La gira con holograma de Frank Zappa es una realidad

El legendario guitarrista "revivirá" digitalmente en The Bizarre World Of Frank Zappa.

Desde hace algunos meses, la familia de uno de los genios del rock, Frank Zappa, anunció que se estaba planeando una serie de presentaciones con el holograma del fallecido músico para este año.

La empresa dedicada al entretenimiento, Eye Illusion –misma que realizó la gira de la leyenda fallecida del metal, Ronnie James Dio– ha dado a conocer los detalles del show llamado The Bizarre World Of Frank Zappa. 

En un comunicado, el hijo de la leyenda, Amhet Zappa, comentó al respecto. "Mi padre y yo discutimos la posibilidad de usar hologramas, que era un concepto que quiso. De hecho dedicó un capítulo completo al tema en el libro The Real Frank Zappa Book (1990). Esta es una carta de amor y un viaje que celebra al genio artístico que era Frank Zappa. Personalmente, siento que estoy terminando algo que mi padre empezó hace años”.

Dentro del espectáculo, además de mostrarnos imágenes inéditas de Zappa capturadas a principios de los 60, contará con la participación de músicos que colaboraron con él por años como Ray White, Mike Keneally, Scott Thunes, Robert Martin, y Joe “Vaultmeister” Travers. 

Estas son las fechas que recorrerá el tour The Bizarre World Of Frank Zappa:

19 de abril – Port Chester, Nueva York
20 de abril – Rochester, Nueva York
22 de abril – Red Bank, Nueva Jersey
24 de abril – Long Island, Nueva York
26 de abril – Boston, Massachusetts
28 de abril – Albany, Nueva York
01 de mayo – Wilkes Barre, Pensilvania
02 de mayo – Collingswood, Nueva Jersey
03 de mayo – Baltimore, Maryland
09 de mayo – Edimburgo, Reino Unido
11 de mayo – Gateshead, Reino Unido
12 de mayo – Manchester, Reino Unido
13 de mayo – Birmingham, Reino Unido
14 de mayo – Londres , Reino Unido
16 de mayo – Ostende, Bélgica
17 de mayo – Ámsterdam, Holanda

Kevin Parker se casó en secreto con Sophie Lawrence

Con tan solo 175 invitados y sin hacer difusión del evento, el vocalista de Tame Impala contrajo matrimonio con Sophie Lawrence, empresaria de una compañía de helados low carb.

El día de ayer, 9 de febrero, en el Valle de Wilwood, Australia, se reunieron familiares y amigos de la pareja para presenciar la ceremonia nupcial del cantante de 33 años.

La recepción se llevó a cabo en una propiedad de Yelverton. La decoración del lugar estuvo a cargo de floristas locales; y el inesperado platillo que –a media noche– saciaría el hambre de los invitados fueron ¡150 hamburguesas de McDonald's! Así es: una original ocurrencia del líder de la banda. Desde luego, el menú también se conformaba de carnes cocinadas a fuego lento y ensaladas.

Cabe mencionar que, en la lista de invitados figuraba Lady Gaga y Mark Ronson; sin embargo ninguno de los dos músicos pudo asistir, ya que Gaga debía debía presentarse en la entrega de los Grammy –cuya edición también estaba programada para el 9 de febrero– y Mark Ronson estuvo en Los Ángeles dando un concierto.

Recordemos que Tame Impala será uno de los headliners del famoso festival Coachella, el cual se celebrará en abril de este año.

Mientras llega esa anhelada presentación dale play a esta canción.

 

 

Kim Gordon llega a los museos

En una exposición de su obra como artista visual, Kim Gordon se presentará en el Andy Warhol Museum.

Con el propósito de expandir su carrera a otros ámbitos, Kim Gordon exhibirá material exclusivo de su faceta como artista visual. La exposición se llamará Kim Gordon: Lo-fi Glamour y estará abierta al público en el Andy Warhol Museum (Pittsburgh, Pennsylvania), a partir del 17 de mayo.

