Fotografo: Luis Omar González Pérez

Perfiles: Lucas Rossetto

Llevando la música más allá de las fronteras.

Te Vi en un Planetario es una de banda aún en construcción. De momento hay una canción en bandcamp y unas cuantas fotos en redes sociales, pero si tuvieron ya una primera exposición en grande, fueron el acto sorpresa de Cariño en el Foro Indie Rocks!. Ejercicios cómo este, para un acto que apenas inicia, son escasos, pero esa es la misión de Lucas Rossetto, fundador de El Brillante, agencia de representación y desarrollo, que ha probado que es posible construir puentes  de comunicación más allá de la escena local.

“La agencia nace a partir de que yo empiezo a trabajar como manager, empecé a hacer shows para diferentes bandas y me di cuenta que, no había alguien que se enfocara en la internalización de proyectos, sin importar de donde seas. La idea de El brillante es tener un roster amplio de bandas, que nos permita desarrollarlas no solo en sus propios países”.

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La historia de Lucas inicia (y continua) tras bambalinas, en el área de sonido para Él Mató a un Policía Motorizado, una banda que tuvo que trabajar durante varios años para posicionarse y hoy tiene un lugar en la escena latinoamericana. Esta experiencia le dejo muy en claro que la constancia, es solo una de las muchas características que un proyecto necesita para crecer y establecerse.

“(Él Mató) Hoy les está yendo bien, pero también es importante que la gente lo sepa, que hay mucho trabajo detrás de las bandas a las que les va bien, y hay muchos a los que no, pero todos modos seguimos avanzando, las bandas que funcionan lo hacen por que van creciendo, van tocando y cada vez van generando más público, creo que el crecimiento es equivalente al sacrificio de cada banda, que es lo que va dejando cada agrupación”.

Es así como la agencia ha logrado mover a bandas a diferentes países ya sea una gira por Costa Rica con Bestia Bebé o Las Ligas Menores por España. Hoy la sede principal se encuentra en nuestro país y con el se suman el talento de artistas como Axel Catalán, Carla Rivarola o Petite Amie, que prueban lo diverso que es el talento

“Lo que necesitas es hablar con la gente indicada, buscar artistas que tengan algo en común e intentar hacer una escena latinoamericana en la cual todos nos podamos sostener, porque a veces más que pensar en grande, tiene que ver con pensar en comunidad, y eso es lo más importante. Pues nosotros podemos generar una escena que sea más fuerte. No es de hacer crecer a mis bandas, si no que nos haga crecer a todos, es lo que hay que buscar.”

Dentro de la agencia hay un área en la que Lucas y su equipo se encargan de dar una guía más correcta a los artistas emergentes. Muchas de estas dudas son prácticas o fáciles de identificar pero que por lo mismo son continuamente las trabas principales para que un proyecto funcione o lo tenga más difícil.

“Muchas veces cuando las bandas no crecen pueden ser por varios factores, pero en su mayoría es por falta de trabajo, eso es fácil verlo; Si tienes un lanzamiento y tus números quedan igual y contrataste prensa e hiciste campaña. Te diría que igual no está funcionando. Hay cosas que son fáciles de identificar, por una cuestión del trabajo que se le da, o de cómo vas viendo que va creciendo, todas las agencias tenemos alianzas de diferentes tipos, con diferentes personas, que un poco nos aseguran ese crecimiento mínimo, yo creo que lo más importante siempre que estás en una agencia o con personas es que sabes que les gusta tu trabajo.

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El Brillante tiene por objetivo continuar trabajando en pro de construir puentes de comunicación, que si bien son más fáciles con los medios de comunicación actual, es un trabajo que implicar estar atento a lo que sucede en casa escena local, captar el talento y a partir de ahí todo un trabajo y estrategia que siempre será para mejor, en equipo.

“Yo creo que lo importante es ver si te identificas en una escena o no, creo que las cosas nunca suceden solas, ya sea un artista o banda, muchas veces cuando miras una agrupación piensas que solo es eso, y atrás de esa banda siempre hay amigos que están haciendo cosas, siempre hay gente favoreciendo a que a la banda le vaya mejor,  y eso para mí es la escena, que haya proyectos a los que no les va muy bien por qué no intentan involucrarse con otras personas, y tal vez eso es un poco un error, o muchas veces proyectos que no crecen por que quieren estar con la misma gente".

