Dj Shadow confirma un nuevo álbum para 2023

Entrega personal que plasma procesos y una evolución de pensamientos.

Dj Shadow compartió a través de su blog una actualización sobre el nuevo álbum que está preparando desde hace un año. Material que considera como un género ambiguo y que le permite plasmar en sonidos un diálogo de pensamientos personales positivos y negativos.  

Joshua Paul Davis es la mente maestra detrás del proyecto, perteneciente al grupo de pioneros del hip-hop instrumental y experimental, que le han dado 32 años de carrera profesional. La entrega del álbum se convertirá en una nueva vista al trabajo del músico desde 2019 y que de acuerdo al avance del material podremos disfrutar en este año. 

Con respecto al sonido del álbum Dj Shadow compartió que eso está por definirse. Pero lo que sí puede confirmar es que no se trata de un álbum doble, hay menos vocalistas invitados; la música refleja experiencias, procesos y pensamientos tanto positivos como negativos y considera el material como un género ambiguo que conecta las canciones bajo una premisa unificadora. 

A menudo me fascinan los estados de ánimo o los colores que dominan los álbumes que he hecho. Estas frecuencias espirituales son imposibles de predecir e inestables de controlar [...] Hasta ahora, estoy genuinamente feliz, y eso es todo lo que puedo pedir.”  

Dj Shadow presentará un álbum que refrescará y añadirá un escalón más a su trayectoria musical, una entrega personal sumergida en emociones que podremos escuchar este año. No te pierdas las actualizaciones a través de Indie Rocks! 

Björk anuncia gira mundial

La artista islandesa presentará su más reciente álbum en vivo.

Björk ha anunciado las fechas que, hasta el momento, conformarán Cornucopia, su gira de este año a lo largo de varios países del mundo. Esta será la continuación de las presentaciones que llevó a cabo en 2019, mismas que dieron inicio en Nueva York con un coro de 50 personas, un grupo de flautas así como visuales digitales y análogos elaborados.

En esta ocasión y de acuerdo a la propia artista, Cornucopia funcionará como un canal conector entre dos de sus mundos sonoros: Utopia, su álbum lanzado en 2017, y Fossora, su más reciente álbum. Esto fue lo que la compositora escribió en sus redes:

Cornucopia siempre tuvo la intención de ser un mundo tanto para Utopia como para el álbum posterior, que ahora se llama Fossora”, explicó. “Estoy realmente emocionada de estrenar esos 2 mundos en colisión este otoño en el sur de Europa”, añadió.

Björk dará inicio a la gira el primero de septiembre en Lisboa, Portugal, para después presentarse en Madrid, Paris, Milán y Praga, entre muchas otras ciudades, siendo Burdeos, Francia, la última de ellas el cinco de diciembre. Conoce todas las fechas a continuación:

Bjork-Tour2023

Los boletos a cualquiera de los eventos enlistados saldrán a la venta este tres de febrero a las 9 H. (hora local) a través de Viagogo, por lo que si te interesa formar parte de alguno de ellos, deberás estar muy al pendiente para no quedarte sin tus entradas. Además de esta serie de presentaciones como parte de su tour, Björk también se presentará en Australia este marzo y en California durante abril como parte del festival Coachella.

Surge otra demanda contra Marilyn Manson por abuso sexual

Se abre otro expediente a los largos casos de abuso por parte del artista.

Parece que nunca tendrá fin, Marilyn Manson nuevamente es demandado por asalto sexual, en esta ocasión es acusado por agredir a una menor de edad en los 90's.

La revista Rolling Stone reportó sobre una denuncia anónima bajo el nombre de Jane Doe (Jane y Joe Doe son nombres que usan en Estados Unidos cuando no se quiere revelar el nombre de una víctima), la demanda va sobre Brian Warner (nombre real del músico) y a sus entonces disqueras Interscope y Nothing Records, esto por el asalto sexual por parte de Manson y la colusión de las discográficas al caer en negligencia e infligir intencionalmente angustia emocional, entre otros cargos.

En la demanda se plantea que la demandante conoció a Manson en un concierto en Dallas, Texas, en 1995. Donde ella, a sus 16 años, y otra joven que le esperaban afuera de su autobus fueron invitadas a entrar, en el vehículo ocurrieron los abusos por parte de cantante, quien al terminar las corrió y amenazó en caso de divulgar algo de lo sucedido. La demandante también narra que desde ese momento y hasta 1999 Manson seguía en comunicación con ella, pidiéndole fotos desnuda y en ocasiones les acompañó a giras donde le obligaban a consumir drogas y tener sexo.