Kim Gordon, "Secret Abuse", 2009, Courtesy of the artist and 303 Gallery

Kim Gordon, "Secret Abuse", 2009, Courtesy of the artist and 303 Gallery

Por una parte, la exposición presentará una colección de obra creada por la cofundadora de Sonic Youth. Se exhibirán pinturas, esculturas y dibujos exclusivos. Por otra parte, los espectadores podrán escuchar Sound for Andy Warhol’s Kiss, una grabación de Kim que musicaliza el largometraje mudo de Andy Warhol (Kiss, 1963). Para aquellos que estén interesados, podrán conseguir el vinilo de la sesión en las instalaciones del museo; mientras tanto, les dejamos el trailer de este LP:

Kim Gordon estudió artes en Ottis College of Art and Design. A lo largo de su carrera ha quebrado la frontera del entorno musical y ha explorado ámbitos como la literatura, y en esta ocasión, el arte. Presentar su obra en este museo es una manera de homenajear la influencia que Andy Warhol ha tenido en la carrera de la artista. Así que, si tienen oportunidad, no duden en asistir y conocer una nueva etapa de Kim.

Dawn Richard — New Breed

Mujeres con pantalones: Dawn Richard y su libertad.

La libertad sexual se ha vuelto un común denominador en la sociedad moderna; esto se ha logrado gracias a la lucha incansable de algunos que han abierto puertas y ventanas con la libre expresión, ni hablar del racismo y nepotismo. Con la bandera de la bisexualidad y la libertad sexual se abre paso la cantante estadounidense Dawn Richard, quien además lucha contra el racismo por su color de piel, componentes para una bomba molotov. Con pocas expectativas, pero con gran sorpresa, la cantante presenta New Breed, un álbum compuesto de 10 canciones un tanto monótonas en sonido, pero con gran contenido en lírica; los 33 minutos de este larga duración son sustanciosos y agregan mensajes fuertes.

La artista formó parte de un reality show, con el que se abrió paso en la música, donde primero se unió a las filas de la banda Danity Kane, una banda acartonada de pop americano, a la cual Richard nunca se sintió pertenecer. Este es su tercer álbum solista y en los anteriores había sido alabada por su audacia y su sentido de experimentalismo, sin llegar a convocar a las masas.

Con “the nine (intro)”, la que abre el disco, se nota la fuerza y poder de sus palabras; el track es un breve intro que oscila entre el gospel/a capela y expresa la nostalgia de Dawn Richard, donde habla de volver a lugares y tiempos donde no era juzgada ni atacada.

La autoridad con la que “new breed”, la que da el nombre al álbum, es innegable; el tema es electro pop con tintes de rap, donde la cantante expresa abiertamente su bisexualidad e incluso se escucha un fragmento de entrevista donde se le cuestiona sobre el tema, lo que responde. "Encuentro a las mujeres atractivas, si no lo hiciera, no podría considerarme atractiva yo misma". En “spaces”, una canción calma, Dawn baja las revoluciones; en “dreams and converse”, el erotismo llega como bandera, con letras explícitas que dicen "I wish I could drink you; flavor makes people nervous". “shades” es una de las mejores del álbum, con ritmo del funk de los 60, le da dirección R&B.

“jealousy” es una canción electro que se apega más al pop y destaca la voz descomunal que la artista derrocha; “sauce” interesa por el ritmo pegadizo que atrapa, además de retomar el erotismo y explícitamente hablar de dar y recibir en el sexo. “vultures | wolves” habla específicamente de la industria musical y de la sociedad actual, que se comportan justo como buitres buscando carne fresca; “we, diamonds” es de nuevo un tema pop, con piano constante y vocales potentes, apegados al pop noventero. La que finaliza el compilado es “ketchup and po'boys (outro)”, con la idea de presentar a la mujer poderosa y completa, capaz de hacer lo que se proponga.

New Breed es un álbum que no se caracteriza por un sonido espectacular ni experimental, pero se volvió muy directo y explícito en sus letras. Busca empoderar a las mujeres que viven en el presente aquellas que respetan sus orígenes, tradiciones y abiertas a la visión del mundo; en cuanto a la artista, no hay osadía, pero refuerza su propia identidad. El álbum es synth pop con melodías planas en la primera mitad, casi monótono, pero que explota en la segunda mitad; tres palabras para describir New Breed: liberación, feminismo y empoderamiento.

