El Universo estrena su EP 'Live Bootleg'

Se trata de una sesión en vivo con temas como "Monkeys & Apes" y "La Pausa Del Mundo".

El Universo nos acaba de regalar una razón para iniciar con todo el fin de semana con el lanzamiento de Live Bootleg, el nuevo EP en vivo de la banda. Siempre la música en vivo tendrá un extra que las versiones de estudio no nos pueden dar. Tal vez sea que cuando escuchas un live album la música se siente más humana y menos robótica que en los discos, también puede ser que la música en vivo conecta más fuerte y mejor que su contraparte grabada en el estudio. Sea como sea.

 

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Para quienes hayan estado en un show de esta agrupación, sabrán que es toda una gozadera escuchar a El Universo en vivo porque cada miembro que se para en el escenario lo entrega todo de sí mismo para dejar satisfecho al público. Bueno, Live Bootleg tiene ese aura envolvente que te hace mover la cabeza involuntariamente. La selección de canciones que hizo El Universo es por demás acertada y el no cortar una canción antes de que inicie la que sigue, hace que no te despegues ni un segundo los audífonos de los oídos.

 

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Recuerda que El Universo se presentara el 24 de marzo en Salón No junto a Coqueta y lo mejor es que disfrutar de estos dos conciertos te costará solo $100 pesos. En lo que ese día llega, date un buen trip con Live Bootleg:

Escucha "Hola impostora", lo nuevo de Francisca Valenzuela

El síndrome del impostor en su máxima expresión.

Luego de rendir tributo a Selena Quintanilla con la canción "Como la Flor", la cantante Francisca Valenzuela sigue  “abriendo el naipe" de sus composiciones y esta vez nos presentó "Hola impostora", su más reciente sencillo que nos hará ver al enemigo que llevamos dentro.

Entre sintetizadores y percusiones, el tema nos muestra la inseguridad que día a día viven las personas con síndrome del impostor; aquellos que no se sienten merecedores de sus triunfos, cuando en realidad valen más de lo que tienen.

Junto con un video musical dirigido por Camila Grandi, "Hola Impostora" nos ilustra a la artista completamente sola en un gran espacio vacío, donde su voz, colores y la propuesta artística que nos presenta, nos hace empatizar con el mensaje de la canción.

Es una canción sobre el síndrome del impostor. La escribí porque a veces me siento frustrada y cansada de escuchar esa voz adentro de mí que me dice, '¡no eres suficiente, eres un fraude, no mereces nada!' Quería gritarle '¡Cállate ya!” a esa voz... A ese sentimiento de impostora', explicó la artista en comunicado de prensa.

Está dicotomía musical  ya están disponibles en todas las plataformas digitales. Asimismo, Francisca Valenzuela se apronta a seguir con una serie de conciertos programados en el extranjero y a lanzar su nuevo álbum de estudio durante este 2022.

Build a Vista comparte su sencillo "Melodías Nublados"

Tu amor secreto ¿Realmente es secreto?

Todos en algún momento hemos sentido tal fascinación por una persona que se convierte en un amor común que solo habita dentro de nuestra cabeza. ¿Qué nos impide llevarlo a la realidad? Quizá son muchos los factores que se interponen. Ese secreto vive dentro de uno como una curiosidad cercana sobre todo hacia lo que podría ser. Como parte de su próxima producción discográfica, Los Días Que No Existen, Build a Vista nos acerca a este sentimiento a través de una hipnótica y contemplativa melodía titulada "Melodías Nublados".

Lo nuevo de la agrupación mexicana llega vía Discos Hipnosis para ofrecer un toque de dark psicodelia que se suaviza a través de los espacios que el mismo cuarteto ofrece durante su reproducción. Una pista que se mantiene atada a la repetición de un sintetizador y una batería que despide la secuencia de ese amor platónico.

Te compartimos a continuación la canción y el videoclip que le acompaña, dirigido por Lakshmi Picazo. ¡Sumérgete entre su misterio!

"Melodías Nublados" continúa a la publicación de "No Sé Ni Quién Soy", temas que serán incluidos en Los Días Que No Existen, LP que llegará este año vía Discos Hipnosis. Para Build a Vista, esta producción representa una etapa denominada "El retiro Taxqueño"; un encuentro que tomó lugar en Taxco, Guerrero, entre el 2019 y el 2020; todo lo vivido en ese estudio improvisado se reflejará en cada pista, en cada sonido.

