Entrevista con Ely Guerra

Zion de Ely Guerra, una experiencia inolvidable.

Era un día normal, el mundo giraba y la ciudad vivía en su monotonía; en algún lugar de la CDMX, algunos amigos cercanos y periodistas selectos (no más de 10 en total) nos reunimos para ver cómo el mundo se detenía, como dejó de girar por tan solo un momento. Esas son experiencias que reconfortan, que te marcan. Y ¿cuál fue la razón? La nueva escucha del trabajo más reciente de la regia Ely Guerra, un ícono en la música con una trayectoria implacable, innegable y envidiable.

En un silencio total, todos disfrutamos de un vino, de un whisky y los más recatados, un vaso de agua fría; Ely estaba feliz, extasiada y era una gran celebración poder mostrar el trabajo que le tomó casi siete años de altibajos, ella solamente bebía agua tibia, claro, para conservar en excelente forma el instrumento más potente, y el protagonista del álbum Zion, su propia voz. El disco verá la luz a finales de septiembre, junto con una serie de presentaciones conmemorativas en el icónico Centro Cultural Roberto Cantoral, además del adelanto de un guión Teatral que representará a Zion el próximo año.

Con una duración de 37 minutos y nueve tracks, Zion hace olvidar las penas, detiene el mundo y te lleva al propio; este disco, lejos de ser llamado así, es una experiencia completa; la primera escucha te deja sin palabras y las experiencias que la artista compartió sobre la gestación de este nuevo proyecto, complementan la vivencia. Bien se dice que este no será un material que habrán de escuchar en la radio, pero sí se asegura que cada persona que lo escuche le dará interpretación propia; no habrá medias tintas y generará opiniones binarias.

Este es un trabajo muy arriesgado, similar a aventarse al precipicio y esperar que el paracaídas abra; según la misma Guerra, a este punto, después de 20 años de carrera artística, no tiene nada que probar y está consciente de la osadía que plantea. Es un statement para otros artistas, a que estos se atrevan a explorar y experimentar, ya que, como dice ella, el mundo no está quieto y el país ciertamente está sufriendo un cambio. Asegura que Zion rebasa los parámetros comerciales y contiene un periodo de su vida en el que encontró frustración y a veces la inspiración no llegaba; tomó su tiempo porque había días de asueto, de descontrol y por otro lado, en días grababa en una sola toma y su intuición le indicaba que la canción estaba finalizada. Todos los tracks son primeros takes y lluvia de ideas que la iban empujando; al terminar el álbum se sintió ridícula pues en siete años, dice, solamente escribió 37 minutos, pero al final, con opiniones de colegas y expertos en producción, ella sabía que no necesitaba más.

Muchos dirán que lo que creó se sale del molde, que no es nada similar a lo que nos tenía acostumbrados; lo cierto es que Ely Guerra siempre fue, es y será camaleónica, única y como su apellido lo dice, una guerrera; es una artista que se encuentra en el mejor momento de su carrera y su voz tiene una forma inmejorable a sus casi 50 años, ella desea morir haciendo esto, su gran pasión. El disco será atemporal, no habrá una sola generación ni un grupo selecto de personas que lo escuchará; es intuitivo, porque ella misma explica que fue su intuición femenina la ayudó a decidir qué camino seguir y hasta dónde llegar.

Finalmente, explica que los nueve tracks de Zion se escribieron en tres lenguas distintas, que son español, inglés y portugués, lenguas que ella habla con naturalidad. Decidió utilizar sonidos naturales, susurros, conversaciones como background, silbidos, aplausos y hasta aves cantando, todos ellos sonidos que acompañan al único instrumento necesario: su voz. Canciones como la propia “Zion”, con un tono ecléctico y celestial; “Atrium”, con melodías y poesía en prosa y “Mía Patria”, que para ella es una reversión del himno mexicano como una reinterpretación del nuevo patriotismo, del peregrinar. Si el álbum es una experiencia en solitario, no podemos esperar a verlo representado en teatro el siguiente años; además del disco físico en tiendas, con arte creado en Chapa de Mota, en el Estado de México, también tendremos las versiones digitales de Zion y hasta un vinilo en edición especial.

