No es retro, es aprender de los clásicos

Posted on septiembre 13, 2012 by -

Existe una banda capaz de interpretar las enseñanzas del maestro, redefinir el sentido de la música y mostrar una nueva propuesta que aunada a unos “brownies mágicos” nos hacen bailar sin retroceso alguno. Independientes y sin intermediarios, lucen por no pertenecer a una disquera elegante. Frescos y desinhibidos detienen el tiempo para hacernos descubrir que para la buena música, no existe tiempo para disfrutarla.

¿Alguna vez pensaron que existiría la cocina musical?, o mejor aún, ¿Que mientras bailas, esta banda prepararía brownies mágicos para ti? Pues Timothy Brownie lo hace realidad el próximo 25 de septiembre en el Pata Negra.

Su enfoque musical es una fusión electro-disco-funk de azotea (más alla del esfuerzo colectivo por encasillar la música en un género), y la forma de crear temas llenos de sonidos estéticos y funcionales, materializan no sólo un disco que en sus canciones refleja una vibración de creatividad, sino también la forma de presentarse al ritual se vuelve un nuevo concepto de hacer música en vivo. "Hacemos música instrumental con un concepto de diversión en vivo. Los brownies salen de la cocina del maestro y es el agradecimiento a la gente por compartirse con nosotros, la idea es divertirnos, buscar que la música fluya desde lugares poco comunes", mencionó Andrés, guitarrista de la banda.

Pero el origen y el trabajo de esta banda no es fortuito: "Un día íbamos por la carretera en Miami cuando de pronto sucedió algo en relación a la música: brindle, brindle, house, brindle, brindle, house; le dimos una interpretación para después convertirlo en una composición. Empezamos a jugar, hicimos un dibujo y lo transformamos en un patrón musical. Dijimos: Esto es lo que tiene que interpretar la guitarra, así como el bajo, la batería, etcétera. ¡Así comenzó todo!", apuntó Mariano.

Pero son los arreglos, ritmos, palabras y texturas de Uriel, Mariano, Andrés y Gonzalo los que se unen para encontrar su forma y dar como resultado Legado Mutante, su primer álbum de estudio; un disco sobrio, pegajoso, críptico e hilarante que diversifica como pocas veces puede hacerlo un disco. Timothy Brownie ha capturado en el set list eso que llega para nunca irse: “la buena música”. "Al final del día lo que buscamos es que después de vernos la gente salga y genere, nos vea y sienta el cambio, que haga lo que más les gusta, pero que lo haga con responsabilidad social", comentó Andrés.

"Jugo de frutas" es el primer sencillo y es también la prueba más fehaciente de la interesante propuesta que estos timotheanos presentarán el próximo 25 de septiembre en Pata Negra."Estamos concentrados completamente los cuatro en la banda, vienen muchas sorpresas pero antes queremos mostrar este disco al público y que lo disfruten ", finalizó Uriel, quien antes de irse nos aseguró que lo bueno apenas está por venir.

No olvides visitar su SoundCloud.

EL DEBUT DIVINO DE DIVINE FITS

Posted on septiembre 12, 2012 by -

Divine Fits

A Thing Called Divine Fits

Merge

2012

Supergrupo -según Wikipedia- es un término utilizado para describir a grupos de música que habían tenido fama en bandas anteriores o a nivel individual y que suelen formarse como un proyecto paralelo más que con la idea de permanecer juntos como banda. Es así como surgió Divine Fits, una agrupación conformada por Britt Daniel de Spoon, Dan Boeckner de Wolf Parade y aliado de Handsome Furs y Sam Brown de New Bomb Turks, quienes el pasado 4 de septiembre lanzaron su primer material discográfico titulado A Thing Called Divine Fits.

