Kendrick Lamar estrena "Humble"

Mira también el video musical para acompañar el nuevo tema de Kendrick Lamar.

Kendrick Lamar compartió el video musical de una nueva canción llamada “Humble”, producida por Mike WiLL Made-It. El visual estuvo al mando de Dave Meyers & the Little Homies. Cabe destacar que The Little Homies es un dúo integrado por el mismo Kendrick y Dave Free de TDE, quienes ya han dirigido clips para los miembros de dicho sello.

A lo largo del video, podemos ver a Lamar en distintas situaciones, ya sea caracterizado como algún tipo de líder religioso, en una estética, con su cabeza en llamas y, hasta sentado en el centro de una mesa haciendo una clara referencia a la icónica pintura de Leonardo da Vinci.

Kendrick Lamar lanzó su más reciente álbum de estudio To Pimp a Buttefly en 2015. El año pasado publicó untitled unmastered, una material que recopila algunos demos.

Mira el video de "Humble" a continuación y más abajo podrás encontrar el arte del sencillo.

kendrick lamar

James en El Plaza Condesa

James pudo ver nuestras almas.

El tono lento de “Out To Get You” fue la bienvenida perfecta. El final de una larga espera, el regalo ideal de James y el preludio de una noche ferviente: “Is what I need, what I need is you, I need you”. El canto profundo entre la música emergiendo lentamente para terminar en el gran eco de una orquesta colosal. Tan pocos músicos en escena y tanta estridencia; trompeta y melodeon, un par de voces en el escenario contra un par de miles que apenas afinaban su garganta.

Una pequeña falla en la introducción de “To My Surpise”; un show completamente humano como lo da a entender la banda al mirarse unos a otros y sonreír para volver a comenzar y así inducir los primeros pasos de baile. Las respectivas ofensas a Donald Trump que se están volviendo costumbre entre los artistas que nos visitan demuestran simpatía por nosotros. Tim Booth brincando hasta la barricada en “Curse Curse” para cantar lo más cerca de la gente y dejarse caer de espaldas para hacer crowdsurfing.

Una aparente calma con “Ring The Bells” y es que ante cada nota la necedad de permanecer en movimiento. Nada importa, ni la mitad de semana, ni escuchar las voces que dicen que alguien es demasiado viejo para disfrutar un concierto; al contrario, las nuevas generaciones en los hombros de sus padres cantan lo que han aprendido, disfrutan el mismo momento, hablarán de ello cuando los invada la nostalgia.

“Interrogation” para poder apreciar la calidad instrumental del ensamble que devanea entre instrumentos y beats. “Moving On”, las luces que siguen nuestros pasos y aplausos, el fan entrañable que canta un tema que quizá nunca pensó escuchar en vivo. Los ojos cerrados, el momento ideal. “Say Something” para estallar en júbilo y recordar, tal vez aquella primera vez que los vimos en Corona Capital o para guardar el momento de ésta, su noche estelar. Sin multitudes curiosas, solo fans que aprecian las versiones acústicas. En “She’s A Star” emularon el tono casi inalcanzable de su coro; “Just Like Fred Astaire”, su gran melancolía.

De nuevo a emprender el movimiento con “Surfer’s Song”. La sorpresa al escuchar “Sound”, cuya lírica reposaba en hojas que leía Tim en el suelo. “Attention” para mostrar la nueva música y “Tomorrow” para volver a los grandes hits. “Come Home” para mantener el ánimo enardecido; “Something” para que pudieran ver nuestras almas; “Nothing But Love” de parte de los presentes ante la despedida, y James sin querer decir adiós: “Waltzing Alone” en honor a una última gran ovación. “Sit Down” como gloria definitiva entre reverencias y aplausos incesantes, el grito del nombre de la banda por la multitud que fue opacado por las luces de la sala.

Y aunque algunos esperaban escuchar “Getting Away With It (All Messed Up)”, o “Laid”, descubrimos que una cita con James nunca es suficiente, que su legado va más allá de sus grandes éxitos y que su versatilidad y encanto radican en su emoción por seguir tocando como si fuera su primer show, sin temor a equivocarse, sin pretensiones, únicamente pasión.

Entrevista con Tayrell

¿Cómo pinta el futuro para Tayrell?

