidente y su acercamiento a la electrónica desde métodos clásicos son lo que los convierte en una representación excelente de las capacidades de la música electrónica al ser ejecutadas desde la instrumentalización. Brandt, baterista, es en su debido porcentaje, una estrella en la definición de lo que es la electrónica a partir de las recreaciones a partir de capas rítmicas conectadas. Brauer y Frick, tecladista y pianista respectivamente, acompañan y contrasta los espacios creados por los instrumentos de la Filarmónica con melodías agudas y punzantes. El techno y el house constantemente están presentes en sus bases rítmicas (4-on-the-floor) y eso lo convierte en una experiencia aún más relevante. Sin duda ha sido una de las mejores selecciones que el festival ha hecho para alojar la despedida de una edición llena de talento y supremacía en ejecución.

Escucha una grabación inédita de Gustavo Cerati

Como parte del documental de National Geographic sobre Gustavo Cerati, sale a la luz este tema.

Recientemente fue estrenado el muy esperado documental de la serie BIOS. Vidas que marcaron la tuya, enfocado en la vida del legendario músico argentino, y como parte de este también fue revelada una grabación casera que Cerati hizo para su novia en aquel entonces, Ana Saint-Jean.

El tema fue compartido vía cassette a la cantante chilena Javiera Mena, quien entrevistó a Saint-Jean para el programa. “Hablando de vos” es el título de la canción, la cual consta únicamente de la voz y la guitarra acústica de Gustavo Cerati, escucha a continuación.

El documental estuvo a cargo de Sebastián Ortega, fue conducido por Mena y cuenta con material inédito, así como con la colaboración de la familia Cerati, la cual ayudó en todo el proceso de la reconstrucción de la vida de la leyenda del rock argentino desde su infancia y durante toda su trayectoria artística.

El capítulo sobre la vida de Gustavo Cerati tiene una duración de dos horas y cuenta con testimonios de sus ex compañeros de Soda Stereo, Zeta Bosio y Charly Alberti, además de otros de familiares como su madre Lillian Clarke, su hermana Laura y sus hijos Benito y Lisa.

Puedes verlo completo a través de la app de NatGeo o en la repetición del programa el día martes 27 de noviembre a las 20:00 horas.

The Smashing Pumpkins — Shiny and Oh So Bright, Vol. 1 / LP: No Past. No Future. No Sun.

Extrañas voces de un esperado retorno.

Un nuevo arcoíris que emana de una tormenta de ausencia, el camino se abre para una nueva etapa en la historia de The Smashing Pumpkins, banda que ha sobrevivido gracias al ansia creativa de Billy Corgan más allá de las rupturas, los rencores y distanciamientos. “Knights of Malta” como extraño renacer del olvido, su forma gloriosa de adjuntar influencias: los pequeños solos de guitarra que podrían recordar a Brian May, los coros femeninos que evocan a Pink Floyd, la extraña esencia de Fleetwood Mac y Cheap Trick, todo trazado ante la impecable producción de Rick Rubin.

“Silvery Sometimes (Ghosts)” cual versión 2018 de “1979” con un Billy Corgan que en lugar de reposar en el asiento trasero de un Dodge Charger ahora lo conduce por el camino de la vida madura con su hijo Augustus en el asiento del copiloto, feliz, realizado, habiendo vencido a aquel vampiro que es el mundo, siendo uno más que un cero, dejando atrás la idea de que el amor es suicidio. Y entre la perfecta instrumentalidad estamos en medio de demasiado talento, los acordes nos abrazan, las cuerdas nos inspiran, y cual cohete rumbo a un sol moribundo emprendemos un viaje sin retorno.

“Travels” y su extraño candor pop, de nuevo la felicidad manifiesta donde a veces pertenecemos, “Solara” y esa necedad de arrastrarnos a los tiempos cuando aquel aeroplano llamado The Smashing Pumpkins volaba muy alto surcando la creatividad con infinidad de demos y riffs ásperos que nos penetran como un virus y lentamente nos infectan de euforia. Los redobles y tiempos perfectos de Jimmy Chamberlin, el baterista que toda banda desearía tener, el palm muting que trasfuga a las quintas y los golpes a una sola cuerda, tan nos recuerda a “Bodies” o a una versión menos agresiva de “X.Y.U.” o hasta algún esbozo de “Tarantula”.