Los ganadores y mejores momentos del Grammy

Se llevó a cabo la gala de los premios Grammy y nos sorprendió con algunos performances y sus ganadores.

Si estuviste fuera de casa o de plano te dio flojera prender la televisión, aquí tenemos un resumen de lo que fue la ceremonia 61 de los Premios Grammy en la que nos llevamos algunas sorpresas en cuanto ganadores y performances.

Ganadores

Record Of The Year: "This Is America"Childish Gambino
Song of the Year: "This Is America"Childish Gambino
Best New Artist: Dua Lipa
Best Dance Recording: "Electricity"Silk City & Dua Lipa
Best Dance/Electronic Album: Woman WorldwideJustice
Best Rock Performance: "When Bad Does Good"Chris Cornell
Best Metal Performance: "Electric Messiah"High on Fire
Best Song Rock: "Masseduction"St. Vincent
Best Rock Album: From the FiresGreta Van Fleet
Best Alternative Music Album: ColorsBeck
Best Rap Performance: "King's Dead"Kendrick Lamar, Jay Rock y James Blake  //  "Bubblin"Anderson .Paak
Best Rap/Sung Performance: "This Is America"Childish Gambino
Best Rap Album: Invasion of PrivacyCardi B
Best Latin Rock, Urban or Alternative Album: AztlánZoé
Best Recording Package: MASSEDUCTIONWillo Perron, director de arte (St. Vincent)
Producer Of The Year, Non-Classical: Pharrell Williams

Momentos

Chris Cornell gana Grammy póstumo

Durante la gala previa de los Grammy, Chris Cornell ganó –de manera póstuma– el gramófono en la categoría Best Rock Performance. Sus hijos recibieron el galardón y Toni Cornell mencionó en su discurso. "Su voz fue su visión y su música fue su paz. Esto es para ti, papá, y te queremos mucho".

St. Vincent con Dua Lipa

Desde que escuchamos que realizarían un performance quedamos maravillados y cumplieron las expectativas de los televidentes. Las cantantes realizaron un mashup entre los temas "One Kiss" de Dua Lipa y "Masseduction" de St. Vincent. El resultado: una mezcla de música electrónica combinados con la experiencia en la guitarra de Annie Clark que sin necesidad de un gran show logró tener al público bastante entretenido.

Childish Gambino gana tres Grammy

El nombre de Childish Gambino hizo eco del día de ayer ya que su tema "This Is America" ganó dos de las categorías más importantes de la premiación: Record of the Year y Song of the Year, en las que nunca había ganado un tema de hip hop/rap. Donald Glover no acudió a la ceremonia, pero logró algo en la historia de la academia musical.

Red Hot Chili Peppers y Post Malone

Al parecer las colaboraciones "sorpresa" ya son parte de las premiaciones y una que llamó nuestra atención fue la de Red Hot Chili Peppers con el rapero Post Malone. Esta dupla bastante opuesta interpretó "Stay", "Rockstar" y "Dark Necessities".

High on Fire recibe su primer Grammy

La agrupación High on Fire se formó en 1998 y –a lo largo de su trayectoria– ha lanzado cinco LPs. Ayer logró ganar su primer Grammy en la categoría Best Metal Performance y durante su discurso Matt Pike mencionó. “Nunca necesitamos un premio por hacer lo que amamos. 21 años después, finalmente conseguimos esto, gracias”.

St. Vincent estrena el video de “Masseduction”

Después de su presentación en la 61ª edición de los Premios Grammy, St. Vincent estrenó el video oficial de “Masseduction”.

Con el estilo surrealista que destaca a la cantautora estadounidense, St. Vincent estrenó el video de “Masseduction”. El audiovisual es un conjunto de baile, material sobre explosiones nucleares y el rostro de Annie Clark. Fue lanzado minutos después de la ceremonia de los Premios Grammy, así que si aún no lo has visto, aquí lo tienes:

Como si fuese una celebración por el Grammy que ganó como mejor canción de rock, el video de “Masseduction” se lanzó a través de las redes sociales de la artista. Este sencillo es parte del disco homónimo, lanzado en 2017, que también ganó un premio Grammy por mejor diseño de álbum.