El pasado fin de semana, la dupla integrada por los hermanos Hugo y Miguel Galicia se presentaron en la segunda edición del Festival Vaivén. “Nos fue muy chido, estaba bien padre el escenario, nos gustó y para ser de los primeros sí cayó mucha gente, poco a poco se reunieron”, comentó Hugo. “Después de nuestro set anduvimos por ahí un rato, vimos a DLD y a Mon Laferte, pero luego empezó a llover y todo se retrasó", agregó Miguel.

En cada una de sus presentaciones, Tayrell se ha caracterizado por dar DJ set; pero, parece que el formato de sus shows está próximo a cambiar, pues tienen presente que sus seguidores quieren escucharlos en vivo. “Sabemos que han sido puros DJ sets, pero ya en unos meses tal vez vamos a empezar a hacerlo live”, respondió Miguel. “Solo queremos que tenga más sentido con lo nuevo que vamos a sacar porque ahorita solo tenemos tres canciones de NGEN, que de hecho salió hacer un año, a pesar de que llegó a Spotify hace unos meses" agregó.

Al escuchar sobre sus planes de lanzar próximamente nueva música, no pudimos evitar preguntar sobre los detalles y fechas. Miguel nos contó que “el material irá saliendo de forma consecutiva, en formato de singles a partir del próximo 5 de mayo. Será una colaboración con el vocalista de la agrupación Tora".

tayrell

Tayrell también nos comentó sobre su intención de acompañar estas melodías con visuales y de lo difícil que se ha tornado este deseo debido al tiempo que se ha pospuesto el estreno de su música. “Hubiera estado bueno armar algo padre, pero creo que ahora ya está medio complicado. Estamos viendo, si no es para este track, quizá para el sencillo que sigue”.

Este dúo que une en su música géneros como house y chillwave será de los primeros actos en Ceremonia. El festival se llevará a cabo este fin de semana y nos platicó un poco de lo que tienen pensado para su show. “Vamos a hacer un DJ set pero, queremos hacer un híbrido entre eso y un live (...) En Vaivén quisimos hacer algo más bailable y comercial por el topo de festival, pero la idea para Ceremonia es hacer un DJ set con temas unreleased y otras par bailar", apuntó Miguel.

Además de esta sorpresa, Tayrell nos platicó sobre su intención por ver los demás actos del festival, aprovechando que ellos terminan temprano. “Queremos ver a Simpson Ahuevo, aunque sea un ratito porque se pegan nuestros horarios”, comentó Miguel. “Yo tengo ganas de ver a Vince Staples, también quiero ver a Gallant, Snakehips porque tiene cosas padres. A James Blake no lo he visto, dicen que es muy bueno. A Majid Jordan también y a Björk, realmente no la escucho mucho pero va a estar bueno”, agregó Hugo.

Así que ya lo sabes, llega temprano este sábado a Ceremonia para que no te pierdas de el set que ofrecerá Tayrell a las 3:15 en la carpa Camp Roswell, porque seguro tendremos música nuevo.

Eric Clapton... ¿Dios?

Eric Clapton, la breve historia de cómo recibió el título de “Dios de la guitarra”.

El músico que hoy cumple 72 años es conocido como uno de los guitarristas más influyentes en la historia de la música. Tanto, que durante una buena parte de sus 54 años de carrera fue nombrado bajo el apodo de "Dios". Aunque las nuevas generaciones lo siguen llamando así, actualmente muchos desconocen el origen del mote.

Desde los 18 años, Eric Clapton formó parte de una exitosa banda: The Yardbirds. Fue una de las bandas menos conocidas de la primera invasión británica, pero tuvo entre sus integrantes a talentosos músicos, entre ellos a Jimmy Page. Siendo Clapton un fan del blues, no pudo soportar el camino que tomó la agrupación tras el éxito comercial, por lo que decidió salirse en el 68. Sería reemplazado por Jeff Beck.

Tras la separación, Clapton se unió a The Bluesbreakers, la banda de John Mayall. El proyecto fue uno de los más destacadas de Londres y su nuevo integrante se puso a la altura de los grandes en Estados Unidos, Muddy Waters y Roy Buchanan, incluidos. Es por esto que el músico de Ripley se ganó el reconocimiento de la crítica, de los conocedores del género y del público en general.

