Lo que falta por experimentar del MUTEK.MX

Miércoles 3 de octubre

INTERSECCIÓN (Centro Cultural Digital)
10 hrs -  Signal Deluxe - Taller
15 hrs - Luke Abbott
16 hrs - Desarrollando Cultura Digital en México - Panel de diálogo

DOS EQUIS presenta ciclo (Cine Tonalá)
17 hrs - The Ballad of Genesis and Lady Jay
18: 30 hrs - Le Révélateur
21 hrs - We Don't Care About Music Anyway

* A/VISION 1: El futuro analógico (Teatro de la Ciudad)
20 hrs - Nils Frahm + Seth Kirby & Brock Monrow
21 hrs - Le Révélateur
22 hrs - Euphorie/ ARQ1024

Jueves 4 de octubre

INTERSECCIÓN (Centro Cultural Digital)
12 hrs - The Joshua Light Show
15 hrs - Organ Mood
16 hrs - Periodismo y difusión musical en tiempos digitales - Panel de diálogo

DOS EQUIS presenta ciclo (Cine Tonalá)
17 hrs - Wild Combination
18: 30 hrs - Nathan Fake
21 hrs - Freedom el documental de MUTEK-MX

*A/VISION 2: Pensamientos Profundos (Auditorio Blackberry)
20 hrs - Lvis Mejia
20: 30 hrs - Deadbeat
21: 30 hrs - KUPA

NOCTURNO 1  (Auditorio BlackBerry)
22:00 – LAO
22:30 – LUKE ABBOTT
23:30 – NATHAN FAKE
00:30 – JON HOPKINS
01:30 – EGYPTRIXX
02:30 – SCUBA

Intervención visual por:
BAILLAT CARDELL & FILS
DIAFRAG
BOBBY DIGITAL
IREGULAR

Viernes 5 de octubre

INTERSECCIÓN (Centro Cultural Digital)
12 hrs - Deadbeat
15 hrs - Aquitecture 1024
16 hrs - Ableton: Modelo negocio por Eduardo de la Vara - Conferencia

DOS EQUIS presenta ciclo (Cine Tonalá)
17 hrs - Freedom el documental de MUTEK.MX
18:30 hrs - Matías Aguayo
21 hrs - High On Hope

*A/VISION 3: Estado Alterados (Teatro Fru Fru)
20 hrs - Antiguo Automata Mexicano
20:30 hrs - Laurel Halo
21: 30 hrs - Sun Araw
22:30 hrs - Organ Mood

NOCTURNO 2 (Casino Metropolitano)
22:30 – LAROYALE & YESCO
23:00 – PACHANGA BOYS
00:30 – MATIAS AGUAYO
02:00 – DJ HARVEY
03:30 – ANDREW WEATHERALL

Sábado 6 de octubre

DOS EQUIS presenta Ciclo (CineTonalá)

13 hrs - Food LAB
15 hrs - Concierto sorpresa
17 hrs - Concierto sorpresa
00: 00 hrs - Demdike Stare

*A/VISION 4: Meta idearios (Domo Digital Banamex)

21 hrs - Tim Hecker
22 hrs - Novi_Sad + Ryoichi Kurokawa
23 hrs - The Josua Light Show

CIRCUITO: Los clubes de la Ciudad de México (Rhodesia / Leonor / AM Club / M.N Roy)

00: 00 hrs  - Guillaume & The Coutu Dumonts
00: 00 hrs  -  Dj Harvey
00: 00 hrs  -  Eli Escobar
00: 00 hrs  - Morgan Geist

Domingo 7 de octubre

Concierto de clausura (Centro Cultural Digital)

20 hrs - Demdike Stare

Todos los eventos son gratuitos a excepción los marcados con * . Boletos disponibles en E-ticket o Ticketmaster

The xx: La espera terminó

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Muchas personas esperaron tres largos años, desde que salió el primer disco de la banda, para poder verlos en México. La expectativa era altísima. Después de un sold out casi inmediato a partir de que se anunciaron las fechas, el 27 y 28 de septiembre la banda hizo su aparición en el Auditorio Blackberry.

