Herbolaria dice “Adiós” en nuevo sencillo

Los ritmos tropicales se fusionan con la vibra psicodélica en el nuevo sencillo de Herbolaria. “Adiós” es parte de un EP que se titulará, Raíces.

Herbolaria es el proyecto de la productora musical, cantante y percusionista Anahí Iturralde. Sus raíces están cimentadas en Mazatlán, Sinaloa, pero sus brotes creativos han florecido en la escena musical de la CDMX. Recientemente compartió “Adiós”, el primer sencillo en camino a su EP debut que estará titulado, Raíces.

El sonido de “Adiós” parte del zumbido de un sintetizador que se alarga a través de todo el track. Así, las percusiones de Herbolaria marcan un ritmo que contagia la sensación de movimiento que las plantas tropicales tienen al ser alcanzadas por el viento. Los elementos principales que forman el paisaje sonoro de la canción están ligados por las melodías y los rebotes que las notas de bajo y guitarra tejen entre sí. Al frente de la canción, la voz de Iturralde está acompañada por voces en coro que terminan por definir la sonoridad botánica de “Adiós”.

Prácticamente esta canción habla sobre poder desapegarte de algo que quieres mucho. La escribí en un momento muy triste de mi vida, que justo estaba en eso… la estoy compartiendo con ustedes y espero que les sirva en este momento de su vida o en algún momento de sus vidas”, compartió Herbolaria sobre “Adiós” a través de un post en Instagram.

“Adiós” fue pensada por Herbolaria como un abrazo a todxs lxs que necesitan ayuda y como un acompañamiento en los procesos de despedida, sobre dejar ir a personas cercanas y la posibilidad de reiniciar con algo nuevo. La composición y la producción musical fueron realizadas por la misma Anahí Iturralde, pero la instrumentalización fue un esfuerzo colaborativo entre amigxs.

 

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Te compartimos acá la nueva canción de Herbolaria para que te sientas acompañado por su propuesta musical en “Adiós”, disponible ahora mismo a través de la discográfica Now Girls Rule Company.

Paz Lenchantin se separa de Pixies después de 10 años

La música argentina, Paz Lenchantin, se aparta de su posición como bajista de Pixies.

La legendaria agrupación de rock alternativo, Pixies, anunció que su bajista, Paz Lenchantin dejará su posición en el grupo para enfocarse en sus propios proyectos. El anunció llegó esta mañana a través de una publicación en el Instagram oficial de la banda.

Paz Lenchantin, que se unió a nosotros en 2014, ha dejado la banda para concentrarse en sus propios proyectos. Estamos agradecidos por las muchas contribuciones de Paz, y le deseamos todo lo mejor en el futuro”, compartió Pixies en su comunicado.

Paz Lenchantin llegó por primera vez a las filas de Pixies en 2014 luego de que Kim Shattuck partiera de su entonces reciente posición como reemplazo de la bajista original del grupo, Kim Deal. Antes de llegar a compartir escenarios con la agrupación, Lenchantin participó en actos musicales como A Perfect Circle, Zwan y The Entrance Band donde pudo demostrar su maestría de distintos instrumentos además del bajo –ejecutando trabajos en cuerdas como violín y chelo–. Como parte de Pixies, Paz Lenchantin participó en la grabación de tres álbumes de estudio; Head Carrier en 2016, Beneath the Eyrie en 2019 y Doggerel en 2022.

 

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Finalmente, Pixies también aclaró que Emma Richardson de Band of Skulls será la nueva bajista y les acompañará a partir de su siguiente concierto. Su nueva etapa comenzará este fin de semana en el primer concierto de una gira internacional en la que también estarán presentes Modest Mouse y Cat Power.

Bikini Kill en el Pabellón Oeste del Palacio de los Deportes

Bikini Kill, la banda que encabezó la Generación X y hoy es una de las voces más potentes del #8M.

Los escépticos dudan de la verdad pero no puede ser coincidencia que la llegada de Bikini Kill a México ocurrió en marzo. El conjunto que hablaba de feminismo cuando nadie más lo hacía llegó en un momento en el que su pensamiento se mantiene vigente. Las personas pueden envejecer pero las ideas son eternas.