“Alienation” como recordatorio reciente de que esta banda seguirá arrastrando el peso de sus viejas glorias, que los fans nuevos no serán tantos como los viejos, y que en todo caso, los vistazos al pasado encantarán más a aquellos ávidos de conocimiento. “Marchin’ On” y su ánimo entre grunge y stoner cual marcha hacia la cacería. Complementos orquestales que dominan como en gran parte de este material que llega en un momento en el que la banda celebra 30 años de existencia. El cuerpo cambia pero no la esencia, y es por eso que los interludios instrumentales y vocales que hasta parecen una canción distinta nos encantan.

“With Sympathy” y su amable candor, y de nuevo las remembranzas, nos aferramos a lo que fue antes de lo que vaya a ser en el futuro para un ensamble a modo que encontrará la forma de seguir tocando y creando. Es difícil cuando eres fan no hacer comparaciones, dejar entrever a qué suena lo nuevo a comparación de lo que se ha hecho antes, y aún así encontrar el encanto ante la novedad que tal vez falló con Monuments to an Elegy y que no funcionó para todos con Oceania.

“Seek and you Shall Destroy” y su extraño y pesado riff que se transforma en una especie de britpop, el final para un primer volumen que nos deja ansiosos por más música para analizar, devorar y comprender. Cuesta trabajo ante el pasar de los años analizar la obra de una banda que no pretende vender sino seguir tocando, no sé de qué dependa que este disco atraiga nuevos adeptos para una banda tan prolífica, pero como introducción a su obra, basta decir que hay mejores cosas.

Robert Plant versionó a Elvis Presley

En la fiesta de su ex esposa, el cantante Robert Plant versionó a Elvis Presley.

El pasado 23 de noviembre en The Fox Inn en Stourton, Reino Unido, Robert Plant –vocalista de la legendaria banda de rock Led Zeppelin– se unió a la banda The Hayriders, para interpretar algunos temas del mítico Elvis Presley.

En la fiesta de su ex esposa, Robert Plant versionó los exitosos temas "One Night With You", "Little Sister" y "A Big Hunk O 'Love" de la leyenda del rock and roll: Elvis Presley; de esta manera celebró el cumpleaños número 70 de Maureen Plant, quien fue su esposa desde 1968 hasta 1983, y con la cual tuvo tres hijos llamados Carmen Jane, Karac y Logan.

Ve aquí los videos de la celebración:

Recordemos que "El Rey del rock and roll"ha sido una gran influencia en la carrera musical de Robert Plant, al igual que de muchas de las grandes bandas de rock. Esta no es la primera vez que el líder de Led Zeppelin, rinde un homenaje a Elvis, en 1979 se presentó en el evento Conciertos para la Gente de Kampuchea, que tuvo lugar en Hammersmith Odeon London, y cantó a lado de Rockpile una versión rock de "Little Sister".

 

Primus lanza Pinball de colección

Revive uno de los juegos clásicos de los años 70 con el nuevo pinball de Primus.

Primus confirmó el lanzamiento de un objeto especial para para este cyber monday. Se trata de una edición limitada del juego clásico pinball, muy al estilo de la banda estadounidense: Primus Pinball Machine.

El lanzamiento de este extravagante objeto estará limitado a 100 unidades numeradas y firmadas por cada uno de los integrantes de la banda, lo que lo convierte en una pieza perfecta para los amantes del juego y coleccionistas de rarezas musicales.

La elaboración estuvo a cargo de Stern Pinball y cada set cuenta con un alocado diseño en tonos verde y violeta, elaborado por la línea de ilustraciones Zoltron y Zombie Yeti Studios.

Por si esto fuera poco, las horas juego estarán acompañadas por la voz del bajista Les Claypool, así como un repertorio de 13 cortes clásicos de Primus.

Primus Pinball Machine tendrá un costo de $7,995 dólares y estará disponible a través del siguiente enlace. Puedes dar un vistazo al siguiente video y conocer más detalles de su diseño.

Te recordamos que la agrupación conformada por Les Claypool, Larry LaLonde y Tim Alexander estará de regreso en nuestro país el próximo 19 de enero, como parte de la promoción de su reciente álbum de estudio, The Desaturating Seven, estrenado el pasado mes de septiembre. Consulta nuestra agenda para conocer todos los detalles.

Primus_pinball