Hace dos años Daniel asistió a un concierto de Handsome Furs y bromeó con Boeckner acerca de formar una banda. Afortunadamente para nuestros oídos, la bromita se hizo realidad. A Thing Called Divine Fits es un álbum en el que todas las canciones tienen algo que las hace únicas y cada una tiene su propia atmósfera. “My Love Is Real” abre el disco espléndidamente con un estilo totalmente ochentero que a ratos nos recuerda a “Tainted Love” de Softcell; luego viene “Flaggin A Ride” que también continúa con el patrón ochentero pero menos electrónico, más rockero y con mucho ritmo; por ahí tiene unos sonidos como de castañuelas que me recordaron a Roxy Music. “What Gets You Alone” es de las pocas canciones que se queda como a la mitad haciendo algo de ruido con guitarras estridentes pero sin entregar nada en particular, al igual de “Baby Get Worse”.

“Would That Not Be Nice” destaca por esas voces procesadas, guitarras cadenciosas y estallidos de sintetizador. Es tan fácil de digerir que podría fácilmente colarse en alguna lista de popularidad de música comercial. “The Salton Sea” es una de las joyitas del disco, ya que es la única rola con una marcada influencia de krautrock que sobresale por tener ese sonido algo obscuro y mecánico que la hace completamente diferente al resto de los tracks incluidos en esta placa. Hasta aquí todas las rolas podrían considerarse bastante upbeat, fiesteras y bailables.

El mood del disco empieza a descender con “Civilian Stripes” que es una tema totalmente acústico, pausado, con un pianito delicado que le da ese toque sereno tipo balada. Le sigue  “For Your Heart”, otra balada, que con el puro sintetizador y la voz de Daniel logra mantener el equilibrio y la fluidez sin esfuerzo.

Encaminándonos hacia el final aparece la maravillosa “Shivers”, un cover de Boys Next Door (la primera banda de Nick Cave). La canción parece haber sido desmembrada hasta su más pura esencia y ensamblada de nuevo cuidadosamente dando como resultado una creación  tan cruda como conmovedora. Y con la voz seca y sucia de Daniel me atrevo a decir que suena mejor que la original. Se me antojaba como para cerrar el álbum con broche de oro, pero desafortunadamente cierra con “Like Ice Cream” y “Neopolitans”, dos temas que no alcanzan a sellar bien, son como pintura sin secar o como un arroz que no se alcanzó a cocer.

A Thing Called Divine Fits es un álbum de electro rock lleno de energía, realizado por tres artistas que se complementan tremendamente bien. Es un debut muy respetable, sin pretensiones, con un sonido ochentero medio dreamy, medio indie, medio acústico, medio movido; es un disco que tiene de todo, absolutamente de todo. Cuando un supergrupo hace un trabajo tan bueno como éste, nos ganas de gritar: ¡Que se repita!, ¡Que se repita!.

Para escuchar completo A Thing Called Divine Fits haz click aquí

Noche flamenca en el Plaza Condesa

Posted on septiembre 12, 2012 by -

Aunque conocida en algunos círculos como la reina del flamenco por su gran técnica vocal y su singularísimo timbre de voz dentro del mencionado estilo, Concha Buika no es intérprete y cantautora de un solo género. Su discografía abarca esencialmente la música con sentimiento, con poesía, con reclamos hacia quien no vale la pena; y también aquella que canta a la libertad de toda índole.

Concha Buika, originaria de Palma de Mallorca en España, pero hija de padres de Guinea Ecuatorial lleva en su nombre esta dupla geográfica y en su música también, aunque es precisamente ésta última la que ha ampliado ricamente a su antojo en una carrera por demás exitosa.

El pasado sábado 8 de septiembre se subió al escenario del Plaza Condesa para ofrecernos una muestra totalmente acústica de su trabajo. Con seis discos en su haber y más de veinte colaboraciones con distintos grandes artistas tan variados en estilo, como Seal, Nelly Furtado, Bebo Valdés, Javier Limón, etc., Buika posee ya un gran repertorio de experiencias y recursos artísticos para poder transmitirnos mediante una nota o una expresión el sentimiento más sutil o desgarrador, con absoluto dominio de la mesura y el buen gusto. No faltó el agradecimiento por su parte hacia México y su público; así como para la recién finada Chavela Vargas, además de una que otra anécdota a propósito de su buena amistad con “La Chamana”.

