Entrevista con Girl Ultra #LíderesUrbanos

Girl power millennial y mexa.

Foto por Nacho Miranda.

Glitter, girl power noventero y mucha, mucha sensualidad. Estos fueron los ingredientes elegidos para crear a la "cantante perfecta"; pero, Mariana de Miguel agregó "accidentalmente" otro a la fórmula: el R&B. ¡Y así nació Girl Ultra!

En 2011 surgió AFFER, banda de soft disco, semillero para 3 proyectos de sus 4 ex integrantes: Tayrell, dúo formado por los hermanos Galicia, Miguel y Hugo; Girl Ultra,y Wet Baes a.k.a Andrés Jaime.

En 2016 Mariana lanzó "U Betta"; un año más tarde nos presentó "One Dance", cover de Drake. Ambos temas producidos por Wet Baes. A principios de 2017, como preludio de Boys -su primer EP-, compartió "Cruel" bajo Finesse Records. Esa mismo año fue seleccionada para abrir el escenario rojo del Festival Nrmal.

Nan, pa' los cuates, siempre quiso ser cantante. Cuando era niña dejaba ir su alma en un karaoke de Bratz con canciones de Britney Spears y Chistina Aguilera.

David Bowie la marcó desde la infanca. Es su top entre sus iconos de belleza, le gusta retomar ciertos detalles de él. El glitter con el que su look está 100% relacionado; aunque, al igual que "El Camaleón", tiene otros mudes como nude o negro.

"Bowie no tiene nada que ver en una influencia musical, pero él como ser humano, como artista, es alguien que me impacta muchísimo. Es de otro mundo", afirma la cantante mexa.

Tal vez su fascinación hacía el cantante inglés se deba a su papá, -asiduo a las legendarias bandas de rock-. Su admiración hacia Aretha Franklin y Erikah Badú, a quienes considera las reinas del Rhythm and Blues, definió la línea de su carrera.

"El R&B se trata de la pasión, del amor, del sexo" y en él, Nan encontró un medio para expresar sus emociones que dice son las de cualquier veinteañera. Asegura que no es un género tan explorado en México por lo que piensa es un buen momento para "latinizarlo" ya que nunca tuvimos un TLC ni un Destiny's Child mexicanos.

- ¿Te consideras una Líder?

-"Me consideraría una líder porque puedo ser un reflejo de que no necesitas mucho para hacer lo que quieres".

Para Girl Ultra un líder es alguien que levanta la voz. Alguien que a través de sus ideas hace que otros se identifiquen y, así, se vuelve un ejemplo de cómo hacer bien las cosas. "Es chido que la gente se dé cuenta que con medios personales uno puede llevar a cabo sus sueños. Realmente aplicar el DIY", reitera.

A Mariana le gusta ser sensual y piensa que ninguna mujer debería "satanizarse" por ello. Sin embargo, considera que la sexualidad está mal vista por la sociedad sin importar el género.

"Somos una sociedad que se vende por el sexo y el dinero. Creo que el sexo es algo natural, un impulso humano y no veo por qué tenga que ser malo", reflexiona la interprete. No obstante, también considera que se debe ver el trasfondo de las cosas pues el sexo no puede de ser el main point de todo.

Le gusta producirse, invertir en su look. No lo hace por influir, lo considera más un gusto, "como hacerse el amor". Si bien su estilo ha llegado a ser sinónimo de glitter, en realidad, el accesorio que no le puede faltar a su outfit son los aretes.

"La lucha esta en nosotras para que hable más nuestro talento que el hecho de ser mujeres", declara Mariana. También opina que aunque en México la industria está "bastante cerrada" para las mujeres, gracias a Internet y a la apertura de información, la gente ya no se está fijando en el género sino en el contenido.

"Siento que debemos ayudarnos entre mujeres. No digo que debamos ser más que los hombres, sino simplemente estar en la misma valoración", afirma.

Con sus ultra súper poderes, Girl Ultra dedica su vida a cantar y a representar a su género en la industria musical.

Björk en el Auditorio Nacional

Confrontando tu nivel de atención desde 1965.

Existen personas que te sitúan dentro de un espacio manufacturado por ellos mismos; controlan lo que sucede desde cualquier cualidad que el espacio disponga. Dígase poner una silla por ahí, acomodar una mesa de cierta forma, hasta controlar qué sensaciones deben ser provocadas.

