Peter Brötzmann’s Hairy Bones: Apocalípsis de hora y media

Como si se tratara de una bomba nuclear, Peter Brötzmann al frente del ensamble Hairy Bones, devastó no sólo tímpanos sino neuronas con su inconfundible saxofón demasiado eléctrico y demasiado orgánico como para ser de este planeta, contagiando una sensación anárquica de destrucción que para aquellos que no sólo escuchaban sino intentaban digerir lo presentado, les era imposible permanecer en su asiento, pareciendo casi necesario azotar la cabeza contra una pared debido a la carga física y emocional que la música emanaba.

Contextualizando un poco, el ensamble que se presentó ayer, al igual que su digno telonero Hernan Hecht Trio, ejecutaron uno de los estilos más arriesgados y controversiales del jazz: el free jazz, característico por ser melodías, tiempos y estructuras totalmente fuera de sincronía, y que los puristas del género han repudiado mientras otros lo abrazan como una revolución sonora que no podría haber mejor ejemplo que el ensamble Hairy Bones de Brötzmann, donde liderados por un saxofón, explotaron con sonidos en extremo viscerales inferidos de un poder tan característico del estilo, que deja en claro porqué géneros como el noise y el industrial les deben más que el génesis.

Acompañado de los igualmente renombrados músicos de improvisación Toshinori Kondo en la trompeta, Paal Nilssen-Love en la batería y Bill Laswell en el bajo, Brö bien pudo haber ejecutado la banda sonora la inminente Tercer Guerra Mundial donde en un principio explosiones y derrumbes retumbaban en los tímpanos de los presentes perpetuando una sensación de total y absoluta destrucción para que luego una desolada e inquietante secuencia de melodías recorriera cada uno de los recovecos del lugar, cimbrando inquietud y confusión para cuando una vez más todo parecía volver a la normalidad, un monstruoso saxofón tenor acribillara con sonidos que, a pesar de tener más de cien años de dominio en el instrumento, jamás pensaríamos puede emitir.

Durante cuatro piezas y un total de hora y media de duración un Teatro de la Ciudad fue arremetido por un sonido más grande que la vida misma, donde un quórum de adeptos y curiosos fue víctima de uno de lo músicos más consagrados e inventivos de la escena free jazz europea, y que además de a Brö y sus más de cuarenta años de experiencia, tienen que agradecer al Festival Aural, pequeño engendro del  FMX, por procurar una presentación tan monumental como esta dentro de su cartel.

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Baladas POP con onda

El pasado sábado 5 de mayo la chamacada y alguno que otro adulto -aferrado como un servidor-  dimos cuenta de la energía y desarrollo musical de una de las bandas inglesas de mayor crecimiento de los últimos años.

The Kooks llegó al Plaza Condesa en la Ciudad de México para presentar su tercera producción bautizada como Junk of the Heart, de influencia más electrónica que sus otros dos discos.

Si bien, esta carta de presentación hace ver una banda más popera con música menos intensa que lo que pudimos apreciar con Inside In/Inside Out y Konk, no deja de ser divertida para quienes les gusta bailar, mientras hacen uso excesivo de las redes sociales a través de sus móviles.

Éxitos como “If Only”, “She Moves In Her Own Way”, “Down To The Market” “Junk of the Heart” y “Naive” hicieron ver muy divertido a un Luke Pritchard  8líder y vocalista de la banda), que por momentos se veía conmovido por la respuesta del respetable público que no dejó de corear sus temas y hacer cimbrar la duela del recinto. Entre tanto brinco, brindis, gritos y abrazos de un público agradecido por el esfuerzo de la banda originaria de Brighton, Inglaterra (que seguramente serán contemplados para festivales masivos en un futuro próximo) ésta se despidió.