También poseedores de un gran bagaje musical y gran kilometraje en escenarios internacionales, acompañó a la cantante el trío de músicos conformado por un pianista, un bajista y un percusionista. De los cuales fue el cubano Iván “Melón” González Lewis al piano, quién destacó por su gran participación en la mayoría de las canciones, ya que fue el único que interpretó solos, maravillosos solos. En el cajón flamenco iba nada menos que el percusionista Ramón Porrina, hijo de Ramón “El Portugués” y nieto de “Porrina de Badajoz”, grandes personajes del flamenco español. Porrina ha acompañado a personajes tan icónicos del flamenco tradicional y también del más moderno y comercial, como Paco D´Lucía, Joaquín Cortés, Diego “El Cigala”, Tomatito, etc. Tanto el percusionista como el bajista, se limitaron a ofrecer una base rítmica solida y estable en todo momento. Lugar adecuado para que tanto “Melón” como Buika pudieran jugar a transmitir diversos mensajes y estados de ánimo.

Fue un concierto muy íntimo y directo con el público, demostrando todos ellos una sencillez cautivadora y buen humor. Tal vez la dotación musical pudo ser mayor por el tamaño del lugar y el escenario, pero de ningún modo esto demeritó la gran calidad y dominio de todos los ejecutantes, ni tampoco el goce del público que cantaba a toda voz Jodida pero contenta, Se me hizo fácil, Mi niña Lola o El último trago del maestro José Alfredo Jiménez. El ingeniero de audio también hizo un gran trabajo que se reflejó en un sonido limpio, claro y con buen volumen. Definitivamente un gran concierto, una gran artista acompañada por grandes músicos y también un gran mensaje el que Buika va transmitiendo en cada lugar que se presenta, el derecho a la libertad.

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Andrew Weatherall, genio y figura

Posted on septiembre 11, 2012 by -

En un día de abril del lejano 1963 nació Andrew Weatherall, quien es casi una religión en la escena musical, un artista multifacético que ha cautivado casi por tres décadas. También ha sido periodista (en un fanzine), DJ, productor, fundador del sello discográfico Rotters Golf Club  y además de su trabajo en solitario, Andrew ha participado en otros proyectos, The Sabres of Paradise y Two Lone Swordsmen donde trabajaron con la prestigiosa Warp.

Su música tiene muchos matices desde el house hasta sonidos muy experimentales pasando por el rock; su influencia en otros artistas es muy grande y el papel que ha jugado en la escena inglesa es fundamental. Andrew Waetherall es considerado como “el puente entre el rock y la música electrónica”. En cuestión de remixes ha trabajado a bandas como Happy Mondays, The Orb, The Horrors, New Order, Flowered Up, My Bloody Valentine de manera magistral. Weatherall también fue el productor del Screamadelica de Primal Scream, trabajo que ocupa el lugar 27 en la lista de los mejores discos de la historia según la revista Q magazine. A principios de los noventa, Andrew junto con otros amigos fundaron el sello Junior Boy's Own que entre su abanico de artistas estaba The Chemical Brothers.

En su discografía sobresalen las producciones Nine O'Clock Drop, A Pox On The Pioneers y Sci-Fi-Lo-Fi Vol. 1. Weatherall es un viejo lobo de mar inalcanzable que sabe utilizar su música para que la fiesta nunca caiga, siempre proponiendo y creando. Ha viajado por el mundo con tremendo éxito, además de ser de los principales promotores  de los clubs en Inglaterra, siempre luchando para que haya apertura y lugares donde la música electrónica sea la protagonista.  Su música se ha utilizado para comerciales, series de televisión y películas.

