El dubstep se hace cubano

Mala

Mala in Cuba

Brownswood Recordings

2012

Gilles Peterson antes que un locutor radiofónico y dj gourmet debe ser reconocido como un avezado investigador musical que recorre el mundo buscando sonidos apasionantes para llevarlos a sus compilaciones y posteriormente a sus programas y sesiones de baile.  Ha trabajado con gente como Brand New Heavies, Jamiroquai, Corduray y Snowboy. Pero sus verdaderos hallazgos han sido lo encontrado en África, Brasil y otras partes de América. Suele compartir el material con amigos –muchos de ellos fichados para su sello Talking Loud-, entre los que se encuentran 4hero, Terry Callier, Galliano, entre otros.

Sus últimas incursiones han sido sobre el territorio cubano, un apasionante e inagotable territorio cultural y musical con el que todavía no se había atrevido, quizá para guardar suficiente distancia con proyectos tan comerciales como Rhythms del mundo. El asunto es que le fue muy bien con Gilles Peterson presents Havana Cultura, que realizó en 2009, por lo que decidió regresar más tarde para preparar una segunda entrega. Pero no lo haría solo, convenció a una de las importantes figuras del dubstep de calidad: Mark Lawrence. 50 % de Digital Mystikz, una agrupación de las más sólidas que catapultaron al subgénero desde el sur de Londres.

Primero vio la luz el segundo volumen de la serie Havana Cultura: The Search Continues y ahora lo hace Mala in Havana, el primer trabajo de Lawrence en solitario y bajo ese nombre (en el anterior de DM trabajó también sin compañía). De entrada, Mark se hallaba un tanto renuente por no tener un vínculo con la cultura cubana; lo que Gilles le hizo ver como una oportunidad en vez de un obstáculo. El músico terminó por convencerse debido a la naturaleza esencialmente percusiva y rítmica de la música de está nación afroantillana.

Instalado en los legendarios estudios Abdala –en una pequeña sala- tuvo oportunidad de trabajar con varias de las figuras relevantes de la escena, como el finísimo pianista Roberto Fonseca y el percusionista de Los Van Van, conocido como Changuito, entre mucha gente que contribuyó. El resultado es Mala in Cuba, cuya característica principal es ampliar los registros del dubstep, abrirse a otras sonoridades y hacerlo crecer, sin caer nunca en facilismos de la electrónica más facilista y predecibleo en los lugares comunes del etno-techno o expresiones similares.

Mark Lawrence es un tipo con una ética y estética sonora muy firme. No sería viable que hiciera concesiones gratuitas; conocía de antemano los retos de este tipo de iniciativas y las exigencias para obtener una material respetable. Es más, nunca había trabajado con músicos grabando propiamente en directo con él.

Lo importante de un disco como Mala in Cuba es el proceso de deconstrucción y procesamiento de ritmos como el Son cubano, rumba, salsa y demás estilos propios de la isla, para fragmentarlos y obtener partículas que se adaptaran al estilo de Lawrence, ahora convertidas en piezas tan atrayentes como “Tribal”, “Cuba electronic” y “Revolution”.

No podemos dejar de lado el tema que se llama igual que el famoso percusionista cubano, “Changuito” –uno de los mejores tamborileros del mundo- y en la que el factor de un músico real tocando se siente de verdad; por más que terminen siendo samplers o secuencias no se pierde su carácter orgánico, tal como ocurre en “Mulata”, con la presencia de un piano eminentemente habanero.

Mala in Cuba entrega los primeros tracks en los que Mark trabajó con vocalistas en directo: “Como como” y “Noches sueños”, en la que aparece la cantante Danay Suárez. He aquí un disco que contribuye a los procesos de desarrollo y evolución de la música a través de un encuentro entre dos imaginarios tan distantes como Londres y La Habana. Lawrence ya se sentirá un poco cubano y en El caimán barbudo  no faltará quien siga los pasos del miembro de Digital Mystikz. Ahora también el dubstep lleva en su interior una esencia tropical que le hace ser más atractivo, mutante y enfilado al futuro sin el menor temor.