Veremos hasta donde llega éste nuevo expediente que se abre contra Marilyn Manson. En los últimos años suman varias demandas en su contra por abuso y agresión sexual, aunque algunos casos se han disuelto, los más recientes son el de Esmé Bianco y Ashley Smithline.

Yves Tumor anuncia nuevo álbum

Los rumores se han confirmado. Yves Tumor lanzará material nuevo este año.

La semana pasada algunos usuarios en Twitter reportaron una valla publicitaria en Los Ángeles que sugería  un nuevo álbum de Yves Tumor. El anuncio estaba acompañado de la leyenda "el nuevo álbum de Yves Tumor 17 de marzo", y el título del álbum Praise A Lord Who Chews. But Which Does Not Consume; (Or Simply: Hot Between Worlds). Hoy,  el cantante afirmó la información proporcionada en dicho anuncio publicitario.

Praise A Lord Who Chews. But Which Does Not Consume será el seguimiento del EP The Asymptotical World de 2021 y Heaven To A Tortured Mind de 2020. En noviembre, Yves Tumor lanzó el nuevo sencillo “God Is A Circle”,  con coros adicionales de Ecco2k y Thoom, acompañada de un video dirigido por Jordan Hemingway, este sencillo formará parte del nuevo álbum.

A principios de la semana pasada, una nueva canción de Yves Tumor, titulada "Echolalia", apareció brevemente en Spotify para después desaparecer abruptamente. El sencillo ha sido nuevamente compartido por el cantante como un segundo adelanto de lo que será su nuevo disco. "Echolalia" regresa acompañada por un video, inspirado en Los viajes de Gulliver.

Praise A Lord Who Chews. But Which Does Not Consume  está producido por Noah Goldstein (Frank Ocean, Rosalía, Drake, Rihanna, Bon Iver), y mezclado por Alan Moulder (My Bloody Valentine, Nine Inch Nails). También presenta colaboraciones de Chris Greatti (Yungblud, WILLOW), Yves Rothman (Girlpool, Amaarae) y Rhys Hastings.

A continuación mira el video para "Echolalia":

Praise A Lord Who Chews. But Which Does Not Consume; (Or Simply: Hot Between Worlds) tracklist:

  1. "God Is a Circle"
  2. "Lovely Sewer"
  3. "Meteora Blues"
  4. "Interlude"
  5. "Parody"
  6. "Heaven Surrounds Us Like a Hood"
  7. "Operator"
  8. "In Spite of War"
  9. "Echolalia"
  10. "Fear Evil Like Fire"
  11. "Purified By the Fire"
  12. "Ebony Eye"

U2 comparte versión reimaginada de "With or Without You"

Escucha una versión más íntima y minimalista del hit de U2.

U2 se prepara para el lanzamiento de Songs of Surrender, un álbum que recopilará las 40 canciones más importantes de la discografía de la banda, todas ellas bajo una nueva sonoridad lograda a partir de la reimaginación de las mismas. Con el estreno cada vez más cerca, la banda ha decidido compartir la nueva construcción de "With or Without You", una de las piezas más queridas y escuchadas su música.

En esta ocasión, "With or Without You" no podría presentarse más melancólica. A través de arreglos de guitarra minimalistas y una voz con tintes más íntimos y reflexivos, pareciera como si la canción se estuviera deshaciendo en una mirada de nostalgia hacia el pasado. Dale play a continuación:

Songs of Surrender será el sucesor de Surrender: 40 Songs, One Story, el libro de memorias de Bono que recopila los pensamientos del vocalista en torno a su vida como artista y lo que cada canción significa para él. Con motivo de la publicación de dicho libro, Bono ofrecerá una serie de presentaciones en el Beacon Theatre de Nueva York que iniciarán en abril, a través de las cuales compartirá música y palabras.

El nuevo LP de U2 estará disponible este 17 de marzo y ya puedes pre-ordenar los formatos exclusivos aquí.

 

Fallece Tom Verlaine, líder y guitarrista de Television

El talentoso personaje perdió la vida a raíz de una enfermedad y diversos músicos se despidieron de él a través de redes sociales.