"Te veo a la salida", el nuevo video de Daniela Spalla

Daniela Spalla lanza video con ondas ochenteras y nos sorprende con un cameo de Adan Jodorowsky.

La cantante argentina, Daniela Spalla estrenó "Te veo a la salida", single con video para promover su próximo material. Después del éxito que tuvo con, Camas separadas, prepara su tercer disco y estrena dos nuevos singles para saborear un poco de lo que viene con este nuevo proyecto.

"Te veo a la salida", fue su segundo lanzamiento del año, el primero fue “Si te alejas”, canción que sacó el 22 de mayo. El video de “Te veo a la salida” fue dirigido por Salomon Simhon, y con peleas coreografiadas, letreros neón, copetes voladores, y mucho cuero, el video está cargado de una onda ochentera y una influencia de la cultura popular mexicana innegable. Misma que puede ser confirmada con la vitrina de la Virgen de Guadalupe que usan de fondo, y las sillas plásticas que se pueden leer "Corona".

Ve el video aquí:

La canción fue producida por el músico franco mexicano Adan Jodorowsky, y el lanzamiento estuvo acompañado de un video que incluyó un cameo del artista.

https://twitter.com/danielaspalla/status/1160737883537518592

Daniela Spalla ha sido bien recibida en México desde 2010, cuando llegó desde Buenos Aires, Argentina con Ximena Sariñana, que hizo de su madrina musical. Para entonces ya tenía dos LPs y había hecho colaboraciones con artistas como Calle 13, Andrés Calamaro, Illya Kuryaki, y Aterciopelados. Se ha presentado en Cuba, México, Colombia, Estados Unidos y Argentina, y ha abierto para Kinky, Adanowsky, Motel, Julieta Venegas y Natalia Lafourcade, entre otros.

Daniela Spalla se va a presentar el 1 de septiembre en el Teatro Metropólitan, compra tus boletos aquí; y también  el 20 de septiembre en Pachuca junto a Little Jesus, boletos disponibles aquí.

Rob Zombie tendrá su propio Funko Pop!

Entre los tantos proyectos de Rob Zombie, uno es convertirse en figura de vinyl.

El músico, director y escritor Robert Bartleh Cummings, mejor conocido como Rob Zombie también tendrá su propia figura de vinyl para añadirse a la línea Funko Pop! Rocks. Fue lo que anunció la empresa de cultura pop, así como Rob a través de su cuenta de Instagram. Aunque aún no se tiene un día de lanzamiento, llegará muy pronto. Puedes recibir las noticias antes que nadie si te suscribes al sitio oficial de Funko.

Rob Zombie estará retratado con pelo largo y castaño y barba espesa. Además vestirá una playera negra con un pentágono y una chamarra morado con detalles negros, pantalones y botas negras.

El compositor de canciones como “Dragula”, “Living Dead Girl” o “Dead City Radio and The New Gods of Supertown”, acompañará en la repisa a las figuras de bandas como Guns N’ Roses, Mötley Crüe, Queen, Kiss, y cantantes como Kurt Cobain, Alice Cooper, Iggy Pop y Lemmy Kilmister.

Actualmente, Rob Zombie se encuentra promocionando su nueva película 3 From Hell, la última parte de la trilogía que comienza con House of 1000 Corpses (2001) y continua con The Devil’s Rejects (2004). El director se unió a Lionsgate y Saban Films para poder llevar la cinta a más de 900 cines, que será proyectada el 16, 17 y 18 de septiembre. “Este evento lleva mucho tiempo. El viaje de estos personajes siempre ha sido especial para mí y estoy encantado de, finalmente, dejar que los fanáticos experimenten el próximo episodio de la locura de Firefly. Fue un verdadero trabajo de amor para todos los involucrados y sabemos que hemos creado algo increíble para los fieles seguidores de estas películas. ¡Que comience la locura!”, comentó.

