Chips y la Gran Ciudad presenta el EP 'Afuera la Tormenta'

Himnos sobre la dualidad de la vida y la muerte.

El proyecto chileno Chips y la Gran Ciudad presenta Afuera la tormenta, un EP de cinco canciones en las que Diego Márquez, Laura Zavala y Pablo "Blosqui" Orellana, exploran temas como la muerte, el luto y la pintura taoísta.

El sucesor de Ensayo para la Angustia del 2020 llega como un trabajo que fusiona el dream pop, el art rock, e incluso el shoegaze y el lo fi, configurándose como un material que, a diferencia de su última entrega, posee elementos orgánicos y más alejados de la electrónica. "En contraposición a Ensayo Para La Angustia, esta es una obra mucho más expresiva, más jugada, menos segura. Sé que mi voz nunca es muy expresiva, pero sí lo es la música y los arreglos", cuenta Diego Márquez.

El EP también refleja el torbellino emocional que Diego tuvo que atravesar tras la muerte de su madre, quien falleció luego de 25 años de lucha contra el cáncer. Márquez homenajea a su progenitora con "Lucy", el penúltimo corte del disco, una cruda pista de shoegaze y post rock en dónde el músico reflexiona en torno a las últimas horas de vida de su madre. 

El lanzamiento del EP viene acompañado por un videoclip hecho en pixelart de Música para las plantas y para gente que las ama", tema que cierra el disco con acordes bossa nova y lofi. Velo a continuación.

Afuera la tormenta, ya se encuentra disponible en plataformas digitales desde el 6 de agosto ¡escúchalo a continuación!

Chips y la gran ciudad_2021

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The Vaccines comparte “Alone Star”

El deslumbrante brillo de una estrella solitaria.

La agrupación británica ha lanzado "Alone Star", el tercer adelanto de su próximo álbum de estudio Back In Love City, el cual llega acompañado por un video grabado en México y dirigido por Santiago Arriaga.

El visual sigue a dos jóvenes que buscan llegar a Love City, pero su búsqueda se ve frustrada y tienen que pasar la noche en un motel en medio de la nada. El vocalista Justin Young dijo sobre esta entrega:

Queríamos que el video de 'Alone Star' fuera un video de esperanza, que capturara el momento en el que te das cuenta de que no todo está perdido. Cualquiera que haya conducido por el desierto hasta Las Vegas lo sabrá los casinos al borde de la carretera que comienzan a aparecer e iluminar las autopistas cuando llegas a Nevada. Este motel es exactamente el mismo tipo de institución, que existe en las sombras de Love City, donde se pueden encontrar sentimientos de todo tipo si miras lo suficiente. México es uno de nuestros lugares favoritos en el mundo y un lugar con mucho carácter, literalmente a metros de donde grabamos esta canción, por lo que se sintió como el lugar perfecto para que nuestros protagonistas encontraran lo que estaban buscando".

¡Mira el video a continuación!

El álbum, terminado a principios de 2020, está inspirado en ciudades ficticias, incluida la versión futurista de Los Ángeles que Ridley Scott presenta en Blade Runner, y surgió después de que Justin Young participara en un intercambio de casas en L.A.

Literalmente cambié vidas con un extraño. Vivía en casa y conducía su coche mientras él vivía en el mío, pero nunca nos conocimos ni teníamos conexiones previas" —explica Young— "De alguna manera obvia, estamos más conectados que nunca, pero también estamos más polarizados de lo que hemos estado durante 100 años y el mundo se está enfriando. ¿Y si hubiera un lugar donde el amor y otras emociones hubieran se secan, pero ¿podrías ir a Love City a buscarlos?".

"Alone Star" sigue a los sencillos "Back In Love City" estrenado en junio y "Headphones Baby" de mayo. Back In Love City de The Vaccines será publicado el 10 de septiembre a través de AWAL Recordings y ya puedes pre-ordenarlo aquí.

Sigue atento a Indie Rocks! para más novedades.

Mira el trailer de la serie 'Wu-Tang: An American Saga'

"Nacido en Shaolin, hecho en América" es el lema de la serie biográfica de Wu-Tang Clan. La segunda temporada está lista para salir este 8 de septiembre. 