Sus espectaculares presentaciones en los clubes de la capital inglesa provocaron que en la estación del metro de Islington apareciera un enorme graffitti con la frase: “Clapton Is God”. Con las semanas, muchos siguieron el ejemplo y esta leyenda terminó apareciendo en todo Londres.

 

 

Esto fue lo que Eric Clapton escribió en una de sus memorias: “En realidad, no quería ese tipo de notoriedad. Sabía que me traería problemas. Pero, por otra parte, me encantaba la idea de que lo que había estado haciendo durante todos estos años por fin recibiera reconocimiento. A través de mí la gente accedía a esta música y yo me llevaba todo el mérito, como si hubiera inventado el blues. (…) Me habían echado de The Yardbirds, y habían puesto en mi lugar a Jeff Beck. De inmediato tuvieron una serie de éxitos, y eso me molestó bastante, así que cualquier elogio que viniera sin tener que venderme o anunciarme en televisión era bienvenido. Estaba agradecido porque eso me daba prestigio, y lo mejor de todo era que se trataba de una reputación que nadie podía manipular”.

Kasabian lanza un nuevo video

Kasabian compartió el video de "You're In Love with A Psycho", primer sencillo promocional de For Crying Out Loud.

La banda más famosa de Leicester causó gran conmoción hace unas semanas con el anuncio de su sexto álbum de estudio, y siguen con las sorpresas, pues han revelado el video del primer adelanto de este material.

El nuevo video de Kasabian es para el tema “You're In Love With a Psycho”, lo único que hemos podido escuchar hasta ahora del disco Crying Out Loud, que saldrá a la venta a finales del mes de abril.

En el metraje podemos ver a los integrantes de Kasabian, Serge Pizzorno y Tom Meighan, así como al actor Noel Fielding, a quien muchos recuerdan por películas como Snatch y la notable This Is England. El comediante y antiguo presentador del programa Never Mind The Buzzcocks, Noel Fielding, también participó en este clip.

Esto fue lo que hace poco dijo Pizzorno sobre el disco: “Decidí darme seis semanas para escribir un álbum como solía hacerse, y resultó ser muy inspirador. Me aseguré de que no hubieran cosas de más, quería hacer un álbum de canciones clásicas, sin excederme en la autocomplacencia. En este disco no hay nada que no debiera estar ahí. Una vez Berry Gordy dijo que si no tienes la canción en los primeros cuatro compases, ya no tienes nada más que hacer, así que me metí en el estudio a componer con esta mentalidad”.

Puedes ver el video de “You’re In Love With A Psycho” justo aquí:

Paul Weller regresa como solista

Paul Weller ha confirmado detalles de A Kind Of Revolution, su nuevo álbum en solitario.

Este será un gran año para el músico británico, pues se cumple el aniversario número 40 de In The City, el álbum debut de The Jam. Además, el también líder de The Style Council, acaba de anunciar el lanzamiento de su nuevo disco en solitario, el numero 13 en su carrera como solista.

Lo nuevo de Paul Weller lleva el nombre de A Kind Of Revolution y saldrá a la luz el 12 de mayo. El título fue tomado de la letra de "The Cranes Are Back", uno de los 10 temas que componen este material.

El sucesor de Saturns Patterns cuenta con la participación de PP Arnold y Maeleine Bell en los coros. Además, Josh McClorey, integrante de The Strypes, toca la guitarra en tres de las canciones. Lo que más llama la atención es que  Robert Wyatt -baterista de Soft Machine y pilar del sonido de Canterbury- salió del retiro para cantar y tocar la trompeta en “She Moves The Fayre”.

De igual manera, Paul Weller causó gran euforia entre sus fans al revelar dos sencillos: “Nova” y “Long Long Road”, ambos puedes escucharlos justo aquí:

"Nova".

"Long Long Road".

Tracklist de A Kind Revolution:

  1. Woo Sé Mama
  2. Nova
  3. Long Long Road
  4. She Moves With The Fayre
  5. The Cranes Are Back
  6. Hopper
  7. New York
  8. One Tear
  9. Satellite Kid
  10. The Impossible Idea

Entrevista con Girl Ultra #LíderesUrbanos

Girl power millennial y mexa.