Andrew odia las redes sociales y las considera cosa de niños; es polémico e influyente, ya tiene un lugar asegurado en la historia. Su legado es muy grande y todavía amenaza con crecer más. No cuenta con la popularidad de otros Dj’s pero su trabajo es concreto, oscuro y con una gran calidad, lo que le hace ganarse el título de artista de culto. Es el DJ perfecto para los que buscan un sonido electrónico sin alejarse demasiado del rock. Algunos de sus tracks recomendables son Feathers, All The Little Things, Privately Electrified  y el remix Sun God de Cut Copy. Sin duda un genio que no puede en tu lista de reproducción.

Regresa Enjambre para convertirse en Huéspedes del Orbe

Posted on septiembre 11, 2012 by -

“La corta estancia del hombre en la tierra; sin importar que tanto o tan poco contribuya a esta” fue la inspiración para poder dar paso al cuarto material discográfico de Enjambre, Huéspedes del Orbe que ya salió a la venta en las tiendas este 4 de septiembre.

A pesar de haber sido grabado en Sonic Ranch durante dos semanas, este álbum capturó la esencia de un Enjambre que es mucho más espontáneo y más crudo: “Todos tocamos en vivo en el mismo cuarto y muchas de esas tomas se usaron para el disco. De hecho, hay canciones que son en vivo, incluyendo la voz y todo”, comentó Julián Navejas durante la conferencia de prensa.

Algunas de las historietas como: Kalimán o Libros Vaqueros que se encontraban en el baño de su abuelita fueron la fuente para crear el arte del disco: “Tiene ondas de ciencia ficción y más o menos con la ilustración quisimos apoyar los sintetizadores que se escuchaban en esa época”. Además cada uno señaló qué personaje de cómic les gustaría ser: Julián (vocal) y Ángel (batería) quisieran ser Batman; mientras que Javier (guitarra) sería Robin; Rafa (Bajo), el Hombre Elástico y Julián sería Memin Pinguín.

En cuanto a la participación de Stephen Short que trabajo con Queen y Peter Gabriel, Luis Humberto nos contó “Nos conocimos mientras estábamos grabando el disco en Texas, él escuchó una mezcla que estaba produciendo Julián y se ofreció como voluntario para mezclarlo”. Por su parte, Rafa agregó que Huéspedes del Orbe respondía a todo lo que iban absorbiendo, tanto musicalmente como sus propias vivencias; por ello mismo venía con muchas descargas de energía. Además de que Julián señaló que Daltónico los había posicionado en el mapa de los medios de comunicación mainstream.

Sobre el documental que se proyectó durante el Vive Latino de este año, Julián dijo que pronto se iba a subir a su página de You Tube, pero que realmente no tenían ningún plan para este material; sin embargo, Rafa dijo que en iTunes se podía comprar un mini documental sobre el making of de este cuarto álbum.

Este nuevo disco está hecho de rock and roll de los 70, baladas y boleros que prácticamente los hermanos Navejas crecieron escuchando, desde King Crimson, hasta José José. Entre sus nuevas influencias se encuentra el nuevo disco de Los Románticos de Zacatecas, Torreblanca, Hello Seahorse!, The Growlers, Queen, Led Zeppelin, entre otros.

A pesar de que el disco aborda temas más sociales que personales, Enjambre no tiene una postura política, ni trata de mostrarla en sus letras, sino más bien, este cuarto material ha sido una respuesta a lo cotidiano sin la necesidad de ser directo con las letras: “En Daltónico se tenían muchos temas muy personales de relaciones, de amor y en este disco hay menos temas de esos", comentaron tanto Rafa como Luis Humberto.

Para esta nueva gira se agregaron dos países: Argentina y Colombia, esto se debió al interés del público y de algunas conexiones que habían hecho: “Nos encantaría ir a todos los países del mundo pero estos son los que estratégicamente, y por comunicación se han dado. Nosotros tenemos muchísimas ganas de ir particularmente a Argentina porque escuchábamos muchos baladistas de aquellos rumbos porque mi papá tocaba algunas canciones con su guitarra y nos da curiosidad la reacción de la gente que tendrá al escuchar nuestra música”, comentó Rafa.