Por si fuera poco, uno de los momentos más elogiados en esta premiación, fue la presentación de St. Vincent con Dua Lipa, quienes salieron al escenario con trajes cortos y entallados, luciendo el mismo corte de cabello. Las cantantes interpretaron “Respect” de Aretha Franklin, “Masseduction” y “One Kiss”. Aquí puedes ver un fragmento de la presentación.

Después de la noche de ayer, todo parece indicar que St. Vincent estará muy activa este año. Así que si no te quieres perder de nada, síguela en sus redes sociales y mantente al pendiente.

Entrevista con James Blake

¿Quién es James Blake?

“A lo largo de nuestra vida vamos descubriendo poco a poco nuestro verdadero yo; y, a medida que lo descubrimos, perdemos parte de nosotros mismos”, dice Tsukuru Tazaki. Puede ser. Pero también abundan otras alternativas para acercarnos al conocimiento de nosotros mismos; otras formas de responder la pregunta que nos hacemos todos los días frente al espejo, por las mañanas, y que probablemente nunca logremos contestar: ¿quién soy yo?

¿Quién-carajos-soy-yo?

Por ejemplo, tal vez el verdadero “yo” existe dentro de una coraza que se va abriendo mientras vamos creciendo hasta que se cae completamente y queda nuestro interior al aire libre. Un caparazón, digamos, que cubre la esencia con diferentes capas hasta que el núcleo se descubre así mismo en un renacer personal. Ese caparazón es una protección del entorno y perderlo no implica que algo de nosotros desaparezca, porque en realidad representa deseos y expectativas que el entorno ha puesto sobre nosotros. También puede ser que no exista algo como el verdadero yo, sino muchos “yo” existiendo en diferentes momentos de nuestra vida que se van transformando, llegando incluso, a desconocerse unos de otros. Todos auténticos. Pueden chocar, pero al final son parte de uno en el amanecer diario.

¿Quién-carajos-soy-yo?

Tsukuru Tazaki, el protagonista del libro Los años de peregrinación del chico sin color del autor japonés Haruki Murakami, puede errar en lo que dice. De no ser así cómo entenderíamos el nuevo álbum del músico inglés James Blake, cómo explicamos la armonía en equilibrio de una mente que solía divagar en la existencia humana y que ahora abre su interior para gritar que está enamorado. Cuatro álbumes después no ha perdido su esencia, solo se ha transformado a voluntad propia. “No voy a hacer el mismo disco el resto de mi vida. Siempre voy a cambiar. He estado cambiando desde mi primer canción. Cambio en cada lanzamiento”, narra en entrevista a Indie Rocks!. James Blake no deja de ser él en su música, se descubre en otras formas, más parecidas a sí mismo, sin abandonar lo que era. Sobre su nuevo lanzamiento Assume Form sostiene. "Quería que fuera diferente. Y el siguiente tal vez sea más para explorar. No pienso mucho en la estructura, hago la música como va saliendo. Hay gente que le gusta mucho más este álbum que otros, está bien. Hago música para expresarme. Entiendo al aprecio de los fans, pero también entiendo que necesitan sonidos diferentes, porque de otra forma, se aburren".

A todo esto, ¿quién carajos es James Blake? ¿Por qué es importante hablar de él? Porque es el músico inglés que colocó en la mira de occidente un sonido peculiar, “soul electrónico” o post dubstep. Apareció en las portadas de las revistas más emblemáticas de música y obtuvo calificaciones positivas en medios especializados, giras alrededor del mundo, aplausos de otros artistas y colaboraciones con músicos como Kendrick Lamar, Beyonce, Frank Ocean, OPN, Travis Scott y Jay-Z. Assume Form, su cuarto disco, era uno de los lanzamientos más esperados de 2019. Pero algo pasó. No resultó lo que la crítica esperaba. El sonido y las composiciones son diferentes. Las letras cambiaron. “Estoy orgulloso. Estoy feliz. Me siento en paz”, dice desde Los Ángeles, California, en donde ahora radica.

¿Es el cambio de ciudad lo que influyó en el sonido? ¿Es el clima? ¿Es el amor que siente por la actriz Jameela Jamil responsable de que haya abandonado aquellas composiciones cuasi experimentales en donde la producción era fundamental? ¿Es este sentimiento responsable de las letras tan abiertas en donde expresa su amor? ¿Ha perdido parte de su esencia? “Tal vez sea el sol, es más caliente comparado con donde vivía, es como si siempre fuera primavera. La vida es más lenta que en Londres y eso me ha ayudado mucho, estoy más tranquilo, soy muy afortunado, tengo un poco más de dinero, puedo tomar un descanso si así lo quiero. No es fácil lidiar con la salud mental cuando no tienes acceso a terapia, a otras cosas que te pueden ayudar, es difícil cuando tienes problemas de ese tipo. Ahora soy muy optimista. Me siento más colorido”, agrega el ganador del Mercury Prize por su aclamado segundo álbum Overgrown.

James Blake está cambiando, y eso no es bueno ni malo, sino una forma de ser. ¿Es auténtico? Sí. ¿Es honesto? Sí. Cambia lo que piensa y evidentemente cambia su forma de componer. Quizá más adelante regrese a sus composiciones primarias, tal vez no, pero tampoco ha perdido algo para seguir siendo él. “Soy de Inglaterra en donde somos más contenidos. Creo que la masculinidad tóxica está en todas partes. Estamos hablando de la represión, del acto de no decir como te sientes, Inglaterra es particularmente así. Pero en todo el mundo los hombres son motivados a no decir cómo se sienten, porque mostrarían debilidad. Contra eso es contra lo que debemos luchar, obviamente debemos pelear por cualquier género, por todos”.

Si hay algo que llamó la atención del nuevo lanzamiento fue una colaboración, pero no la que hizo con Travis Scott, ni la participación de André 3000, sino el duo que formó con la cantante española Rosalía. “Nos mantuvimos en contacto desde hace seis meses, su disco es jodidamente increíble y en cuanto lo escuché quería colaborar con ella. En el primer día hicimos las referencias. Y trabajamos un par de días. Ya veremos en el futuro, pero estoy orgullosos de las cosas que hicimos juntos en el álbum”, afirma Blake. No puede ser solo él, tiene que incluir más personas para conservar su esencia. Para cuidar ese núcleo de sí mismo.

La pregunta sigue en el aire. Cuando despiertas y miras el sol que atraviesa tus cortinas. Cuando te levantas a trabajar en la rutina capitalista. ¿Quién soy “yo”? ¿Quién eres tú? ¿Quién es él? ¿Quién es ella? ¿Quién-es-ella? ¿Quién-carajos-es-ella? ¿Quién es James Blake? ¿Perdemos el tiempo si lo preguntamos? Dicen que si te preguntas si eres feliz es porque en realidad no lo eres. Bajo esa premisa, ¿existimos si nos preguntamos quiénes somos? ¿Alguien lo sabe, lo sabrá? Y si la pregunta es incorrecta, quizá el verbo debería cambiar, de “ser” a “estar”, porque no somos, sino que “estamos siendo”. Hoy somos de una forma, mañana podemos cambiar, y después regresar a lo primero, pero lo importante se encuentra en vivir tal cual nos imaginamos que debemos vivir, como dice el inglés. “Cuando abro mi mente me siento aliviado, me siento presente, siento que estoy viviendo mi vida, siento mi cuerpo, y estoy viendo mi vida”.

Quién sabe, puede que al final podamos ver todos nuestros “yo”. Pero es una posibilidad. Igual nunca lo sabremos. Pero si nos lo preguntamos, nos acercamos más a eso que imaginamos que somos. O que nos gustaría ser.

“Es posible que tenga una cara insospechada para quien conoce mi otra cara. Como la cara oculta de la luna, siempre entre tinieblas”,  Tsukuru Tazaki.

 

Soft Kill en el Foro Indie Rocks!

La banda regresó a México, pero ya saben lo que dicen de las segundas partes.

Hace casi un año la agrupación de Portland vino a nuestro país junto a Soviet Soviet, uno de los conciertos más explosivos y espectaculares del 2018, al igual que de los favoritos para los fanáticos del post punk en México. Ahora, la banda regresó y lo hizo nuevamente en el Foro Indie Rocks!.