¡No dejes de seguirle la pista a Build a Vista!

"Mundo en extinción" una colaboración de Rubén Albarrán y Ramón Amezcua

El primer adelanto de un proyecto musical transfronterizo

El compositor de música electrónica Ramón Amezcua, también conocido como “Bostich”, regresa con una nueva canción de música experimental que lleva el nombre “Mundo en Extinción”, una colaboración con el vocalista de Café Tacvba, Rubén Albarrán.

Este sencillo pertenece al ambicioso proyecto del laboratorio de experimentación musical Golden Hornet, en MXTX: A Cross-Border Exchange (2022), el cual promueve la igualdad con trece canciones y que cuenta con colaboraciones de artistas tanto del Rio Grande, como del Rio Bravo; generando una comunidad conformada por distintos géneros musicales, pero con el mismo mensaje de que la belleza y el poder de la música supera cualquier división entre las personas o lugares.

Mundo en Extincion_ Ramón Amezcua

El álbum que contiene diversas colaboraciones y que busca transmitir la importancia de compartir e intercambiar la cultura dentro de la música se empezó a trabajar en el 2016, iniciando con el sencillo de Ramón Amezcua y Rubén Albarrán.

El track se compone de grooves psicodélicos, elementos electrónicos y una letra a cargo de  Albarrán  en la que describe, cual chamán, cuál es el futuro que le espera a la humanidad, si no actúa de inmediato para cambiar su accionar.

Para “Bostich” la voz de Rubén Albarrán en conjunto con  todos los sonidos y las atmósferas que se crearon electrónicamente ,además de  las partes orquestales y acústicas, crean un resultado único y especial, que es la puerta de entrada a este proyecto, que te dejamos a continuación:

Adiós Amores, el sonido psicodélico de la melancolía

Entra en un viaje que te llevará a través de la psicodelia con toque españoles.

Lo que comienza como un juego derivado de una pasión por algo, puede terminar dando frutos impensables que pueden sorprender a cualquiera y cuando el talento está presente, es imposible detener el proceso creativo que busca expresarse a través del arte. Esto fue lo que le sucedió a Ana Valladares y a Ima Amar, un dúo andaluz que, mientras una se encontraba en Sevilla y la otra en Granada, le dieron vida a Adiós Amores.

Conocidas de años, pero después de coincidir en Sevilla, y hablando de sus gustos y proyectos, comenzaron a compartir ideas musicales, lo que poco a poco fue desarrollando conceptos de las que ahora son sus primeras canciones como una banda consolidada. Siguiendo la influencia de diversos artistas, pertenecientes a diferentes épocas, como France Gall y su trabajo en los 80, Jeanette y su repercusión en la música española de los 70, el pop ye-ye de Françoise Hardy, entre otros, las artistas andaluzas pudieron crear un sonido metamórfico, psicodélico misterioso.

Adios Amores_2022(2)

En el año de 2020 salen a la luz sus primeros sencillos “Charlotte”, “La Fuente” y “Mentira”, tracks que nos presentan la fusión de sonidos psicodélicos con texturas españolas, muy distintos entre sí, pero que mantiene una unidad dentro de la experimentación y la búsqueda del dúo por un estilo propio y único. El año de 2021 fue igual de productivo para ellas con otros tres sencillos lanzados “Doce Navajas, “Luna Plateada” y “Tu Diana” que han terminado de consolidar el sonido psicodélico que ahora las caracteriza. Su último lanzamiento es el sencillo “Sol de ayer”, en el cual podemos escuchar la versión más melosa y romántica del dúo, pero que mantiene la línea mostrada en el trabajo de 2021.

https://youtu.be/PPSximhqxvs

Con apenas tres años de trayectoria, Adiós Amores nos presenta una propuesta muy interesante, con una paleta de sonidos diversos, pero que en conjunto presentan una propuesta fresca, que agrega un nombre más a la lista de proyectos españoles a seguir. Listas para seguir creciendo y con una gira en puerta Adiós Amores demuestra su capacidad musical y en Indie Rocks! esperamos más noticias sobre ellas.

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The Weather Station — How Is It That I Should Look At The Stars

Lo público y lo íntimo.

How Is It That I Should Look At The Stars es el nuevo álbum de The Weather Station. Creada por Tamara Linderman, conformada por Ben Whileley en el bajo, Will Kidman en la guitarra eléctrica y teclados, y Ian Kehoe en la batería, se trata de  una banda que toma su nombre de una película muda de 1923. Su música está llena  de experimentación y de Folk .

Con este álbum regresamos a escuchar a este conjunto, que empezó creando música sobre la tristeza. Pero que hoy nos sorprende con una recopilación de canciones grabadas en vivo durante tres días. Incluso Tamara, ha llegado a decir que fue casi una improvisación.

Es verdad que desde la primera canción “Marsh” sentimos una cercanía con la banda, como sí estuvieran en nuestro cuarto tocando un show privado. Eso hace que desde la primera nota sintamos la intimidad y sensibilidad con la cual fue compuesta.                              Hago mención a esto porque Lindeman, tenía miedo de compartir con el mundo estas canciones. Pero comentó que se dio cuenta de lo bien escritas que estaban y por eso nació este álbum.

Una vez conociendo un poco los antecedentes, considero que este disco es el lado B de Ignorance (2021) el álbum posterior de The Weather Station. Estos dos fueron escritos al mismo tiempo. Incluso las portadas son bastante similares, en ellas podemos ver a Tamara Linderman con un fondo de arboles y sus sombras, en lo que parece ser un bosque.

Desde aquí empieza la historia cantada por  Tamara, la protagonista durante diez canciones. Las cuales son acompañadas por el piano, un poco de sax y tintes sutiles de guitarra. Todos estos instrumentos, interpretados por una banda de jazz de Toronto.

Es importante mencionar que How Is It That I Should Look At The Stars es una apreciación a un disco completo. Es un conjunto de narrativas, las cuales logras percibir mucho mejor si disfrutas el disco de principio a fin, sin darle next. Todas estas canciones están escritas de una manera muy bella. Es como si Linderman hubiera dejado todas sus emociones en cada letra, emociones que ya no pudo contenerse más: “Endless Time” es el ejemplo perfecto de esto, emotiva pero sin ser exagerada, el balance perfecto entre piano y voz.

También esta “To Talk About” justo en la mitad de este viaje íntimo y, sin duda, una de mis favoritas- A diferencia de lo que hemos escuchado hasta ahora, esta canción es acompañada por una voz masculina que volvemos a encontrar casi al final en “Sleight of Hand”. Esta voz logra crear un contraste que continúa alimentando esta atmósfera que hemos sentido desde el principio y así podemos analizar y cuestionar, un poco más, las emociones que percibimos en este álbum.

Las cuales se centran en una de las primeras lineas de la canción, una que se quedó grabada en mi cabeza, nos dice:

“I am tired of working all night long. Trying to fit this world into a song” .

Escuchamos otra canción sobre amor, pero que no resulta empalagosa. Al contrario, con ella nos da ganas de enamorarnos de nuevo.

Sabiendo que Linderman ama abordar temas que mueven a nuestro mundo, como lo hizo en “Ignorance” con el cambio climático, es más fácil comprender que How Is It That I Should Look At The Stars, no solo habla de amor. Es un álbum rodeado por emociones con las que la mayoría de nosotros nos podemos identificar. La soledad, la tristeza, esas fracturas que nacen en el proceso de crecimiento como seres humanos, el cambio de nuestro mundo, las relaciones, y, sobre todo, la incertidumbre. Temas que Tamara logró que se proyectaran y fluyeran con mucha facilidad en cada nota. Incluso explicar su proceso creativo para escribir una canción en “Song” y por otro lado escuchamos “Sway” donde encontramos más ritmo y estas canciones son las que nos llevan a la recta final de este análisis absoluto.

Sé que este álbum puede ser completamente distinto a lo que hace The Weather Station generalmente. Aquí todo es más lento. Pero creo que es un regresar  a sus inicios, y es bonito poder explorar otro lado de la banda. Un lado que nos provoca encontrar nuestras propias reflexiones. Y eso es lo que les invito a hacer. Porque seamos sinceros podría tratar de explicarles a detalle cada una de las notas, letras y demás cosas que encontré en las canciones, pero creo que es un viaje que tienen que tomar por su cuenta, y al escucharlo estoy segura que además de que lo van a disfrutar, llegarán al mismo destino que yo.

Sonic Youth — In/Out /In

Legado sonoro en su mínima expresión.

