La banda post punk PiL (Public Image Limited), liderada por John Lydon, acaba de lanzar el mes pasado su noveno álbum de estudio: This is PiL, 20 años después de haber lanzado That What Is Not (1992). El regreso no fue fácil, ya que la banda no tenía contrato discográfico ni dinero, y por si fuera poco, Lydon (mejor conocido como Johnny Rotten), desató la furia de sus rebeldes y fieles  seguidores al aparecer en un un comercial de mantequilla para la televisión británica a finales del 2008. Muchos de sus fans se decepcionaron de él tachándolo de “vendido” y preguntándose cómo era posible que una figura del punk de la talla de Lydon participara en un comercial promoviendo el consumismo, algo totalmente opuesto a las creencias del movimiento punk. Afortunadamente, con la misma rapidez con la que muchos se apresuraron a criticarlo, se tuvieron que tragar sus palabras, ya que Lydon señaló - recientemente -  que el dinero que ganó con el comercial lo invirtió en financiar el regreso de PiL.

El álbum en realidad no aporta nada nuevo al historial de la banda, pero conserva el espíritu experimental que  le dio fama a finales de los 70. Hay varias canciones que valen la pena. Una de ellas es “One Drop”, en la que Lydon habla del orgullo de ser londinense de forma arrogante, apasionada y genuinamente punk. Luego está “This is PiL”, una rola cuya letra no dice prácticamente nada más que eso: this is PiL, en todos los tonos posibles reafirmando el  estilo experimental y caótico del grupo. “Lollipop Opera” sobresale por ser una canción con una letra totalmente ridícula  pero que suena muy bien e inconfundiblemente post punk, y es sólo por eso que se le perdona la letra tan absurda. Finalmente destaca “I Must Be Dreaming” que para mi gusto es la mejor rola del disco. Aquí, Lydon aprovecha para lucir sus habilidades vocales sobre un sonido medio noventero que evoca un poco a los Happy Mondays. El disco cierra con “Out Of The Woods”, una canción tan peculiar como su intérprete y que a la primera escuchada puede resultar incómoda o difícil de digerir, pero luego empieza uno a agarrarle la onda y termina uno amándola.

Los que no conocen a PiL escucharán el álbum y tal vez no entenderán nada. Los que ya conocen y extrañaban a PiL, lo disfrutarán y recordarán por qué son fans. Lydon sigue sonando enérgico, cínico y desequilibrado: como debe sonar un veterano del punk.

Para ver el famoso anuncio de mantequilla sólo denle clic al video que les presentamos a continuación.

La primera vez que escuché a los Smashing Pumpinks con Siamese Dream (1993) quedé  tan impresionada por la furia y el poder de sus guitarras como por la emotividad de sus letras. Con ese álbum Billy Corgan nos dejó entrar en su mundo. Un mundo en el que, por lo general, imperan las sombras y la oscuridad, pero gracias al cual Corgan derrama en sus discos -de forma catártica- unas buenas dosis  de poesía, fuerza, coraje y un sin fin de sentimientos que entrega en forma de canciones que a muchos de nosotros, simplemente, nos encantan.

Con algo de reserva me dispuse a escuchar el tan anticipado Oceania a través de iTunes (el único sitio donde se puede escuchar el álbum completo hasta el 19 de junio, día de su lanzamiento), esperando que mis expectativas no fueran a ser demasiado altas y tomando en cuenta lo decepcionante que fueron los dos álbumes anteriores y que ahora el único miembro original de la banda es Billy Corgan.

La primera canción que se deja escuchar es “Quasar”, que abre el disco con ese estilo hard rock de la era de Siamese Dream y ese sonido agresivo que se va desdoblando como en capas tan característico de los Pumpkins; es sin duda, la perfecta introducción que de inmediato tendrá a los ansiosos fans pidiendo más. Después viene “Panopticon”, una rola que recuerda los buenos tiempos de la banda y que, a mi parecer, es una de las mejores del disco: tiene esas guitarras fuertes y poderosas que mencioné al principio pero es tranquila, melódica y pegajosa.  Después el tono se va aligerando un poco con “The Celestials”, para llevarnos gradualmente y casi de la mano a encontrarnos con “Violet Rays”, una canción tipo balada que exquisitamente mezcla guitarras con sintetizadores. De aquí hasta “Pale Horse” el álbum se torna por un rato lento, sutil y romántico. Los que esperaban mucho ruido de guitarras etéreas y esa energía cruda que llevó a la banda a la fama en los 90's, tal vez se desilusionen por esto, pero aclaro que Oceania es un disco que se tiene que escuchar con la mente abierta y el oído despejado y esperando casi escuchar a un grupo diferente.  Hay muchas vocales, muchas oleadas de sintetizador que van y vienen y poca batería en general, pero es un hecho que todas las canciones fluyen de forma natural ofreciendo una experiencia sónica rica e interesante. El grosor del sonido rockero de los Pumpkins regresa con “The Chimera”, la canción número 10, que es probablemente la única que suena como si estuviera incluida en alguno de los álbumes anteriores. “Glissandra” e  “Inkless” también recuerdan el sonido clásico del grupo, siendo “Inkless” la mejor rola del álbum para mi gusto. El puritito riff de guitarra y la voz de Corgan sostienen la rola de principio a fin sin esfuerzo alguno, antes de cerrar melancólica y poéticamente con “Wild Flower”.