El pasado sábado 28 de enero la luz que daba vida a Tom Verlaine se apagó por completo, ya que el músico y talentoso líder de Television (banda de punk neoyorkino) falleció a los 73 años de edad, esto tras ser portador una corta enfermedad. Quien dio a conocer la lamentable noticia, breve y sin detalles, fue Jesse Paris Smith, hija de Patti Smith, a través de The New York Times.

Rápidamente llegaron los mensajes de despedida de compañeros músicos que admiraban y tenían una relación amistosa o de trabajo con el fallecido. Entre los nombres que se hicieron notar se encuentra Kim GordonSusanna HoffsGarbage, Flea, Billy Idol, Michael Stipe y muchos más.

Aquí puedes ver algunos de los emotivos mensajes.

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida por Kim Gordon (@kimletgordon)

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida por Michael Stipe (@michaelstipe)

La peculiar forma que tenía Verlaine al momento de componer inspiró e influenció a diversos guitarristas de la escena musical, no solo del género punk, sino de muchos más; logrando con esto que Television no estuviese activo únicamente de 1991 a 1993, sino que regresaran a los escenarios en 2001.

En alguna entrevista que el músico ofreció a sus inicios mencionó lo siguiente:

Nunca escuché música basada en guitarras. Pensé que era un instrumento muy cursi. Pero cuando quise escribir canciones, decidí que eso era lo que debía hacer. Para mí, incluso, un solo es un acompañamiento de algún tipo, o simplemente toma el lugar de una voz".

¡Densanse en paz, Tom Verlaine!

Entrevista con Robert Glasper

Trump y George Floyd mejoraron la situación de los negros.

Primero es una voz, una voz grave, enseguida un ligero ruido de fondo, pareciera el sonido de la noche, de una noche triste y solitaria. La voz dice “lo escuché pedir ayuda”, se suma un piano con notas melancólicas que caen como bombas, un ataque musical vía aérea. La voz lanza líneas fuertes: “lo escuché llamar a su madre… el cerdo en mi cuello… nacimos de un pueblo que fue arrancado de su pueblo… nos ven menos como humanos y más como cosas”. Se van sumando unos coros en el fondo, aparece la batería con el bombo y los platillo y luego la trompeta  que rompe la cadencia. Todos los elementos de la canción resuenan en el cerebro. Implosionan. Ni siquiera te das cuenta. Al final has quedado helado con el tema. 

Así inicia Black Radio III, el onceavo álbum y tercero de la serie Black Radio del pianista y compositor Robert Glasper; el tema se llama “In Tune”, una pieza que denuncia el asesinato del estadounidense George Floyd. Indie Rocks! platica con Glasper sobre las motivaciones del álbum, la situación de los negros estadounidenses, la evolución del jazz y su presentación como cabeza del festival M Jazz que se llevará a cabo el 11 de febrero en el parque bicentenario. 

Dice Robert Glasper sobre “In Tune” que la idea es que sea una marcha musical, “habían pasado ocho años desde el anterior álbum de Black Radio, ya no pensaba en hacer otro, pero como estuve en casa por la pandemia, no me distraje con giras  como normalmente sucede, vi las cosas que estaban ocurriendo, lo de George Floyd me golpeó de diferentes formas, sentí que tenía que decir algo. Por la posición que ocupo en la música tengo una responsabilidad”, remata el músico nacido en Houston, Texas.

Glasper cree que las cosas van mejorando lentamente para los negros en Estados Unidos y, paradójicamente, quien los ha ayudado es Donald Trump

Lo de George Floyd fue muy malo, pero también dejó algo bueno, durante años cuando la policía mataba a los negros nunca se grababa, siempre era lo que la policía decía contra lo que decía la persona negra y a este nunca le creían. Esta es la primera vez que vemos a un policía matando lentamente a un negro durante ocho minutos con su rodilla en el cuello, la gente blanca tuvo que ver eso. Incluso creo que Trump fue algo bueno para nosotros. Necesitábamos a Trump para que mucha gente blanca viera y dijera, ‘estamos jodidos’”, sentencia el pianista. 

En Black Radio III nos subimos en una nave espacial con destino a los planetas musicales que Glasper lleva explorando durante su carrera: jazz, hip hop, r&b o gospel, ya sea como compositor en solitario o en colaboraciones con artistas como Kendrick Lamar. Nominado a tres Grammy el álbum no solo explora la faceta política y el discurso contra el racismo, es un diálogo musical entre los géneros y entre los mismos instrumentos.