Todo empezó tranquilito, Romy detrás de una tela negra traslúcida y su Gibson negra interpretando un intro. Después ya los tres interpretando un setlist, como si hubiéramos puesto un iPod con "Angels", "Heart Skipped A Beat, Fiction", "Crystalised" y "Fantasy". Era impresionante escuchar a la gente coreando cada uno de los tracks. El escenario, con luces tenues; ellos, con su característica lentitud. Poco a poco, la banda pareció agarrar confianza y la música se notaba más upbeat. Las voces de Romy y Oliver le daban un toque sexy a lo que se escuchaba.

Una tela negra que estaba tras ellos se desprendió del techo para develar una equis gigante. El espectáculo de luces se tornó impresionante. La gente de las gradas nunca se sentó y los que al principio bostezaban empezaron a lucir sus sonrisas. Tras "Basic Space", "Missing", "Reunion" y "Sunset", los ritmos electrónicos se intensificaron. Vino "Night Time" y "Swept Away", pero el momento de la noche, los tuvieron "Shelter", "VCR" y "Islands".

Todo mundo cantó y uno que otro saltaba emocionado. No faltaron "Chained" e "Infinity", que precedieron al encore, compuesto por "Intro", "Tides" y "Stars". Al final del concierto, que nadie quería que terminara, se escucharon comentarios como "Impresionante, en serio qué bien lo hacen" y "No puedo amarlos más, fue el mejor concierto de mi vida".

Apertura del Mutek

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Suelen ser más relajadas las formas de convivencia en los eventos al aire libre que en aquellos en los que se pagó por la entrada, ya que el público no sólo está disfrutando de lo que oye sino también del espacio, de su ciudad. Pero, mientras una noche en el Zócalo resulta más que agradable, reunirse en la Estela de Luz desata toda clase de sensaciones. La mayoría de nosotros le tenemos rencor a esa construcción, y no únicamente por lo que representa, tampoco su estética resana su fama. No es un parque, no es un pasaje, no tiene funcionalidad. Es una torre alta con lucecitas similar a una galleta. El que comience a utilizarse de formas más contestatarias o amables, desde la marcha que la toma como punto de partida hasta los espectáculos interdisciplinarios como “¡Viva México!” celebrado dos semanas después del grito, así como la apertura del MUTEK.MX en la que la pudimos apreciarla de una forma dinámica (sus lucecitas se prendían y apagaban), de alguna manera reconcilia nuestras nociones sobre “La Suavicrema”. Tal vez nunca nos dejará de parecer horrenda, pero descubrimos que sirve para algo.

Oficinistas curiosos, mamás modernas con sus hijos y la juventud más glamurosa se congregaron en este símbolo patrio contemporáneo. Menciono aquello de la convivencia más relajada porque muchos ni siquiera sabían quién estaba tocando pero tampoco hubo necesidad de saberlo. El otoño y su cualidad relajante no es un mero truco publicitario, mitad del público, gracias a la saturación, no podía ni siquiera ver al músico pero sonreían ante la imagen de la Estela cambiando sus formas, y la otra mitad simplemente asistieron con sus amigos para salir de la rutina de los lunes y conversar. Holy Other salió media hora tarde y se despidió tras aproximadamente 45 minutos sin decir adiós, asunto que me desorientó. No sabía si iba a volver o si ya había terminado su sesión. Las extensas atmósferas creadas por el británico y su experimentalismo dejaron en claro que el muchacho tiene oficio. Y la corta duración de su recital no impidió que se dejara de disfrutar el inicio de octubre.

Así fue como inició MUTEK.MX. Será interesante ver cómo la Estela de Luz se reinterpreta en los días que el festival tenga esa sede (Centro Cultural Digital). Tal vez por ser la inauguración Holy Other fue tan escueto. Yo sí espero que los siguientes eventos que sean ahí duren un poco más.

Un aplauso para MUTEK.MX que no escatima con la calidad de audio, garantizando la experiencia sonora y envolvente.

Kiss y Motley Crüe: Una noche de maquillaje y hard rock ochentero

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No importó que el maquillaje y el rímel de los fans se estropearan debido a la lluvia, y que aquellos que pretendía emular a The Demon o a The Starchild terminaran con una amarga cara de pandita o de cualquier black metalero noruego. La lluvia, aunque constante y fuerte, no significó motivo alguno para que el público viera mermado sus deseos de ver a dos de las más grandes bandas del glam metal, mismas que, tras treinta años de haber compartido escenario en la misma gira, pisaban la Ciudad de México para culminar la gira The Tour”.

Tras una sencilla participación de la banda mexicana Agora, que se ha convertido en asidua participante en este tipo de conciertos, Motley Crüe subió al escenario con la misma alineación que los vio nacer y que se ha mantenido, sorprendentemente, a lo largo de los años. Tras un inicio lento con Saint of Los Angeles, de su última producción, la banda comenzó un recorrido ochentero a través de temas como "Wilde Side""Shout at the Devil", "Same Ol’ Situation (S.O.S)" y "Kickstart My Heart", sin dejar pasar clásicos obligados como "Home Sweet Home" (que aún evoca aquella pelea entre Nikki Sixx y un fan mexicano en el Palacio de los Deportes, cuando compartieron escenario con Megadeth, en el 2000), "Dr. Feelgood" y por supuesto "Girls, Girls, Girls" y su reconocible intro con el rugir de una Harley.

Todo bien con Motley Crüe: Vince Neil a pesar de verse un poco hinchado (todos sabemos que el botox no le funcionó muy bien), aún guarda ecos de sus mejores voces. Sixx como siempre: imagen y actitud, Mick Mars sereno y quieto pero con mucha capacidad en la guitarra; y Tommy Lee, a quien siempre le ha gustado ser el atractivo de la banda, con su conocido virtuosismo detrás de los tambores, que por cierto en esta ocasión giraron 360° con la mirada emocionada de una fan que tuvo la fortuna de ser la elegida para subir al escenario.

Cuando las luces se apagan de nuevo y llega el turno de Kiss, uno comprueba que la base de fans que tiene esta banda es de las más grandes, fieles y sólidas de todo el mundo. Todos brincando y coreando "Detroit Rock City" y "Shout It Loud", las elegidas para comenzar el set que la banda inicio bajando de un elevador desde lo más alto del escenario. Un show con todas sus letras: pirotecnia, luces, mucho fuego y un audio de calidad aceptable que permitía percibir la claridad de cada instrumento: una verdadera experiencia.

Tras la interpretación de algunos temas más, incluyendo "Hell Or Hallelujah", de su LP más reciente titulado Monster¸ llega la hora "The Demon", el momento en el que Gene Simmons, con sus más de 60 años, toma su clásico bajo en forma de hacha para mirar al cielo y comenzar a escupir y derramar sangre de su boca, para luego volar hacia una plataforma ubicada en lo alto del escenario e iniciar los acordes de "God of Thunder". Una rutina conocida, pero siempre disfrutable.

Cuando uno acude a un concierto de Kiss ya sabe a lo que se atiene: maquillaje arriba y abajo del escenario, un set list más menos igual, pirotecnia por todos lados, mucho ruido y muchas luces: una práctica similar y con pocas variables sustanciales. Sin embargo, aun con esos elementos previsibles, el observar a Kiss arriba del escenario y saber que se tiene enfrente a una de las más grandes bandas de rock de todos los tiempos, es una experiencia que se debe vivir por lo menos una vez en la vida.

Deconstruyendo Restaurant

Con motivo de la presentación de la edición especial del primer álbum de la banda regiomontana Jumbo, conformada por Clemente Castillo, Charly Castro, Flip Tamez y Beto Ramos, un pequeño grupo de periodistas (petit comité) nos dimos cita para conocer las versiones de los 14 temas del emblemático disco Restaurantalgunos con canciones tatuadas en la memoria de los que conocimos a la agrupación en el segunda mitad de la década de los 90.