 

Pedropiedra en el Foro Indie Rocks!

Con canciones de sus cinco álbumes de estudio, el cantante chileno complació a sus fans mexicanos con un set largo y variado.

Siempre será un buen augurio que la fila para un concierto esté formada horas antes de que este inicie. Para el de Pedropiedra los fans que estaban en el inicio de la fila llegaron desde antes de las 19:00 H aunque el cartel del concierto anunciaba que este iniciaría dos horas después. No solo esperaron esas dos horas para ingresar al inmueble, ya adentro tuvieron que esperar otra hora y media antes de que el show comenzara, eso puede ofrecer una idea de cuánto cariño le tiene México a Pedropiedra

Después de tanto esperar y de una rechifla continua, media hora antes de las 23:00 H, Pedropiedra salió solo, sin banda de acompañamiento. En este formato solitario solo utilizó la pista de sus dos primeras canciones, "Sueños Por Cumplir""Aló!", y se convirtió en un showman que jugó con su voz y el ánimo del público que lo cobijó desde el primer momento que pisó el escenario.

Después de estos dos temas, se subieron los músicos que lo acompañarían, de entre los que destacaba la presencia de Mauricio Durán, de Los Bunkers, en la guitarra eléctrica. Ya en el formato full bandPedropiedra tocó "Pasajero", "La Balada de J. González""Lluvia Sobre El Mar""Para Ti". Con esto algo quedaba muy claro, este concierto no sería exclusivamente para presentar su más reciente material Aló!, sino que sería un recorrido por todos sus discos.

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Después de interpretar "Occidental", el chileno sorprendió a todos en el Foro Indie Rocks!, ya que tocó por primera vez en vivo su nueva canción "Sonámbulo". Personalmente lo veía poco probable porque este sencillo salió horas antes del concierto. De regreso al formato solitario, Pedropiedra tomó su guitarra y ofreció versiones acústicas de "Sol Mayor" y "Rayito/Olita", a lo que el público respondió de muy buena manera ayudando al cantante con los coros de estas canciones.

Los músicos volvieron a tomar sus puestos porque era hora de hacer brincar a todo mundo con dos temas que la gente ya tenía rato pidiendo: "Hipnotizada" (sin Álvaro Henríquez) y "Vacaciones En El Más Allá", con la cual todo el piso vibró debido a que no hubo una sola persona que no brincara y bailara durante los más de cuatro minutos que duró la canción, que no cabe duda que es de las más queridas del repertorio de Pedropiedra.

Antes de el encorePedro tocó la siempre tierna e inocente "Amar En Silencio", después bajó del escenario y la gente empezó a corear "Oe oe oe oe, Pedro, Pedro" a la vez que aplaudía para seguir el ritmo de los gritos. Pedropiedra regresó al escenario una vez más en solitario con su guitarra para hacer estallar al público con dos de sus temas más populares, "Las Niñas Quieren..." "Luna Luna". Cuando todos pensaban que el concierto había terminado, el chileno sabía que no podía irse sin tocar el éxito que le abrió las puertas internacionalmente, así que le regaló "Inteligencia Dormida", con banda completa, a todos sus fans mexicanos que no tuvieron nada que recriminarle por tan exquisito setlist.

Con las entradas agotadas, con el Foro Indie Rocks! a tope y con un ambiente inmejorable, Pedropiedra se puede ir tranquilo porque quedó mas que claro que en México siempre será recibido calurosamente por su público que le sigue fielmente desde hace más de 12 años.

Nacho Vegas en el Foro Indie Rocks!

Un concierto íntimo que fue el deleite de los fans.

Una vez, hace muchos años, puse a Nacho Vegas a todo volumen. Mi hermana estaba por ahí y me dijo: “¿Qué haces escuchando a un viejito?”. Después ella era la que no paraba de escucharlo pero, una cosa es cierta. Desde hace mucho tiempo que el cantante asturiano parece un alma vieja. No sólo en la voz tan particular, sino en la manera de componer, aunque hubo un tiempo en que eso no fue del todo así…

Durante los 90, Nacho Vegas estuvo en dos bandas que buscaban distanciarse de lo que tradicionalmente era el sonido español. La Movida Madrileña había llegado para quedarse y, muchos de los nuevos artistas iberoamericanos querían encajar en esa manera de hacer música. Algo lúdico, kinético y que le hablara a la juventud. No obstante, también hubo una ola que volteaba hacia otros estilos, a nuevos horizontes.

Nacho tocó en Eliminator Jr. y Manta Ray. Los primeros, tenían un estilo que recordaba a las bandas indies norteamericanas, con Dinosaur Jr. como obvia referencia y mucha distorsión en las cuerdas. Los segundos estaban más abiertos a la experimentación. Con tonalidades más oscuras, a veces lúgubres. Ambas bandas formaron parte de lo que se denominó como el Xixón Sound, que, al igual que su símil el Donosti Sound, podía tener bandas que se alejaban en géneros pero que compartían geografía. Lo que podemos afirmar, es que Nacho quería explorar y experimentar en carne propia la manera en la que podía hacer música. En 1999 decidió emprender la carrera en solitario y, ahora en el 2021, es capaz de tener a cientos de personas cantando las palabras que con maestría escribe.

El Foro Indie Rocks! es uno de los mejores espacios para sentir intimidad con un artista. Se borran los límites naturales que por distancias, vallas, aforo y demás, se fabrican en otros recintos. Un lugar ideal para un show en el que Nacho se acompañó sólo de su guitarra. Hacía tiempo que no se presentaba un show en tales condiciones. Por allá del 2012, cuando fue la gira de La zona sucia en El Plaza Condesa, también hubo condiciones similares. A partir de ahí, su figura empezó a crecer y crecer hasta tener conciertos multitudinarios, en donde se acompaña de grandes músicos que cohesionan un show potente. No obstante, hay algo de magia cuando se está tan en confianza.

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Nacho Vegas es uno de esos artistas que obsesionan. De los que muchas voces llaman de culto. Lo es porque las personas que lo escuchan lo guardan con recelo y, cuando hay que demostrar fanatismo, lo hacen sin dudarlo. Es por eso que cuando sonaron temas como “Brujita”, La Gran Broma Final”, los puños se materializaron con la pasión de quien quiere dejar bien en claro que se sabe una canción, las voces se elevaron y aquellos fans incondicionales cantaron las palabras que decía Nacho.

Algunas palabras se intercambiaban entre canciones. Relatos de viajes y la promesa de que pronto volvería a nuestro país fue bien recibida entre el público. Varios pedían silencio para no perderse ni un susurro de a quién iban a ver. Eso despierta el español, a veces pareciera que cada palabra que dice está bien medida para dejar en claro una posición. Con el tiempo, Nacho ha dejado de lado aquellas canciones de relaciones tormentosas o de perdedores y ha querido alzar la voz con temas sociales. Quiere dejar en claro que tiene un mensaje relevante y actual para compartir.

Un pequeño encore y el regreso. Tocaba el turno de una de las mejores reversiones que se han hecho. Algo que sucede con muchos artistas es que, cuando hacen un cover, no le imprimen un valor añadido. Se limitan a tocar la canción tal y como suena la original. Una de las más grandes virtudes de Nacho Vegas es que le da una nueva vida a temas como “Ciudad Vampira” (reversión a Daniel Johnston) o a la que cerraría la noche: “Que te vaya bien, miss Carrusel”. Original de Townes Van Zandt con el título de “Fare Thee Well, Miss Carousel”, Nacho es capaz de relatar una historia adaptada, una personaje que hace propio y que condensa bien su personalidad como autor.

Una pequeña despedida y Nacho, el del alma vieja pero más vigente que nunca, se retiró entre fotos, estrechadas de mano y abrazos de un país que lo siente como propio.

Entrevista con Nacho Vegas

Cuando el corazón y la mente tienen algo que decir.

Han pasado ya dos décadas desde que Nacho Vegas llegó al mundo de la música y la misión persiste: Lo del músico es la expresión de la palabra hasta sus últimas consecuencias, siempre manteniéndose fiel a sí mismo durante el proceso y convirtiéndolo en algo universal al final de la jornada. Su próxima prosa musical “Mundos Inamovibles Derramándose”, la excusa perfecta para pisar nuestro país con una gira que lo devuelve a un formato más acústico e íntimo con su público, uno que siempre está listo para escuchar lo que tiene que decir.

Probablemente estemos en un punto de lo más jodido y todo tenga que estallar de alguna vez, precisamente por eso quería titular al disco de esta manera, por que creo que estamos en un momento de inmovilismo feroz, si es que tiene un poco de sentido la paradoja, pero que necesitamos derrumbar para volver a reconstruir las cosas”.

 

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El disco continuo con la carga emocional que Vegas tiene en sus letras, compuestas en su mayoría durante el encierro, pero también navega en la balanza de lo político, formando melodías de corte épico que sin embargo mantienen al músico en primera persona, él, las canciones y su mensaje por delante siempre.

La mayoría parten de momentos bastante duros, con sentimientos encontrados muchas veces, momentos incluso muy dolorosos… Vivimos en un momento en el que parece que el capitalismo ha llegado a un estadio,  en el que también hay lo que define el ensayista Alberto Santamaria ,el capitalismo afectivo, cómo que intentan ya con todos estos discursos motivacionales, controlar nuestras emociones y parece que siempre tenemos que estar contentos o satisfechos aunque nos esté jodiendo la vida”.

Que nadie se confunda en este nuevo trabajo hay espacio constante para la esperanza. El primer sencillo “La Flor de la manzana” es un canto a  los de “arriba” para voltear a ver a los que nadie desea observar. Mientras que en “El Don De La Ternura” la canción mantiene este sentimiento como un arma ante un mundo exterior más perverso. Este simple pero notorio contraste es una vez más otro de las cartas bajo la manga del autor, que en épocas recientes se han mostrado más político, pero es la música el vehículo de expresión que más comodidad le trae en un mundo donde las redes sociales se han convertido en todo, menos en la utopía de libertad de expresión.

10 años después, las redes sociales se han convertido en un lodazal, en el que no hay un lugar para un debate sano porque cualquier discurso que nazca se polariza, uno no puede matizar nada porque no dan lugar las redes a eso y además lo ha aprovechado mucho la ultra derecha para colarse ahí y lanzar sus mensajes de odio, racistas, homófobos y su aversión absoluta”.

Es así como este nuevo disco goza de esa dualidad en dónde el cantante tiene espacio para navegar entre canciones con más arreglos y temas de corte más minimalista; letras altamente políticas y otras que manejan sentimientos más personales.

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Los que llevamos un tiempo así en esto, y por lo menos podemos seguir teniendo los pies en la tierra por no haber conseguido esa 'popularidad' que es algo que de verdad agradezco. Ni soy millonario y puedo por lo menos coger el autobús, y creo que eso es necesario para escribir canciones desde cierta humildad".

El cantante que sin ningún problema afirma tener una conciencia anti capitalista, tiene claro que no puede sustraerse de ese sistema, pero  si tiene las armas no para cambiar el mundo (aunque sus fans consideren lo contrario”, pero si para generar más preguntas, a veces mucho más funcionales que las propias respuestas cuando de cambiar se trata.

En España la vemos como una derecha muy envalentonada, enarbolando la bandera de la batalla cultural, también lo veo en Latinoamérica… obviamente nos han quitado mucho, y por eso tenemos que recuperarlo, está en nuestras manos y creo que las canciones pueden ser un arma, no de transformación pero si de remover entrañas, de remover corazones y conciencias y eso es importante”.

 

Entrevista con Jehnny Beth

Provocando un golpe de realidad.

Camille Berthomier recuerda poco acerca de la primera vez que se sentó a grabar en forma su voz: fue como parte de una petición de su hermana para interpretar el tema final de un cortometraje suyo. Un poco resfriada y con tragos de más la canción salió, pero aún debajo de todas las posibles imperfecciones había algo, ella lo sabía y aunque a la fecha no recuerde mucho, ese fue el comienzo de su carrera. Hoy lleva el nombre de Jehnny Beth y cuando no está rompiendo paradigmas con su banda Savages, se encuentra en solitario presentando su música, su siguiente para fue el Corona Capital 2021 y la excusa perfecta para hablarnos de lo que se puede esperar de ella en su regreso a los escenarios.

Trato de no anticiparme demasiado a nada, trato de permanecer en el presente, así que lo que podemos esperar de un show es reconectarnos con el ahora; porque hemos estado tan preocupados por el futuro, que siento que el show será un golpe de regreso al presente, algo directo a tu cara, y creo que lo necesitamos, nuestras mentes, cuerpos lo necesitan”.

Para la cantante ser músico es su pasión, pero esta consiente de que esta tiene que estar, siempre acompañada de compromiso y de un constate recordatorio de resistencia, pues vivir  del arte es algo muy difícil pero no imposible. Algo que desde que inicio con el dúo John And Jehn tenía muy claro: todo era una escuela y había que absorber todo el conocimiento posible.

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“La relación con mi voz no fue sencilla al principio, aprendí a cantar, a través de estándares de jazz en inglés, y tenía una voz muy bajita. Cuando crecí y llegué a mis años de adolescencia, fue más problemático por que no podía cantar enfrente de la gente, siempre me paralizaba. Así que, cuando conocí a Johnny Hostile las cosas cambiaron. Él me enseñó como usar su estudio de grabación, me enseñó a grabarme a mí misma y cómo usar mi voz como un instrumento para hacerla más juguetona de una manera creativa.”

Las cosas han cambiado, Savages es una de las bandas de formación femenina con más cobijo por la audiencia y la crítica, Jehnny ha entendido su papel en el escenario y como es importante la manera en la que comunicas tu mensaje. Un proceso que ahora ya le toma más tiempo que la propia música, encontrar las palabras perfectas.

Las letras es lo primero que hago cuando pienso en un disco, inicio con palabras, con lo que quiero decir, me pregunto qué quiero decir, podría decirse que es como si fuera una rapera (risas) escribo cientos de páginas, tratando de ver que es lo que quiero decir. Por qué no creo que debas hacer un disco a menos que tengas algo que decir.”

 

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Así es como las temáticas de Beth navegan siempre en temas que en apariencia son personales pero que al final del día, representan el sentir de la sociedad. Ya sea la desconexión humana, el desamor, descontento social o la adicción a la tecnología, ella ha logrado balancear siempre su temática con letras que invitan en su mayoría a debatir, algo que para la cantante se está perdiendo.

Yo creo que la base de la democracia es la paz, y para llegar a eso es necesario debatir, tener la oportunidad de que personas que no concuerdan con sus ideas puedan encontrarse y hablar. Eso es lo que conforma a la democracia, tener la habilidad de juntar a las personas que piensan diferente y debatir. Creo que la tecnología está transformando esto y es ciertamente un poco peligroso, y si alguna responsabilidad tiene el arte es la de romper esas burbujas, si es que eso es posible, aunque cada vez es más difícil".

En la actualidad Jehnny se encuentra preparando material pues en sus palabras tiene “algo” que decir, además de participar en un par de películas (una de ellas ya grabada) y una gira para inicio s de año al lado de Idles, lo importante para la compositora es no detenerse, seguir hasta encontrar eso que te hace feliz.

Creo que es más sobre lo que para ti represente el éxito por que en mi caso no me defino como una artista popular o altamente exitosa. Por eso creo que si tienes la oportunidad de vivir de ello, ya es en si mismo un triunfo, ya sea con una gran o pequeña audiencia. Pero para el resto que apenas empiezan, bueno ‘no se rindan’, si lo haces simplemente no va a suceder. Aquellos que pueden vivir de esto, son los que no se dieron por vencidos, simplemente no creo que exista otra manera”.

 

 

 

 

 

Hipnosis 2021: La Femme + Build a Vista en el Foro Indie Rocks!

“Aquí hay fuego”, soltaba Sacha Got con amor para el concierto.

El cine negro de los años 40 vio nacer a uno de los arquetipos más ampliamente replicados a lo largo de la cultura pop, impulsado en sus raíces por la búsqueda de libertad apasionada a la que todos nos sentimos terriblemente atraídos; la femme fatale. Hoy en día, el tropo ha logrado resignificarse para ir más allá de una etiqueta de lo femenino y convertirse en un estandarte de intensidad sensorial, expresividad e impulso cardíaco, retratado fielmente en noches como la que nos regaló La Femme, en compañía de Build a Vista, a los adentros de la joya de la Roma Norte.

El cortejo daba inicio con un sampleo sintético de voz presagiando el primer rasgueo a cargo de los capitalinos, volviendo de “Lying Lips” la mirada introductoria al trance de psicodelia y seducción a filo de bajo, teclado, guitarra y batería. El setlist avanzaría enmarcado deliciosamente por el cambio en la instrumentación en manos de Pablo Olea, resaltando los chispazos de cajas de ritmo y cascabeles cortesía del baterista Julián Bayod.

Tras poco más de tres cortes y el respiro constante brindado por los fragmentos de monólogo a través del PA, Build a Vista dejaba caer sobre los asistentes la celebrada “Close to the Edge”, plantando un beso en la comisura sonora de nuestras sensibilidades sin reparar en el estremecer de los escuchas.

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El incendio sensitivo continuaría escalando con el tronar del groove desértico entregado por el cuarteto, llevándonos al punto más intenso del acto abridor con “Tu Voz”, volando cabezas en un blast de sonoridades ultragarage hacia el final de la presentación.

Así y tras cruzar miradas de manera intermitente sería La Femme, vestidos en los ya icónicos trajes blancos, quien se lanzaría contra nosotros al grito de “Nouvelle-Orléans”, seguida de una ráfaga de melodías cálidas de la mano de “Cool Colorado”, “Où va le monde” y “Va”. Llegado este punto toda intención era clara, en el sentir, en el bailar, en cada gramo de nuestro ser; préndenos fuego femme.

El estallido arrancaría las paredes del venue de la mano de “Foutre le bordel” y “Sur la planche 2013”, convirtiendo al público en un arrebato sonoro de danza, slam y gritos a merced de los franceses, quienes habían entregado al frontman y tecladista Marlon Magnée como tributo al crowdsurfing entre las palmas de los asistentes.

Existen pocas bandas con una presencia suficientemente imponente como para rendir, a base de carisma y belleza armónica, la multitud que se le ponga en frente. Aún menos las bandas con la autoconsciencia suficiente de este espíritu como para hacer atracciones dionisíacas de la cautividad. La Femme lo tiene todo, se muerde los labios y explota sensiblemente oído, cráneo y corazón.

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A partir de ahí el concierto oscilaría entre flamazos de influencias intercontinentales como “Le Jardin” o “Pasadena” terminando en la combustión de frenesí espontáneo de la mano de “Antitaxi”, dejando correr el encore a cargo de “Paris 2012” y “Tatiana”.

Como si más de dos horas rindiendo culto al sacro ruido no hubieran bastado, la última estocada la daría el Teatro Lúcido, presentando, en un capricho de teatralidad y performance, uno de los más fervientes riesgos corridos por organizadores de conciertos. El diálogo poético Ojos de perro verdes nos regalaría un salvaje recorrido por la sensualidad humana, tronidos de látigo, simbolismos marinos, acrobacias, luminiscencia y un duelo de espadas sellado con la muerte entre los labios, con una atmósfera sonora dejada a la voluntad inconfundible de La Femme.

Mula y Pahua en el Foro Indie Rocks!

La fiesta termina hasta el amanecer...

Tras una semana intensa, tu cuerpo empieza a pedir a gritos que lo rescates. Tienes dos opciones. La primera consiste en ceder a la necesidad de reponer las horas de sueño, descansar y apapacharte. La segunda simplemente te exige un poco de diversión y traqueteo. Decidir entre una u otra es complejo y en esta ocasión yo decidí inclinarme por la segunda; una decisión atrevida pero que culminó en una anécdota musicalizada por el proyecto dominicano: Mula.

El ambiente de este viernes en el Foro Indie Rocks! se sentía ligeramente tranquilo. Cerca de las 19:00 H comenzaron a llegar los primeros asistentes que no hicieron más que convivir para hacer la espera más amena. Un par de horas más tarde el bullicio se hizo presente dentro del recinto y es que la cantante mexicana, Pahua, subió al escenario para hechizar a los presentes con su proyecto influenciado en la relación de la mujer con la naturaleza y la energía cósmica. En este primer encuentro musical -y el primero bajo este proyecto- resonaron algunos de los temas de su EP Ofrenda, así como sus más recientes sencillos "La Cura", "La Trampa" y por supuesto "El Traketeo". Bajo el sonido de estas melodías el público comenzó a ceder para poder moverse en sintonía.

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La presentación de Pahua duró poco, pero eso no impidió que el entusiasmo del público bajara, al contrario, todos sabían que en cuestión de minutos proseguirían esta danza tropical de "música electrónica del Caribe". Mula arribó al escenario en poco tiempo. Las luces se apagaron y las hermanas Cristabel y Anabel Acevedo y Rachel Rojas sorprendieron con sus ya característicos atuendos futuristas.

El intro de "Agua Que Quema" resonó y todos empezaron a corear la melodía al unísono. La energía que se sentía en ese momento fue clave para motivar el encuentro más sensual y candente de octubre. Las rolas corrieron y se escucharon éxitos como "Sirena", "Diamantes", "Nunca Paran", "Quiero Que Tú Me Quieras", "En el Aire", entre otros de los temas que componen a su último álbum de estudio Mundos (2020), incluso la banda dedicó a todas las mujeres "Ella Sabe". Desde el primer segundo nos dimos cuenta de que el Foro Indie Rocks! se había convertido en una gran pista de baile.

La noche corrió a una velocidad sorprendente. En un abrir y cerrar de ojos ya estaba culminando este encuentro empapado de bochornos y bailes sensuales. Fue sorprendente el ver cómo las hermanas Acevedo y Rachel se apoderaron de este escenario y cautivaron al público con su energía. Entre electrónica, música del caribe y sonidos urbanos, cerró esta magnífica fiesta que devolvió al cuerpo aquello que ya daba por perdido. Una primera presentación después de pandemia: gratificante y electrizante.

Parquet Courts estrenó “Just Shadows” en Xochimilco

En medio de los canales de Xochimilco sonó el nuevo sencillo.

Una travesía a las chinampas de flores: Xochimilco, puede ser el plan ideal para un fin de semana con tus amigos y/o familia. Es probable que tus planes en ese lugar sean pasar un rato agradable cantando y conviviendo en una colorida trajinera, pero la vida a veces da giros y con estos, sorpresas. El sábado pasado el sur de la CDMX nos recibió con su clima otoñal y su olor a cempasúchil para escuchar de una manera muy particular el nuevo sencillo de la agrupación neoyorquina, Parquet Courts.

Hace algunas semanas el cuarteto anunció la llegada de Sympathy for Life, su nuevo álbum de estudio que prevé llegar este 22 de octubre a través de Rough Trade Records. El lanzamiento del álbum ha generado gran interés por su audiencia y por ello, dentro de los planes de promoción, se decidió presentar uno de los temas, "Just Shadows", con una divertida activación desde México.

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Cerca del medio día, tres trajineras personalizadas con un arreglo floral súper cuidado con el nombre de Parquet Courts, partieron del embarcadero de Nativitas. Los fanáticos de la agrupación se encontraban muy emocionados por la experiencia. Pasados unos 15 minutos, un pequeño bote con 7 mariachis apareció junto a las trajineras principales y subió a bordo y así empezaron a sonar los primeros acordes de la nueva melodía. Lo que escuchábamos en el momento se apreciaba con un tintineo sutil pero dinámico, que indicaba que posiblemente, la versión de estudio estuviera compuesta por riffs constantes y enérgicos.

Los músicos interpretaron el extracto principal de la canción durante todo el recorrido, sin dejar de complacer a los fans con algunas melodías clásicas de mariachi. De regreso, se tuvo la oportunidad de escuchar la pista que vendrá en el álbum y fascinó entre los presentes, la similitud que existe entre ambas versiones. Será el 22 de octubre cuando se pueda oír completa esta melodía que mantiene un fuerte y constante apoyo por parte de la batería y que entre sus ondas, desprende cierta magnitud hipnótica, que a diferencia de la presentada ese día en las trajineras, se apoya por la magia de Xochimilco y su fuerza folclórica.

El final del recorrido llegó pronto y sin imprevistos. La aventura de llegar a un lugar tan concurrido con un objetivo distinto al de cada uno sumó puntos a esta activación que nos dejó con "Just Shadows" en la cabeza todo el día.