Sobre ese fenómeno musical que está ocurriendo con el jazz, particularmente en Reino Unido, en el que cada vez más bandas de rock y punk están incluyendo el género como una parte medular para darle una forma distinta a la canción, Robert Glasper explica el por qué.

La gente finalmente tiene el valor de mezclar jazz con cualquier influencia, por mucho tiempo la gente no lo hizo, como si el jazz no fuera una mezcla en sí de música clásica, gospel, blues y de muchas cosas, así ha sido siempre. John Coltrane y muchos músico otros tomaron elementos que no eran del jazz y los pusieron dentro. Hoy estamos haciendo lo mismo, tomando nuestras influencias y  por ende vamos a sonar muy diferente del sonido de John Coltrane, porque tenemos otras influencias”.

Robert Glasper dice que en su próximo show en México presenciaremos algo único, no solo será jazz, porque incluye al dj Jahi Sundance que sostiene, “es el único en hacer lo que hace, cuando lo escuchen van a sorprenderse”. Su show, tras ver unos clips in Internet, tiene la característica del jazz en vivo, la libertad que cada instrumento busca, hay unas notas y luego cada uno hace lo que le plazca y nos llevan por esos planetas desconocidos, probablemente haya quien quiera quedarse en ese cosmos, pues como dice Glasper: “La música realmente buena, nunca nos abandona, la música realmente buena, se queda con nosotros a través del tiempo”. 

A 15 años del debut de Vampire Weekend

Fiel a sí mismo.

Se cumplen 15 años del disco debut de Vampire Weekend, y pocas veces como ésta, el uso del homónimo es tan adecuado. Una carta de presentación autorreferencial de un universo desconocido, pero con el que muchos podíamos identificarnos. Desde la portada del disco, el nombre de la banda, las letras, los ritmos y la imagen que decidieron proyectar, era una declaración, un rompimiento estético con todo aquello que se estaba produciendo en su momento, que podríamos decir, era más un intento por mantener vivo el movimiento musical de la ciudad de Nueva York de inicios de la década. Vampire Weekend se puede describir como un disco vibrante, rico (una palabra utilizada con toda intención) y pulcro.

Musicalmente hablando, distaba mucho del garage rock y el post-punk revival que dominaba esos años, con una combinación de pop, ritmos africanos e instrumentales clásicos guiados por Rostam Batmanglij en la producción, encontraban a la música del mundo con el indie rock, esto último, gracias a que los Chris (Thomson y Baio) mantenían las melodías y los tiempos de este lado de occidente. Sí, el álbum no estuvo fuera de polémicas, incluso en nuestros tiempos no se librarían de ser acusados de apropiación cultural, o de ser señalados como un grupo de chichos blancos privilegiados, aun cuando ninguno de ellos cabe en esa definición. Claro que las letras de Ezra Koening no ayudaban mucho, ya que eran viñetas costumbristas acerca de la vida estudiantil, pero ubicadas en una de las prestigiosas y costosas universidades de la Ivy League.

Se sabían ajenos a ese mundo, pero lo enfrentaban sin prejuicios y mucho menos complejos, siendo conscientes de dónde vienen y permitiéndoles manejarse con soltura en un ambiente extraño. Siempre con sus camisas de lino bien fajadas y el cuello apenas asomándose por encima del suéter tejido, zapatos limpios, por eso de la pulcritud. Fueron lanzados cuatro sencillos, el primero, “Mansard Roof” canción que estuvo rotando por internet y en un CD-R independiente, causando expectativa acerca de lo que podría ser el primer LP de la banda. Luego salió “A-Punk” que los catapultó al mainstream, utilizada en; videojuegos, películas, series de televisión, posicionándose dentro de los charts radiales y en MTV.

Después, “Oxford Comma”. que se convirtió en uno de los himnos indie de la década, y que muestra todas las capas que tiene el disco, mucho menos impactante que la anterior, pero con mayor vigencia. Por último, se presentó “Cape Cod Kwassa Kwassa”, que confirmaba uno de los mejores materiales de ese año, y que sería los cimientos sobre los cuales se construyó la carrera de los últimos íconos del indie neoyorkino, el suspiro final de la escena que inició en los albores del nuevo milenio. Aún con sus altibajos, Vampire Weekend, es un disco redondo, un clásico moderno y con un mensaje claro sobre mantenerse autentico, para qué mentir sobre cuanto carbón tienes ¿Por qué mentirías en algo tan tonto como eso?