METRIKA es Diego Cevallos

Diego Cevallos se inclinó por la música a temprana edad, desde los diez años aprendió a tocar la batería dedicándose a las percusiones, el piano y la composición, pero desde que conoció la música electrónica sus intereses dieron un giro. Tiempo después, bajo el seudónimo de Metrika, empezó su carrera de Dj decidido a apoderarse del reventón con tracks plausibles. Además es productor y de vez en vez imparte cursos sobre diferentes temas, obviamente todos relacionados con la música, también ha re mezclado a artistas como Gustavo Cerati y Natalia Lafourcade. Todo un experto en diseño de audio.

Hace algunos años, el defeño tenía un proyecto con Gabriel Reyna llamado Digi+Gabo, donde el género que imperaba era el house; grabaron dos discos que tuvieron una buena aceptación y lograron recorrer Sudamérica y Estados Unidos. Ha trabajado para varios sellos entre ellos Noiselab y Crosstown Rebels. Diego también ha regresado a dos de sus primeras pasiones, el rock y la batería, instrumento que toca en Rey Pila, banda liderada por Diego Solorzano ex vocalista de Los Dynamite.

Su sonido oscila entres el house y el techno con algunas percusiones, además en sus canciones se puede notar la influencia  del jazz y la música experimental. También ha externado su pasión por la música clásica.

Su trabajo lo ha llevado por diferentes rincones del mundo como Beijing, Berlín, Nueva York y París. Metrika no es ningún improvisado, su persistencia y sus buenos trabajos hacen pensar que pronto explotará y será un artista influyente para las jóvenes generaciones.

Lvis Mejía

Lvis Mejía es un joven artista multimedia que gusta de hacer música, combinando los beats de la electrónica con diversos sonidos que son generados a partir de programaciones y de objetos variados, dando como resultado atmósferas sonoras únicas. El mexicano es una persona sumamente creativa e ingeniosa que siempre está trabajando en algo, ya sea en solitario o colaborando con algún otro artista. Es común que el también productor constantemente esté involucrado en proyectos distintos, tales como presentaciones audiovisuales, arte conceptual, instalaciones multimedia, cine y, por supuesto, la creación constante de música nueva. Mejía también forma parte del quinteto de improvisación de jazz Black Princess y es un miembro activo del Sonic Arts Network, al igual que de la Red de Arte Sonoro Latinoamericano (RedASLA).

A pesar de que Lvis Mejía ha estado activo creando música desde hace un poco más de cinco años, su debut dentro de la escena se dio en el 2010, tiempo después de que el artista electrónico se fuera a radicar a Hamburgo (Alemania) con el lanzamiento de su material Zupranada, el cual está compuesto por 13 cortes en los que la experimentación sonora da resultados interesantes y lleva al escucha a través de un viaje en el que se avivan todos los sentidos.

Algunas canciones recomendables para entrarle como se debe a la música de Lvis son "Mupsicópata", en la que el Drum and bass fluye mientras suenan algunos ritmos de jazz; "Menschliche Selbstvernichtung", que inicia con ruidos que parecen ser de un modem o una computadora, y "Diaspora", que resulta melancólica y se aleja de la electrónica, demostrando otra faceta de su intérprete.

Anteriormente, Lvis ha visitado México presentar su obra en la Fonoteca Nacional, el Centro Nacional de las Artes y el MUAC. Además, ha tocado en Barcelona, París, Londres y uno que otro festival europeo. Desde inicios de este año, el artista mexicano ha estado ocupado con una gira que ya lo ha llevado a Francia, Alemania y Suiza, y que ahora lo traerá de nuevo al D.F. para que de una demostración de su talento en MUTEK.MX 2012.