Desde hace un par de años, el grupo neoyorquino de rap ha estado trabajando en diferentes proyectos visuales. Primero se dio a conocer que estaban grabando Wu-Tang Clan: Of Mics and Men, una serie documental que a base de testimonios, daría a conocer distintas anécdotas que han vivido a lo largo de su trayectoria musical. Posteriormente la agrupación sorprendió a sus fanáticos con Wu-Tang: An American Saga, una serie de 10 capítulos que trata sobre la la trayectoria de la agrupación, así también como de la vida de los integrantes de Wu-Tang Clan.

La primera temporada llegó a finales del 2019 y tal fue el éxito que ya está en vísperas el estreno de la segunda temporada, que a diferencia de la primer entrega donde contaron la historia de Wu-Tang Clan, esta abordará la creación de su primer álbum, Enter the Wu-Tang (36 Chambers) (1993). Ante este anuncio, la banda compartió el primer trailer en el que podemos ver a RZA escuchando algunos de los samples de este álbum. Da play a continuación para verlo:

La segunda temporada de Wu-Tang: An American Saga se estrenará el próximo 8 de septiembre a través de Hulu. Un proyecto que reflejará la verdadera identidad de una de las grandes agrupaciones de hip hop. ¡No puedes quedarte sin verla!

Low Roar — maybe tomorrow...

El proyecto vuelve al post rock que lo vió nacer.

Después de haberse refugiado en el abrazo terso y cálido del folk, Ryan Karazija vuelve a dar un vuelco sonoro, esta vez para regresar a casa, maybe tomorrow... es la confirmación de que el post rock y la experimentación siguen siendo un epíteto en su esencia como músico.

Ryan Karazija, el espíritu y voz de Low Roar, se ha encargado de hacer en la última década canciones desde su exilio auto impuesto; el amor y las ganas de crear un hogar ahí donde fuere lo orillaron a vivir en una lejana isla del Atlántico. Ahí, dentro de un apartamento en Reikiavik, Islandia, nacieron los primeros acordes de una idea que lo llevarían a darle la vuelta al mundo.

La música de Low Roar siempre se ha distinguido por una carga melancólica única, quizá como una consecuencia directa de su entorno; un mundo que parece vivir aparte de todo lo demás, con una quietud inmutable y donde el tiempo apenas hace estragos. Sin embargo, por un mero accidente, el proyecto personal de Karazija, paso de ser una mera idea independiente a la cinta sonora de un videojuego vendido en todo el mundo.

Death Stranding, el juego más reciente de Hideo Kojima (creador de la saga Metal Gear y uno de los directores de videojuegos más aclamados en el mundo) se encontró con un disco de Low Roar en una pequeña tienda de Reikiavik. Unos meses después, durante la presentación del juego en una conferencia que millones de personas estaban espectando, sonaron los acordes de “Easy Way Out” (hoy, uno de los temas más populares de la banda) algo que Karazija nunca hubiera imaginado ni en sus sueños más delirantes.

maybe tomorrow... es el nombre que recibe su más reciente disco, una obra que se contrapone a la mediática atención que su música ganó en los últimos años. ross. (2019), su disco anterior, nos había mostrado un rostro distinto de Low Roar, uno que se abrazaba mucho más de cerca con el folk, una versión más ligera y amable de un proyecto que normalmente deambulaba por los pasajes sonoros de lo experimental y del post rock a su propia manera y, bajo sus propias reglas, siempre más cerca de Sigur Rós que de Fleet Foxes.

maybe tomorrow... es su regreso a casa, a la experimentación, a la creación de los pasajes sonoros que atraen gracias a la voz inconfundible de Karazija y que explotan con una instrumentación de piano, cuerdas y el reverb de guitarras que aparecen como un afortunado accidente.

Desde su extensión este nuevo álbum se separa de su antecesor, durante más de una hora, Low Roar, se convierte en la banda sonora de un viaje espacial y su transitar por lo infinito. El piano se convierte en el acompañante principal de la voz de Karazija. “David”, el primer tema del álbum, pone en tesitura sobre el devenir de las siguientes canciones, una aparente paz que se va acercando al caos con el correr de los minutos.