Uno de los problemas de los grupos internacionales que se presentan en la CDMX es la elección de la banda abridora. Poner a Los Nena antes de Faith No More no fue una de las decisiones más inteligentes de la vida aunque en esta ocasión todo fue diferente gracias a Cremalleras.

Punk mexicano con sabor a cabrito

Uno de los secretos mejor guardados del punk mexicano tuvo un justo reconocimiento por sus más de 10 años de transitar por los más sucio y decadente del underground. La dupla conformada por Violeta y Daniel se distingue por su feroz sonido que carece de bajo pero tiene un exceso de furia. Sus canciones no suelen durar más de dos minutos porque tienen la misma filosofía que los Circle Jerks: “hay que quitar todo lo innecesario y sólo dejar lo que realmente vale la pena”.

Desde el momento en el que los dos integrantes se colocaron sobre el escenario del Pabellón del Palacio de los Deportes recibieron una fuerte ovación. Fue algo bastante extraño porque la pareja está acostumbrada a presentarse frente a un número reducido de personas en espacios con nulas medidas de higiene. En cambio, ahora lo hicieron ante una multitud de miles que desde el primer instante mostró respeto por el trabajo de los originarios de Nuevo León.

El estilo rabioso de la pareja es todo lo que se podría esperar de integrantes que han pasado por grupos hoy legendarios como Ratas del Vaticano, Descarnada y Heterofobia. Canciones a máxima velocidad con letras que son imposibles de escuchar pero que a nadie dejan indiferente. Por algo son una de las bandas emblemas del sello de culto Cintas Pepe que ha publicado sus dos álbumes.

Cremalleras Bikini Kill Pabellón Oeste Nachomirandaaa 7

A pesar del buen recibimiento hacia el combo mexicano la realidad es que todo el público que acudió a la cita lo hizo por el proyecto principal. Todavía había muchos que dudaban que Bikini Kill por fin se presentaría en la Cedemecs.

Los minutos antes de ver a tu banda favorita pueden ser tan largos como en un partido de fútbol pero al final las cuatro representantes del movimiento riot grrrl se colocaron en sus posiciones y empezó el estallido musical.

De encabezar la Generación X a darle voz al #8M

Kathleen Hanna (voz), Tobi Vail (batería), Kathi Wilcox (bajo) y Sara Landeau (guitarra) no necesitan pirotecnia ni escenarios estrafalarios. Su poder está en el mensaje y no en los adornos que siempre son llamativos pero no necesarios.

Al estilo del hardcore-punk las canciones empezaron a sonar una tras otra. El sonido del lugar tuvo algunas fallas, en especial cuando Tobi tomó la posición de cantante, aunque en términos generales fue como escuchar al cuarteto de Olympia directo en la sala de tu casa.

La discografía de Bikini Kill es pequeña pero no de ninguna manera insignificante. Sus canciones han trascendido la barrera del tiempo y ahora no sólo son emblemas de la Generación X sino también del #8M.

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De igual forma, el público siempre desempeña un papel muy importante en cualquier concierto de rock. En este caso, el grito Girls to the front, como el título del libro emblema de Sara Marcus sobre el Riot Grrrl, que se suele escuchar en los conciertos en Estados Unidos se transformó en un ensordecedor Morras al frente. El idioma es diferente pero el significado de las ideas es universal.

Por su parte, Kathleen aprovechó su poder en el micrófono para ofrecer mensajes con respecto a su pensamiento. Desde apoyar el feminismo hasta recordar que ya no estamos en 1992 y las restricciones contra el aborto no pueden continuar en el mundo actual.

Durante poco más de una hora se vivió uno de los conciertos más intensos que se han registrado en la Ciudad de México. La colorida vestimenta de bailarina punk de Hanna junto a sus bailes con referencias a su pasado con Le Tigre fueron el complemento ideal para escuchar auténticos himnos por la equidad de género. Desde “Double Dare Ya” hasta concluir con la emblemática “Rebel Girl”.