La actuación de Lvis Mejía, como parte de las actividades de MUTEK.MX 2012, será el jueves 4 de octubre en la planta alta del Auditorio BlackBerry, en un concierto en el que también participarán Kupa (México) y Deadbeat (Canadá), y  comenzará a partir de las 8 pm.

Visita su sitio oficial: www.luismejia.net

Matías Aguayo, cara latina en electrónica

Matías Aguayo es un chileno ciudadano del mundo, amo y señor de las pistas de baile;  ya conocido en tiempos pasados por sus proyectos Zimt, Closer Musik y Broke, donde el techno hacía de las suyas. Después de dejar esos amores emprendió su carrera solista con el material Are You Really Lost en 2005, y de aquel año para acá nos ha regalado trabajos como  su segundo disco Ay Ay Ay en 2009, A Night At The Tilehouse  EP en 2007, I Don't Smoke EP en 2011 , más unos singles que son unas joyitas.

Matías es muy claro al hablar de sus influencias, sus cinco discos que considera marcaron su vida tienen matices tan variados como su música: The BeatlesRubber soul, Dj PierreAnnihilating rhythmTalking  Heads: Remain in lightBobby KondersHouse rhythmsDAFAlles ist gut.

Además vale la pena mencionar su colaboración con Battles y Discodeine.

Un digno exponente de los hispanoparlantes que combina el house, el swing, el techno, la cumbia y otros ritmos  logrando una mezcolanza sabrosa; todo esto resultado de su sangre latina, el contexto alemán en el que creció y sus viajes por el mundo. Ideal para los reventados amantes del mestizaje musical y la fiesta de tres días.

Aguayo ha sido unos de los principales artistas encargados de abrir paso para otros Dj’s latinoamericanos como Daniel Maloso de México y Diego Morales de Santiago de Chile, su trabajo ha sido reconocido y su futuro es aún más prometedor.

Screaming headless torsos y el power trío

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Simplemente una noche excepcional la que presenciamos el jueves en El Plaza Condesa, definitivamente algo fuera de lo común en la que la poesía y el jazz fueron los grandes protagonistas; las palabras del poeta Mardonio Carballo transmutaron en poderosos conjuros llegando a las entrañas de los asistentes, así como la sonoridad de la lengua náhuatl mezclada con los sonidos experimentales de los hermanos Chema y Alonso Arreola logrando la alquímia perfecta que caracteriza a éste virtuosísimo power trío, quienes no perdieron la oportunidad de homenajear con una balada al ya desaparecido pianista y compositor cubano Ignacio Villa mejor conocido como: “Bola de Nieve”.

El público se dejaba arrobar por las palabras disparadas desde el megáfono de Carballo; y justo cuando pensábamos que ya lo habíamos escuchado todo, llega una re-composición del ya conocido tema de los Beastie Boys: “Sabotage” interpretada en náhuatl, cerrando con broche de oro ésta memorable presentación. Sin embargo no debemos olvidar que la participación de Arreola + Carballo sólo fue el inicio de esta gran noche en la que “El Plaza” se convirtió en una verdadera fiesta llena de color, con un escenario plagado de grandes talentos, con la presencia de los  Screaming Headless Torsos, quienes abrieron con el tema “Vinnie”, seguido de un efusivo saludo por parte de Freedom Bremner (vocales)  quien contagiado por la energía del público entregó todo desde el principio, haciendo evidente su admiración por México; la interacción constante con los fans logró momentos realmente efusivos, presentando “Field of Light” un tema de su nuevo material que nos recuerda aquel soul funk neoyorquino de principios de los  80, en el que homenajearon a la leyenda del funk George Clinton alias Dr.Funkenstein; fue una presentación llena de sorpresas, en donde cabe destacar la presencia de un coro barítono de jóvenes mexicanos quienes demostraron su profesionalismo al máximo.