Idealmente, el pasar de cualquier material sonoro por el oído crítico debe abarcar todos los frentes posibles; desde la matemática dura en los métodos de producción y record, hasta la parte más humana de la experiencia artística. Tomando siempre en cuenta la repercusión del lanzamiento en la interioridad histórica del proyecto ¿Cómo se relaciona con trabajos anteriores? ¿hacia dónde redirige el universo melódico? ¿Qué es distinto al finalizar el tracklist? Entre todas estas viñetas parece haber implícita una noción tan simple como necesaria para el sentir de lo musical, la banda debe estar viva. Y, para el pesar de muchos (incluyendo mi nombre en esta larga lista), Sonic Youth no lo ha estado desde hace poco más de 10 años.

SonicYouth_Bandcamp

In/Out/In, lanzado vía Three Lobed Recordings, se presenta como un material recopilatorio con grabaciones inéditas de Kim Gordon, Thurston Moore, Lee Renaldo y Steve Shelley durante la primera década del nuevo milenio. Fungiendo más como una síntesis sonora que exhibe la paleta de recursos que consagraron a los neoyorquinos entre lo más alto del underground, el riesgo metropolitano y la vanguardia en overdrive.

El larga duración nos recibe de guitarras abiertas exponiendo el lado menos abrasivo de la banda con “Basement Contender”. Dejando entrever la clara influencia de The Velvet Underground al core de los estadounidenses y dejándonos con la marcada sensación de soltura y jam presentes en la discografía a partir de Washing Machine (1995).

La suavidad armónica de poco más de nueve minutos en el track abridor desemboca hasta enfrentarnos con “In & Out”, efervesciendo hasta las sonidos del Rather Ripped (2006) con el desgarre de los amplificadores rendidos a la dulzura en la voz de Gordon.

El sueño de opio que parecía guiar In/Out/In se prende fuego de un momento a otro bajo la inhalación furtiva de “Machine”, exhalando los sonidos de estridencia que caracterizaron a Moore y compañía durante el periodo entre Daydream Nation (1988) y Goo (1990). Etapa en la Sonic Youth pasaría del clamor subterráneo al mainstream de sonidos intensos, condensando el caos de noise en sus inicios y aterrizándole en un sonido mucho más accesible.

Para quienes no se hayan empapado (como el sacro ruido manda) con la discografía del cuarteto, la siguiente pregunta lógica sería ¿accesibles comparados con qué?, la respuesta es “Social Static”. El penúltimo corte se abalanza sobre nosotros recordándonos el origen de la banda que redefinió el uso de cuerdas niqueladas inyectadas en electricidad, valiéndose de soundscapes despedazados, muros de feedback y atmósferas en blast constante para sumergirnos en la profundidades abisales del sonido. Rodeados de nada más que estática y aleatoriedad para contrastar, de la manera más cínica, con cualquier intento de musicalidad.

Cuando una sola expresión crece al interior de la cultura de la manera en que lo hizo Sonic Youth es fácil empezar a caracterizar el todo por sus partes. Mencionar los 16 álbumes de estudio, los 46 videos musicales y las innumerables presentaciones a lo largo de sus 30 años de trayectoria parecen decir poco más que repetir su nombre hasta lo absurdo. La música es lo único que alguna vez importó. “Out In” cierra el álbum pareciendo comprender esta única oración, atrapando el sonido más emblemático de la banda en un incendio prolongado de 12 minutos de duración, dejando morir el legado de la juventud sónica en el decay de bombo, bajo y Fender offsets.

Top 5 con los mejores tracks de la semana

Déjate hechizar por las canciones que destacaron estos últimos días.

El tiempo no se detiene y ya estamos a punto de iniciar la tercera semana del mes de marzo. Afortunadamente, a pesar del paso fugaz del tiempo, persisten nuevos proyectos musicales que están dispuestos a deleitar nuestros oídos día con día, y aquí te los compartimos en una lista con los mejores cinco estrenos que debes escuchar y disfrutar porque son unas verdaderas joyitas.

Vas a encontrarte con tracks pertenecientes a materiales de estudio que a lo largo del año nos van a volar la cabeza, algunos de ellos están por llegar en las próximas semanas y otros cuantos nos harán esperar un poco más; pero mientras llegamos a la fecha deseada, podremos gozar adelantos de Rex Orange County con Tyler, The CreatorFather John MistyMelody's Echo Chamber y más.

Recuerda que tenemos una playlist en la que cada viernes incluimos temas nuevos. Síguela dando clic aquí y te recomendamos escucharla en aleatorio para que la experiencia sonora sea de lo mejor. No olvides seguirnos en redes sociales para tener noticias frescas en todo momento.