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Tuvieron que pasar más de tres décadas pero por fin Bikini Kill se presentó en la CDMX. La fiesta dominical fue un recordatorio de que todavía falta mucho por hacer para alcanzar una verdadera equidad de género. La música es apenas una de las diversas herramientas que existen para luchar todos los días y alcanzar el objetivo.

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Muere Dani Ulecia, bajista de El columpio Asesino

“De la escala musical se ha ido el sol”.

El músico y productor Daniel Ulecia, conocido dentro del panorama alternativo nacional por ser el bajista del grupo El Columpio Asesino, ha fallecido a los 52 años el pasado jueves 29 de febrero. Así lo confirmó el grupo a través de sus redes sociales oficiales.

Sin duda, su nombre pasó a otro nivel con su incorporación en el grupo de rock punk El Columpio Asesino, activo desde 1999 y en el que se enroló en el año 2011, justo con la publicación del trabajo Diamantes. En el grupo tocaba el bajo y también el teclado. Por otro lado, también es destacable su carrera como productor, contando con una docena de discos publicados con distintos artistas.

El Columpio Asesino se encuentra actualmente en su gira de despedida, después de que hace justo un año anunciara su disolución tras más de 20 años en activo. Para estas últimas fechas, la agrupación había sumado al equipo a Íñigo Cabezafuego como sustituto de Ulecia en el bajo eléctrico y los teclados.

Dani Ulecia Fam

"De la escala musical se ha ido el sol", dice la esquela en la que la familia comunicó la conducción al cementerio de Pamplona para su incineración, el sábado 02 de marzo en el Tanatorio San Fermín de Izarra, España. 

Recuerda que El Columpio Asesino se presentará en el festival Vive Latino, el próximo sábado 16 de marzo en el Autódromo Hermanos Rodríguez de la Ciudad de México.

Cartel Vl 24 Actualizado Sabado

 

Perfiles: Cinthya García Leyva

Crear desde la interdisciplinariedad.

La vida, vista desde arriba, podría resumirse en una serie de decisiones que debemos afrontar y aceptar día a día, pero es interesante pensar que el camino que tomaste a temprana edad, aún pueden influir en tu vida de una manera en la que, tal vez, nunca esperaste. Viejas pasiones reviven con el paso del tiempo y nos ayudan a crear-nos como humanos y como profesionales, que entregamos todo de nosotros en las oportunidades y posiciones en las que nos coloca la vida. 

Para este perfil, tuvimos la fortuna de platicar con Cinthya García Leyva, investigadora y gestora cultural que actualmente dirige Casa de Lago UNAM, uno de los recintos que más apertura muestra ante los proyectos de experimentación sonora, demostrando la gran labor de Cinthya y su pasión por la exploración de los horizontes infinitos del sonido. 

Yo me definiría como una gestora cultural y como una investigadora que le interesa mucho el sonido y las prácticas experimentales interdisciplinarias. Ha sido todo un goce para mi el ir descubriendo la amplia posibilidad de trabajo en México, ya que se pueden cruzar distintas propuestas de artistas con trayectorias muy diferentes, muy diversas y con contextos que no tienen nada que ver, para construir nuevos lenguajes y nuevos conocimientos”. 

Si tuviéramos que usar una sola palabra para definir el trabajo de Cinthya, sin lugar a dudas sería “interdisciplinario”, ya que es una palabra que no solo define a su carrera, sino que también la podría definir a ella. Esto debido a que desde temprana edad ella se dedicó a estudiar y explorar el mundo de la música, desde la práctica y el academicismo, al estudiar guitarra en la Escuela Nacional de Música. Posteriormente, la vida la llevaría a estudiar Lengua y Literatura en la Facultad de Filosofía y Letras, donde encontraría su pasión por las artes literarias. Eventualmente, su carrera se fusionaría con su pasión por el sonido, abriendo un mundo de posibilidades para explorar. 