Mientras éramos testigos de las versiones realizadas por cada una de las 14 bandas o músicos, Jumbo compartió con Indie Rocks! algo de sus 15 años de vida como banda.

Clemente Castillo (voz y guitarra):

“En este Restaurant Requisitado nos acompañan no nada más los 14 artistas principales en cada track, sino también otros siete  que vendrán en el DVD que es un tipo documental sobre lo que es Restaurant (...) Es un disco que sentimos está muy rico porque tiene artistas genuinos”.

 IR!: ¿Qué tanto ha pasado en 15 años?

“En 15 años han pasado muchas cosas, hemos atendido otras inquietudes como proyectos alternos que nos sirvieron para poder respirar y hacer cosas diferentes. La amistad sigue intacta, esa no cambia ni acaba, sólo se trata de crecer y aprender que hay otras cosas, otras personas”.

Flip Tamez (guitarra): 

“Tuvimos la suerte de contar con el apoyo de gente de  Nuevo León, Guadalajara y del D.F. Son amigos y algunos que no conocíamos".

IR!: ¿Cómo nació la idea?

FT: “Se le ocurrió a uno de nuestros managers, empezaron como un par de bonus tracks, y fue creciendo solo. Se hizo por el mero gusto”.

IR!: ¿Qué es lo mejor de ser músico independiente?

FT: “Aún cuando estuvimos en una transnacional siempre hicimos lo que quisimos, mucha gente pensó que con Teleparque y Gran Panorámico éramos más libres, pero en realidad siempre lo fuimos. Hemos tenido momentos de mucha popularidad, algunas veces de más de nicho de mercado, donde gustamos a gente más clavada. Hemos estado arriba, abajo y en todos lados, y lo mejor de estos 15 años es que pudimos hacer de la música un oficio, una forma de vida y nos encanta que la gente nos siga escuchando y esto nos hace soñar con ser una banda longeva”.

IR!: ¿Qué vamos a poder ver y escuchar el 25 en el Plaza Condesa?, ¿Sigue el experimento sonoro denominado tocadiscos?.

FT: “La mecánica es muy similar. A diferencia de lo ocurrido con Fobia que tenía bandas invitadas y que tuvimos la suerte de haber participado con Amor Chiquito, acá vamos a tocar el Restaurant de principio a fin, solo ese disco”.

Charly Castro (Bajo):

IR!: ¿Qué onda con el toquín del 25 de octubre?

CR: “Esto nació por iniciativa de OCESA Seitrack, si bien lo ocurrido con Fobia gustó mucho, la verdad es que la fecha ya estaba amarrada desde hace mucho antes. Para nosotros es como un cumpleaños, va quien te quiere y le interesa y la idea es festejar las canciones; regresa Eddy González (tecladista) ya está confirmado y Enrique González, que ahora es baterista de Los Lobos; la tiene más complicada pero la idea es trabajar con dos baterías, tanto con Beto y Quique”.

“En realidad para nosotros no es algo nuevo, esto se ha hecho en todo el mundo desde hace mucho y nosotros encantados de la vida de poder compartir con la gente lo primero que hicimos, estamos muy emocionados”.

Como primera impresión podemos adelantar que destacan las interpretaciones de Niña (también regios), lo mismo con los chamacos de Comisario Pantera que rifan, la de Los Rebel Cats con su sonido característico de rockabilly, así como Movus y Disidente, pues lograron comprender el concepto de las rolas asignadas, las desbarataron y manufacturaron propuestas interesantes con sonidos fieles a cada uno de sus estilos.