Pudimos escuchar sonidos bastante experimentales mismos que los hacen inclasificables; en momentos recurrían a diversos objetos para generar atmósferas ambientales que nos transportaban al interior de una selva llena de misticismo, al fondo una voz que nos advertía repetidamente “Next stop Mexico City”  de pronto unos riffs imparables  nos traían de regreso a tierra firme, y si creíamos que la cosa no podría ir mejor emerge el cover “Angel”  entre luces moradas evocando aquel purple haze de Jimi  Hendrix, homenajeando su legado. El concierto fue todo un deleite los Screaming Headless Torsos definitivamente dejaron huella en el público mexicano.

Por su puesto no podríamos irnos contentos sin platicar con Freedom Bremner, quien en exclusiva para Indie Rocks! compartió su percepción sobre tocar en tierras mexicanas: “Siempre es grato venir a México, amamos estar aquí, es muy emocionante, quisimos regresar y hacer este show, es un lugar cálido, los fans son fantásticos, conocen nuestras canciones, son muy apasionados, algo que nos fascina es que también hay muchos jóvenes, chicos de 15 y 17 años¿ puedes creerlo?”. Al preguntarle sobre el cover de Hendrix, Bremner respondió: “Es un ser muy especial, la mayoría de la gente se enfoca en la forma en que tocaba la guitarra, en su vestimenta ó en su forma de vivir, pero se olvida de que él fue un gran escritor, tenía letras muy fuertes; personalmente te puedo decir que “Angel”  ha sido una de sus mejores composiciones, pienso que es una balada hermosa, mañana es justamente su 70 aniversario por eso quisimos tocarla".

Los Dorados: un dragón con absoluta libertad sonora

A diferencia de tantos que repiten una y otra vez que cuentan con su “propio estilo” o que son “auténticos”, Los Dorados establecieron desde el principio el nunca pretender ser y simple y sencillamente hacer música por el gusto y amor al arte. Este grupo de hombres creativos y pacientes saben que esta disciplina no les debe nada, por el contrario, se deben a ella; de ahí su esfuerzo.

Nacidos en el 2003, como una iniciativa de estudiantes de la Escuela Superior de Música por hacer un ensamble de jazz, desde el principio aseguran que “hubo mucha empatía. Nos bastó con darle un rumbo, ya que como estudiantes de jazz uno se basa en los standards o todo el repertorio del género: lenguaje, rítmica, dinámicas, interacción, improvisación e interpretación; sí lo hicimos, pero siempre con esa inquietud de hacer cosas originales (propias), con un sonido particular. Empezamos con un jazz avantgard, con rítmicas, armonías y orquestación no convencionales, siempre con un gran margen de improvisación”.

¿Cuándo y cómo nace su Jazz con distorsión y beats electrónicos?

“El primer disco, Vientos del Norte,  fue producido con nuestros propios recursos. Tuvo buena aceptación, bandas de otros géneros se identificaron, le quitamos lo solemne a nuestro jazz; abrimos brecha colaborando con grupos de rock”.

“Con Turbulencia (segundo disco) nos transformamos musicalmente. El hecho de llegar a un estudio y tener varios días para grabar con libertad nos permitió incorporar el delay y la distorsión en la guitarra, el saxofón y el contrabajo. Empezamos a trabajar con el Dj Rayo y tomó una dirección propia, dando espacio para todas las influencias musicales, no sólo el jazz. Decidimos ser honestos y aterrizar lo que nos gustaba tocar. Eso evolucionó nuestra música”.

“En el tercer disco, Incendio, invitamos al trompetista Cuong Vu. Fue nuestra primera experiencia con un músicos de reconocimiento internacional y esto sirvió para abrir brecha y hacer música diferente. Ahí fue cuando nos dimos cuenta que somos dueños de hacer lo que se nos pegue la gana, disfrutamos mucho hacer música, nos damos nuestro tiempo en la producción y provocar nuevas ideas; incluímos sonidos como el folk que nunca hubiéramos creído que estarían, pero que al final estas historias fronterizas encontraron su lugar. Procuramos que en la misma producción existiera la improvisación y esa es la esencia de Los Dorados: hacerlo igual que como se hacía en los 70”.