Además pronto estará presentándose en la Ciudad de México como parte del Festival Knotfest + Forcefest. Una presentación que no te puedes perder.

Carl Barât DJ set en Caradura

Caradura se transformó en embajada musical del Reino Unido en México para recibir la selección musical del guitarrista y vocalista de The Libertines.

La noche del sábado se respiraba un ambiente distinto en la colonia Condesa. Cielo nublado con pronóstico de lluvia. Desde las 20:00 H, chicos con chamarras y boinas de cuero hicieron fila afuera del venue ubicado en la calle Nuevo León #73. B:oost Sessions fichó a Carl Barât para armar una fiesta a la inglesa en la Ciudad de México.

Caradura de pronto era un pub. La cerveza corría de un lado para el otro. Conforme iban llegando, las personas se arremolinaron al pie del escenario para tener la mejor vista posible.

Resguardado por elementos de seguridad, el líder de la extinta banda Dirty Pretty Things hizo su arribo. En su camino a las tornamesas, recibió varios saludos y regaló algunos abrazos. En punto de las 23:30 H. tomo el micrófono y preguntó si estaban listos para cantar y bailar con ímpetu. Todos respondieron afirmativamente. Tras un pequeño inconveniente técnico, abrió su set con "I Bet You Look Good on the Dancefloor" de Arctic Monkeys. La emoción contenida por horas explotó tras el primer riff de la guitarra de Alex Turner

"This Charming Man" para los románticos de copete alto. "Boys Don't Cry" nos hizo sentir un hueco en el estómago; llevamos dos semanas con la incertidumbre de no saber si confirmarán a The Cure en el Foro Sol para el 8 de octubre.

Es admirable el cariño que el público le tiene al músico. Con "Fuck Forever" de Babyshambles nos quedó claro que los viejos rencores con Pete Doherty han quedado en el pasado. Sobrevino "Take Me Out" de Franz Ferdinand y atraído por la euforia del público, Barât se acerco para firmar algunos discos, playeras, carteles, botellas de cerveza e incluso billetes.

Regresamos a 1995 con "Common People" de Pulp. "Bang Bang You're Dead" de los mismísimos Dirty Pretty Things tuvo un sabor súper especial ya que el videoclip fue grabado en la Ciudad de México. La alegría se notaba en los rostros de todos los presentes. ¡Más disparos! "Paper Planes" de M.I.A. llevó la euforia a uno de los puntos más altos. Recibíamos el domingo bailando en Caradura.

Amy Winehouse no podía faltar en el set. Sobrevino una mezcla de canciones con mucho swing aderezado con ritmos jazz y blues. Baile cadencioso. De nuevo, guitarras electrizantes. Nos volvimos a encender con "Connection" de Elastica. Clímax. ¡Todos con las manos en el aire y en coro colectivo para interpretar “Can't Stop Me Now” de The Libertines!

Cuando sonó "Live Forever" de Oasis aquellos cuerpos que había sobre la pista se disolvieron en un mar. Sudor, cerveza y whisky se mezclaron en una sustancia acuosa. El oleaje arremetía hacía el frente. "Lust For Live" de Iggy Pop para ir cerrando. Carl realizó su último acercamiento con el público para firmar algunos artículos. Con "Don't Look Back Into the Sun" culminó este emotivo regreso de Barât a México. Esperamos que vuelva pronto junto con Pete Doherty y el resto de The Libertines.

Falleció Inés Bayo, cantante de Los Fresones Rebeldes

El himno español a cargo de Inés Bayo de 1996, apaga su voz a los 45 años de edad.