Colaboraciones track por track:

  • "Monotransistor" / Bicolor Fabrics
  • "Dulceácido" / Niña
  • "Aquí" / Comisario Pantera
  • "Fotografía" / Los Claxons
  • "Nova" / Los Rebel Cats
  • "Supercatriz" / Mexican Dubwiser y Pato Machete
  • "Siento que" / Siddharta
  • "Dilata" / Rodrigo
  • "Desde que nací" / Disco Ruido
  • "Explosión" / Movus
  • "Automático" / Disidente
  • "Alineados para siempre" / Renoh
  • "Tú me ves" / Andrea Balency
  • "Siempre en Domingo" / Ventilader

Niña sigue siendo Cool y Fresca

Fue en la primavera de 1996 cuando surgió, Niña, una de las bandas más importantes de la escena musical regiomontana, y en la cual han participado alrededor de más de 40 músicos distintos. Durante esa época, Monterrey, fue la cuna de un movimiento musical conocido como la “avanzada regia”, que sí bien no ha vuelto ser un boom como lo fue en ese tiempo, actualmente, en cierta medida, se sigue repitiendo con las bandas de rock emergentes de la parte Norte de la República Mexicana.

“Somos amigos de un círculo más grande donde estamos compartiendo músicos y proyectos… somos un chorro, como 40 o 50 personas porque son los Jumbo, Plastilina Mosh, Control Machete, Zurdok, El Gran Silencio, Volován, entonces todos ellos tienen amigos músicos y se hacen conexiones”, dijo Alejandro Isassi, mejor conocido como ‘ChaJoe’ (voz y guitarra) en entrevista para Indie Rocks!

Con el paso del tiempo, Niña fue cambiando de integrantes, pero desde el inicio siempre supieron como querían sonar. Uno de los momentos más frescos para la banda fue cuando entraron Enrique Camacho (batería) y Alán Robles (guitarra): “Vinieron a darle un edge al sonido de la banda, pero tampoco vinieron en el plan de completamente revolucionar el sonido, sino que lo complementaron; es como cuando estas en una relación, no es para que cambies radicalmente, sino para que te complementes”, nos comentó Eugenio Royale (voz y sintetizador).

Aunque ya no han cambiado de integrantes, sí lo han hecho con la forma de escuchar y dar a conocer su música, pues su segundo EP, Cool como Fresco o como Yo?, lo lanzaron desde el 2011 con una serie de sencillos que funcionó para salir del esquema del LP: “Yo creo que nos estamos tratando de adaptar a la música en estos días… al menos para nosotros ya no existe el concepto de trabajar como era antes, de sacar un disco y hacerle una gira, porque si la principal fuente de ingresos es el disco, y eso, es justamente lo que no se está vendiendo, necesitamos cambiar los planes…También tiene que ver por el hecho de que trabajamos en una escuela donde damos clases a chavitos (School of Rock) y cuando les intentábamos regalar discos, no sabían que hacer con ellos", nos explicó ChaJoe.

A pesar de la ansiedad y frustración de algunos de sus seguidores por obtener el disco, Gino Marchetti (bajo) y Chajoe, también nos explicaron que les ayudaron con la creación de la portada del EP, pues mandaron las fotografías más cool y frescas que ellos mismos podían subir en su página oficial: “Un día cerramos la fecha y dijimos que ya no se podía más, pero lo página sigue abierta para que sigan subiendo fotos, porque es el concepto de que el arte se queda suspendido en una página… hay unas que se repiten porque estas amenizaban como estábamos vestidos nosotros, entonces la bronca fue combinarlo con una foto de nosotros y eso fue lo que estuvo interesante”.

“Cuando terminemos de hacer los tres EP’s, va a venir una cajita con toda la historia de todo lo que hicimos, y más adelante nos gustaría poner la historia de la banda porque si hemos tenido bastantes integrantes… Va a ser sobre lo que hacíamos después de los conciertos, que obvio nos vamos a quemar bien gacho, pero pues así es como funciona”, nos dijo entre risas ChaJoe.

Estos elementos y la fotografía que hace referencia al blog de Awkward Family  - que hicieron en un estudio como cualquier otro - nos demuestran que siguen siendo una banda independiente: “Ese tipo de detalles, es el tipo de credibilidad que es algo muy valioso de Niña, el mantenerte auténtico”, nos explicó Eugenio.