Billie Eilish Live At The O2 (Extendend Cut)

La película que reúne imágenes inéditas de los conciertos de Billie Eilish en el 02 de Londres se estrenó en salas de cine mexicanos.

El viernes 27 de enero se estrenó en diversas salas de cine Billie Eilish Live At The O2 (Extendend Cut), la película nominada a los premios GRAMMY como mejor película, en la que se muestra el performance por completo de Billie Eilish en el emblemático foro en Londres.

Indie Rocks! tuvo la oportunidad de asistir a este evento único. La cita fue en Cinépolis Universidad en punto de las 7:00 p.m. El boleto de entrada no era cualquiera sino un ticket coleccionable que traía impreso el póster de la película, con detalles técnicos en la parte posterior.

Billie_Eilish_Live_at_the_O2

Al ingresar a la Sala 2, a todos los asistentes se les ofreció una pulsera fosforescente. Antes de comenzar la función, en la sala ya se escuchaban algunas canciones emblemáticas de Billie, los organizadores querían prender el evento y lanzaron una dinámica que puso a todos a cantar "bad guy".

La película comenzó. Veíamos a miles de fanáticos, la mayoría adolescentes, desbordados por la emoción de ver a Billie Eilish, la energía era contagiosa, el escenario del 02 se cimbra cuando la joven artista abre el escenario con una interpretación contundente de "bury a friend".

Billie Eilish: Happier Than Ever World Tour

Billie Eilish demuestra la razón por la que es la artista del momento. Sabe exactamente cómo llevar a su público de la mano a través de un viaje complejo de emociones. Desde los momentos más lentos, emotivos y poderosos con “idontwannabeyouanymore” y “Ocean Eyes”; hasta los momentos que nos llevan al límite y nos ponen la energía a tope como con “Oxytocin”.

Las 20 cámaras dotadas de sensores integrales con cristales cinematográficos con las que se grabó esta película brindan una visión completa de todo el show de Billie, pero más allá, muestran a la cantante en diversas facetas, nos enseña a la ganadora del Oscar no como una super estrella (que por supuesto lo es), sino como un gran ser humano, empático, la voz de toda una generación, quien establece un statement, deja clara su preocupación por el cambio climático, el bienestar y la salud mental de sus fans.

 Abracen a quienquiera que haya venido y tómense de la mano”, menciona durante uno de los momentos más emotivos.

Conforme vemos a Billie Eilish adueñarse por completo del escenario, todos en la sala olvidamos que somos espectadores y nos transportamos en medio de la gira Happier Than Ever. Perdemos un poco la vergüenza, y de repente, se escuchan gritos como “I love you Billie” dentro de la sala, el público se levanta de sus asientos y comienza a bailar, se escuchan risas, cantamos, levantamos los brazos, aplaudimos, brincamos, prendemos las luces de nuestros celulares, seguimos todas las instrucciones de Billie sin chistar.

Billie eilish

Los organizadores iluminaron con una luz blanca el lugar para hacernos sentir dentro del O2, herramienta que funcionó para emocionar al público. Posiblemente, el único detalle que dejó mucho que desear fue el volumen del audio, en temas como en “Happier Than Ever” hubiese deseado que el sonido envolviera por completo la sala, no miento cuando digo que el volumen estaba más alto cuando vi la secuela de Avatar.

Debo confesar mi escepticismo hacia este tipo de eventos, como alguien que disfruta ir a conciertos, consideraba que ver un concierto grabado en el cine para nada supliría la experiencia presencial. Esto es cierto, no es la misma experiencia, es diferente, no mejor ni peor, es simplemente otra alternativa que nos da la posibilidad de transportarnos a lugares lejanos como el 02 y demuestra el poder de la música, nos conecta con los otros en un espacio tan pequeño, como lo es una sala de cine.

La película dirigida por Sam Wrench, estrenada originalmente como parte de la serie Apple Music Live, rompió mis prejuicios sobre este tipo de experiencias y lo mejor, me dejó con ganas de ver pronto a Billie Eilish en vivo.  Billie Eilish Live At The O2 (Extendend Cut) es sólo una vista previa a lo que nos espera en el Foro Sol este próximo 29 de marzo.