El Auditorio Nacional fue, durante una noche, el espacio que Björk utilizó para situarnos dentro de su atmósfera. Iluminación tenue, distribución de los músicos a su periferia, pantallas para acentuar las expresiones y movimientos performáticos conformaron su presentación. El Auditorio se convirtió en una habitación íntima, independientemente de los 10,000 presentes.

El espacio y sus limitadas cualidades físicas exigían una atención plena a lo que ocurrió en el centro del escenario. En continuas ocasiones, la seguridad del recinto pidió al público guardar sus celulares, sin importar que fuera para enviar un mensaje o escribir una nota. Björk solicitó a los organizadores que se encargaran de cumplir esta regla, o de lo contrario, ocasionarían lo que ella evitó con tanto esmero: distraer.

Acompañada por una orquesta de cuerdas de 32 elementos -dirigida por Bjarni Frímann-, Björk dividió la noche en 2 actos con una necesaria pausa entre ambos. Inició el primero con "Stonemilker" seguida de "Lionsong", "History of Touches" y "Black Lake", todas de Vulnicura (2015), su último disco. Éste se destinó a entrenarnos para lo que vendría en el segundo.

La presentación fue envolvente desde la primer pronunciación. La potencia vocal que la mantiene presente en la industria resaltó dentro del espacio. Es así como demuestra que, independientemente de su creatividad y habilidad compositiva, Björk es un instrumento y esta noche giró en torno a él.

Si bien ella construyó la atmósfera desde días antes al planear y ensayar, el público se notaba aún desconcertado. Existió una solicitud inconsciente respecto a expectativas que el público creó durante los primeros minutos. Cuando se notó que, lejos de hacerte bailar o cantar al unísono, ella buscaba tu máxima atención, el público reaccionó: silencio y respeto total a su presentación. Nos tenía comiendo de su control espacial.

Pero, ella no es el tipo de persona que disfrute tu tortura... Utilizó el espacio del intermedio para descansar y dejar descansar al escucha. De no haber sido así, la digestión del producto que esas 34 personas transformaban, segundo tras segundo, se hubiera complicado; soltaron una bomba y dejaron que el efecto se implantara en la zona.

Atendiendo a su proyecto actual, el setlist se concentró en el presente más que en revivir el pasado. Vulnicura aún es latente a pesar de sus 2 años de vida y trajo consigo una ramificación multidisciplinaria del mismo.

La distribución estratégica de sus canciones se destinó a complacer con el menor margen de error: "The Anchor Song" y "I've Seen It All" despertaron a todos los fans de antaño; "Jóga" y "Bachelorette" revivieron a aquellos que se sentían dispersos en el trance.

La orquesta mexicana, por su parte, ejecutó cada una de las canciones con toda la entrega que su capacidad les posibilitó. Cada interpretación tuvo un momento especial; destacan "Vertebrae by Vertebrae" y "Pluto", donde, a falta de un Mark Bell o un Arca para sonorizar, los violines agregaron el drama y la violencia respectivamente.

El contraste entre la presentación del Auditorio a la que ocurrirá el sábado primero de abril en Ceremonia es definida tanto por el setlist como por la disposición del espectador. Justo contrasta por su total diferencia; no habrá punto de comparación en ambas. El Auditorio se llenó de cuerdas mientras que el Centro Dinámico Pegaso será atacado por la energía que surge entre Arca Björk.

No hay duda alguna del talento y esplendor de Björk, ni de sus altos estándares de calidad al presentarse en vivo. Fue un concierto incapaz de ser reconstruido, al ser su primer presentación en la CDMX en el recinto por excelencia (acústicamente hablando). Su atuendo fue digno de una introducción a la ciudad. La iluminación exaltó la intimidad. La orquesta sorprendió y rebasó las expectativas. Ellos se encargaron de todo; solo debías navegar a la orden de los violines y el intimidante rango vocal de Björk.

Dan Auerbach de The Black Keys anunció disco en solitario

Dan Auerbach confirmó Waiting On A Song, su nuevo álbum de estudio como solista.