“No somos un grupo de homenajes, preferimos las fiestas en vida. Inés siempre estará en nuestro corazón”. Son las palabras que integrantes, compañeros y amigos de Los Fresones Rebeldes dieron a conocer en un comunicado para todos los medios, lamentando el fallecimiento de Inés Bayo.

La cantante destacó al dar voz al tema de Los Fresones Rebeldes, “Al amanecer”. Un tono irreverente que las adolescentes se expresaban en cualquier ámbito. Pero antes de ello, a sus 20 años, se dedicaba a estudiar diseño en la EINA, el Centre Universitari Disseny i Art de Barcelona cuando se unió a Los Blunders. En el mismo loca local donde ensayaban, se encontraron a Pepito Sex, que compartían la misma afición por la música, fue así que al mezclarse se formó Los Fresones Rebeldes.

En 1995 la banda apenas se estaba dando a conocer en el territorio español. Meses después en las épocas navideñas grabaron “Al Amanecer” bajo el sello Spicnic, siendo tanto el éxito que Subterfuge Records se interesó en la banda. Y en 1997 lanzaron el álbum ¡Es que no hay manera!, en el que aparecen otras canciones como “Soy Inocente”, “Bola de Cristal” y “Quiero Saber”. Al siguiente año, Inés Bayo dejaría el grupo de la mano de su hermana Cecilia. La cantante continuó con sus proyectos de ilustración y música, y fue corista en el conjunto ye-yé Los Soberanos.

Finalmente, el pasado 9 de agosto Inés Bayo falleció, las causas aún no son conocidas. Y este lunes 12 de agosto, se llevó a cabo la ceremonia de despedida en el Tanatorio de Les Corts. “Su voz encarnaba la alegría y despreocupación de los primeros Fresones”, declaró Joaquín Felipe, ex integrante de Los Fresones Rebeldes.

A través de un comunicado la agrupación española dio a conocer que ofrecerá un concertó en Sevilla el próximo 14 de agosto. “Miraremos al cielo cuando toquemos “Bola de Cristal” y le desearemos buen viaje a Inés”.

Los Tigres del Norte versiona a Johnny Cash

La banda norteña interpreta “Folsom Prison Blues” desde la misma prisión en la que Cash tocó 51 años antes.

Los Tigres del Norte rinde homenaje a la leyenda del country, Johnny Cash, interpretando “Folsom Prison Blues”, canción que escribió en 1955 inspirándose en la Prisión Estatal de Folsom, la segunda prisión más antigua de California, y también una de las primeras prisiones de alta seguridad en Estados Unidos.

At Folsom Prison es el nombre que recibió el primer material grabado en vivo el 13 de enero de 1968 por Johnny Cash. 51 Años más tarde, Los Tigres del Norte, la banda norteña originaria de Sinaloa, le rinde homenaje al cantante tocando la célebre canción desde el mismo recinto y convirtiéndose en la única banda a la que el Departamento de Correcciones y Rehabilitación de California ha permitido presentarse aparte de Cash.

Los Tigres del Norte versiona este single y video titulado “La prisión de Folsom” (Folsom Prison Blues) para promocionar el nuevo disco grabado y producido por Gustavo Santaolalla, y Anibal Kerper. El video además de presentar el nuevo material, es el teaser del documental que están por lanzar a través de Netflix bajo la dirección de Tom Donahue. Ambos lanzamientos están programados para septiembre y cuentan con la bendición de la familia Carter-Cash.

El documental será una celebración del mes de la Herencia Hispánica en Estados Unidos y recabará entrevistas con prisioneros latinos, que ahora conforman el 43% de la población total de las cárceles americanas. Los Tigres del Norte, al igual que Johnny Cash, comprenden y le dan voz a través de sus canciones a las personas marginadas y clases obreras de sus países. Con este nuevo trabajo, la banda norteña demuestra que las narrativas musicales pueden ser reales, universales y atemporales.

Escucha la versión original de la canción:

Tijuana Panthers — Carpet Denim

Brisa marina de sensación extrema: el bricolaje de Tijuana Panthers.

Si este verano te faltó fiestear en la playa, no te agüites, porque te vengo a recomendar un disco que suena a eso. Se trata de la más reciente producción del trio californiano Tijuana Panthers, Carpet Denim (2019). 40 minutos distribuidos en 14 canciones alegres e irreverentes que te pondrán a bailar, a brindar e incluso a reflexionar en retrospectiva.

El sonido de esta “alfombra de mezclilla” es fiel al bricolaje musical que proponen con la fusión intrépida del surf y el rock and roll de los 50 y 60, con el punk rock y el garage de los 80 y 90. Igualmente, cada canción contiene una historia reminiscente de autorreflexión o crítica social con sarcasmo y escasa sutileza. Carpet Denim es producto de la madurez alcanzada por la banda y presenta un mayor de estudio.

Musicalmente, es melodioso y pegadizo. Darle play se traduce en inmediatas reverberaciones de cabeza, que los brazos busquen el aire y lo pies desenraizarse. Destacan el poderío y el dinamismo de los arreglos de guitarras y bajos, la intensidad de la batería, el acompañamiento de instrumentalización y los juegos de producción en voces, samples y riffs; un conjunto de detalles que consolidan el sonido de Tijuana Panthers.

Líricamente, Carpet Denim me resultó un anecdotario experiencial divertidísimo. Si bien tocan temas delicados, los matizan y aligeran con su peculiar humor y música jocosa. El trío tardó cuatro años en estrenar nuevo disco, y sus letras narran los enfrentamientos que mantuvieron la inevitabilidad de la vida y de sus cambios en el tiempo.

El álbum inicia con “Path of Totality” y sus potentes hit-hats, riffs y juegos vocales para crear una sensación de tensión y recordarnos que las decisiones se toman bailando, ¡woo-hoo! El cuarto tema, “Little Pamplemousse”, una oda a la paternidad cuyo solo de guitarra transmite la emoción precisa.

Por su parte, “Garbage Person” cuenta con un extra de sintetizadores, instrumentación y percusiones cercanas al acid jazz, además una lírica un tanto furiosa; un caso similar es “I Don’t Mind”. “Generation Singular” juega demasiado con las guitarras y los sintes mientras siembra en tu cabeza el dudoso futuro tecnológico de la humanidad, y “TV People” te hace cuestionarte cuántos amigos tienes fuera de la pantalla. En ambas canciones el bajo es prominente.

El track que me atrapó por completo fue “You Died”. La presencia del bajo es magnífica, la guitarra rinde tributo a The Straitjackets y la batería es precisa; la letra narra la ansiedad que la mortalidad despierta: un padre que muere a los 43 años de un infarto y un hijo que, acercándose a esa edad, se cuestiona por la mismidad del corazón.

En ciertos contextos, Carpet Denim podría ser el verano de 2019 hecho música. El tacto de la composición y los giros estilísticos que contiene, además de la libertad con que Tijuana Panthers los maneja –ajena a las tendencias –, es lo que respalda mi calificación.

Entrevista con Bleached

Bleached: abrir la puerta al cambio sin perder la esencia del punk rock.

La madurez es un término ambiguo. El crecimiento y la conciencia son más atinados cuando hablamos del progreso de Bleached. Las hermanas Jessie y Jennifer Clavin acaban de publicar Don’t You Think You’ve Had Enough? de la mano de Dead Oceans. Es el lanzamiento de su tercer álbum de estudio lo que me llevó a platicar vía telefónica con ellas. Esto es lo que compartieron en exclusiva con Indie Rocks! Magazine antes de que emprendan un viaje de tres meses con motivo de su gira promocional.