Y es que, si hubiera que reprochar algo dentro de maybe tomorrow..., es la repetición de las estructuras en muchas de las canciones, siempre presentando en primera instancia una tranquilidad solitaria y cruda para después ir nutriendo la canción con  elementos que tienen como resultado final una combinación caótica de armonías que se contraponen al inicio. Canciones como “Sleep Peacefully”, “Fucked Up”, “Hummingbird” y “Burial Ground” siguen este patrón que, si bien tiene cierto encanto y es uno de los sellos característicos en la carrera de Karazija, después de algunas vueltas se vuelve monótono.

Con influencias de lo experimental y la creación de atmósferas que rememoran a Björk, Mogwai o Pink Floyd, este puede que sea el disco más rico sonoramente hablando de Low Roar, quien no ha escatimado en las texturas y elementos que comprenden cada canción. “Everything to Lose”, primer sencillo de este álbum, es un vaivén entre vientos y sintetizadores, convirtiéndole en una canción única dentro del contexto del material.

Low Roar - Maybe Tomorrow (Art)

Puede maybe tomorrow... que no sea un disco espectacular, pero cumple las papeletas para ser algo digno de escuchar, Low Roar, sigue siendo un proyecto consistente que continúa entregando discos con momentos memorables. Quizá no el mejor trabajo de Karazija, pero sí uno al que vale la pena acercarse por lo menos una vez.

PLAYLIST: Báilele en casa

¿Aburrido de la rutina diaria? No dejes que te abrume y dale play a la lista que reúne lo mejor de la pista de baile.

A un año y medio del confinamiento por la pandemia, diversos sectores de la población han tenido que retornar a sus actividades cotidianas de forma presencial. Si bien ya están permitidas algunas actividades de ocio y diversión, no olvides que la pandemia continúa y los contagios no cesan, por lo que es necesario seguir tomando las medidas sanitarias correspondientes y no bajar la guardia.

El retorno seguro a los espacios públicos depende de todos, así que si está en tus posibilidades quedarte en casa no dudes en hacerlo. Para que el aburrimiento no sea un impedimento, acá en Indie Rocks! hemos preparado una lista de canciones que seguramente te harán bailar desde tu hogar.

Tómate la libertad de mover los muebles, ajustar el volumen de tu reproductor, preparar tus mejores pasos y armar tu propio escenario casero.

La selección musical que te presentamos incluye sonoridades latinas a cargo de la inconfundible Kali Uchis, así como del proyecto mexicano Sotomayor. También encontrarás el glamour de la reina del dance, Roísín Murphy, así como la mágica voz de la artista francesa Yelle.

Además, Daft Punk, The xx, Toro y Moi, Phoenix, Kindness y Wild Nothing se encargan de musicalizar tu propio espacio de rejalación ante la rutina diaria. ¿Qué dices? ¿Te animas a bailar?

Escucha la playlist dando click abajo y simplemente déjate llevar por los beats electrónicos. ¡Disfrútala!

 
 

Entrevista con Anika

Los festivales de música eran degeneradas copias.

Sobre el circuito internacional de Fuji en Japón fuimos testigos de una proeza. En un thriller que duró cuatro horas y se extendió a lo largo de 137 kilómetros, la voluntad se convirtió en una medalla de oro en la categoría de ciclismo en ruta para la austriaca Anna Kiesenhofer. Su triunfo es inspiración para cualquiera que tema a los obstáculos. Después de abandonar las competencias en 2017, llegó a Tokio 2020 como una desconocida, una ciclista amateur con doctorado en matemáticas, sin posibilidades de una medalla, sin equipo que la respaldara, sin compatriotas, sin entrenador. Parecía imposible siquiera que se colara en los primeros lugares. Pero lo hizo. Como ella, la británica Anika se mantiene en la independencia, haciendo música de una manera diferente a como suele trabajarse en la industria, y su nuevo álbum, Change, posee la misma fuerza inspiradora que la historia de la ciclista Kiesenhofer. Lo imposible se puede lograr.

Anika como solista tenía ocho años sin publicar nueva música, su anterior EP es de 2013 y consiste en seis covers de temas tan distintos como “I go to sleep” de Ray Davies o “Love Buzz” de Shocking Blue; el debut titulado de forma homónima es de 2010; y como parte de Exploded View, el proyecto originado en México, publicó su anterior trabajo en 2018. Change, su nuevo trabajo se origina en la adversidad, en los momentos de cambios, en las pequeñas revoluciones sociales que estamos experimentado como sociedad y en los problemas tan complejos que nos rodean. El álbum es efervescente. Por un momento pareciera que estamos escuchando a The Velvet Underground en esteroides, su voz recuerda a Nico, pero el sonido es más agresivo, avant-garde, post punk y krautrock.