Después de ayudar con el regreso de Pretenders, el músico de Oklahoma comentó que en 2017 publicaría su segundo álbum en solitario. Hoy, la espera ha terminado, el guitarrista de The Black Keys reveló los detalles de su próximo disco.

Lo nuevo de Dan Auerbach se titula Waiting On A Song y saldrá a la venta a mediados de este año. Para ser exactos, el 2 de junio a través de East Eye Sound -su propio sello discográfico-. Éste será su primer estreno como solista en 8 años, pues debemos recordar que Keep It Hid fue lanzado en 2009, antes de que publicara junto a Patrick Carney el exitoso álbum Brothers.

Este material cuenta con la participación de Mark Knopfler, reconocido por ser el guitarrista y cantante de Dire Straits. También colabora el músico de blues Duane Eddy, así como leyendas del country, John Prine y los integrantes de The Memphis Boys.

Junto con el anuncio, Dan Auerbach compartió el primer adelanto: “Shine On Me”. El tema viene acompañado de un colorido y peculiar video, el cual, puedes ver justo aquí:

Tracklist de Waiting On A Song:

  1. Waiting on A Song
  2. Malibu Man
  3. Livin’ in Sin
  4. Shine on Me
  5. King of a One Horse Town
  6. Never in My Wildest Dreams
  7. Cherrybomb
  8. Stand by My Girl
  9. Undertow
  10. Show Me

#Ambulante2017: Nick Cave and the Bad Seeds

De nuevo, pero con sentimiento: La música como vehículo para externar el dolor en el documental de Nick Cave.

El 14 de julio del 2015, cuando Nick Cave se encontraba en los preparativos de lo que sería su decimosexto álbum de estudio, su hijo adolescente Arthur sufre un accidente y fallece. Devastado por esta tragedia, el músico debe lidiar con su dolor y su perspectiva sobre la vida y los tópicos relativos a ella se transforman. Ello queda plasmado en su disco Skeleton Tree, editado en septiembre del año pasado, y considerado por muchos uno de los más oscuros y melancólicos de su carrera.

Esta historia es registrada en el documental One More Time with Feeling, el cual sigue el proceso creativo detrás de esta producción, a la par que va profundizando en los sentires y reflexiones de Cave durante la génesis del álbum y posterior a la muerte de su vástago; por medio de entrevistas efectuadas principalmente al cantautor, a su esposa, y a su compañero y cómplice musical Warren Ellis.

De ese modo, se revela a un Nick profundamente afectado por la irreparable pérdida, hablando sobre temas como el inexorable paso del tiempo, el verdadero significado de la felicidad, el impacto que el deceso de alguien querido tiene en uno, y como estos factores influyen no solo en su estado de ánimo y en su forma de ver las cosas, sino también -y sobre todo- en sus composiciones.

El cineasta Andrew Dominik (El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford; Mátalos suavemente) orquesta una obra (filmada en un pulcro a la vez que opresivo blanco y negro) que se acerca directa pero sutilmente a la intimidad -personal y artística- de Nick Cave, dejando entrever que Skeleton Tree significó para el compositor una catarsis liberadora, un desahogo de su pena diluida en cada uno de los cortes de esta producción.

Y dicha liberación no solo es expresada verbalmente gracias a los comentarios que el propio Nick llega a hacer sobre el cómo fue gestándose el disco, sino también al mostrar en pantalla las sesiones donde Cave ejecuta -acompañado de sus músicos- canciones como "Jesus Alone"; "Magneto" y "Anthrocene", entre otros.

En ese aspecto, Dominik opta por presentar varios tracks en el filme como si se tratase de un recital privado, íntimo, personal. algo equiparable a estar con ellos encerrado en dicha sesión, a oscuras, sentados en silencio en un rincón. O bien replicando la experiencia que un escucha tendría al oír el álbum en soledad, usando -por ejemplo- audífonos, dejándose apoderar sensorialmente por él. Tras ello el espectador (una vez finalizada la proyección) deseará salir corriendo a casa a escuchar íntegramente Skeleton Tree.

Así One More Time with Feeling va más allá de solo atisbar tras bambalinas en el trabajo creativo de un prominente músico, y se vuelve una emotiva, envolvente y por momentos estremecedora inmersión en la mente y corazón de un artista, así como en las entrañas de su música.