All City Canvas: Arte Urbano en México

Nueve muros, una semana, litros de pintura y el gran talento de nueve de los artistas, con mayor reconocimiento a nivel mundial fueron elementos suficientes para que la primera edición del Festival Urbano All City Canvas llenara de color la Ciudad de México. La tradición del muralismo en nuestro país fue pretexto suficiente para poder llenar de vida muros desnudos a la intemperie y a los elementos para revestirlos de historias, personajes y seres de otro mundo con el objetivo simple de llevar arte para todos.

En entrevista con Indie Rocks! tres de estos talentos internacionales nos platicaron de su obra y lo que les representaba su participación en este Festival incluyente de proporciones majestuosas.

MAC (Estados Unidos / Hotel Reforma Avenue)

El proceso creativo

“Empecé a hacer grafiti desde joven, por eso es que estoy en esto; toda la vida hice arte. Siempre he dibujado cosas que tienen que ver con la vida, con la naturaleza, y  con el tiempo se aprende cómo dibujar las características de la cara y el cuerpo. Prefiero pintar rostros, figuras y animales”.

El muro del Hotel Reforma.

“Estoy haciendo un retrato de una señora de la que tome unas fotos, se llama María Guardado a quien conocí en Los Ángeles pero es de El Salvador. Ella fue activista en su país, fue torturada, pasó por muchas cosas muy malas, se escapo en los Estados Unidos y a pesar de su edad ella tiene mucha energía”.

Es un homenaje a esa señora en particular pero se pueden representar a muchas más personas, la gente puede verla y puede llegar a pensar que es alguien de su familia, (que se identifiquen).

HERAKUT (Alemania / Periódico El Universal)

Su manera de trabajar

“No nos preocupa hacer bocetos. Vamos al lugar, nos sentamos frente a la pared y ahí es cuando empezamos a decidir qué haremos. Nuestro proceso trata más de familiarizamos con el entorno, nos tomamos un café, escuchamos a la gente…es como hacer una polaroid del momento y es lo que plasmamos”.

Como artistas ¿cuál su objetivo al participar en este festival?

En México tenemos muchos fans y nuestro objetivo es darles algo que puedan ver, en verdad es algo muy simple. No intentamos dar mensajes políticos, se trata de la gente y en especial de decirle a la gente: Miren, ustedes pueden hacer esto; es divertido hacer algo con tus propias manos. Se trata de demostrar que trabajar con tu cuerpo es muy divertido,  de ser valientes y que no dejen que un gran muro los impresione o espante.

SEGO (México / Hotel W)

¿Qué es lo que estás haciendo en tu muro?

Son unos peces de fantasía como los que diseño con base en rasgos de otros animales que voy creando, tipo alebrije o como una especie de bestiarios.

¿Cuál es el mensaje de tu obra, tiene título?

No pongo títulos a mi obra porque se me hace como engancharle una idea al espectador y me gusta mucho más la interpretación. No siempre estoy yo para explicar las obras pero me gusta mucho lo que las personas opinan o perciben de mi obra. A veces me dan ideas; es muy enriquecedor.

¿Tu trabajo sirve para contar historias?

A veces sí, pero si te fijas mis personajes son más estáticos, algunos tienen movimiento pero están en una escena congelada. Mi arte es más contemplativo que con un mensaje directo.

¿Este tipo de festivales siguen teniendo la esencia del muralismo en México?

Sí, aunque ahora mismo se manejan otras cosas como técnicas, colores; otros temas pero al final es social porque está en la calle. Los tiempos cambian, el arte va cambiando y las necesidades de los artistas también. Y en este país hacen falta buenas noticias; yo he estado en proyectos fuera de México y hay exposiciones grafiti pero de esta manera nunca.

¿Qué hay con tu proceso creativo, cómo decides qué vas a pintar?

Justo tengo etapas donde no dibujo nada pero los estoy procesando.Lo tengo en la mente, tengo ideas, como un cuaderno pero en mi cabeza y también como no había tenido tiempo de dibujar justo lo hice en la habitación, pero ya como una idea preconcebida y justo también con el muro como factor que tenía condiciones especiales para resolver.