Quería terminarlo en 2019, pero tuve unos problemas personales, al final de ese año dejé de hacer giras para concentrarme en escribir. En 2020 llegó el coronavirus junto con los movimientos Me Too y Black Lives Matter; la situación con el calentamiento global, el levantamiento y la caída de Donald Trump y Boris Johnson tomando el poder. Esto me hizo arrojar lo que había escrito, comencé a trabajar en otras cosas, de repente estaba en un punto donde tenía que decir algo, no sabía bien qué hacer, el coronavirus puso estos temas debajo un cristal que los magnificaba. Tenía una necesidad de expresarme”, relata Anika a Indie Rocks! desde un lugar cerca de Berlín. 

El 25 de Julio Anna Kiesenhofer, la matemática que se entrenó sola e hizo su plan nutricional por su propia cuenta, fue de las protagonistas en la fuga inicial en los primeros kilómetros, junto con la polaca Anna Plichta y la israelí Omer Shapira. Cambió un par de posiciones con ellas durante la carrera, se mantuvo firme, ecuánime, era un cometa ardiendo sobre la pista, se estremecía sobre la bicicleta. Detrás de ese grupo venían las favoritas, el grupo de cuatro neerlandesas que traían toda la indumentaria necesaria para llevarse las medallas. 

Anika, cuyo nombre real es Annika Henderson, en su autonomía ha trazado una línea clara contra el sistema. Su pasado vinculado con el periodismo la ha marcado por su fuerte posición política que combina con su actuar.

No quise escribir pensando que el mundo es una mierda, no es mi intención. Es más bien sobre superar las cosas, quería mostrar que tenemos poder para cambiar la situación. Muchas personas están esperando que las cosas cambien o que regresen a la normalidad, pero es un estado peligroso porque si esperas que todo vuelva a la normalidad mientras el poder está cambiando, eres un blanco fácil, eres como un pato sin protección a la espera del cazador. No es bueno hacer eso, hay muchos cambios de fondo mientras tú estás esperando y no siempre son buenos cambios, la gente con poder los maneja a su antojo, es importante mirar lo que sucede, pensar de forma activa, no ser pasivo".

Anna Kiesenhofer se logró fugar poco a poco de las que iban en su pequeño contingente. Muy atrás, las de naranja, las neerlandesas se apoyaban una a una, cortaban el viento, intentaban bloquear a las rivales, jalaban marca, descendían para ir por agua o alimento y se olvidaron de que Kiesenhofer, el caballo negro, era la punta de una flecha. El thriller llegaba a su fin y parecía que todo estaba escrito, había tres claras posiciones, porque Plichta y Shapira seguían detrás. El final tendría una sorpresa mayor. 

En Change convergen las frases sobre el cambio y lo que podemos hacer, el despido de los ruines en el trono que no volverán jamás, la libertad frente a la censura, es sobre todo, un recipiente del malestar general.

La pandemia ha forzado un cambio en la forma en que los músicos se presentan a sí mismos, un año antes había una imagen muy brillante de ellos, pero estaban pasando por un mal rato, el trabajo como tal ya no existía, algunos están en una posición privilegiada y pueden hacer lo que quieran. En mi caso comencé a hacer videos, porque sentí que sin poder tocar en vivo era importante hacerlos, he estado de gira con mi único álbum durante diez años, casi nadie hace eso. Solía escribir canciones sólo para tocarlas en vivo y luego cambiaba la forma en que las presentaba, quería retar a la audiencia y retarme a mí”. 

Anika expresa su desencanto con la música que se hace en masa, la producción excesiva de música que parece calcar lo que en ese mismo género se produce, como si se tratara de un McDonald's expendiendo canciones.

Algunos de los mejores músicos conocían ambos lados, el lado del negocio y el lado artístico, ellos encontraban el balance correcto. Y siendo honestos con el negocio musical pasaba algo así con todos estos festivales musicales y sus djs viajando en un fin de semana de Tokio a Dubái, metiéndose cocaína o cualquier cosa, era muy degenerado, estaba fuera de control, festivales que son copias de otros y son lo mismo, quién sabe de qué se trataban”.