Foto por Nacho Miranda.

Glitter, girl power noventero y mucha, mucha sensualidad. Estos fueron los ingredientes elegidos para crear a la "cantante perfecta"; pero, Mariana de Miguel agregó "accidentalmente" otro a la fórmula: el R&B. ¡Y así nació Girl Ultra!

En 2011 surgió AFFER, banda de soft disco, semillero para 3 proyectos de sus 4 ex integrantes: Tayrell, dúo formado por los hermanos Galicia, Miguel y Hugo; Girl Ultra,y Wet Baes a.k.a Andrés Jaime.

En 2016 Mariana lanzó "U Betta"; un año más tarde nos presentó "One Dance", cover de Drake. Ambos temas producidos por Wet Baes. A principios de 2017, como preludio de Boys -su primer EP-, compartió "Cruel" bajo Finesse Records. Esa mismo año fue seleccionada para abrir el escenario rojo del Festival Nrmal.

Nan, pa' los cuates, siempre quiso ser cantante. Cuando era niña dejaba ir su alma en un karaoke de Bratz con canciones de Britney Spears y Chistina Aguilera.

David Bowie la marcó desde la infanca. Es su top entre sus iconos de belleza, le gusta retomar ciertos detalles de él. El glitter con el que su look está 100% relacionado; aunque, al igual que "El Camaleón", tiene otros mudes como nude o negro.

"Bowie no tiene nada que ver en una influencia musical, pero él como ser humano, como artista, es alguien que me impacta muchísimo. Es de otro mundo", afirma la cantante mexa.

Tal vez su fascinación hacía el cantante inglés se deba a su papá, -asiduo a las legendarias bandas de rock-. Su admiración hacia Aretha Franklin y Erikah Badú, a quienes considera las reinas del Rhythm and Blues, definió la línea de su carrera.

"El R&B se trata de la pasión, del amor, del sexo" y en él, Nan encontró un medio para expresar sus emociones que dice son las de cualquier veinteañera. Asegura que no es un género tan explorado en México por lo que piensa es un buen momento para "latinizarlo" ya que nunca tuvimos un TLC ni un Destiny's Child mexicanos.

- ¿Te consideras una Líder?

-"Me consideraría una líder porque puedo ser un reflejo de que no necesitas mucho para hacer lo que quieres".

Para Girl Ultra un líder es alguien que levanta la voz. Alguien que a través de sus ideas hace que otros se identifiquen y, así, se vuelve un ejemplo de cómo hacer bien las cosas. "Es chido que la gente se dé cuenta que con medios personales uno puede llevar a cabo sus sueños. Realmente aplicar el DIY", reitera.

A Mariana le gusta ser sensual y piensa que ninguna mujer debería "satanizarse" por ello. Sin embargo, considera que la sexualidad está mal vista por la sociedad sin importar el género.

"Somos una sociedad que se vende por el sexo y el dinero. Creo que el sexo es algo natural, un impulso humano y no veo por qué tenga que ser malo", reflexiona la interprete. No obstante, también considera que se debe ver el trasfondo de las cosas pues el sexo no puede de ser el main point de todo.

Le gusta producirse, invertir en su look. No lo hace por influir, lo considera más un gusto, "como hacerse el amor". Si bien su estilo ha llegado a ser sinónimo de glitter, en realidad, el accesorio que no le puede faltar a su outfit son los aretes.

"La lucha esta en nosotras para que hable más nuestro talento que el hecho de ser mujeres", declara Mariana. También opina que aunque en México la industria está "bastante cerrada" para las mujeres, gracias a Internet y a la apertura de información, la gente ya no se está fijando en el género sino en el contenido.

"Siento que debemos ayudarnos entre mujeres. No digo que debamos ser más que los hombres, sino simplemente estar en la misma valoración", afirma.

Con sus ultra súper poderes, Girl Ultra dedica su vida a cantar y a representar a su género en la industria musical.

Björk en el Auditorio Nacional

Confrontando tu nivel de atención desde 1965.

Existen personas que te sitúan dentro de un espacio manufacturado por ellos mismos; controlan lo que sucede desde cualquier cualidad que el espacio disponga. Dígase poner una silla por ahí, acomodar una mesa de cierta forma, hasta controlar qué sensaciones deben ser provocadas.