Por un momento me alejé del mundo de la música y me adentré más al mundo literario. Pero recuerdo que cuando conocí el concretismo brasileño, donde la capacidad de pensar que significaba un poema se puso en jaque, y estos poetas concretos brasileños pusieron en discusión lo que significaba la palabra escrita, la palabra sonando, el sonido, la palabra y la palabra en su dimensión material. Cuando tuve ese encuentro, fue como una manera para mí de regresar al sonido desde otros espacios posibles; desde lo material, desde justamente aproximaciones del silencio, el residuo, los conceptualismos en poesía”. 

Actualmente, Casa de Lago UNAM se posiciona como uno de los recintos culturales más fuertes y con mayor apertura a la escena musical capitalina, pero cuando Cinthya tomó la dirección, se enfrentó a un reto de dimensiones nunca antes vistas; la pandemia del 2020 a un mes de comenzar su gestión.  

Fue un reto inmenso, comenzar una gestión a la distancia y luego hacer un proyecto que siguiera cobijando a la Casa del Lago y a los programas propuestos desde un inicio; eso fue un aprendizaje tremendo. Pero no solo para mí, sino para el equipo entero, duplicamos, extendemos y sumamos nuestras labores, para volvernos expertos en los nuevos ecosistemas digitales. Me gusta ver la gestión cultural no solo como un proyecto administrativo, sino también como un proyecto creativo”.

Casa Del Lago Unam 2024

Otro elemento que destaca dentro de la trayectoria de Cinthya García es su basta participación en talleres y charlas internacionales, en las que continúa con su labor enfocada a la difusión cultural, al compartir y exponer el trabajo que se realiza en México y en nuestra capital, la cual se posiciona como una de las mayores capitales culturales del mundo. 

 “Para mí ha sido súper importante notar en los últimos años la atención que tienen otros países, sobre lo que se hace en México y el conocimiento que se empieza a tener, porque no siempre fue así. México se ha convertido en uno de los focos culturales más relevantes del mundo y ahora, algo bien interesante que está pasando, es una conectividad mayor latinoamericana desde un respeto intelectual y una crisis económica compartida que, sin embargo, ha producido grandes proyectos intelectuales y grandes proyectos artísticos”. 

Casa de Lago UNAM es un espacio cultural ubicado en el corazón de la Ciudad de México, con más de 70 años de historia; años en los que ha evolucionado su uso, el mismo espacio y la propuesta cultural que acoge dentro de sus muros. Ya con cuatro años al mando del recinto, Cinthya nos comparte cómo fue tomar el espacio y transformarlo en un lienzo en blanco para el despliegue de su visión creativa. 

Este es un espacio complejo que requiere mucha energía y, a la vez, es un privilegio total, porque estás en un lugar muy flexible; arquitectónicamente hablando. Tiene jardines, foros, foros abiertos, salas de cine, espacios para cursos y talleres, además de que tiene una ubicación privilegiada en la que puedes ver a las familias en las lanchitas, mientras disfrutan de un espectáculo visual y sonoro muy bello. Llegué y descubrí un espectro amplísimo de públicos y un espacio noble y permisivo”. 

Cinthya es una persona que ha creado y aprovechado sus oportunidades, y se establece como una de las pocas mujeres que cumplen con un papel directivo dentro del circuito cultural de la capital, situación que la posiciona como todo un modelo a seguir para las nuevas generaciones de mujeres apasionadas por la creación, difusión y administración de la cultura nacional. 

“Siento que, como mujer, debes trabajar mucho más para destacar dentro de esta industria. A las mujeres, y más a las mujeres jóvenes, se nos exige el doble o el triple para estar más o menos en una discusión horizontal con figuras masculinas de mayor edad. Yo me siento involucrada en muchísimas luchas feministas, porque gracias a eso se empiezan a cerrar brechas y sí se han dado cambios increíbles, pero también hay una realidad muy complicada todavía. Se requiere un esfuerzo fuerte y se requiere un trabajo constante, eso no hay duda, pero que sí hay espacios que permiten un gran desarrollo y ahora es un momento propicio para empujar desde el conocimiento de las crisis”.

Motorama en el Teatro Metropólitan

Sinfonía subversiva y una noche de post punk.