Jens Lekman estrena "Your Laugh"

Escucha aquí la aportación de Jens Lekman para Our First 100 Days.

Como parte de la campaña Our First 100 Days, que ha liberado una canción diaria desde la entrada de Donald Trump a la presidencia de los Estados Unidos, Jens Lekman compartió hoy “Your Laugh”.

Esto contagioso track que se mantiene alejada de la atmósfera política, fluye mediante los acordes de un ukulele que transmite una vibra muy alegre.

A la ya mencionada lista, artistas como Angel Olsen, Toro y Moi, DRINKS, PWR BTTM y muchos más, han aportado temas inéditos. Escucha la melodía a continuación, más abajo podrás encontrar el arte del sencillo:

Recientemente el músico sueco lanzó su más reciente álbum de estudio Life Will See You Now a través del sello Secretly Canadian. De esta nueva placa, hemos escuchado algunos temas como “What’s That Perfume That You Wear”, “Evening Prayer” y “How We Met, The Long Version” que fue acompañado por un video musical.

jens lekman

Damaged Bug – Bunker Funk

John Dwyer, frontman de Thee Oh Sees, disfruta de jugar con texturas sintetizadas en Damaged Bug, su proyecto alterno.

Pasaron dos años para poder escuchar el tercer disco en solitario de Dwyer, se titula: Bunker Funk. Y sí, con la primera escucha su música hace vibrar al cuerpo; lo envuelve de toda la sensualidad que el funk transmite y, al mismo tiempo, hace flotar las ideas con los solos de guitarra y los coros pegadizos.

“Bog Dash” mantiene el ritmo, puede sentirse cierta turbación en las voces que no permiten a las caderas detener su movimiento circular. "Bunker Funk" tiene un doble objetivo: provocar sensaciones placenteras e introducir a un mundo post-apocalíptico; la desesperación y los pasajes desolados reinan. Los sonidos metálicos y los loops pesados de “The Cryptologist” refuerzan dicha sensación.

La ciencia ficción regularmente crea mundos en los que la opulencia y la decadencia se corresponden. “Slay The Priest” podría ser el acompañamiento ideal para las escenas en donde los robots caminan –con total normalidad– entre los humanos en largos pasillos iluminados por luces neón.

Llena de melancolía y downtempo, "The Night Shopper" cierra el álbum. Deja en la memoria la idea de haber atravesado todo un cuento sonoro. Los paisajes naturales y espaciales se mezclaron y dejaron al silencio tomar parte. La experimentación y el noise están muy presentes a lo largo de las diferentes canciones; nunca se salen de control, ni se apoderan del sonido, se mantienen al margen.

Desapegarse del sonido de Thee Oh Sees  es un poco complicado, hay momentos en los que parecería que escuchamos a la banda completa. Con 14 canciones, John Dwyer nos muestra su universo personal de una forma más transparente. Los acordes de piano se son delicados y es su voz un sonido imprescindible para este material.

Nuevo EP de Hazel English

La artista australiana Hazel English anuncia un EP Doble junto con un video del sencillo “Fix”.

Texto por Luis Lozano

El día de hoy la artista australiana, radicada en Oakland, nos da de qué hablar gracias al anuncio de su nuevo material, el cual va a constar de un EP doble y va a tener como nombre Just Give In / Never Going Home. Dicho EP está planeado para salir a la luz el próximo 12 de mayo, por medio del sello discográfico Polyvinyl / Marathon Artists, y consta de la combinación de su primer material con otras seis nuevas canciones.

Recordemos que Hazel English es reconocida desde que el año pasado acaparó la atención de los medios internacionales, gracias a su hipnótico EP “Never Going Home” el cual se vendió de manera inmediata por su acertado estilo indie-pop impulsado por sus refrescantes guitarras y sustanciales melodías, en donde ha sido comparada con grupos como AlvvaysDIIV o Grimes. Cabe mencionar que este nuevo material fue producido con la ayuda del talentoso Jackson Phillips o mejor conocido como Day Wave.

Por otro lado, junto con el anuncio del doble EP se liberó su nuevo video para el tema de nombre “Fix”, dirigido por el director Austin Kearns quién trabajó a lado de Jonathan Rado, integrante de la banda Foxygen. En él nos llena de visuales muy placenteros con un toque romántico, bastante apropiado para la canción.