El Auditorio Nacional fue, durante una noche, el espacio que Björk utilizó para situarnos dentro de su atmósfera. Iluminación tenue, distribución de los músicos a su periferia, pantallas para acentuar las expresiones y movimientos performáticos conformaron su presentación. El Auditorio se convirtió en una habitación íntima, independientemente de los 10,000 presentes.

El espacio y sus limitadas cualidades físicas exigían una atención plena a lo que ocurrió en el centro del escenario. En continuas ocasiones, la seguridad del recinto pidió al público guardar sus celulares, sin importar que fuera para enviar un mensaje o escribir una nota. Björk solicitó a los organizadores que se encargaran de cumplir esta regla, o de lo contrario, ocasionarían lo que ella evitó con tanto esmero: distraer.

Acompañada por una orquesta de cuerdas de 32 elementos -dirigida por Bjarni Frímann-, Björk dividió la noche en 2 actos con una necesaria pausa entre ambos. Inició el primero con "Stonemilker" seguida de "Lionsong", "History of Touches" y "Black Lake", todas de Vulnicura (2015), su último disco. Éste se destinó a entrenarnos para lo que vendría en el segundo.

La presentación fue envolvente desde la primer pronunciación. La potencia vocal que la mantiene presente en la industria resaltó dentro del espacio. Es así como demuestra que, independientemente de su creatividad y habilidad compositiva, Björk es un instrumento y esta noche giró en torno a él.

Si bien ella construyó la atmósfera desde días antes al planear y ensayar, el público se notaba aún desconcertado. Existió una solicitud inconsciente respecto a expectativas que el público creó durante los primeros minutos. Cuando se notó que, lejos de hacerte bailar o cantar al unísono, ella buscaba tu máxima atención, el público reaccionó: silencio y respeto total a su presentación. Nos tenía comiendo de su control espacial.

Pero, ella no es el tipo de persona que disfrute tu tortura... Utilizó el espacio del intermedio para descansar y dejar descansar al escucha. De no haber sido así, la digestión del producto que esas 34 personas transformaban, segundo tras segundo, se hubiera complicado; soltaron una bomba y dejaron que el efecto se implantara en la zona.

Atendiendo a su proyecto actual, el setlist se concentró en el presente más que en revivir el pasado. Vulnicura aún es latente a pesar de sus 2 años de vida y trajo consigo una ramificación multidisciplinaria del mismo.

La distribución estratégica de sus canciones se destinó a complacer con el menor margen de error: "The Anchor Song" y "I've Seen It All" despertaron a todos los fans de antaño; "Jóga" y "Bachelorette" revivieron a aquellos que se sentían dispersos en el trance.

La orquesta mexicana, por su parte, ejecutó cada una de las canciones con toda la entrega que su capacidad les posibilitó. Cada interpretación tuvo un momento especial; destacan "Vertebrae by Vertebrae" y "Pluto", donde, a falta de un Mark Bell o un Arca para sonorizar, los violines agregaron el drama y la violencia respectivamente.

El contraste entre la presentación del Auditorio a la que ocurrirá el sábado primero de abril en Ceremonia es definida tanto por el setlist como por la disposición del espectador. Justo contrasta por su total diferencia; no habrá punto de comparación en ambas. El Auditorio se llenó de cuerdas mientras que el Centro Dinámico Pegaso será atacado por la energía que surge entre Arca Björk.

No hay duda alguna del talento y esplendor de Björk, ni de sus altos estándares de calidad al presentarse en vivo. Fue un concierto incapaz de ser reconstruido, al ser su primer presentación en la CDMX en el recinto por excelencia (acústicamente hablando). Su atuendo fue digno de una introducción a la ciudad. La iluminación exaltó la intimidad. La orquesta sorprendió y rebasó las expectativas. Ellos se encargaron de todo; solo debías navegar a la orden de los violines y el intimidante rango vocal de Björk.

Dan Auerbach de The Black Keys anunció disco en solitario

Dan Auerbach confirmó Waiting On A Song, su nuevo álbum de estudio como solista.