Faltando 20 kilómetros la carrera cambió de posiciones. Hubo intentos de ataque, intentos de fuga, la ciclista francesa Juliette Labous se colocó en segundo lugar. Y a medida que se acercaban a la meta la técnica de las neerlandesas dio frutos. Annemiek van Vleuten se fugó por la primer posición. Detrás de ella, la italiana Elisa Longo Borghini también se había escapado. Cuando van Vleuten cruza la meta estira las manos segura de que ha ganado el oro. La sonrisa del triunfo es del tamaño de su propio cansancio. Pero es casi enseguida cuando se entera de que ya se lo han ganado. Minutos antes Anna Kiesenhofer ha roto las apuestas. Había rebasado a todas y muchas ni se habían enterado. Tirada sobre el piso se convulsionaba en llanto porque ha ganado, porque su esfuerzo, su dedicación, su templanza y su preparación han dado resultados. Inspirador.

Change de Anika es, de forma diferente, igual de inspirador. Al combatir el malestar, la enfermedad, ha creado un álbum emocionalmente cargado de política y optimismo para hacer frente a los obstáculos. “No sé cuál es la solución para este mundo, pero al menos quiero comenzar a hacer algo, mucha gente no ve que hay un problema con ciertas cosas, se acostumbra a ellas. No quiero aceptar eso. Es muy importante estar unidos, porque hay una tendencia a construir muros y separar personas, eso hace que la gente con poder tenga más poder”.

A 10 años del 'Watch The Throne' de Kanye West y Jay-Z

A 10 años del hito cultural de Kanye West y Jay-Z.

Existen obras artísticas cuya valoración a través del tiempo se ve alterada por su impacto mediático y no tanto por el contenido real de las piezas. Tenemos –por ejemplo- los frescos de Van Gogh, que más de un siglo después son apreciados por su adaptación comercializable a la cultura pop y no tanto por el despliegue de colores y texturas que antes del pintor holandés jamás habían sido vistas; o las novelas de Agatha Christie, que se asentaron en el ideario occidental por la manera en que cimentó la narrativa del thriller hollywoodense; pero se pasa por alto su capacidad para sintetizar el clima social británico en personajes aparentemente intrascendentes. 

La música tiene sus propios referentes de este fenómeno, y en la época en la que el hype alrededor de un disco o canción genera juicios antes de que siquiera podamos escuchar el material, lo más importante de la experiencia sonora es su socialización, por encima de la repercusión emocional que podamos vivir gracias a él. Watch The Throne, el álbum colaborativo entre Jay-Z y Kanye West, ha sido una de las grandes víctimas de la premisa aquí planteada. Una producción que al paso de los años se ha erigido como el gran símbolo de una generación de raperos que dejó validarse por medio de la violencia y empezó a dialogar con un estilo de vida lejos de las calles; y de la que se omite la serie de contradicciones ideológicas y pasos en falso que llevaron a sus partes involucradas hacia un distanciamiento del que no se recuperarían por completo.

Made in America

Viajemos una década en el pasado: Kanye West se consolidaba como una de las mentes más revolucionarias de nuestra época gracias al éxito integral que tuvo su opera magna: My Beautiful Twisted Dark Fantasy; mientras que Jay-Z estaba hecho el bussiness man definitivo del Hip Hop. Con estos dos elementos en la ecuación, la idea de un disco conjunto resultaba más que seductora; y si a eso agregamos un presupuesto casi ilimitado, las expectativas apuntaban a una ejecución legendaria. 

Las sesiones de grabación sucedieron entre el segundo semestre del 2010 y el primero del 2011, paralelas a la posproducción de "Dark Fantasy" y que, de cierto modo, sirvieron como desahogo de este extenuante proceso. Originalmente concebido como un EP de cinco tracks, Jay-Z estableció como regla que ninguna idea debía llevarse a cabo sin la presencia del otro; es decir que, la única manera de exprimir al máximo el potencial de la alianza era si trabajaban bajo el método clásico: con ambos en el estudio, escribiendo y produciendo juntos, sin e-mails de por medio. Esta etapa inicial resultó muy prolífica porque concluyo en un número considerable de maquetas como para re plantear Watch The Throne y convertirlo en un proyecto de larga duración. 