Para el 30 de noviembre podrás escuchar en el Auditorio Nacional, tanto las canciones representativas de cada disco, como aquellas que no se han podido tocar en festivales o conciertos de corta duración.

Method Man en México

Posted on septiembre 11, 2012 by -

Hace unos días se confirmó la visita a nuestro país de una de las figuras más icónicas de hip-hop de la Costa Este: Method Man.

Originario de Long Island, Nueva York, Method Man además de contar con una prolífica y talentosa carrera como solista y actor, es famoso por formar parte del legendario grupo de hip-hop: Wu-Tang Clan.

Promocionando sus dos más recientes álbumes, Black Meth y Blackout 3, el primero en colaboración con RZA, y el segundo con Redman (ambos también parte del Wu-Tang Clan), Method Man se presentará por primera vez en la Ciudad de México para formar parte del Festival R-Evolución 2012 a llevarse a cabo en el Centro de Convenciones Tlatelolco el próximo 14 de octubre. El resto de la alineación del evento está aún por confirmarse, pero durante sus presentaciones en vivo, Method Man es usualmente acompañado por Mathematics en las tornamesas y Streetlife en el segundo micrófono, ambos colaboradores e integrantes del Wu-Tang.

Cada vez son menos raras las presentaciones de hip-hop en México, pero esta es una que verdaderamente resalta y dará mucho de que hablar. Háganse un favor y no se la pierdan.

El crepitar eléctrico de Animal Collective

Posted on septiembre 11, 2012 by -

Animal Collective

Centipede Hz

Domino Records

2012

Con cada uno de los discos de Animal Collective se tiene la sensación de estar ante una obra demandante y misteriosa. Como en los mejores trabajos artísticos no entrega todas las respuestas sino que más bien siembra un cúmulo de interrogantes. Sus canciones acumulan capas y capas de  elementos que a su vez multiplican exponencialmente las posibilidades de lectura e interpretación.

Siempre tengo la sensación de que no puedo comprender de un solo golpe su oferta. Hay mucho allí para deglutir y asimilar con paciencia. ¿Cuántos discos no fueron comprendidos en su momento y luego se vuelven en auténticos referentes? Me parece que hacen música para que sea asimilada de mejor manera siempre en un futuro cercano. Estoy convencido de que se trata de visionarios que se catapultan en el tiempo utilizando retazos de la historia de la música.

Por todo lo anterior, habremos de precisar que no se trata de un grupo para las masas. Ellos piden de total complicidad de sus escuchas y son un buen ejemplo de lo que representa una figura de culto. No carecen de capacidad de riesgo y exploración. Disco a disco preservan un principio de incertidumbre que evita cualquier complacencia. Una y otra vez nos sorprenden y Centipede Hz  no es la excepción, así sea retomando algunos elementos de su pasado. Esta entrega está más en la línea de Feels y Strawberry Jam que del Merriweather Post Pavillion, uno de los mejores tres discos de la década pasada, sin duda alguna.

En las 11 canciones que este año nos entregan ya no está tan de manifiesto un tribalismo desbordado. Por ahora no son más habitantes de una tecno aldea, han decidido emprender un viaje psicodélico que pese a lo rebuscado que pueda sonar no niega un guiño pop, claro que de una vertiente mutante.

Han vuelto a ser un cuarteto con el regreso de “Deakin” y buscaron recurrir menos a los samplers y tocar más cosas orgánicamente, aunque a fin de cuentas habrán de rizar el rizo y dar más vueltas de tuerca a su retorcida máquina de sonido. Decidieron optar por “Today Supernatural” como primer sencillo y es una buena jugada pues se trata de una de los temas menos crípticos y de mayor accesibilidad –una melodía no deja de serlo por más que este envuelta en una maraña eléctrica-.