He de admitir que soy muy fanática de sus looks y personalidades. Así que, hablando entre chicas y sabiendo que comienzan su gira con un concierto sold out en The Lexington, Londres, me compartieron cuáles son los objetos que nunca faltan en sus respectivas maletas de viaje. Jenn nos dijo que nunca se olvida de empacar su delineador negro, mientras que para Jessie el “shampoo de mierda” es indispensable para tener éxito a donde vaya.

Sobre tótems que una lleva consigo cuando está lejos de casa, me pareció atinado preguntarles sobre Benny, el perrito de Jennifer, el cual conocí a través de las fotos que han compartido en Instagram. “Casi siempre lo traemos con nosotras en mochila, pero probablemente no lo llevemos en esta ocasión, porque me siento mal de ver a Benny por ahí dando vueltas como loco buscando comida. Quizá lo encargue Jenn con una prima nuestra. Por cierto, Benny es un perrito de estudio, nos ha acompañado varias veces cuando grabamos y es muy divertido”, nos compartió Jessie.

No es la primera vez que vemos a las hermanas Clavin en un auto en la fotografía de sus álbumes, lo que me hizo cuestionarlas sobre este patrón recurrente. “Es curioso, por ejemplo en el álbum Ride Your Heart no estamos en un auto como parece o la gente piensa. Sobre ese tema, cuando estoy a bordo de un auto, me gusta reflejar el hecho de estar siempre en movimiento, también representa un poco el tener cambios constantes; sobre crecer y seguir adelante”, aseguró Jenn.

Respecto al título de su nuevo álbum, Don’t You Think You’ve Had Enough?, me hace pensar en esas ocasiones en las que te dices a ti mismo que has llegado a tu límite o que te auto reclamas por lo que has hecho de forma introspectiva. Para las chicas de Bleached representa algo similar. Mientras que para Jenn sí es una sentencia para ella misma, nos cuenta que el título fue inspirado de las chicas punk tontas, sobre cómo hacer que las cosas funcionen realmente, ya sea teniendo hábitos más sanos, menos destructivos. “Viene de querer ese cambio en mí, de lo que yo quería realizar o cómo quería verme”, nos confiesa. Para Jessie es una pregunta que no solo se han hecho ellas, sino que puede ser adoptada por muchas personas, hacerse esa pregunta en muchos aspectos le pareció necesario.

Se percibe cierta influencia glam y disco en el sonido de su nuevo material. El tercer álbum de Bleached contiene 12 piezas que son aptas, no solo para agitar la cabeza y enfundar los puños al aire, también es liquidez para bailar y dejarse llevar. Sobre esta fusión de géneros de los ochenta con su rock punk californiano, Jessie nos cuenta:

“Crecimos entre música punk, post punk y me parecía importante mostrar esa parte de nuestra vida, porque siento que rendirles honor es lo mínimo que podemos hacer por todo lo que representa para nosotras, ¿sabes? Ponerle un poco de vibras de Queen, de los reflectores del dance. Lo que me encanta es ver a la multitud disfrutando y bailando, que en vivo se aprecie ese legado musical. Es muy inspirador e íntimo cuando estoy tocando y veo que todos se la pasan bien bailando. Nos da gusto que hayas percibido eso en el álbum, porque era nuestro propósito”.

No pude resistirme a compartirles uno de mis flashbacks de cuando tocaron en México hace tres años en el Foro Indie Rocks! para DNArama. Las chicas armaron el mosh pit, recuerdo que había una chica grabando todo el show con una videocámara, pero no dejaba de bailar y empujar a las demás. Si su música ha dado un giro sonoro, entonces ¿se siguen identificando con esa energía cuando están en el escenario?

“Definitivamente, esa energía siempre está con nosotras. En esa ocasión estaba muy nerviosa antes del show, pero siempre trato de aventar los nervios lejos y cuando empieza el show simplemente me dejo ir y me enfoco en pasarla bien. Recuerdo haberla pasado muy bien en ese show en México. El mayor soporte que he tenido siempre es pasarla bien, tener eso como mantra”, compartió Jenn.