Oceania es un disco bien armado descrito por el mismo Corgan -en una entrevista con la revista electrónica Stereogum-, como el mejor disco de la banda desde el galardonado Mellon Collie and the Infinite Sadness (1995). Así que abran sus oídos, sus mentes y sus bolsillos porque los Smashing Pumpkins están de regreso y en uno de sus mejores momentos.

The Smashing Pumpkins 

Oceania

EMI; 2012

Una vez que este disco empieza a sonar se abre en pleno el mundo sinestesia; los sentidos se confunden y parecería que hay música para saborear, para oler. Los sonidos equivalen a un color. El ensueño no parece una dimensión fantástica sino algo para tocar con sólo estirar una mano. Bloom (Sub Pop, 2012) es inmenso, generoso; sutilmente bello. Siempre he sabido que la música debe asimilarse a través de la experiencia sensible y no por la razón o la lógica. Primero está lo que un artista te hace sentir y luego lo que la inteligencia y el raciocinio te pretendan aleccionar. Lo que hace Beach House es música para volar: hermosa y evanescente.

Me cuesta explicar las sensaciones que produce. Hasta que di con una idea vertida por ese gran crítico musical que es Simon Reynolds. El británico se refería a un concepto francés: jouissance. Que se define como una incapacidad del lenguaje para contener una experiencia que te vuela la cabeza. ¿Habría sido concebido mucho tiempo antes para que se ajustara a Bloom? No es posible, pero su aplicación es perfecta.

Son 11 canciones (con todo y el track oculto) perfectamente cohesionadas y completas en sí mismas. Cada una podría ser lanzada como sencillo y funcionarían. ¿Alguien habría imaginado que podrían superar la grandeza del Teen Dream –su opus anterior-? Alex Scally y Victoria Legrand cuentan que se requirió de mucho esfuerzo, aun cuando la mayoría de la gente opina que esta colección de canciones son más simples que sus antecesoras. Y esto es cierto, sólo que la fórmula se ha perfeccionado: quizá sean menos barroca pero más eficientes.

Reynolds dice que la jouissance también se parece al “sublime inefable” descrito por Jean Francois Lyotard o el goce -“bliss”-, abordado por Roland Barthes. En Bloom –cumbre del dream pop- hay gran cantidad de goce –durante su hechura y luego en su escucha- y de tan sublime también es inolvidable; lo llevaremos con nosotros por mucho tiempo (¿disco del año desde ya mismo?).

Hay que entenderlo como una obra integral, por más que “Lazuli” y “Myth” destaquen un tanto por encima del resto. Los de Baltimore han conseguido entrever los elementos fundamentales para el ejercicio de su peculiar forma de arte. Dejan que las líneas de teclado y guitarra se expandan para enmarcar la magia que conduce esa forma etérea de manejar la voz.

En comparación con antaño, ahora tienen un sonido más nítido y cristalino. Nada del low fi de sus inicios, dejan que la canción fluya por sí sola. Así ocurre en “Wishes” y “Troublemaker”, que alternan una cierta frialdad exterior con una calidez en lo íntimo; pareciera ser un contrasentido que se simplifica mientras transcurre la música.

Encuentro que en Galicia les han llamado “alquimistas de la ensoñación” y me parece que el término es exacto y hermoso. Beach House ha ido más allá de sus límites –lo que ha ocurrido disco a disco-,  logran transmitir, un estado de ánimo en cada canción. Ellos tienen el “sonic bliss” que Simon Reynolds explicará como: “El grano de la voz –barthesiano-, el frenesí del ritmo, la voluptuosidad del timbre y la textura”. Eso es un hecho.