La segunda etapa de su realización la vivieron en habitaciones de los hoteles más lujosos del mundo, información que cobra relevancia al ser el reflejo de una intención discursiva y estética: opulencia, hedonismo, alta cultura… ‘’Luxury Rap’’ como ellos mismos lo nombraron. 

¿Qué  significa ser afroamericano y millonario en pleno siglo XXI? ¿Se puede disfrutar del lifestyle europeo sin que esto represente una afrenta histórica contra la identidad negra?  Tanto Kanye como Jay-Z emprendieron este camino en el afán de responder ambas preguntas; y en el transcurso se vieron obligados a cuestionarse si su influencia no había alcanzado niveles nocivos para las generaciones venideras. 

No Church in the Wild

El primer desencuentro surgió cuando llegó el momento de definir el perfil instrumental de la placa: No I.D, productor y mentor de Kanye que en ese momento estaba a la cabeza del equipo de beats de Watch The Throne- consideraba que la colaboración de dos monstruos de ese tamaño era el contexto ideal para que regresar a los básicos y sacar canciones cargadas de samples clásicos de Jazz y Soul; propuesta que contrastaba con la etapa creativa de Ye, quien envuelto en el maximalismo, aspiraba a construir un álbum orquestal que mezclase secciones de viento monumentales con sintetizadores distorsionados al infinito. 

El segundo debate apareció al calendarizar la manera de promocionar el disco: Jay-Z deseaba que Watch The Throne saliera sorpresivamente y sin adelantos el once de septiembre, a diez años exactos de la tragedia de las Torres Gemelas; Kanye West y el equipo de publicistas consideraban que esto podía ser malinterpretado por la audiencia, y que debido a su fuerte carga política, primero debían probar con un single para medir la recepción. 

El zenit de la grabación también fue el momento más álgido de las discusiones entre Kanye y Jay-Z. Después de meses de trabajo, la pareja se dio cuenta de que estaban en puntos muy distintos de la vida y –por lo tanto- de lo que pretendían de Watch The Throne: uno más enfocado en el sonido del disco y el otro en que se convirtiera en el álbum representativo del afroamericano sofisticado que usa hi-fashion, toma Hennesy y colecciona arte renacentista bajo el argumento de que si él, un muchacho que creció entre balas y carencias logró eso, cualquiera puede.

Específicamente durante la masterización de "Murder To Excellence" Kanye llegó a la conclusión de que el álbum no debía ser banalizado entre tanto Chanel y Caravaggio; y que la manera de potenciar la crítica social al sistema hegemónico que obstaculiza a los afroamericanos era, curiosamente, el elemento aparentemente más superficial: la personalidad visual del álbum.

Con Virgil Abloh como director creativo, estableció lazos con Riccardo Tisci –entonces mente maestra detrás de la casa de moda Givenchy- para que se encargara de la portada; reclutó a Spike Jonze, director de Her, para que se encargara del video principal, y sumó a Es Devlin para que diseñara el escenario de la gira, inspirado en la bandera de los Estados Unidos y en los teatros tradicionales donde se presentaba Shakespeare

Why I Love You

A pesar de que el resultado final entregó un disco consistente cuando se lanzó el 8 de agosto de 2011, muchas de las mejores ideas que tenían Kanye West y Jay-Z fracasaron; y la herida de esos fracasos tardaría mucho en cicatrizar con todo y que, tanto el álbum como su respectivo tour, fueron éxitos comerciales rotundos. 

Eso sí, a Watch The Throne le sobran momentos memorables: la presentación en sociedad de Frank Ocean que, ante el mainstream, solo era el fetiche artístico de Beyonce; la manera en que "No Church In The Wild" y "New Day" se acercan a temas poco explorados como la labor política de la religión y el panorama del futuro en un mundo incierto; y por supuesto, el himno que es "Ni**as In Paris", un track icónico por su producción pero que en el subtexto rinde homenaje a una ciudad que históricamente recibe a los personajes más brillantes de la cultura afroamericana cuando se ven obligados a huir del racismo en Estados Unidos. 