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Patti Smith en el Anahuacalli

Con el puño en el aire y el cabello suelto a contraviento, Patti Smith entregó su alma desnuda a un público donde distintas generaciones, clases sociales, y nacionalidades (por más de hora  y media) convergieron en lo que fuera un emotivo concierto de rock de unas las figuras más icónicas en la historia del género.

Patti Smith evocó un hermoso vínculo donde las palabras hicieron eco, no sólo en los oídos sino en  los corazones, entregando un mensaje importante para todos los habitantes de este país, de este planeta, y de este mundo: “Nosotros, la gente, tenemos el poder. Nosotros somos los que tomamos las decisiones. Nosotros somos los que mandamos. Nosotros somos el futuro, y el futuro es ahora”.

No se pierdan nuestra edición de junio ya que tendremos más detalles de esta inolvidable presentación.

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Patti Smith: Una poetiza en la Ciudad de México

“¿Por qué ser poetas en tiempo de sufrimiento? La poesía es un llamado de un ser superior, expresa los más profundos sentimientos de la condición humana, no cuesta nada, es gratis y no necesitas nada para compartirla…es como si preguntaras ¿por qué la comida? ¿por qué el clima?” Explica Patricia “Patti” Smith sobre la necesidad del arte en el ser humano en lo que fue una emotiva e intima sesión de Q&A organizada por el Festival de México

“¿Quién soy yo hoy en día? Yo soy “nosotros”, desde mis primeros pasos en este país a el día de hoy, soy este encuentro con ustedes… soy una poeta en la Ciudad de México”, dijo la poetiza que, con su notable gusto entusiasmo, transformó  un formal encuentro entre unos cuantos periodistas y artistas, a una amena plática e incluso breve recital entre quienes bien pudieron haber sido amigos en otras vidas.

Patti retira unos lentes de sol de su rostro mientras quien ha sido su guitarrista de apoyo en sus casi cuarenta años de carrera musical, Lenny Kaye, se pasa la mano por el cabello observando la cantidad de gente aparecida para estar junto a Patti quien no pierde el tiempo en expresar su amor a nuestra tierra “He venido a este país varias veces por mi cuenta, desde joven en 1970, pero esta es la primera vez que vengo como artista, es un gran logro personal estar aquí, esta increíble bienvenida y sobre estar en este lugar tan importante para mi”, narra Patti sentada en el patio de la “Casa Azul”.

El foro espacio que albergó por una escasa media hora a una de las figuras intelectuales más laureadas de Nueva York, es un museo que antes fuera hogar de la pintora Frida Kahlo, mujer que Patti confiesa que, junto con Diego Rivera, fue el detonante por el que decidió volverse artista “Mi madre me dio de pequeña el libro “La fabulosa Vida de Diego Rivera”, y al leer sobre su persona, su manera de ser, esa dupla de musa que tenía con Frida, fue lo que motivó a irme de casa hacia Nueva York buscando algo así” y mientras Patti habla con una enorme sonrisa en la cara, era inevitable que el tema de la violencia en nuestro país se colara en la conversación “Yo como una americana no veo a México como el país cubierto de sangre del que tanto se habla, yo visualizo a México como un lugar donde se habla en voz alta, donde se lucha por lo que se quiere, lleno de vida y energía”

Intercalando en la conferencia dos conmovedoras canciones interpretadas al lado de Kaye, la primera “People Have The Power”, fue una convocatoria al levantamiento y a la conciencia social por el que Smith siempre ha abogado “Nací como una artista, no como un político… solía ir a muchas marchas en contra de tragedias en Vietnam, Libia e Irak, pero ahora mi preocupación es la de una madre, quiero un planeta limpio y habitable para mis hijos ”.

Tras un intercambio de palabras entre los presentes, unos esquivando aferrados fotógrafos y otros removiendo lágrimas de ojos, Patti y Lenny interpretan una segunda y ultima canción, “Wing”, dedicada a Diego y a Frida dando por terminado un encuentro que nadie quería acabara, y cuyo mensaje sobre todas las palabras dichas esa mañana fue “Todos somos hermanos y hermanas, hagamos escuchar nuestra voz no como políticos o músicos, sino como ciudadanos, tenemos que unirnos sí queremos un cambio real en nuestro mundo”

Patti Smith interpretando Wing

RITO DE PASO, de MARTIN FERREYRA con corazón de mostro

Entre pinturas, dibujos, cerámicas, música y tequila, desde Córdoba, Argentina, el artista plástico Martin Ferreyra inauguró Rito de Paso, su primera exposición en México. El 19 de abril, la galería encargada de abrir sus puertas al trabajo de Martin fue Domicilio Conocido de Julieta Ceballos, ubicada en Ámsterdam 206, Condesa.

Influenciado por los comics de los 90, el rock, la literatura y el cine, Martin nos comparte su creencia sobre la versatilidad y la posibilidad de variar en la aplicación de técnicas y materiales, mientras disfruta y se divierte con lo que hace.“Recorriendo la vida de una civilización imaginaria, integra elementos que definieron el desarrollo de la humanidad.” Lian Solana

Los dj´s Rafa Caviano, Andrés Oddone, Sandrodeamérica y la cantautora Sol Pereyra estuvieron musicalizando la inauguración de esta exposición que cuenta con 50 piezas y su nueva colección de Totem Bowls las cuales estarán a la venta.
Para más info.: www.martin-ferreyra.com.ar   www.domicilioconocido.mx

Conoce a... Little Dragon

Originarios de Gotermburgo, Suecia, Little Dragon es una agrupación formada por Yukimi Nagano (percusiones y voz), Erik Bodin (percusiones), Fredrik Källgren Wallin (bajo) y Håkan Wirenstrand en los teclados, quienes combinan el trip hop y electro pop para crear música única.  La característica principal de esta banda es la voz de Yukimi, una chica sueco-japonesa, que se acompaña con el sonido de las percusiones, dando como resultado música suave con un toque de electro.

Su discografía está conformada por Little Dragon, su primer disco homónimo lanzado en 2007, Machine Dreams en 2009 y Ritual Union presentado en junio del año pasado. Además, han  participado con otros artistas como José González, Tv On The Radio, DJ Shadow y Gorillaz. Estas participaciones los distinguido como una de las bandas más representativas del indie rock sueco.

Little Dragon visitó México en el 2010, alternando el escenario del Indie- O Fest con Deerhunter y Bam Bam.  A principios de este año, la agrupación acompañó a los Red Hot Chilli Peppers en sus presentaciones en el oeste de Estados Unidos. Asimismo, el 7 de junio participarán en el festival Bonnaroo.

Si aún no conoces a Little Dragon te recomendamos echarle un vistazo a “Constant Surprise” de su primer álbum y “Cristalfilm”, “Nightlight” y “Ritual Union”, canciones incluidas en  su último material discográfico.

La primera vez de Volbeat

Todo un éxito resultó la primera presentación de Volbeat en nuestro país en el recién inaugurado Auditorio Blackberry.

Con 11 años de trayectoria y 4 discos, la banda originaria de Dinamarca conformada por Michael Poulsen (guitarra  y voz), Anders Kjølholm (bajo), Jon Larsen (batería) y Michael Denner (guitarra líder) deleitó a su público cerca de 90 minutos con su mezcla de metal, rockabilly punk y un poco de country con una selección de temas como “Heaven Not Hell”, “Only Wanna Be With You”, “A Warriors Call”, entre otras.

Con sus poderosos  riffs y la impresionante voz de Michael, Volbeat logró encender la euforia de la multitud, en su mayoría grandes fans de la banda, los cuales no dejaron de ovacionarlos durante toda la velada, en especial cuando hicieron mención de sus influencias que van desde  Johnny Cash, hasta Metallica, Slayer, Motorhead, Misfits y Dio.

La banda dejó con un muy buen sabor de boca a los asistentes y prometieron regresar muy pronto a México.

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Amadou & Mariam: El sonido de África se esparce por el mundo

Amadou & Mariam, la pareja de músicos nativos de Malí, merecen toda nuestra admiración, no sólo por haber salido de África y conseguido el reconocimiento internacional, sino por su gran calidad como compositores, ejecutantes y cantantes. Ellos han sabido enriquecer la enorme tradición cultural de la que proceden. Le guardan respeto, pero también les interesa inyectarle frescura. Algo que quizá a los puristas no hace feliz, pero a ellos les satisface plenamente. Sin gente transgresora como ellos los procesos artísticos no se dinamizan y tienden a anquilosarse.

La pareja pertenece a un pueblo en el que la música se funde con el culto a Dios; tocar y cantar es una forma de rezo y un vínculo con la naturaleza. Así que ellos hacían una especie de blues rústico y primigenio que llamó la atención de otros músicos interesados en echar un vistazo a las raíces y fuentes originales. En un principio fue Manu Chao (2003) y después vino Damon Albarn, quien les produjera Welcome to Mali, donde se incluía la maravillosa Sabalí.

Han compartido escenario con gente como David Gilmour (Pink Floyd) y luego fueron remezclados por varios DJ`s de importancia (Vitalic, Miike Snow y Bob Sinclair, entre ellos). Lo suyo ha servido para allanar el camino a otros artistas venidos del llamado continente negro: Tinariwen, Konono No. 1 y Kasai All Stars, entre otros.

Nótese que sus méritos son muchos y no se centran en el hecho de que sean invidentes. Su trayectoria subraya que esta discapacidad no los limita, se trata sencillamente de una característica física. Recientemente han montado el concierto Eclipse, que transcurre en completa oscuridad para que los asistentes tengan una idea de lo que sienten los débiles visuales.

La pareja suele emprender largas giras y es ya habitual encontrarlos en los grandes festivales del mundo, donde suelen comenzar amistad con músicos muy distintos, a los que han convocado al espectáculo L’Afrik C’est Chic, unas sesiones con artistas invitados en Nueva York y Londres.

Así que no sorprende que Folila (Nonesuch/Warner, 2012) –su octavo disco- sea un nutrido desfile de personalidades y sonidos. La pareja goza interactuando con sus colegas, cuyas aportaciones dan variedad a una propuesta que en sus orígenes fue muy austera, pero que ahora posee estructuras más complejas, arreglos profusos y un carácter muy contemporáneo, es decir, hacen música africana actual sin olvidar por ello todo lo que tienen detrás.

Amadou Bagayoko y Mariam Doumbia se han dado un banquete haciendo este disco y ahora nos convocan a la fiesta. Uno esperaría que Willy Kataso, en la que participan los Tv on the Radio, Tunde Adebimpe y Kip Malone, robara cámara, pero no ocurre así.

Era lógico pensar que el encuentro con Santigold resultara explosivo; Dougou Badia suena filoso y marca la pauta para el resto del disco. Para el entorno francófono, el punto central de interés consistió en lo que podría aportar Bertrand Cantat, un vocalista de excelente registro y gran personalidad que tuviera su grupo Noir Désir, pero siempre rodeado por el escándalo, ya que fue condenado en 2004 por homicidio involuntario tras haber dejado en coma a su esposa. Seis años después, estando en libertad condicional, su ex esposa anterior se suicidó mientras Cantat dormía en la misma casa. Tras tanto lío, el hombre se apega a lo que mejor hace –cantar- y fortalece Oh Amadou, Mogo, Another way y especialmente Africa Mon Afrique, que se apropia del reggae.