A pesar de que en las pláticas que ha tenido ChaJoe con otras agrupaciones y que los ven como “la banda de viejitos rockeros”, el trato directo que tienen con sus seguidores, las letras irónicas de las canciones; pero sobretodo el hecho de que es una agrupación que no vive al 100% de la música (pues todos los integrantes tienen trabajos distintos) hacen que Niña, siga siendo honesta y siga marcando la pauta para que surjan nuevas agrupaciones que revolucionen con sonidos nuevos.

Dreamers en el Tonalá

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Pocos fuimos los que pudimos apreciar el sábado por la noche una presentación única en la que el dúo californiano formado por Megan Gold y Robbie Williamson, sacudieron algunas mentes descafeinadas y algo contaminadas de tanto pop citadino. Con un sonido estridente, lleno de fuerza e inexplicable como si tuviéramos un pie en el pasado y otro en el futuro, así es la música de Dreamers quienes cimbraron el foro del Cine Tonalá, estrenando su placa homónima presentada por Discos Tormento.

Tratar de describir el sonido de Dreamers sería caer en el absurdo, por supuesto cuentan con un bagaje musical bastante amplio; son como un reflejo de lo mejor de varias épocas, Megan Gold es una voz necesaria para ésta era, olvidemos ese sonidito agudo y plano tan de moda en la escena nacional, ella no se anda con rodeos, su voz es fuerte y virtuosa, como tener un poco de Siouxsie Sioux, Annie Lennox y Perry Farell (en un afán de aproximarlos).

Abrieron con "Elephant Drawing", pieza con vocales explosivas, anárquica, como si estuviéramos bajo el efecto del speed (incluso si nunca han estado ahí); "G I A B O" fue la siguiente en explotar, una rola frenética de esas que absorben totalmente los sentidos, sumamente fuerte como si fuera tu última dosis, las vocales compulsivas no administraban lucidez alguna y sin embargo nadie quiso abandonar el trip.

"Able to Rule" nos transportó en el tiempo de una manera oscura, imaginen un base bélica algo sutil, mezclada con ritmos como el boogie, así con esos tonos upbeat pero sobrios y sombríos como si de una ironía se tratara; la siguiente fue "City of Hope" una pieza que merece respeto en su totalidad nos remonta hacia aquellos años gloriosos de Jane’s Addiction y de Nine Inch Nails, percibimos sonidos industriales bastante prudentes y bien colocados, nada fuera de lugar, ningún intento fallido sino todo lo contrario.

"Jewel Thief" una pieza con beats repetitivos en realidad no hay mucho que decir de ella, el público la sentía muy bien y se dejaba llevar por esas secuencias electrosas; llegó el turno de "I am The Monster", con la que retoman ese camino oscuro más no tedioso, en la que traen de regreso los sonidos añorados del new wave y del post punk de una manera muy natural, por supuesto sería muy injusto encasillarlos en medio de estos dos géneros solamente ó de cualquier otro pues éste dúo da un paso más allá.

Despidiéndose con "Appaloosa", nos hacen aterrizar con ritmos más livianos los cuales perfilan para convertirse en un verdadero clásico; siendo éste el último corte de su disco debut, lanzan un video que no se pueden perder. Para todos aquellos que se saben exigentes y se encuentran en constante búsqueda de sonidos prodigiosos, definitivamente Dreamers es algo a lo que deben prestar oído.

Austin TV ya está en México #buscandoalejercito

Austin TV, ha regresado de su gira por España y, continuando la busqueda de su ejercito para celebrar sus 10 años, anunciaron una extensa gira titulada Buscando Al Ejército, con la cual visitarán distintos estados de la República Mexicana. Todo lo que suceda, será grabado para después editar un DVD.

La gira con más de 35 presentaciones, cerrará en el Pepsi Center WTC el mes diciembre.

Todos en Indie Rocks! les deseamos la mejor de las suertes en este camino que apenas inicia, donde sin duda, habrá más caballeros del albedrío por mucho tiempo buscando un satélite para poder decir "olvide decir adiós".

Aquí las fechas de las presentaciones por nuestro país:

Septiembre

28 – Puebla, Puebla.
29 – San Luis Potosí, San Luis Potosí

Octubre

4 – Querétaro, Querétaro
5 – Monterrey, Nuevo León
6 – Reynosa, Tamaulipas
7 – Nuevo Laredo, Tamaulipas
11 – Chihuahua, Chihuahua
12 – Cd. Juárez, Chihuahua
13 – Cd. Obregón, Sonora
17 – Colima, Colima
18 – Cd. Guzmán, Jalisco
19 – Mazatlán, Sinaloa
20 – Tepic, Nayarit
21 – Guadalajara, Jalisco
25 – Celaya, Guanajuato
26 – Morelia, Michoacán

 Noviembre

1 – Pachuca, Hidalgo
2 – Texcoco, Estado de México
3 – Toluca, Estado de México
4 – Rock & Road, D.F.
8 – Rockutla, Puebla
9 – Fresnillo, Zacatecas
10 – Morelia, Michoacán
15 – Campeche, Campeche
16 – Cuautitlán Izcalli, Estado de México
17 – Villahermosa, Tabasco
18 – Cancún, Quintana Roo
21 – Mérida, Yucatán
23 – San Cristobal de las Casas, Chiapas
24 – Tuxtla Gutiérrez, Chiapas
30 – Oaxaca, Oaxaca

Diciembre

6 y 7 – Acapulco, Guerrero
8 – Cuernavaca, Morelos
15 – Pepsi Center WTC, D.F.

Su última producción discográfica Los Caballeros del Albedrío, podrá ser adquirida en formato vinil a partir del 3 de diciembre.

Estén pendientes de las redes sociales de la banda para obtener más detalles sobre esta gira:

http://www.austintv.mx
http://www.facebook.com/austintvoriginal
https://twitter.com/austin_tv

HUÉSPEDES DEL ORBE, UN DISCO QUE REPITE UNA FÓRMULA YA PROBADA

Enjambre

Huéspedes Del Orbe

2012

EMI

Con base en un trabajo constante, y después de haber estado picando piedra durante algunos años dentro de la complicada escena del rock nacional, Enjambre ha logrado convertirse en un grupo reconocido, el cual, actualmente llena cualquier lugar en el que se presenta y cuenta con un gran número de fieles seguidores. Se podría decir que el punto más alto en la carrera de esta joven banda llegó con la salida de su disco anterior, Daltónico, que fue todo un éxito, tanto en ventas como con la mayoría de los medios especializados.

Se veía difícil igualar todo lo conseguido con Daltónico, pero, parece que Enjambre sí lo logrará -e incluso lo podría superar- con su nuevo álbum Huéspedes Del Orbe, del cual ya hemos podido escuchar su primer sencillo “Somos Ajenos”, un tema que marca el sonido del recién salido material, y que es el mismo a lo largo de los catorce tracks que lo componen.

Huéspedes Del Orbe abre con “Reflejo”, una canción que inicia con sonidos espaciales, para posteriormente darle paso a una marcada línea de bajo y a una veloz batería que nos anuncian que la música ha comenzado. Luego del primer tema, los demás suenan a lo mismo, salvo por cinco que logran sobresalir. “Viceversa” y “El Ordinario”, en los que se dan algunos cambios de ritmo, con respecto a las anteriores; “Del Orbe”, una breve pieza instrumental en la que los integrantes del grupo demuestran su calidad como músicos, pero que desgraciadamente dura poco tiempo;  “Alicia”, que es lo más rockero del disco con riffs de guitarra que recuerdan a “Ausencia De Cocina”, y “Egohisteria”, último track del álbum, en el que vuelven a aparecer los mismos sonidos espaciales del primer tema, regresando al principio y cerrando un círculo de manera idónea.

El cuarto material de estudio de Enjambre conserva el sonido rock-pop dramático y melancólico ya característico de la banda, que tan buenos resultados les ha dado hasta ahora, sólo que está más pulido y ha sido mejorado. Huéspedes Del Orbe no ofrece algo nuevo, tampoco se nota que se haya querido arriesgar a la hora de grabarlo, sólo se repite una fórmula ya probada, y es casi seguro que esto funcionará como ya lo ha hecho en el pasado. En general, se trata de un buen disco que será el deleite de los fans de la banda, la cual sigue y seguirá cosechando más éxitos.

Grizzly Bear: una promesa ininterrumpida

Grizzly Bear

Shields

Warp

2012

Este año ha sido distinguido por el regreso de la clase 2009 de Brooklyn, marcada por su glorificación a la psicodelia. Animal Collective y Dirty Projectors han vuelto en 2012, ambos con distintos desenlaces. En un escenario similar, llega Grizzly Bear, con su anticipado Shields.

La sensibilidad pop del cuarteto se ha identificado por pasar etapas, pero siempre con la misma melancólica sintonía. Si bien Horn of Plenty, la distorsionada y meditabunda visión freak-folk del 2004, fue un trabajo solista de Ed Droste - quien ahora comparte funciones de vocalista y composición con Daniel Rossen -, su secuela Yellow House, sentó las bases para la personalidad de la banda. Un influyente exponente del psych-folk moderno donde convivieron ambientes fantasmagóricos y arreglos orquestales por igual. Veckatimest significó su alteración sonora, pues aunque manteniendo sus facultades principales, se adentró en el indie rock más convencional: incrementó el uso de la distorsión en las guitarras, y se degradó la importancia de la orquestación, dándole un lugar como acompañamiento. De igual manera, éste funcionó como parteaguas a un público mucho más extenso, movimiento encabezado por su sencillo estrella, “Two Weeks”.

La producción a cargo de Chris Taylor, bajista de la banda, toma un papel estelar aquí, y proporciona calidad cristalina. Consciente del aumento de público, no se avergüenza de pulir en toda su superficie el LP, y promueve un aspecto más accesible y manteniendo el ambiente orgánico que distingue al proyecto.

Shields parece dividido en tres actos. Al inicio, un deslumbre de adrenalina y urgencia emocional por respuestas. Aprovechan el estado de desconcertación para propinar los 15 minutos más crudos y directos de la discografía de Grizzly Bear, entre ellos dos tracks ya lanzados como sencillos. "Sleeping Ute" escurre un blues diluido en una masa de guitarreos agresivos, identificable por la exageración en la voz de Droste, y “Yet Again”, una oda a la incomprensión amorosa, inundada de la obsesión de Droste por Fleetwood Mac y otros actos de rock clásico de los setentas.

En el segundo, retoman su fama de amantes de la repetición como formato de expresión. No es raro que hagan hincapié una y otra vez en algo si lo creen redituable a futuro, que es común desemboque en la culminación del crecimiento o una recompensa similar, una que permita sentir progresión. “A Simple Answer” luce como un corte rechazado de Arcade Fire: una letra predicante de la nostalgia y arrepentimientos de la juventud, con todo y Rossen en su mejor impresión de Win Butler, que termina por hundirse en su intrascendencia.

En lo que pareciera una disculpa a su falta de sustancia, la banda proporciona un intenso y dramático desenlace, donde no se miden consecuencias. Coros atronadores, puentes emocionales de piano, orquestas disonantes, percusiones explosivas. “Sun In Your Eyes” es una mini-ópera pop por sí sola, atragantándose con su propia sobredosis de emociones mientras se despide, “so bright, so long, I’m never coming back”.

La consistencia de sus extremos es contrastante, comparada con los momentos anti climáticos vividos en el resto del material. Grizzly Bear intenta demasiado ser grandioso, y en forma parcial, ese es un problema. Muchas veces lo visible no es el resultado, sino el esfuerzo exagerado por lograrlo, uno que altera los momentos, tanto, que a final de cuentas no los deja bien parados. El exceso de confianza se muestra denso, y su urgencia por dar una declaración final que resuma su existencia, es la misma que los detiene. Nos encontramos ante una promesa interrumpida, una que se tendrá que aceptar por lo que es.