Desde su publicación se ha especulado con que eventualmente habrá una secuela; incluso si consideramos que, Yeezus –la placa que Kanye West sacó dos años después- inicia discursiva y estéticamente donde se terminó Watch The Throne, sólo que con mayor rigor e inventiva que lo catapultarían por encima de este pieza colaborativa con Jay-Z

A la postre, la manera en que Kanye y Jay-Z se involucraron con la socialité de los Estados Unidos demostró el daño que puede generar el dinero y el poder para alguien que no dimensiona el alcance que pueden tener sus opiniones y por supuesto, sus acciones. De manera paradójica, ambos sucumbieron a eso contra lo que lucharon durante toda la arquitectura de Watch The Throne: la desconexión de la realidad.

"La inteligencia y la clase no son características que dependan del color de piel y eso quisimos demostrar con Watch The Throne".

-Jay Z

 

Central Heat Exchange estrena video para “Almost to You”

¿Realmente conocemos a las personas que están en nuestra vida?

El mes pasado, Central Heat Exchange debutó con el sencillo “Directly Down”. Con éste, conocimos a un supergrupo formado por integrantes de Living Hour, Varsity y Pool Holograph, con colaboraciones de miembros de Broken Social Scene. Ahora, la nueva banda nos deja conocer un adelanto de su álbum debut homónimo: se trata de “Almost to You”, un sencillo que expresa lo mejor de nuestra juventud.

“Almost to You” es otra muestra del sonido dulce y guitarrero que marca la música de Central Heat Exchange. El video musical, realizado por Virgo House, es una colección de imágenes de una tarde en el parque donde un grupo de jóvenes practica skateboarding, sin mayores preocupaciones que disfrutar la vida y hacer nuevos amigos. Dale play aquí.

Escribí esta canción en un momento en el que me sentía tan ansioso por conocer a mis amigos de internet tan bien como conocía a los de la vida real. Hay un peso que llega con la confianza de sentir que realmente puede haber una buena conexión entre dos personas: nos volvemos cercanos de muchas formas, pero seguimos siendo extraños en muchos aspectos. Durante esa transición surge la pregunta: ¿realmente conocemos a las personas que están en nuestra vida?’”, comenta Santiago Dietche, vocalista del grupo.

El álbum debut de Central Heat Exchange se estrenará el próximo 10 de septiembre vía Sunroom, Citrus City y Birthday Cake Media. Pre-ordenalo en este enlace.

 

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Mixo estrena “Agua” y “La Auto Confrontación Resulta en la Resurrección”

El compositor comparte dos extrapolados temas para disfrutar.

Ingeniero en audio, productor y multiinstrumentista, un experto en música, sonido, grabación, mezcla, composición: Rodrigo Galindo Gómez, mejor conocido como Mixo, presenta “Agua” y “La Auto Confrontación Resulta en la Resurrección”, una copla de singles que forman parte de su debut en este proyecto solista, con los que explora su lado multifacético y deconstruye los géneros a su manera. 

El primero es un tema instrumental que parte de la melancolía y aterriza sobre la paz; un single en colaboración con Pedro Galindo (batería), Juan Carlos Sardaneta (bajo) y Agustín Ayala (piano). 

La compuse en un momento de mucha tristeza y el resultado es un sonido que podría decir que es reconfortante, meditativo y alegre… justo lo contrario de lo que sentía cuando la hice, y creo que por eso es así, por que busca comunicar algo 'bonito'...” comparte el músico.

Mientras que el segundo es una aleación de progresivo y el hard rock como parte de una línea melódica central, con riffs acentuados y baterías poderosas; además de versos con guitarras acústicas arpegiadas y elementos percusivos del bolero. El resultado cuenta con la colaboración Galindo en la batería y la presencia multi instrumental y vocal de Mixo con el resto de los elementos. 

Esta canción recopila algunos pensamientos sobre el proceso de autoconocimiento de uno mismo, buscando en las partes más oscuras de nuestro interior, y confrontándolas para de alguna forma ser mejores personas”

El actual miembro de la banda Cascabel (guitarra, bajo, teclado y voz) y ex miembro, productor de The Broccolis y Cris & The Vibes, aún pretende liberar dos tracks adicionales para completar su debut, y posteriormente compartir su primer LP, en el actualmente trabaja. 

¡Sigue a Mixo en sus redes sociales! Y descubre más de estos proyectos en Indie Rocks!

Entrevista con Los Viejos

El punk como naturaleza de blast en doble tiro.