El disco fue grabado en Nueva York por Marc-Antoine Moreau, un productor con que ya se han asentado, que luego viajó a Bamako para la mezcla y el acabado final. El espectro musical que debió decantar era amplio; desde Jake Shears de Scissor Sisters en los coros de Metemya a los versos rapeados de Thelonius London en Nebe Miri.

Cuatro años después de Welcome To Mali y uno desde sus remixes, lo mismo pueden apegarse a la forma más austera de su música, como sucede con Sans Toi y Chérie o catapultarse hacia la expresión más reciente del soul, alternando con Amp Fiddler en Wari.

Así, el pop contemporáneo se entrevera con la música africana y aprovecha su inmenso sentido rítmico y melódico. Hoy día, la verdadera aldea es el mundo entero y cada uno elige la tribu a la que quiere pertenecer. La música es el rito que nos une.

Échenle un vistazo a las siguientes ligas, recomendadas por la banda:

Amadou & Mariam - Interview with Ebony Bones

Amadou & Mariam - "Wily Kataso" Live session at Studio Ferber

Amadou & Mariam - "Oh Amadou" Live session at Studio Ferber

Amadou unplugged playing a solo guitar at Studio Ferber

Stephen O’Malley: El lado oscuro de la vanguardia

“Nunca me ha gustado tener que definir mi música ¿por qué tendría que hacerlo?” Dice Stephen O’Malley mientras hace sus maletas para trasladarse desde París, su actual residencia, a la Ciudad de México para su presentación junto Peter Rehberg (también conocido como PITA), dupla bautizada como KTL

Y no es para menos ya que Stephen, quién es también integrante de importantes figuras del drone y el doom como Sunn O))), Burning Witch y Khanate, concibió este proyecto como un acompañamiento auditivo para obras de teatro experimentales y performances. La frecuencia y estructura de sonido que KTL genera en vivo, procesando el sonido de la guitarra eléctrica a través de computadoras, puede producir efectos muy particulares en el espectador.

“Procuramos preparar algo diferente en cada presentación, esta vez habrá canciones con cierta estructura de las cuales improvisaremos de una manera más agresiva a lo que acostumbramos con este proyecto. Siempre es un reto tocar para gente totalmente ajena a nuestra música, es grato saber que hay interés… pero a veces no lo soportan ¿sabes? Puede ser demasiado para algunas personas. Sí hemos visto gente que abandona el lugar, pero por suerte nadie ha vomitado”.

Con su larga cabellera negra, barba y tatuajes, Stephen quien es considerado entre la escena del metal como uno de los músicos más vanguardistas, explica que a pesar de que el termino drone empezó a darse en Seattle sin una fecha exacta, hay una escena allá afuera que no se limita a este término al momento de crear música.

“Nunca me ha gustado que llamen mi música “psicodélica” o “noise”, a fin de cuentas lo que hago lo considero como “arte” y nada más. Tomo la guitarra con la mente en limpio, no como si esperara que llegara una musa sino libre de alguna expectativa. Allá afuera sólo hay arte, no soy el único. Es una experiencia muy saludable formar parte de varias redes sociales de músicos: expande tus horizontes”

Explica Stephen, con una voz directa y cortante, cómo sí buscara verdaderamente atar cualquier cabo, ya que es de recordar que cuenta en su currículo un sinfín de colaboraciones con músicos experimentales como Stuart Dempster, Ana Maria Av-ram, Iancu Dumitrescu, y Jóhann Jóhannsson, este ultimo proveyendo arreglos orquestales en el más reciente trabajo del dúo KTL V, álbum que presentarán en su visita.,

“México me impresiona en cada visita, parecen verdaderamente hambrientos de arte, y hacen de eso un estilo de vida ¿sabes? La primera vez que fui como Sunn O))) recuerdo un grupo como de diez o veinte personas, gente ya mayor de 60 o 70 años que entraron muy curiosos… y a no mas de cinco minutos del show comenzaron a reír de manera histérica para luego irse… fue en extremo bizarro” concluyó el norteamericano.