Los Cogelones + Apolo en Foro Indie Rocks!

Una noche marcada por el slam, el frentismo y la conexión con nuestras raíces y sonidos vernáculos.

La cita estaba marcada para el día 27 de enero, a las 20:45 hrs. La gente se comenzó a aglomerar frente a la taquilla de nuestro querido Foro Indie Rocks! a pocos minutos del comienzo. Algunos se estaban poniendo al día con los compas que no veían desde el año pasado y otros echaban el “jocho” o el cigarrito, en contra de cualquiera de las nuevas normas. Todos sabíamos lo que necesitábamos para coronar una larga semana, pero estoy seguro que solo pocos lograban dimensionar el nivel de frenesí que estábamos a punto de experimentar. Los Cogelones nos esperaban y estaban listos para fundir nuestros cerebros.

La noche sufrió un ligero retraso por el caos que domina las calles de nuestra ciudad, pero en el momento en que las luces se apagaron y los instrumentos comenzaron a sonar, no hubo ser capaz de frenar toda la energía que se acumuló dentro del Foro. Apolo fue el primer proyecto en tomar el escenario, y aunque al inicio de su presentación sufrieron algunos problemas con el sonido, los chihuahuenses fueron capaces de adueñarse del escenario conectando de manera casi inmediata con el público.

La energía de Apolo fue suficiente para activar el espíritu, mientras se comenzaba a irradiar una potencia incontrolable desde el centro de la pista de baile. El trabajo de lo integrantes junto a las grandes interacciones con el público del frontman Albar, sentó las bases para una noche llena de slam y headbang, ya que fueron varias las ocasiones en las que el vocal se entregó al público, uniendo su cuerpo al ritual que se formaba dentro del foro. Los músicos dejaron el escenario ente aplausos de un público que quedó con ganas de más y con la espina de saber cuando será el próximo concierto de los chihuahuenses.

Apolo_Manuel Portillo_Foro Indie-12

Al terminar esta presentación, el staff de escenario comenzó una odisea para posicionar todos los elementos necesarios para el concierto estelar. Los instrumentos autóctonos anunciaban la llegada de los guerreros de Neza, quienes estaban listos para librar una batalla contra inmovilidad corpórea y el olvido de nuestras culturas originarias. Los Cogelones subieron al escenario guiados por el sonido de una concha y la bruma generada por el incienso y las máquinas de humo, cada uno portando sus marcas de guerra.

Los Cogelones_Manuel Portillo_Foro Indie-6

Al comienzo, la banda nos dejó disfrutar algunas de sus nuevas piezas que formarán parte de su próximo material de estudio, sobre el que mencionaron que no se podrá escuchar en  ninguna de las plataformas de streaming musical, “si alguien quiere escuchar nuevas canciones de Los Cogelones, debe venir a nuestros conciertos”. Esta última frase solo emocionó al público, quien descubrió que este era un ritual único e irrepetible.

Uno de los momentos cumbre de la noche llegó cuando subieron al escenario los pupilos de Los Cogelones con sus instrumentos de banda de guerra y comenzaron los primeros acordes de “Mexica”. La gente explotó en éxtasis cuando dos guerreros mexicas se hicieron presentes en el escenario y al poco tiempo bajaron hacia el público para formar parte del baile errático que se estaba formando en el corazón de la pista. Los ocho minutos de duración de este sencillo fueron insuficientes para lo que estaba sucediendo en la pista, todos olvidamos nuestras diferencias por un momento y formamos parte de un ente que bailaba sin preocupaciones al ritmo de las trompetas militares.

Los Cogelones_Manuel Portillo_Foro Indie-12

El setlist se completó con “Danza del Sol”, “Nubes Grises” (que para esta canción el buen Marcogelon exigió ver nuestros mejores pasos de rock and roll armando un buen bailongo en la pista), seguida por “Hijos de puta” que todos cantamos de principio a fin y con unja dedicatoria especial para los que se hacen llamar policías dentro de nuestra nación. Sin duda, este fue un gran concierto en el que pudimos reflexionar sobre nuestro origen y nuestro rol activo dentro de la conservación de nuestro planeta, además de que pudimos mover el cuerpo sin miedo a sufrir la terrible inmovilidad causada por el sedentarismo moderno. Que no se olvide, que de Neza para el mundo, ¡Los Cogelones rifan!