Disfruta del nuevo video aquí abajo y adquiere en preventa Just Give In / Never Going Home dando clic aquí.

alt-J comparte "In Cold Blood"

Escucha otro corte del nuevo álbum de alt-J.

La agrupación inglesa alt-J estrenó “In Cold Blood”, el segundo extracto de su siguiente material discográfico Relaxer que saldrá a la venta el próximo nueve de junio vía Infectious Music Ltd.

Este disco fue anunciado a principios de marzo con un teaser titulado en código binario, posteriomente fue lanzado el primer sencillo “3ww”.

Esta placa será lo más nuevo que escuchamos de alt-J desde This Is All Yours que fue publicado en 2014 y que nos dio sencillos como “Hunger of the Pine”, “Left Hand Free” y “Every Other Freckle”, por mencionar algunos.

En los próximos meses alt-J arrancará con su tour, esperemos que en una de esas vuelvan a la Ciudad de México para aquellos que no los vieron en su visita a El Plaza Condesa en 2013.

Escucha a continuación “In Cold Blood”, más abajo te dejamos el arte de Relaxer, que ya puedes preordenar haciendo clic en la imagen.

alt-j relaxer

Jonah Hill dirigió el nuevo video de Danny Brown

Danny Brown compartió el video de "Ain't It Funny", una retorcida parodia de las sitcom de los 80.

El rapero originario de Detroit se ha destacado por sorprender a sus seguidores con ciertas particularidades, como publicar su cuarto álbum de estudio, sin antes anunciarlo, y esta vez no ha sido la excepción, ya que el músico compartió un peculiar video con el actor Jonah Hill como director.

El metraje que acaba de estrenar Danny Brown es para “Ain’t It Funny”, uno de los temas más destacados del disco Atrocity Exhibition, junto a “When It Rain” y “Really Doe”. En este podemos ver al interprete como el personaje principal de una pertubador programa, haciendo una sátira a las sitcom de los ochenta como Family Ties y El Show de Cosby.

Otros de los que aparecen en las imágenes son la actriz Joanna Kerns, a quien muchos recuerdan como la madre en Growing Pains, también Lauren Alice Avery en el papel de la hija y el cineasta Gus Van Sant como el padre, este último sobresale por se el director de las películas Good Will Hunting y Milk.

Por otra parte, se sabe que Jonah Hill es un gran fan del género, incluso llegó a rapear "Jumpman" de Drake junto a Future durante un capitulo de Saturday Night Live, además de que es amigo de Kanye West.

Puedes ver el video justo aquí:

Lana Del Rey confirma nuevo disco con un peculiar video

Lana Del Rey reveló un par de detalles de su nuevo disco, Lust For Life, mediante un video promocional.

La cantante neoyorquina ha estado muy activa estos últimos meses, la razón, su nuevo disco, que ha sido confirmado a través de sus redes sociales. Este llevará el título de Lust For Life, que además es el nombre del tema que hace poco registró junto a Abel Tesfaye, mejor conocido como The Weeknd.

Lana Del Rey hizo este anuncio con un video promocional en el que aparece vestida de negro e interpretando una especie de hechicera que vive en la H del mítico anuncio de Hollywood. En este, reflexiona sobre la decadencia de la sociedad en la actualidad, por lo que podemos sospechar que podría tratarse de un álbum muy conceptual. Esto es lo que dice la artista durante el metraje: “En medio de toda la incertidumbre, y en una transición de una era a otra, no hay ningún lugar en el que prefiera estar sino en Hollyweird haciendo este disco para ustedes. Porque tú, y la música, y este lugar, son mi amor, mi vida, mi lujuria por la vida.”

Debemos recordar que el último trabajo de Lana Del Rey fue en Starboy de The Weeknd, participando en los temas “Party Monster” y “Stargirl Interlude”, así como Love”, sencillo que estrenó a mediados de febrero. Además, si eso no fuera suficiente, está colaborando con Miles Kane en un material que no estará en su nuevo disco, el sucesor de Honeymoon, ni en ningún proyecto de The Last Shadow Puppets.

Puedes ver el video de Lust For Life justo aquí: