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Noviembre está pasando demasiado rápido y al mismo tiempo, nos está regalando tracks inolvidables con los cuales celebraremos esta semana. Así que aprovecha para escucharlas on repeat, agregarlas a tu lista y tener un fin o inicio de semana muy divertido con música nueva y de alta calidad.
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Alineado a la sensibilidad que nos embarga la reciente celebración de día de muertos, Gabacho lanza “Chelas En El Cielo”, una emotiva canción escrita en memoria de su abuelo y con la que busca conectar con quienes han experimentado el dolor de perder a un ser querido.
Una pieza en la que genuinamente se refleja la dualidad que existe entre recordar el pasado con una dulce melancolía y mirar hacia el futuro con optimismo, tomando las lecciones de la vida y el aprendizaje que se vive en un proceso de duelo. Clara y precisa, asi es “Chelas En El Cielo”, en la que línea por línea, Gabacho comparte este viaje emocional, convirtiéndolo en un aliento de consuelo y esperanza.
Para hacer el ambiente aún más emotivo, el video de “Chelas En El Cielo”, presenta elementos de la naturaleza, con un telón de fondo que trasmite de manera inmediata la sensación de calma y tranquilidad.
“Chelas En El Cielo”, ya está disponible en todas las plataformas, lista para llenar tu corazón de paz y hacernos saber que no estamos solxs en el duelo. ¡Dale play!
Fármacos es el proyecto solista del chileno Diego Ridolfi quien ya lleva más de un año radicando en la Ciudad de México y está a punto de estrenar un álbum el próximo año. En esta ocasión nos ha sorprendido con “Que Nunca Pare”, un sencillo que se desprenderá del álbum y que tiene todo para hacernos bailar desde la primera vez que la escuches.
Y es que esta es una canción algo diferente a lo que Fármacos nos había entregado anteriormente, temas como “Oler a Ti” o “Nuestro Infierno” nos ponen más tranquilos y relajados mientras “Que Nunca Pare” hará todo lo contrario, y es que, este sigue explorando el tema de la sensualidad presente en canciones anteriores, pero en esta ocasión, Fármacos introduce nuevos matices, convirtiéndola en la opción más bailable del repertorio.
Esta canción, se eligió como tercer single porque es una de las canciones que ayudará a descifrar lo que será mi nuevo disco, es parte de una variedad que entrega el lado más enérgico y electrónico de lo que se viene", señala Ridolfi en un comunicado de prensa
Este lanzamiento se une a una gran lista de éxitos que el chileno ha consumado a lo largo de lo que va del año, con presentaciones en diversas partes de México culminando con un Lunario del Auditorio Nacional, y en varias partes de Latinoamérica en lugares legendarios como el Blondie en Chile y cerrando la gira en Lima Perú.
Esperamos una próxima presentación de Fármacos en nuestro país para poder bailar al ritmo de la canción, pero mientras eso pasa, corre a escucharla porque no puedes perdertela por nada.
The Mega Monsters Tour aterrizó a México con la presencia de Gojira y Mastodon presentándose en el Velódromo Olímpico “Melchor Ocampo”. En este primer encuentro las bandas no decepcionaron al público.
La hora de comenzar se acercaba y el recinto lucía vacío. En punto de las 8 de la noche salió la banda originaria de Estados Unidos, Mastodon y como por arte de magia la celebración comenzó con “The Wolf Is Loose”, la energía de la gente ya se sentía. Desde el primer momento el fuego y sus visuales hicieron sinergia para apoderarse de los asistentes.
Entre criaturas de otro mundo y kaleidoscópicos elementos de la naturaleza que nos llevaron a un viaje introspectivo, interpretaron temas como “Megalodon”, “Sultan’s Curse” y “Bladecatcher”. Sin embargo, el sonido no le hizo justicia y el público lo reclamó.
Sin embargo, también tuvimos tiempo para apreciar una vida agonizante y la disputa entre el cuerpo, el alma y la siguiente vida con “The Czar”. Para cerrar y levantar el ánimo, Mastodon se despidió con “Blood and Thunder” e hizo que aquellos que no habían sacudido la cabeza lo hicieran por primera vez en toda la velada.
En cuanto terminó el show, las personas se reacomodaron y entre el público comenzaron a nacer unas ballenas inflables. Un símbolo que representa a Gojira y que sus fans han tomado, en este caso, para hacer honor a su famosa “Flying Wales”.
22:20 H. Las luces continúan encendidas y no hay señales de la banda francesa. Cuanto menos lo esperaron, las luces se apagaron, siendo una cuenta regresiva en las pantallas lo único que alumbraba el lugar. Cuando parecía que el público lo había dado todo, se arrodilló ante un monstruo más gigante que comenzó con “Born For One Thing”.
El fuego era mucho más intenso, la batería más poderosa y Mario Duplantier lo sabía. Después de “The Art of Dying” pudimos disfrutar de un solo que también invitaba al público a participar. “The Chant” no fue la excepción para que el público se uniera y coreara el tema. Las bengalas y el cirle pit tampoco faltaron y emocionaron a los fans que se encontraban un poco alejados.
Todo show debe terminar. En el encore de Gojira pudimos disfrutar temas como "The Heaviest Matter of the Universe", "Amazonia" y "The Gift of Guilt".
Este duelo… un empate. Así que esperaremos la próxima batalla en el México Metal Fest.
Soda Stereo es una banda que marcó la diferencia en la música en español, desde su debut en 1984, le dio un enfoque completamente sudamericano al rock. Ahora, a casi tres décadas desde su separación y a nueve años del fallecimiento de Gustavo Cerati, recibirán su primer Grammy.
La Academia y, en particular, los Latin Grammy anunciaron sus reconocimientos especiales, en los que incluyen a Soda Stereo con el Premio Excelencia Musical. Este reconoce a los artistas que crearon un legado musical y tuvieron un impacto en sus comunidades.
Para Zeta Bosio y Charly Alberti fue una sorpresa que después de tanto tiempo finalmente les entregaran un premio de la Academia. Con un anuncio desde su Instagram, agradecieron a los Grammy por este reconocimiento:
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Su entrega será el 12 de noviembre, días antes de los Latin Grammy, en una ceremonia especial en Sevilla, junto con otros premiados como Ana Torroja, Mijares y Gustavo Santaolalla.
El legado de Soda Stereo está impreso en la música en español, especialmente el rock, pero que impactó en todos los géneros: dando lugar a la invención de nuevos sonidos y a homenajes a canciones como “De Música Ligera”, “Nada Personal” y “Cuando Pase El Temblor”.
Como parte de la escena musical de la Ciudad de México, una nueva artista ha emergido dentro del género de la electrónica. Con apenas cuatro sencillos liberados, Nana Nina comienza a abrirse paso dentro de la industria con un par de temas compuestos y producidos por ella misma.
Este 2023 ha sido bastante especial para la artista, pues comenzó a publicar sus primeros temas en plataformas digitales. “Fantasy”, en colaboración con Alizon Luv, fue uno de los pasos iniciales en su discografía, que más tarde tendría un remix por Nous Deus. Con una orientación a la música electrónica, queda claro que sus sonidos también son influidos por la cultura asiática.
Tomando también inspiración de artistas como Bad Gyal, Nana Nina ha compartido cómo se siente identificada con el arte y la estética visual y sonora del anime, que se ven reflejados sobre todo en el sencillo “Amor Para Mi 2” y “My Black Cat”. Otra de sus colaboraciones resulta de su trabajo con Mediopicky en el tema “Heels”, que fue liberado en octubre y es el más reciente dentro de su obra musical.
Si te gusta la música electrónica, no olvides darle una escuchada a las canciones de Nana Nina que ya se encuentran disponibles en Spotify, Apple Music o la plataforma digital de tu preferencia. Recuerda seguirla en sus redes sociales para estar al pendiente de su música nueva.
En 1999 David Portner (Avey Tare), Noah Lennox (Panda Bear), Josh Dibb (Deakin) y Brian Weitz (Geologist) daban inicio a lo que se convertiría en uno de los proyectos más emblemáticos de la experimentación del nuevo milenio. Animal Collective marcaba un antes y un después para los sonidos de indie Y2K y garage revival de la época, propulsados por intenciones noise, art folk y electrónica psych.
Tras el lanzamiento de Spirit They're Gone, Spirit They've Vanished (2000) la agrupación se mantendría en movimiento discográfico con nueve LP’s durante los años siguientes, sumado a múltiples presentaciones en vivo y un desarrollo excepcional de proyectos personales. Previo a la llegada del confinamiento, los oriundos de Baltimore se reunieron en una cabaña a las afueras de Nashville para reagruparse en lo musical, sesiones que dieron origen a los dos materiales siguientes: Time Skiffs (2022) e Isn’t It Now? en septiembre de este año.
Con esto en mente nos sentamos a platicar sobre el reciente lanzamiento con Brian Weitz, quien nos habló del nuevo take de experimentación al interior del álbum, reflexiones sobre el acto creativo y una mirada sobre todos los años compartidos, musical y personalmente, al interior del cuarteto.
“Fue extraño, como dos realidades sucediendo al mismo tiempo”, esta es la frase con la que abre el músico al preguntarle sobre la distancia entre la composición y materialización del nuevo LP. El confinamiento, aunado a las nuevas formas intra industria, obligaron a Animal Collective a dosificar los temas compuestos hasta su lanzamiento casi cuatro años después. Si bien la interpretación en vivo y las giras en solitario ayudaron a quitar el foco del desfase artístico, la sensación prevalecía entre los estadounidenses.
Musicalmente tenemos cosas drásticamente diferentes en mente, aún cuando pasamos los días hablando con la prensa y reviviendo el proceso de este material. Creo que es un recordatorio de no dejarnos diluir entre el pasado y el futuro. Nuestro centro no está exactamente en estas canciones, pero seguimos habitándoles en lo cotidiano”, comparte Geologist.
Con más de 20 años de trayectoria -30 si nos ponemos estrictos con sus años juveniles- el voltear atrás sobre materiales pasados no es realmente novedoso, pero el espíritu de cada disco parece diferenciar la experiencia de una u otra forma. En el caso de del material coproducido por Russell Elevado el punto rojo lo marca la captura sensible. En palabras del integrante.
Creo que capturamos, mejor que en cualquier otro punto de nuestra trayectoria, el sonido de nuestra sensación al estar juntos, tocando en un mismo cuarto”.
Weitz y compañía parecen mantener al mínimo esta autoexaminación al mínimo, volviendo rara vez sobre cortes pasados, lo que coloca en un lugar aún más espacial el rigor con el que abordan su presente creativo. Sin que esto interfiera con la identidad, voluntaria o accidental, que el proyecto ha formado desde esos primeros encuentros en la Waldorf School of Baltimore.
Quizá el tiempo nos ha relajado, hemos aceptado que inevitablemente habrá ciertos significantes, ideas a las que recurrimos instintivamente como Animal Collective, ya no peleamos contra eso. Pero tomamos muy seriamente la intención de no repetirnos, de hacer algo nuevo, de querer sorprendernos”, remarca Weitz.
Paralelamente, contextualizar esta presión lejos de la ansiedad que puede representar el proceso (resignificado durante años) aparece más que necesario para el colectivo. Quienes consideran que “[...] el acto creativo no tiene por qué ser parte de una progresión. No tienes que mejorar o llegar a algún punto, solo estar presente y seguir lo que te inspira en ese momento”. Una resolución más que satisfactoria si pretendes mantenerte dentro de lo musical con la experimentación como bandera.
Isn’t It Now? nos presenta un nuevo formato respecto a la inventiva del proyecto, priorizando el acercamiento material sobre el teórico. Los integrantes se familiarizaron con nuevos instrumentos, inspirados por el abordaje vivido durante las sesiones de Weitz junto a John Cale.
Cuando los cuatro nos acercamos a estas clase de ideas, sin pensarlo demasiado o discutirlo, terminamos en lugares completamente nuevos”.
Con Portner en el bajo eléctrico, Dibb en el piano, Lennox en en los platillos y Weitz en los sintetizadores Animal Collective daba la vuelta al proceso experimental, colocando el riesgo creativo lejos de la ruta esperada por su público. Quienes han llegado a catalogar los últimos dos lanzamientos de poco rebuscados; sónicamente quizá, pero el proceso impone un cristal diferente a los nueve tracks.
Toda esta frescura y novedad de crear con instrumentos tan poco familiares se transmite a la manera en la que nos relacionamos. Tras veinte años de tocar juntos reconozco el rasgueo de Josh en la guitarra, pero escucharlo como tecladista es una experiencia drásticamente distinta”, comparte el músico.
Este abordaje de lo musical (profesional en este punto) parece apoyado por una filosofía personal por parte de Weitz, quien parece haber encontrado un sweet spot entre el nihilismo optimista y un impulso sensible imparable, atravesado en cada punto por quienes le rodean.
Creo que sólo trato de abrirme cada vez más, sin esperar nada. Al mismo tiempo no creo poder empezar a describir lo afortunado que me hace sentir el poder pasar el tiempo con mis mejores amigos, haciendo de la música un medio de vida para sostener a mi familia”.
Con una carrera tan fructífera tras de sí, Animal Collective cataloga la presión por los años venideros en dos grandes grupos: el monetario (por los cambios en las dinámica de consumo musical) y el creativo (donde la única verdad es la propia).
Como resolución casi simultánea el músico se decide por el movimiento sensible, el presentismo y la firme convicción que le ha unido todos estos años al quehacer creativo.
El único propósito que tengo es el de seguir tratando, seguir haciendo que las cosas pasen y ser tan consciente de ello como me sea posible”.
Nuestra entrevista cerraba con un Geologist completamente anclado en las esferas que parecen haberlo hecho evolucionar durante todos estos años: familia, amigos y sonido. Emocionado por lo que esté por venir, negando cualquier posibilidad de salida fácil, con la sorpresa cargada en cada falange y sobre cada instrumento que llegue a caer entre la jungla del proyecto.
Usualmente no me detengo a pensar en las cosas que habría hecho diferente pero, cuando llego a hacerlo, descubro que rara vez son musicales. Se trata de nuestra amistad, momentos en los que pude haber sido más empático con alguien en la banda, expresarme mejor en alguna conversación, etc. Creo que es de los pocos lugares donde no me molesta sentirme parte de una linealidad, quiero avanzar sensiblemente. Es lo que ha mantenido unida a la banda todos estos años, lo que nos ha permitido crear juntos, viajar juntos, vivir juntos; crecer”.
En una época en la que todos vamos de prisa, queriendo que las cosas sucedan ya, Vanessa Zamora te hace una invitación para detenerte, respirar y hacerte saber que “El mundo puede esperar”, título de su nuevo sencillo.
Esta canción inició en un momento que Vanessa tuvo de contemplación, un escape de esta realidad en la que pareciera que ya nada nos sorprende; escrito, producido y mezclado por la talentosa tijuanense, “El mundo puede esperar” es una canción en el que se puede escuchar un ritmo más renovado pero sin perder la esencia de Vanessa, lo que hace a que sea un abrazo sonoro para todo aquel que lo escucha.
Este sencillo no viene solo, ya que también se lanzó su video oficial. Vanessa con un fabuloso cambio de look, camina por las calles de Tokio, en donde podemos ver a una Vanessa exhausta de la velocidad a la que va la vida, pidiendo solo un respiro, que todo se detenga por un momento para contemplar y disfrutar de la vida.
En ocasiones la rutina nos consume y vamos tan de prisa que pasamos por alto detalles importantes de vivir, asi que date un respiro, descarga y escucha esta nueva rola y recuerda que al final “El mundo puede esperar”.
El año se fue rapidísimo. Ya es noviembre y las calles y hogares se empieza a adornar de luces y decoraciones navideñas. Evidentemente esta época de dar y recibir está cada vez más cerca y por ello Ferrero Rocher se viste de gala para recibirla con su tradicional Golden Symphony.
La marca de chocolates de envoltorios dorados, celebra las festividades decembrinas en compañía de la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Guanajuato e invitados de lujo como Carlos Rivera y Jesse & Joy en directo desde el Teatro del Bicentenario de León, Guanajuato.
Ferrero Rocher se lució con una alfombra dorada que vio desfilar a celebridades que se unen al festejo de la Navidad en los mares del ensueño y, que pronto podrás revivir vía televisión a través de Televisa o TV Azteca el próximo sábado 9 de diciembre en punto de las 20:00 H.
El concierto duró más de dos horas y provocó que el aire se impregnara de nostalgia y felicidad. Entre clásicos de los hermanos Huerta como "Espacio Sideral" o "¡Corre!" y del cantautor de Tlaxcala como "Te Esperaba" o "¿Cómo Pagarte?", el público coreó con entusiasmo las melodías de ambos proyectos mientras la piel se erizaba por tremendo trabajo en escena. Por supuesto, no pudieron faltar los villancicos que adornaron y emocionaron a todos los presentes.
Unas copas de vino espumoso y canapés frutales amenizaron esta helada velada que terminó en deseos positivos para las felices fiestas decembrinas en esta la octava edición de la Golden Symphony. Ligeramente adelantada, pero ¡Feliz Navidad y felices fiestas a todos!
Cigarbox Man es la agrupación liderada por el chileno Felibe Ubeda cantante, compositor, productor, luthier y DJ que además de poseer gran talento para la ejecución de distintos renglones sonoros es también ejecutante de su singular instrumento la Cigarbox Guitar creada por el mismo Ubeda y que forma parte esencial de su propuesta.
Además de esto la banda está compuesta por grandes músicos que acompañan de forma fenomenal a Ubeda creando esta psycho experiencia que propone el grupo. Thomas Pridgen en la batería quien anteriormente había participado en proyectos como The Mars Volta, Residente etc, Uriah Duffy en el bajo y ex integrante de Whitesnake y por último Karl Perazzo en las percusiones y ex integrante de la banda de Carlos Santana.
La producción de este disco, que ya está disponible en todas las plataformas de streaming, fue hecha por el mismo Ubeda en compañía del reconocido productor Tomas Salcedo, dos veces ganador del Grammy y Nahuel Bronzini ambos integrantes de Fantastic Negrito.
Blue Dalmon, es un álbum que indiscutiblemente no pasará desapercibido y una de las razones será la propuesta sonora. Parte del espíritu profundo del delta blues se aventura por rincones, tecnologías y texturas muy diversas: desde la psicodelia setentera y los sonidos acústicos y orgánicos hasta el rock y las atmósferas ambient.
También en la propuesta lírica cada canción trasciende el entretenimiento para ofrecer una experiencia emocional que ahonda en conceptos como la identidad, la comunión social, historias de inmigración, el aislamiento y la justicia ambiental. Aunque las letras no siempre son explícitas, la confabulación entre la música y su tratamiento poético hacen que sean piezas que corresponden a todos estos temas.
El disco fue compuesto y pre producido durante varios retiros en distintos lugares naturales del mundo y cuenta con una colaboración muy especial por parte de la artista mexicana Ely Guerra en el tema de apertura “No Quiero Llegar”. El disco fue anticipado con seis lanzamientos previos acompañados por una serie de videos musicales y presentaciones en vivo y termina de completarse el pasado primero de septiembre con “Let Me Fly” y “Los Here Sometimes”.
Blue Dalmon también fue una propuesta pensada de manera sostenible, y para poder lograr esa meta la banda se propuso a través de la organización chilena sin fines de lucro, Fundación Cultiva, neutralizar las emisiones de carbono necesarias para su grabación, plantando 96 árboles mismos que capturaron 48 toneladas de CO2.
Para la promoción del álbum, la banda tiene planificado venir a México a hacer una serie de conciertos siendo el primero el próximo miércoles ocho de noviembre en Casa Pepe y luego cumpliendo el rol de support act en algunas fechas para la banda argentina Los Espíritus.
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