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A 25 años del ‘¿Dónde Jugarán las Niñas?’ de Molotov

Denuncia social, albures, spanglish y la frase que siempre será vigente: "La policía te está extorsionando...".

A pesar de la libertad y la abundancia de información que hoy prevalece no todo es favorable que se podría pensar. En algunos aspectos se han logrado importantes avances pero en otros hay retrocesos. Un trabajo como el primer álbum de Molotov es imposible de imaginar ahora cuando la policía de lo políticamente correcto hace rondines permanentes en internet y las redes sociales se han convertido en la nueva Santa Inquisición. Aunque tampoco se puede caer en excesos de soberbia porque para eso está el nada tendencioso documental Gimme The Power (2012) dirigido por Olallo Rubio. ¿Pero entonces cuál es la aportación de este combo chilango al rock mexicano?

La vida antes del tercer milenio

En primera instancia, la década de los noventa ahora es vista con nostalgia porque todo parecía perfecto. La ropa de colores fluorescentes, las tardes pegadas frente a la televisión y el eurodance que era el reguetón de la Generación X. Al final todo es un ciclo que se repite una y otra vez.

Mientras que en el fondo, la vida no era muy distinta a lo que hoy ocurre. Un país le declara la guerra a otro, el rico pisotea al pobre y la pobreza se mantiene en todo el mundo. La misma historia de siempre aunque con otros protagonistas como afirman Los Tigres del Norte.

Por otra parte, en México se mantenía la represión pero en una escala menor a la de dos décadas anteriores. Los jóvenes con sus largas melenas exigían un cambio generacional. Para ese entonces Caifanes ya se había separado y su relevo lo tomó Café Tacvba pero mantuvo las metáforas demasiado rebuscadas en sus canciones. Lo que se necesitaba era alguien que utilizara el mismo lenguaje directo que se escuchaba en las calles pero además se enfocara en los problemas sociales del momento.

La respuesta llegó en formato de una bomba incendiaria de siete letras: Molotov. Aunque lo más importante es que juntó el humor de Botellita de Jerez con la denuncia social de Maldita Vecindad y la furia de Rage Against the Machine. Todos los elementos reunidos, junto al apoyo de una disquera transnacional como Universal, fueron suficientes para generar un éxito de ventas.

Fue el 11 de marzo de 1997 cuando se publicó el primer trabajo del cuarteto capitalino aunque al inicio no todo fueron buenas noticias. Lo primero que se tuvo que vencer fue la censura por una portada demasiado explícita creada por un equipo mercadológico. La idea era incomodar y se consiguió en una época en la que todavía no existía la cultura de la cancelación.

Pero más allá de la parte visual, lo que de verdad importa es el contenido del álbum. De manera bastante clara es un hijo directo de Faith No More, Beastie Boys y Primus. Se inscribe dentro del rap metal gracias a la manera de cantar e incluso destaca el uso de doble bajo y el spanglish como forma de comunicación. Una cualidad que lo acerca al funk pero no para provocar sensuales bailes sino el catártico slam.

Mientras que el mayor sello y por lo que se recuerda a las 12 composiciones es por su letra y mensaje. Todas son directas y se basan en el caló que cualquier joven utilizaba en los noventa. Tal vez sea el principal motivo por el que Molotov conectó de inmediato y creó himnos que desde entonces se escuchan en cualquier bar.

Música que transgrede e incomoda

En ese sentido, la abridora “Que No Te Haga Bobo Jacobo” es un ataque directo y sin concesiones contra Televisa y su mayor presentador de noticias. De forma clara expresa lo que millones de mexicanos ya creían pero no podían decir en público. Mientras que “Gimme Tha Power” es otro golpe contra los gobernantes y el partido político que en ese momento tenía el poder absoluto en México. En ambos casos, son composiciones que se mantienen vigentes porque abordan temas universales que no se han erradicado como la manipulación y la corrupción.

Pero no todo es solemnidad y denuncia social porque también hay lugar para el humor como en “Cerdo”. De forma amena y socarrona se burla de uno de los mayores problemas de salud pública en el país. Menos mal que en ese entonces todavía no existían las redes sociales y la policía de lo políticamente correcto porque ahora se le podría acusar de promover el bullying.