En nuestro cerebro, el hipocampo es la estructura encargada de almacenar los recuerdos y la nostalgia, siendo este el sentimiento que se encendió en las almas de miles de personas luego de escuchar los sintetizadores, guitarras con efectos, bajos prominentes y desenfrenada batería a cargo de la agrupación rusa, Motorama.

El recinto elegido para la onírica velada fue el Teatro Metropólitan, en donde este 2 de marzo se presentó la añorada agrupación de new wave y post punk que es considerada una de las más importantes en la actualidad. Directamente desde Rostov-on-Don, Rusia, el cuarteto conformado por Vladislav Parshin, Maxim Polivanov, Airin Marchenko y Michail Nikylin se hizo presente en punto de las 21:07 H, momento en que las luces se desmayaron dentro del venue más elegante de la CDMX.

Las bocinas nos demostraron su potencia en la penumbra de un teatro adornado con esculturas griegas, donde la majestuosidad clásica se encuentra de frente con la rebeldía contemporánea, fue así que  “Wind in her air”, del icónico álbum Alps, apareció como uno de los primeros de la noche, siendo este el tema que fungió como el inició de lo que sería una travesía de 1000 millas en los caminos del post punk, new wave, coldwave e indie rock.

Motorama Teatro Metropolitan (4)

Atmósfera etérea y luces rojas bailando

Las luces rojas se proyectaron con fuerza en las paredes antiguas, parecían danzar, al tiempo que iban creando un juego de sombras que dio vida a la dualidad de la ocasión; a la par, efectos de humo flotaban en el aire, proporcionando una atmósfera etérea que preparaba el escenario para la inminente explosión musical que estaba en ascenso con cada riff a cargo del líder de Motorama, Vladislav Parshin.

Fue así que, segundo a segundo, los presentes iban entrando cada vez más en la sinfonía de guitarras distorsionadas y ritmos pulsantes de temas como "Pole Star", "Heavy Wave", "One Moment", "Eyes", "Alps", "Ghost" y "To The South", al tiempo que en el transcurso de estas piezas, cada escultura dentro del Metropólitan parecía cobrar vida con la energía electrificarte del grupo que se gestó a raíz de la banda Utro, también conocida como Утро por su nombre original. 

El reloj marcaba las 22:00 H y la banda permanecía en un frenesí de entrega total, encabezada por un vocalista cuya presencia magnética envolvía a la multitud, pues no por nada Vladislav Parshin es reconocido por su voz, rasgada y llena de pasión, con la cual parece cortar el aire mientras se mezcla con las luces rojas que destellan al ritmo de la música. 

Motorama Teatro Metropolitan (3)

Explosión de batería que nos dejó perplejos

Fue así como el líder de Motorama se dejó ver como una marioneta hipnotizada por las melodías rebeldes y, dejándose guiar por su instinto al parecer salvaje, procedió a dejar su guitarra en el piso del escenario para dirigirse hacia la batería en momentos estratégicos. Acto seguido, un platillo resuena con cada golpe que él daba aleatoriamente, añadiendo un matiz percusivo a la experiencia.

De esta forma, el vocalista hizo explotar a los presentes en gritos y aplausos, dejando en claro que cada elemento de Motorama es virtuoso y arriesgado, al tiempo que comprobó una vez más a su audiencia mexicana la versatilidad de la banda, quien para las 22:40 H, sin mayor aviso, abandonó el escenario.

¡Paren todo! Los gritos y férreos reclamos de la audiencia chilanga hicieron que los rusos volvieran con una sonrisa al escenario para dar fin a su setlist, mismo que se desarrolló —durante casi dos horas— como una oda a la música alternativa, con temas clásicos de sus discos Calendar, Poverty, Dialogues y Many Nights, los cuales alternaron con frenéticas melodías de su álbum más reciente lanzado en 2023, Sleep, and I Will Sing.

Motorama Teatro Metropolitan (2)

Fue así que, como si se tratara de una cuidada narrativa sonora, con picos de intensidad y valles melódicos, Motorama mantuvo a sus fans mexicanos en un estado de trance, en donde la fusión de lo antiguo y lo moderno en este escenario de aires griegos hizo que la agrupación rusa dejara una impresión duradera en los corazones de aquellos que fuimos testigos de esta singular sinfonía subversiva.