La última vez el Foro estaba a reventar y todos se mostraron incansables, al punto en que salimos entre un mar de sudor, con golpes y moretones por todos lados. Aunque en esta ocasión no estaba Soviet Soviet, podíamos decir que teníamos los ingredientes necesarios para repetir una gran noche. Sin embargo, no consideramos que los pequeños detalles son suficientes para cambiar la fórmula.

Abrieron puertas cerca de las 18:00 H. en punto, algo extraño para un concierto de esta naturaleza, pero ya era raro que fuera en domingo. A penas había obscurecido y el Foro Indie Rocks! se llenaba lentamente. No había una fila enorme como en la ocasión anterior, pero me sentía animado y listo para unirme de nuevo a la furia de los asistentes.

No hubo furia, de hecho todo fue letargo; la gente entró sin ganas de nada, incluso para beber. A pesar de todo me mantuve positivo y pensé que Ritual Howls iba a desaturdirlos. Me equivoqué de nuevo, pues aunque la agrupación lo dio todo y trató de darle a los asistentes una gran noche, no hubo más que un par de cabezas moviéndose y aplausos desganados al final de cada canción.

Pensé que la culpa de tanto desinterés se debía a la falta de público, –llegarán más para Soft Kill, eso debe ser– me repetí durante el descanso. A lo mejor tenía razón, pero los números no cambiaron, la gente que había al principio fue la misma hasta el final del show. Estábamos a media capacidad, dispersos y desanimados.

Soft Kill salió a las 21:30 H. y aún muchos estaban afuera, platicando, tomando cerveza y más que nada fumando. Lo primero que vi fue a Tobias Sinclair con una sudadera de Travis Scott, un detalle insignificante pero que llamó mucho mi atención. Los recibieron con aplausos, pero no pudieron disimular sus caras cuando vieron la poca gente que había.

La banda empezó con "Wanting War" y "Wake Up", pero los dos estábamos incómodos, no había chispa. A excepción del baterista Conrad Vollmer, ninguno de los integrantes se mostró con energía. Tobias se veía desconcertado y decaído, e incluso Owen Glendower, que conocemos por su personalidad lúgubre e imponente, lucía afectado por la situación.

En realidad no culpo a Soft Kill por su actitud de esa noche. La banda tuvo una pesada gira que inició el 7 de febrero en Tijuana, viajando sin descanso a Monterrey y Guadalajara. Además, si aquí en la Ciudad de México no hubo mucho público, no me quiero imaginar los demás shows.

El grupo tocó muchos de los temas de su nuevo disco, como "Bunny Room" y "Savior". A fin de cuentas venía a eso, a presentar su tercer álbum de estudio y creo que con eso cumplió.

Entre la gente que me rodeaba había un sujeto con estoperoles de 10 cm en su chaleco, un metalhead y tres punks. Sin duda ese habría sido mosh pit muy interesante y peligroso, pero no se dio la ocasión. Un desperdicio.

La banda salió del escenario y la gente pidió su regreso, más por costumbre que por el gusto de seguir en el recinto. Soft Kill salió una vez más pero dos canciones no podrían salvar la noche. Al final el único ganador fue la tienda de merch, que logró vender todas las playeras y discos del inventario.

Cuando uno va a un concierto uno nunca sabe lo que sucederá, pueden sorprenderte pero también decepcionarte. En esta ocasión salimos cabizbajos de esta capilla del post punk llamada Foro Indie Rocks!, pero si la banda vuelve no lo pensaría para comprar mi boleto, pues las condiciones siempre son diferentes. Lo único que me preocupa es que este fue mi primer concierto del año y lo que empieza mal suele terminar de igual manera.

Camilo Séptimo en el Pepsi Center WTC

Navegando a través de nuestras emociones.

La historia de este encuentro nos remonta al año 2016. Tras el lanzamiento de múltiples sencillos y el éxito de su EP debut, Camilo Séptimo llegaba al Pepsi Center WTC como acto telonero de Foals. Varias cosas han cambiado desde entonces.