Las ventajas y desventajas de ser músicos independientes

"Lo mejor es que puedes hacer lo que se te hincha un huevo y lo peor es que no se tienen los grandes recursos, pero al final eso es muy relativo porque hay muchos que firman y en realidad no pasa nada ya que eres propiedad de una disquera y tu material puede estar enlatado años. Consideramos que no es el camino, lo delicado está en invertir tus ganancias, es duro no ver dinero con tanto gasto, pero el hecho de poder expresarte como te plazca, lo vale. Incluso todos tenemos proyectos alternativos".

Las complicaciones de la comercialización independiente

“Se trata de hacer trabajo en equipo con promotores. El jazz en México no vende y lo que paga la industria a los músicos mexicanos a comparación de lo que obtienen algunos extranjeros pues no pinta; de ahí la importancia de proyectos como Alterna Jazz, encabezada por Sara Valenzuela. Mientras sigan existiendo oportunidades como en la Carpa Intolerante (Vive Latino), se darán mayores oportunidades de asociarse con promotores”.

El proceso Creativo; la hora de hacer música

“Hemos evolucionado. En el primer disco lo hacíamos muy académico, muy formal y el proceso creativo debe ser muy diferente; los esfuerzos individuales con base en la improvisación siempre llegan a un final feliz; en el concepto de agrupación, la dinámica es colectiva, nos complementamos en lo lírico”.

El estilo Dorado

“El jazz es el origen, la esencia, pero musicalmente es una mezcla de sonidos de géneros como el hip-hop, noise, música electrónica, rock, música mexicana; es música libre. Todo es honesto, nuestra música es fácil de escuchar, es para todo tipo de públicos”.

Calificados por el Mastuerzo de Botellita de Jeréz como “el nuevo rock”, debido a la novedad en sus elementos y su filosofía, Los Dorados son el resultado de haber picado piedra durante años, generando nuevas oportunidades en lo musical y proponiendo. Tal es el caso de ser parte de diversos festivales y  recibir invitaciones de todo el mundo. Sin duda vale la pena escucharlos el próximo 20 de septiembre en el Auditorio Roberto Cantoral, que dicho sea de paso es un lugar con condiciones ideales para presenciar un buen concierto.

COEXIST, EL RETO DE THE XX

The xx

Coexist

Young Turks

2012

El segundo álbum, como siempre, es el coco de todas las bandas. Después de la  increíble acogida que tuvieron con su disco debut titulado simplemente xx, Romy Madley Croft, Oliver Sim y Jamie Smith (aka Jamie xx) -ganadores del Mercury Prize en 2009- tenían el reto no sólo de satisfacer a una audiencia enorme, sino de entregar algo de la misma o mejor calidad que xx, lo cual de entrada no pintaba fácil.

Bandas que comienzan su carrera con un primer disco tan aclamado, comúnmente se abruman y se presionan al sacar el segundo. El sonido que nos reveló esta banda con xx se convirtió en un punto de referencia. Fue un álbum de una belleza muy austera y delicada, repleto de silencios largos y enigmáticos a los que no estábamos acostumbrados. Fue un material que les concedió un estilo muy propio y diferente al de cualquier otra banda.

Los susurros y los hermosos silencios -que no resultan incómodos, sino que encajan perfectamente bien en todos los temas- siguen presentes en Coexist y lo ayudan a fluir como agua. Cada acorde está repleto de sentimiento y misterio.

“Angels”, aunque hermosa, decepciona un poco por sonar exactamente igual a las canciones del álbum anterior. “Reunion” maneja elementos nuevos como el uso del steel drum dándole un aire medio caribeño y refrescante. “Missing” es una de mis favoritas por ser sutilmente romántica sin llegar jamás a ser cursi, envuelta de principio a fin en ese aire minimalista tan característico de The xx.