Después de ayudar con el regreso de Pretenders, el músico de Oklahoma comentó que en 2017 publicaría su segundo álbum en solitario. Hoy, la espera ha terminado, el guitarrista de The Black Keys reveló los detalles de su próximo disco.

Lo nuevo de Dan Auerbach se titula Waiting On A Song y saldrá a la venta a mediados de este año. Para ser exactos, el 2 de junio a través de East Eye Sound -su propio sello discográfico-. Éste será su primer estreno como solista en 8 años, pues debemos recordar que Keep It Hid fue lanzado en 2009, antes de que publicara junto a Patrick Carney el exitoso álbum Brothers.

Este material cuenta con la participación de Mark Knopfler, reconocido por ser el guitarrista y cantante de Dire Straits. También colabora el músico de blues Duane Eddy, así como leyendas del country, John Prine y los integrantes de The Memphis Boys.

Junto con el anuncio, Dan Auerbach compartió el primer adelanto: “Shine On Me”. El tema viene acompañado de un colorido y peculiar video, el cual, puedes ver justo aquí:

Tracklist de Waiting On A Song:

  1. Waiting on A Song
  2. Malibu Man
  3. Livin’ in Sin
  4. Shine on Me
  5. King of a One Horse Town
  6. Never in My Wildest Dreams
  7. Cherrybomb
  8. Stand by My Girl
  9. Undertow
  10. Show Me

#Ambulante2017: Nick Cave and the Bad Seeds

De nuevo, pero con sentimiento: La música como vehículo para externar el dolor en el documental de Nick Cave.

El 14 de julio del 2015, cuando Nick Cave se encontraba en los preparativos de lo que sería su decimosexto álbum de estudio, su hijo adolescente Arthur sufre un accidente y fallece. Devastado por esta tragedia, el músico debe lidiar con su dolor y su perspectiva sobre la vida y los tópicos relativos a ella se transforman. Ello queda plasmado en su disco Skeleton Tree, editado en septiembre del año pasado, y considerado por muchos uno de los más oscuros y melancólicos de su carrera.

Esta historia es registrada en el documental One More Time with Feeling, el cual sigue el proceso creativo detrás de esta producción, a la par que va profundizando en los sentires y reflexiones de Cave durante la génesis del álbum y posterior a la muerte de su vástago; por medio de entrevistas efectuadas principalmente al cantautor, a su esposa, y a su compañero y cómplice musical Warren Ellis.

De ese modo, se revela a un Nick profundamente afectado por la irreparable pérdida, hablando sobre temas como el inexorable paso del tiempo, el verdadero significado de la felicidad, el impacto que el deceso de alguien querido tiene en uno, y como estos factores influyen no solo en su estado de ánimo y en su forma de ver las cosas, sino también -y sobre todo- en sus composiciones.

El cineasta Andrew Dominik (El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford; Mátalos suavemente) orquesta una obra (filmada en un pulcro a la vez que opresivo blanco y negro) que se acerca directa pero sutilmente a la intimidad -personal y artística- de Nick Cave, dejando entrever que Skeleton Tree significó para el compositor una catarsis liberadora, un desahogo de su pena diluida en cada uno de los cortes de esta producción.

Y dicha liberación no solo es expresada verbalmente gracias a los comentarios que el propio Nick llega a hacer sobre el cómo fue gestándose el disco, sino también al mostrar en pantalla las sesiones donde Cave ejecuta -acompañado de sus músicos- canciones como "Jesus Alone"; "Magneto" y "Anthrocene", entre otros.

En ese aspecto, Dominik opta por presentar varios tracks en el filme como si se tratase de un recital privado, íntimo, personal. algo equiparable a estar con ellos encerrado en dicha sesión, a oscuras, sentados en silencio en un rincón. O bien replicando la experiencia que un escucha tendría al oír el álbum en soledad, usando -por ejemplo- audífonos, dejándose apoderar sensorialmente por él. Tras ello el espectador (una vez finalizada la proyección) deseará salir corriendo a casa a escuchar íntegramente Skeleton Tree.

Así One More Time with Feeling va más allá de solo atisbar tras bambalinas en el trabajo creativo de un prominente músico, y se vuelve una emotiva, envolvente y por momentos estremecedora inmersión en la mente y corazón de un artista, así como en las entrañas de su música.