La ópera prima del combo también destaca por otro aspecto que destaca el periodista Francisco Zamudio (q.e.p.d.) en el libro 100 Discos Esenciales del Rock Mexicano (Grupo Editorial Tomo, 2012). Se trata de la riqueza musical que va más allá de la unión del rap con el metal. En ese momento era poco común escuchar marimbas, trompetas y güiros en un álbum de rock mexicano sin que pareciera forzado. En cambio, aquí es demasiado natural y el principal responsable fue el productor argentino Gustavo Santaolalla, quien todavía no se convertía el enemigo público número uno por su documental Rompan todo: La historia del rock en América Latina (2020).

Pasan los años y la mayor molestia es acerca de lo hecho por Molotov después de la publicación de este disco. El grupo ha perdido el interés por la crítica política e incluso ha colaborado con los que antes se supone que eran sus adversarios como las televisoras. La banda ya no es la misma porque tú y yo tampoco somos los mismos que en el pasado. Pero si hay algo que no se puede negar es la repercusión que tuvo este trabajo para motivar a los jóvenes para alzar la voz y denunciar las injusticias... a través de mensajes en su iPhone y mientras se toman un café en Starbucks.

Alex Ferreira — En lo que llega la primavera

Poemas musicales concisos y brillantes para la primavera

¿Qué se hace en la espera de la primavera? El frío del invierno azota con fuerza y solo deseamos un poco de calor y una buena compañía para sentirnos más vivos. Si pudiera definir la música de Alex Ferreira, diría que es un cálido abrazo para el alma. Su nuevo álbum no es la excepción, es ese rubor en la mejilla que te da cuando escuchas un piropo o cuando te pega un sol de 30 grados, es algo similar cuando escuchas la voz y el sentimiento del artista dominicano que, pareciera más mexicano últimamente.

En lo que llega la primavera tiene un ingrediente nuevo y nunca antes visto en el trabajo de Ferreira, y es el toque femenino impreso con las voces de Silvana Estrada y Vanessa Zamora. En el primer tema “Ni una cosa ni la otra”, Silvana le apoya cantando desde la mitad y al unísono con la melodía. Es una canción para los que buscan respuestas; para los que están y no están con alguien, para los que no tienen lo que anhelan, pero insisten.

En “Hubo Algo” ocurre algo interesante, Vanessa Zamora entabla una conversación en un encuentro con Alex Ferreira, lo que la hace una canción cargada de emociones y de sorpresas. ¿Se han encontrado con un viejo amor? Esta canción define ese sentimiento y le auguramos un gran éxito en el espectro de la música latina.

Ahora viene la parte más íntima del álbum, esa donde Alex Ferreira sigue demostrando su brillante trabajo como compositor. En “Segundo Plano” suenan acordes de guitarra que endulzan el oído y la letra nos habla de experimentar más la vida y de dejarnos llevar por las cosas que no podemos ni queremos controlar.

“En lo que llega la primavera” es un tema instrumental, un buen sorbo de jazz bien ejecutado y del que te puedes enamorar al instante. Te llevas una grata sorpresa, es como el intermedio de una obra de teatro, es simplemente sublime.

El álbum fue grabado en el estudio El Desierto y cuenta con el trabajo de músicos invitados o la “full band” como diría el mismo Ferreira. En él colaboran Juan Miguel Sandoval, Andrés Márquez, Pablo González Sarrey, entre otros músicos, con arreglos de batería, bajo, contrabajo, saxofón, piano y hasta efectos ambientales.

“Busco entre la savia como un colibrí, debe haber una flor para mí, entre la verbena y el moriviví”...La Verbena Y El Moriviví” es un poema musical, donde comienza con acordes de guitarra y le acompañan notas de violines. Aquí le canta al destino, y pinta para ser una de esas canciones inolvidables de su repertorio.

“Amor de paso, un balazo en el brazo, para qué ponerme a buscar explicación”... dicta la letra de “Amor de paso”, un tema en donde le canta a lo efímero con esas rimas tan sarcásticas que lo definen y de las cuales siempre cae en gracia (genio).

Como no todo es mal de amores. Alex Ferreira vuelve a cantarle al amor en “Esa canción” y en “Como una flecha”, haciéndonos cada vez más adictos a sus letras, a su chispa y a su talento para contar historias que nos devuelven la fe en poner el corazón a prueba de un “amor romántico” per sé.

“Uno nunca sabe con qué se tropieza, uno nunca sabe si funciona la mezcla, uno no le abre la puerta a cualquiera, pero siempre entra alguien sin avisar…”

Esperamos con ansias cantar junto a Alex Ferreira ésta y más líneas en sus próximas presentaciones para estrenar su nuevo material de estudio, el cual calificamos de conciso y brillante.