“Tides” es una rolita muy bien lograda que combina elegantemente el sintetizador con coritos fantasmales. “Swept Away” maneja un house beat delicioso que recuerda un poco a Everything But The Girl. La melancolía es la piedra angular de esta placa y recorre las venas de todos los tracks. Si se está pasando por una situación amorosa difícil o -peor aún- una ruptura, este disco se volverá una adicción y se querrá regresar a él compulsivamente.  Los que no pasan por ningún tipo de situación amorosa, lo escucharán por el puro gusto de dejar entrar a la soledad y a la tristeza en sus oídos.

Coexist es un disco firme, completo, con ejecuciones impecables de músicos que se nota que se han presentado en un sin fin de festivales y que tienen la confianza en sí mismos para sonar como una banda sólida y coherente. La fórmula de “menos es más” les funciona a la perfección y demuestran su gran capacidad creativa superando con creces la difícil prueba del segundo álbum.

Nathan Fake

Creado por James Holden, el sello inglés Border Community se ha vuelto una referencia musical de los amantes de la música electrónica de esta generación; uno de los músicos más conocidos y prodigiosos de esta disquera es Nathan Fake.

Nacido en Norfolk, Inglaterra y con tan solo 29 años, Nathan Fake se ha posicionado como uno de los más importantes djs y productores de la época, con una carrera marcada por exitosos singles y tres álbumes de estudio aclamados por la crítica, Nathan es culpable de haber vuelto a posicionar el techno en la escena musical inglesa, con un aire mucho más fresco y ambiental.

Fake comienza su carrera musical en el 2003, cuando ya respaldado por el sello inglés,  lanza al mercado su primer sencillo titulado "Outhouse", canción que se convirtió rápidamente en un éxito comercial. Este éxito comenzó a aumentar paulatinamente, en 2004 "The Sky Was Pink" vuelve a revolucionar el mercado musical. El primer álbum de estudio de Fake se hizo esperar hasta el 2006 con Drowning in a Sea of Love, estableciendo una sensibilidad enmarcada en melodías y sonidos experimentales que consolidaron el primer éxito discográfico del niño consentido de Border Community. En 2009 es presentado Hard Islands, álbum que ofreció una faceta completamente diferente al Nathan que ya habíamos conocido; este álbum mostró un sonido mucho más frenético y rítmico, armonías a destiempo y beats hipnóticos que no dejaron ver un ritmo en concreto en todo el disco, sólo una psicodelia bien lograda por un genio en proceso.

Después de cuatro años de silencio, Fake regresa para regalarnos su más reciente producción discográfica lanzada en agosto del presente, Steam Days incursiona en nuevos terrenos sonoros, ritmos que evolucionan con el paso de los minutos  y atmósferas psicodélicas que logran ir estableciendo emociones diferentes en cada canción, mostrando una madurez musical y el gran talento que ya conocíamos.

Al marco del Festival  Internacional de Creatividad Digital y Música Electrónica MUTEK.MX, Nathan Fake regresará a tierras mexicanas para presentarse en el Auditorio Blackberry el 4 de octubre, acompañado en el escenario por Lao, Luke Abbott, Jon Hopkins, Egyptrixx y ScubaNathan promete una noche memorable, un concierto que sin lugar a duda, los amantes de la música electrónica no deben pasar por alto.

Rompiendo la cotidianidad con Ximena Sariñana

“Transformar lo cotidiano en una experiencia única e ir más allá de lo común”, fue la premisa por la que Coca-Cola Zero y Cinépolis invitaron a Ximena Sariñana a una sala de cine, para un set íntimo con algunos de sus admiradores. La cotidianidad de una sala de cine se vio interrumpida por el jazz-pop de Ximena Sariñana y por momentos el lugar se convirtió en un pequeño club de jazz. En un escenario muy poco convencional, la cantante mexicana interpretó algunos de sus éxitos, principalmente de su primer disco. El peculiar experimento resultó muy agradable, pues permitió el acercamiento del artista a su público, como en los inicios de su carrera.

A los pies de la pantalla de la Sala 14 del Cinépolis Perisur, se instaló un pequeño escenario en el que únicamente había un par de teclados, sintetizadores, percusión eléctrica y una guitarra acústica. El show más que acústico fue íntimo. La cantante mencionó que el set fue planeado como una historia, comenzando con su canción "Normal". Mientras Ximena Sariñana interpretaba sus temas, en la pantalla se proyectaban videos referentes a ellos.

La artista tuvo mucha interacción con el público, cosa que cada vez sucede menos en los grandes conciertos. Ello la llevó a recordar sus inicios en el Zinco Jazz Club del centro de la ciudad. Muy acorde al lugar, continuando con su historia, Ximena interpretó "Reforma" y "Tú y yo". Con ese último tema, la velada tomó un aire muy romántico que permitía la cercanía del artista con el público.

Un error abrió paso a una sección especial en el show, pues Sariñana interpretó un par de covers, cosa que de acuerdo con ella, pocas veces sucede. El primero fue del tradicional son mexicano, "La Llorona", recordando a una de sus más famosas intérpretes, Chavela Vargas. El segundo, incluido en su primer álbum, fue "Monitor", originalmente de la banda mexicana Volován. El show concluyó con "Mediocre", la canción ella considera como la más importante de su carrera.

Al final, Ximena Sariñana bajó del escenario para responder algunas preguntas que sus fanáticos le habían enviado. Entre ellas destaca que en próximas fechas Sariñana viajará a España donde tendrá algunos shows y festejará su cumpleaños. También, la cantante hizo saber que estará completamente enfocada en la realización de un nuevo álbum. Y cuando se le preguntó cuál es su fuente de inspiración, ella respondió que en general la cotidianidad, pero se tiene que estar muy atento para encontrar momentos específicos en ella. Ciertamente uno de esos momentos específicos fue el show en esa sala de cine.

Laurel Halo

Dentro del marco de MUTEK.MX se encuentra una artista que en lo personal me encanta: Ina Cube, una mujer apasionada y visionaria que se convirtió en una de las propuestas más interesantes en la escena experimental, envolviendo con una vibra y un sonido meramente espacial y de momento oscuro y celestial.

Con influencias de Gerri Blank, Miike Snow, Can, Space Time Continuum, Rhythm & Sound entres muchísimos otros, Laurel Halo, inspirada por una infinidad de factores que convirtieron su teoría musical en una especie de ciencia-ficción electrónica y nativa de Ann Harbor, comenzó a tocar el piano con sólo seis años de edad y añadió toques de guitarra y violín a su repertorio cuando era aún una pequeña niña. Cuando comenzó a componer, su fascinación por las formas geométricas fueron su traducción en la música y los sonidos que fue absorbiendo en el transcurso de su carrera fueron sólo los detalles para su obra final.

Con varios EP's del 2006 al 2009, escritos, arreglados, interpretados y producidos por ella misma, es como hoy por hoy, con un sonido realmente evolucionado, esta chica mantiene una apretada agenda, colaborando con un sin fin de artistas que proponen cosas increíbles en cada proyecto. Su última pieza, Quarantine, es una clara muestra de lo que les estoy hablando: una serie de sueños emotivos que  se muestra como uno de los mejores discos del año.

Es así, como el próximo 5 de octubre, tendremos la oportunidad de presenciar a Laurel Halo en el Teatro Fru Fru dentro de las actividades del MUTEKMX 2012 por sólo 200 pesitos.

Un sonido oscuro y fantasioso que evoca a un futuro desolado y escabroso, vocales desesperados y un espiritú ansioso y a la vez agresivo. Halo sabe lo que hace y está segura de lo que quiere lograr a través de cada melodía, tanto que fabrica sonidos hermosos que pueden rozar con lo espantoso. Despreocupación que encamina a la perfección.

Un avatar en ascenso que merece la pena ser escuchada, ¡no se la pierdan!