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Patti Smith + Soundwalk Collective en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris

La poesía punk con memorias audiovisuales nos recordaron el poder y responsabilidad de estar vivos.

La “madrina del punk”, Patti Smith, aterrizó en el asfalto capitalino ayer 1 de marzo junto a sus amigos del colectivo Soundwalk, proyecto creado por el músico francés Stephan Crasneanscki, para darnos una noche inolvidable y como pocas, en la que, la mezcla de poesía punk con la proyección de videos impresionantes, hizo de las suyas para conmover a la audiencia que se dio cita en las inmediaciones del Teatro de la Ciudad Esperanza Iris. 

El recinto se llenó alrededor de las 20:20 H, el ruido y las luces intermitentes de los celulares de los asistentes que llegaban, se empezaban a apaciguar cada vez más hasta quedar en completo silencio y oscuridad. Patti Smith entró al escenario acompañada por Stephan Crasneanscki, iluminando el camino con una linterna. Al instante, una serie interminable de aplausos la ensordecieron.

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Tal como en el cine, la pantalla detrás del escenario empieza a proyectar imágenes y cortos grabados durante los viajes hechos por Crasneanscki, las cuales muestran aspectos de la naturaleza y su deterioro, animales disecados en un aparador, lobos noctámbulos en un bosque, hielo en su estado más puro, niños, personas y más. 

Todo esto con distintos formatos como la doble exposición, infrarojo, blanco y negro e inlcuso, hasta por ahí se colaron algunos cuadros de películas de Andréi Tarkovski como Andrei Rublev o Pasolini del director Abel Ferrara, donde el protagónico lo tiene Willem Dafoe.

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La voz de Patti Smith nos acompañó en ese viaje audiovisual con poemas y relatos que hablaban del cambio climático, la hambruna, el pasado, el dolor, el duelo y la naturaleza. Leyendo sus manuscritos conforme avanzaba la noche y desmembrando las hojas que tenía acumuladas en el atril y, en ocasiones, a sus pies. Ella solo hacía pausas repentinas para hidratarse y para echarse agua en el rostro.

Para completar la experiencia inmersiva, en el escenario vemos a varios artistas del colectivo Soundwalk bien configurados con violonchelo, timbales, campañas de todos los tamaños, xilófono, sintetizadores y computadoras, así como audios ambientales grabados durante 10 años por Crasneanscki.

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El sonido es envolvente al grado de llevarte a distintos lugares a través de la narrativa de Patti Smith y, por si no fuera poco, también hay un momento en el que el propio Crasneanscki va desgarrando la superficie de un bloque de hielo con un piolet en mano. 

Para el encore, la artista estadounidense se aventó un palomazo con su amigo Lenny Kaye tocando la guitarra, deleitándonos con “Because the Night”, de la cual mencionó estar muy emocionada, porque justo se celebraba el aniversario de boda con su fallecido y querido esposo Fred Smith. 

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También cantó “People Have the Power” y comentó que estaba muy feliz de ver a tanta gente en el centro de la CDMX alzando la voz y dispuesta a movilizarse (guiño al arranque de campaña de Sheinbaum), porque sí, con este show ella nos recordó el poder y la responsabilidad de estar vivos.

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“Rorschach”, un adelanto del Live Session de Hippie Hourrah

Desde múltiples ángulos, se alternan tomas que reflejan el ritmo de "Rorschach".

El video de la sesión en vivo de la canción "Rorschach", de Hippie Hourrah, ofrece un avance de lo que está por venir. Este adelanto, que captura la esencia enérgica del grupo, sirve como una mirada a lo que será la próxima sesión en vivo, programada para estrenarse el 19 de abril, fecha que coincide con el primer aniversario del álbum, Exposition Individuelle.

En el video, Hippie Hourrah se presenta con músicos adicionales en un escenario con fondo oscuro, donde en una pantalla blanca se proyectan imágenes que se sincronizan con la música. Esta dualidad entre la música y las imágenes crea una experiencia íntima, en la que se resalta el dinamismo de la sesión en vivo. Desde múltiples ángulos, se alternan tomas simultáneas, reflejando la intensidad y el ritmo contagioso de "Rorschach".

Este lanzamiento no solo celebra su más reciente álbum, un trabajo en el que resaltó el talento y la innovación que caracterizan a Hippie Hourrah, sino que también da una idea al público de lo que puede esperar para la pequeña gira que la banda tendrá en Estados Unidos.

Puedes ver el video "Rorschach" en YouTube y escuchar más temas de Hippie Hourrah en plataformas digitales como Spotify, Deezer y Apple Music.

Aleex Raptor comparte “Aquí todo pasa igual”

El proyecto del artista michoacano, Aleex Raptor, está de vuelta y comparte su nuevo sencillo: “Aquí todo pasa igual”.

Aleex Raptor es el nombre de la propuesta musical de Alejandro Castañeda y hoy está de estreno con la aparición de su nuevo sencillo. “Aquí todo pasa igual” es una manera de nombrar el universo de significados construidos en pareja y su sensación de permanencia incluso después del final de su vínculo afectivo.

La experiencia que “Aquí todo pasa igual” provoca es similar a estar rodeado de un grupo de gatos y entrar en coordinación con su ronroneo, el ritmo es juguetón y vuelve constantemente en sí mismo. Los coros envolventes evocan una sensación de paz que está tanteándose constantemente con los saturados solos de guitarra que generan una sensación de tensión que parte desde la tranquilidad. La voz de Aleex Raptor nos narra una situación de pareja que se acabó y que se recuerda desde la empatía aún presente por el otrx. Además existe cierta ternura en el trato que se tiene por el mundo personal que se construye en pareja y que ahora está perdido. Hacia la resolución de la canción, el artista michoacano propone un clímax sonoro que representa el sentimiento turbulento de aceptación y la tranquilidad posterior que le espera.

Aleex Raptor acompañará su nuevo track con una pieza audiovisual que se estrenará pronto y que fue realizada por el director Ricardo Santos. El videoclip forma parte de una experiencia musical en dos partes que aún está a la espera de su secuela, “8:40”. “Aquí todo pasa igual” es el primer paso de la nueva etapa musical para Alejandro Castañeda y fue el resultado de su colaboración con el productor Rodrigo Villagrán.

Acá te compartimos “Aquí todo pasa igual” para que te adentres en el ambiente emotivo y melancólico que propone. Además, te informamos que Aleex Raptor tendrá un evento exclusivo para que sus fans puedan celebrar su nuevo estreno en una release party que tendrá lugar hoy, 1 de marzo de 2024, en Conexión 222 (Insurgentes #222).

Kathy Palma estrena “O Nada”

La cantautora estrena "O Nada" en su trayectoria llena de éxitos y colaboraciones.

Kathy Palma, una talentosa cantante y autora/compositora bilingüe, nos maravilla con el lanzamiento de su último sencillo, "O NADA". Este, junto con otros lanzamientos a lo largo de 2024, formará parte de un nuevo álbum que redefine su identidad musical.

Sus anteriores trabajos, incluyendo el EP debut Ella Es y el himno LGBTQIA+, "Rebel", han sido aclamados tanto por la crítica como por los fans. Además, sus colaboraciones con destacados artistas como ill Factor, Sebastián de Peyrecave y Diego Contento, demuestran su versatilidad y talento.

Con una lista impresionante de presentaciones en festivales y programas radiales, Palma continúa destacando en la escena musical. Actualmente, se encuentra en Guatemala preparándose para su presentación en el Festival Contracorriente, donde compartirá escenario con artistas de renombre como Esteman, Porter y Technicolor Fabrics.

La música de Palma transmite un mensaje de empoderamiento y autenticidad. Su voz suave y emotiva se entrelaza perfectamente con las melodías, creando una experiencia auditiva única que resuena con el público.

Kathy Palma no solo es una cantante, es una artista en constante evolución que desafía los límites del género y la creatividad. Su futuro promete seguir inspirando y emocionando a audiencias de todo el mundo.