Tras casi año y medio de un pánico intermitente ocasionado por la reciente emergencia sanitaria el mundo allá afuera ya no es como lo recordábamos; desde la adaptación de las pequeñas dinámicas sociales entre amigos y familia al otro lado de la pantalla hasta los grandes cambios dentro del inconsciente colectivo que compartimos como sociedad. El avance en los distintos estados internos nos conduce inevitablemente a transformar la manera en la que nos relacionamos con nuestro entorno, la industria musical específicamente ha evolucionado para generar nuevas y distintas alternativas en pro de rescatar ese grado de conexión humana que creíamos perdida entre la falta de concierto. Espacios como las sesiones de Vans Channel 66 albergando a bandas como Margaritas Podridas, The Froys o Los Viejos, con quienes tuvimos la oportunidad de platicar, llenan de impulso a esta nueva marejada sonora nacida desde lo contemporáneo.

Los Viejos

Invitados por Román Tamayo de Vinnum Sabbathi y curador para Channel 666 (programa especializado en el heavy sound dentro del canal), el dúo formado por Leo Padua y Jordi Alacont, mejor conocidos como Eustaquio y Jacobo tras las máscaras, volvía a los escenarios – al menos de manera virtual – durante su presentación vía live streaming el pasado 26 de julio. Después de un largo tiempo alejados de los escenarios la banda retomaba condición contrastando los matices del concierto con el vibe general de lo presencial.

Era una probadita de lo que se extraña un montón que es tocar, claro que a la hora de los streamings es raro, hay algo que falta, esa interacción con el público. Sentimos que es como una simulación, desde la preparación es distinto, llegamos, tocamos, desconectamos y adiós, vas a lo que vas. Pero también empezamos a verlo con otra perspectiva porque de momento es lo que se puede hacer.”

Siguiendo esta línea de atenerse a las condiciones presentes la conversación tocaba uno de los puntos críticos dentro del desenvolvimiento de la música en la actualidad hablando sobre la inmediatez de la era tecnológica en la que vivimos, “Si no les pones algo en su cara se olvidan de que existes.” Si bien Los Viejos logró sumergirnos a un concepto mucho más alternativo mezclando recursos de posproducción en el Abduction Show a finales del año pasado la banda deja en claro que esta clase transmedia jamás podría sustituir el core del proyecto: “El pedo de la experiencia viva.”

El confinamiento también realineó las preferencias del dueto forzándoles a reconocer todo lo que el tourear como en años pasados había significado contrastándole con el panorama actual.

“Creo que los dos coincidimos en que justo ahora nos urge tocar, nos habíamos mantenido tocando, saliendo, viajamos un montón, siendo constantes, más que un respiro la pandemia nos hizo revalorar todo esto. Tampoco queremos tomar el primer show que nos avienten, queremos que para nosotros signifique algo chido, poder ofrecer algo de calidad, buen audio, buen espacio para la gente que nos quiera ir a ver.”

Los Viejos ha llegado incuestionablemente a un momento de soltura musical, el contar con un nivel técnico pulido, la experiencia dentro y fuera de estudio además de un concepto definido son las herramientas de las que se valen para retomar elementos de este amplio universo sonoro, augurando el estreno de un sencillo con miras a un nuevo EP.

Ya sabemos qué nos gusta, nos estamos dando la libertad de hacer música como venga, como se sienta chido. Ahora hay que disfrutar y usar nuestra experiencia sin estarnos preocupando por ser perfeccionistas, dejarnos ir más y que se disfrute.”

Los Viejos (01)

Y con esta perspectiva sobre el futuro de la banda pensar en su evolución parece igual de natural, manteniendo un sonido bien amarrado desde Quebrantahuesos (2012), pasando por Sociedad del Miedo (2016) hasta llegar al Green Screen de (2019). El cambio en la musicalidad raspada y blast beat se ha dado de manera enteramente natural dando paso a una experiencia inmensamente propia, “El resultado es un poco muy Viejos, bastante agresivo, bastante podrido pero suena bien cabrón”.

La dupla Eustaquio-Jacobo es hoy en día uno de los referentes dentro de la escena de punk nacional, manteniéndose fieles a sí mismos sabiendo encontrar un lugar dentro del hardcore sweet spot entre el público mexicano. “Toda esta historia recorrida ha sido una bola de amigos que ha crecido con la banda, hacer música chida y pasarla bien.”