Panda Bear, Geologist y Avey Tare tienen de su lado a su antiguo colega y en su noveno largo se han dedicado a lo que ellos llaman garage roots –sea lo que sea que signifique-, siguen siendo exploradores de la naturaleza del sonido y pueden coquetear incluso con algo tropical de ciencia ficción, como en “Father time”.

El tándem creativo se completa con el productor Ben Allen, que ya es habitual en la obra de los de Baltimore. Juntos saben como crear atmósferas chirriantes, bases rítmicas muy cerca del delirio –debidas a un Panda Bear en papel de baterista desenfrenado-.

Allí está ese cienpies eléctrico que se desplaza emitiendo Hertz por todos lados. Animal Collective también quisieron imaginar como sonarían viejas transmisiones de radio que se perpetuaran en el espacio y las incluyeron como parte de sus composiciones. Al menos en la lírica se mantienen un tanto más aterrizados y las frases que sueltan son más domésticas.

He aquí una sesión más de fluído lisérgico; un brebaje extraño que fascina ante la imposibilidad de identificar todo lo que contiene. Antes que nada hay que tener toda la fe depositada en quien te lo ofrece. Una decisión valiente que siempre será muy bien recompensada.

Paul Rose o Scuba

Posted on septiembre 10, 2012 by -

El panorama de la música electrónica mundial goza de buena salud, sus diferentes vertientes han complacido hasta a los oídos más exigentes; la tecnología, la exploración de nuevas maneras de hacer sonido, la inquietud de mezclar ritmos y una curiosidad casi tan inagotable como el aire, juegan un papel fundamental en el crecimiento de este paisaje musical que parece no tener techo y sí buenos cimientos. Los protagonistas de este movimiento son muchos pero ahora le toca el turno a uno.

Ser uno de los referentes de la música electrónica con el dubstep como bandera es la carta de presentación de Paul Rose, músico y productor londinense que bajo el seudónimo de Scuba ha logrado ganarse un lugar importante en la escena.

Es aventurado encasillar su sonido en un género específico ya que en un sus trabajos ha coqueteado con el house y algunas veces con el techno, además que sus patrones de creación están ligados al dubstep, logrando una mezcla difícil de definir pero fácil de digerir. Hay quien asegura que toda esta amalgama de ritmos y  texturas se debe a su cambio de residencia de Londres a Berlín  en 2007 (Alemania es considerada importante en el ambiente musical de este género), en donde con la mezcla de culturas encontró el caldo de cultivo perfecto para detonar sus composiciones. En twitter, Scuba ha sido protagonista de pequeños debates gracias a la insistencia de los fans y sobre todo de los más románticos, por tratar de definir su música, ya que en sus trabajos más recientes parece que el dustep ha desaparecido. Pero algo es seguro, sus ritmos son capaces de crear diferentes atmósferas y por ende transmiten sensaciones tan diversas que el viaje está garantizado.

Paul Rose también es fundador del sello Hotflush Recordings que graba a diferentes DJ´s y donde Scuba funge el papel de productor,  este sello tiene a artistas como Braille, Paul Woolford, Psycatron más una larga lista de talentos. De igual manera es el autor intelectual de las sesiones Sub:Stance donde Scuba y otros de sus colegas presentan su música.

En su historial discográfico cuenta con discos como A Mutual Antipathy, el primero en su haber (que por cierto fue bien tratado por la crítica),  Triangulation donde demuestra una madurez en su sonido,  Jungle Rinse Out 1993-2001  retomando a artistas del drum’n’bass, Personality  un disco que ha sido bien recibido y donde Scuba logra dejar de lado su pasado con el dubstep para evolucionar y lograr texturas y sonidos con su propia personalidad; todas estas producciones bajo su sello Hotflush Recordings, más una serie de singles y otras colaboraciones. Entre sus tracks más populares está The Hope que se podría catalogar como su mayor hit y que cuenta con un gran video; "NE1BUTU",  "Three Sided Shape" , "Before" y "Latch", todos aptos para la fiesta y que claro aseguran un buen rato.

En resumen Paul Rose es un valiente que gusta de arriesgarse a la hora de crear, que ha jugado con diferentes ritmos y géneros, y que también - a su manera - ha contribuido a que el panorama de la música electrónica tenga un abanico más amplio en cuanto a sonido, presumiendo de una base más sólida como escena, y por qué no, tener una opción más en nuestro reproductor que probablemente le guste a muchos.

Octubre es el mes para que Scuba pise suelo azteca con la misión de poner a bailar a propios y extraños en el Festival Internacional de Creatividad Digital y Música Electrónica (MUTEK), una gran opción para quien busca ritmos experimentales y con personalidad.

Encuéntralo en @ScubaUK 

 

 

 

El hexágono de Lucybell

Posted on septiembre 10, 2012 by -

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Lucybell lució completa en su festejo de 21 aniversario, pues no sólo reunió a todos sus integrantes, también se reencontró con el público mexicano. Los años no pasan en balde y en el escenario del Teatro Metropólitan se pudo ver a la banda completa y mucho más madura. Combinando temas de sus distintas etapas y alineaciones, Lucybell deleitó al público mexicano con cerca de 30 canciones, en una noche que recorrió esos 21 años de trayectoria. A lo largo de su historia, desde la Universidad de Chile, hasta su regreso a la Ciudad de México, Lucybell ha estado formada por seis partes, seis integrantes, que ahora por primera vez tocan como un hexágono.

De inicio la alineación se apegó a lo más actual de la banda, con Claudio Valenzuela, Eduardo Caces y Cote Foncea, vestidos todos de negro. En esta parte del show sonaron temas como "Ave fénix", "Eternidad", "A perderse y "Empezar". Valenzuela saludó al público mexicano, diciendo que era un placer traer esa celebración especial. La batería de Foncea lucía poderosa. La línea del bajo de Caces llevaba el ritmo de la fiesta, mientras los antiguos miembros de Lucybell subían al escenario.

En este bloque cambió la alienación, ahora Valenzuela estaba acompañado de Francisco González, Marcelo Muñoz y Gabriel Vigliensoni. En el escenario estaban los fundadores de Lucybell, vestidos de blanco. Juntos interpretaron temas como "Grito otoñal", "Carnaval" y "Sembrando en el mar", algunos de sus primeros éxitos. La emoción creció cuando la banda comenzó a interpretar "Caballos de histeria", una de las canciones más coreadas de la noche.

Los integrantes vestidos de negro volvieron a tomar el escenario, para interpretar temas como "Ten paz", "Hoy soñé" y "Tu sangre". El clímax de la noche llegó cuando se combinaron el negro y el blanco en el escenario. Para los siguientes temas se juntaron ambas alineaciones de la banda, los seis integrantes juntos, el hexágono de la nueva etapa de Lucybell. "Rojo eterno" sonó con dos baterías, sintetizador, teclado, bajo, guitarra eléctrica y hasta guitarra acústica. Le siguieron "Ojos del silencio", "Mira mis Ojos, Mil caminos" y la muy coreada, "Cuando respiro en tu boca".

Lucybell encontró una gran combinación, su lado blanco mucho más rítmico, mientras el negro radiaba energía. Luego de casi dos horas de espectáculo la banda dejó escenario, pero el público no pensaba terminar así la fiesta. El público coreó el nombre de la banda hasta que regresaron los músicos al escenario. "Flotar es caer", "Sálvame la vida" y "Ver el fin" anunciaban el final del festejo.

El show concluyó con "De sudor y ternura", uno de sus temas más famosos. La historia de Lucybell no acaba allí, son ya 21 años y probablemente vendrán más y mejores. La gira para festejar el aniversario partió de Chile y ha ido subiendo por Latinoamérica hasta llegar a México, ahora la fiesta subirá incluso hasta Canadá. Para deleite de los fanáticos de la banda, todo apunta a que en esta nueva etapa estarán juntos los seis integrantes que le han dado vida, ahora como un hexágono.

Smirnoff Midnight Circus

Posted on septiembre 10, 2012 by -

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La noche del 7 de septiembre fue el día marcado para el inicio del proyecto Midnight Circus, por Smirnoff, la marca de vodka líder en todo el mundo.

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A la conferencia de prensa llegó Luis Félix, Director General de la casa José Cuervo México y Michelle Klein, Vicepresidente Global de Mercadeo de Smirnoff para dar a conocer los detalles de este lanzamiento a nivel mundial.

Luis Félix dio a conocer los avances que ha tenido en casa Cuervo a lo largo de los últimos años, lo que les ha brindado la confianza para emprender en el mercado con este tipo de proyectos.

Por su parte, Michelle se dijo entusiasmada por el lanzamiento de Smirnoff Midnight Circus, el cual fue definido como  un proyecto para dar a sus consumidores experiencias inesperadas además de alentarlos para inspirarse y atreverse a probar algo nuevo: “El consumidor se ha vuelto más conocedor y más exigente, es por esto que les ofrecemos experiencias únicas y la idea de buscar siempre más cosas nuevas”, comentó Luis Félix.

“Smirnoff Midnight Circus es un tour global que tendrá sus cedes en 25 ciudades en todo el mundo, elegimos a México como el punto de partida porque es un país único que nos aporta un feedback excelente en cuanto a las experiencias y cosas nuevas”, agregó Michelle Klein.

Para este primer evento se contó con la colaboración de David LaChapelle artista y fotógrafo quien aportó una instalación artística a la entrada del evento. "You're In My Head representa el futurismo moderno de la cultura actual de la noche en combinación con el innovador arte corporal y la decoración”, añadió David LaChapelle.

La pieza de LaChapelle intrigó a todos sobre su significado, muchos interpretaban lo que querían y eso era el objetivo de la instalación, tener la libertad de decir lo primero que se piensa sobre lo que se ve y se vive.

Michelle Klein agregó que todo se trata de coleccionar ideas a través de los espectáculos más novedosos y extraordinarios. El concepto de circo no se va a lo literal, sino se pretende una combinación de las corrientes artísticas más influyentes del momento y la vida nocturna.

Bajo el concepto “Come Out And Play”, con la fuente de la juventud Smirnoff o probar suerte con una fortune cookie, Smirnoff invitaba a los asistentes a atreverse a pasarla bien, aprovechar el momento y descubrir nuevas experiencias.

El evento fue llegando a su tope de asistencia, la combinación de vestuarios se confundían con la iluminación roja. A lo largo de todo el lugar se mezclaban asistentes con acróbatas y chicas Smirnoff. Entre malabares y danza aérea las personas se soltaban y se integraban al Smirnoff Stuff haciendo una fancy night.

Smirnoff Midnight Circus contó con un invitado de gala, Kele Okereke, vocalista y guitarrista de Bloc Party, quien ya entrada la noche, subió a las mezcladoras para comenzar con un DJ Set groove, lleno de buenos beats estilo house combinado con las imprescindibles canciones indie. Entre buena música y un fondo colorido de leds, Kele puso a bailar a todos los asistentes marcando el ritmo en cada canción que soltaba.

Bebida, música, arte, luces y buen ambiente hicieron que el Smirnoff Midnight Circus se quedará en las mentes de todos los que asistieron buscando algo nuevo que probar y contar.

La noche estuvo plagada de buen ambiente y muchas sorpresas, sin duda el Smirnoff Midnight Circus entra al top de las mejores fiestas de la segunda mitad del 2012 cumpliendo con el objetivo de reinventar la noche y sorprender a sus asistentes.