En esta ocasión, la banda conformada por Manuel MendozaCoe”, Jonathan Meléndez y Erick Vásquez regresaba al recinto capitalino con dos álbumes de estudio y el respaldo de diversas presentaciones sold out. Tres años después, tocó el turno de complacer a una audiencia que se daba cita para disfrutar de su música como acto principal.

Los roles se intercambiaron y Miss Cafeína tomaba el papel de telonero. El conjunto madrileño fue el encargado de calentar los ánimos de una audiencia que, desde muy temprano, se mostró efusiva y con ganas de cantar.

El amor se vive en cada canción.

La espera recompensó y minutos después de las 21:00 H., Camilo Séptimo se hizo presente. Los celulares de la audiencia se levantaban en el aire para capturar los primeros acordes de “Contacto”. Un solo tema fue suficiente para despertar la energía de los asistentes y ponerlos a corear con los versos de “Te Veo en el 27”.

La atmósfera romántica invadía el recinto y se esparcía a través de “No te puedo olvidar”. “Bienvenidos a bordo, navegantes. Vamos a hacer este concierto mágico” pronunciaba Coe, invitándonos a viajar a través de su música. La sencillez de su escenografía no fue impedimento para lograrlo y transportarnos a otra galaxia a través de sus letras aterciopeladas y proyecciones espaciales.

El viaje continuaba y llegaba el turno de dar la bienvenida al primer invitado de la noche. David Gonzalez de Midnight Generation se hacía presente para  tomar la guitarra y acompañar los acordes de “Frecuencia”.

Tras su breve participación, Coe tomaba los micrófonos para agradecer a sus padres y cantarle al amor. “Gracias a nuestros padres. Por darnos la vida y enseñarnos que el amor es lo más importante”. Luego de  contemplar los colores y matices de una “Noche eterna”, Coe pedía un aplauso para recibir a “una persona muy importante para este proyecto”. Luis Jiménez de Los Mesoneros aparecía en el escenario para interpretar “Pulso”.

Las colaboraciones llegaban a su fin y ahora era turno de agradecer a los seguidores. “Esta canción es para todos aquellos que nos acompañaron desde el inicio”, fue así como comenzó a sonar "Fusión". El final de la velada estaba cerca, pero antes nos regalaría la postal de un Coe sorprendido ante los coros de “Miénteme”.

El amor es como un vicio.

La oscuridad del encore nos regalaba la segunda postal de la noche, cuando el  público iluminaba el recinto con sus celulares.

Después de unos breves minutos de espera, el trío mexicano volvía al escenario para deleitar a los enamorados con un último puñado de canciones. “Neón”, “Eres” y “No confíes en mí” fueron los temas encargados de poner a bailar a los asistentes, antes de decir adiós.

“Gracias por darnos ánimo para seguir haciendo canciones que les gusten. Mensajes de amor y paz porque es la única manera de evolucionar y ser mejores humanos”. Fueron las palabras pronunciadas por Coe antes de partir y recordarnos que el amor es como un “Vicio”. Por más que escapes, siempre vuelves a él.

 

 

Top 5 con los mejores tracks de la semana

Te compartimos este top con los mejores 5 nuevos tracks de la semana en este Top Indie Rocks!.

Mucha música se ha estrenado en este 2019, releases y sorpresas de los proyectos que recomendamos para tu oídos, pero nuestro equipo editorial hizo una selección muy especial para el top 5 de los mejores tracks de la semana del 4 al 10 de febrero de 2019. Aquí encontrarás diferentes géneros y ritmos que te pueden acompañar durante el fin de semana. Hay canciones como “Gone” de TR/ST que está de regreso con, no uno, sino dos discos nuevos; “Livin’ a Lie” de Foxygen, la primera pista de lo que podemos esperar con el quinto álbum del dúo: Una obra maestra de Yuppie-pop con melodías que remiten a la década de los 80; “Scarecrow” de Wand, que estará incluido en su nuevo disco que se llamará Laughing Matter y saldrá a la venta el próximo 19 de abril a través de Drag City Records; “Hello Me & You” de Superorganism, canción que forma parte del soundtrack de la película La Gran Aventura Lego 2, que llega a carteleras este fin de semana; y mucho más.

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