Cuando los años pasan las cosas cambian, sobretodo en Norteamérica. Al preguntarles si sentían que les ha costado trabajo que las tomen en serio en la escena de California y alrededores, se mostraron positivas ante los resultados que han logrado desde que comenzó a hacer ruido Bleached. Jessie cree firmemente que los tiempos están cambiando. “Cuando empezábamos en esto fue muy difícil, queríamos tomarnos esto en serio y creo que no le daba suficiente fuerza a mi voz en ese entonces, no como ahora. Entonces me mostré a mí misma que me tengo confianza y seguridad ante todo. Siento que está cambiando la situación, ya no es tan desgastante como antes”.

Sobre el cambio de roles de la música popular como el reggaeton o la descalificación de géneros como el rock o el punk, a ellas no les importa tanto el reflector que los medios le han dado. “Me parece que ese tema está muy grosero últimamente, no digo que no disfrute de otra música, sino que para mí el rock and roll no ha dejado de ser popular. En lo personal prefiero las guitarras y el sonido detrás de ellas, a diferencia de escuchar un beat repetirse, no es malo, solo que no me atrapa. Pienso que es más sencillo tener un beat y cantar en un micrófono que tocar o aprender acordes en un instrumento”, compartió Jessie.

El punk rock siempre ha sido relacionado con la autodestrucción, las drogas y el alcohol, sin embargo. El cambio de estilo de vida de Jenn influyó bastante en los bríos que dio el nuevo álbum, ella nos confesó que ahora, además de la música, prefiere trabajar en su bienestar.

“Me ha funcionado meditar, salir con otra gente sin dejar de sentir que soy parte del punk o dejar de hacer música que me gusta. Estar presente conmigo misma y ser consciente de lo que estoy haciendo. Tomar el control y no como cuando estaba bebiendo, sin una rutina de trabajo, era aburrido. Ahora me siento mejor con este estilo de vida. Siempre habrá problemillas por ahí rondando, pero si no me encuentro trabajando todo el tiempo de forma integral, no solo en la música, ya no me siento que soy yo. Eso es suficiente para mí ahora”.

Ese cambio de hábitos en la vida de Jenn hizo que brotara la creatividad en ella y repercutió a la hora de grabar Don’t You Think You’ve Had Enough?. “Recuerdo que durante la grabación de 'Silly Girl'; que fue una canción totalmente diferente para nosotras, pues no es igual instrumentalmente, estuvimos grabando algunos bongos, y estaba muy concentrada en mi laptop y le compartía a Jessie lo que sentía que sonaba mejor para la composición. Intentar algo diferente fue muy motivacional y divertido a la vez”, puntualizó poco antes de terminar la llamada telefónica.

Antes de despedirme de ellas y dejar que continuara su día, mostraron su interés en regresar a México, pues es un lugar en el que se sienten especialmente recibidas por todos. En Indie Rocks! esperamos que así sea pronto, para volver a armar el mosh pit de chicas en un show suyo.

Missy Elliott será honrada en los VMAs de MTV

El próximo 26 de agosto, Missy Elliott recibirá el Michael Jackson Video Vanguard Award de los VMAs.

La cadena televisiva MTV ha dado a conocer más detalles de lo que será su ceremonia de los Video Music Awards 2019 y nos han dado una sorpresa ya que han anunciado que Missy Elliott será honrada con el Michael Jackson Video Vanguard Award.

El premio se le otorga a los artistas que han innovado o impactado con su trabajo en la industria musical. Missy ha sido una de ella gracias a sus videoclips en los cuales ha aportado en la creatividad. Algunos ejemplos son "The Rain (Supa Dupa Fly)", "Lose Control", "I'm Really Hot", "Gossip Folks", entre otros que han sido dirigidos por directores de la talla de Dave Meyers y Hype Williams.

Además de esto, la rapera ofrecerá un performance durante la ceremonia que se llevará a cabo en las instalaciones del Prudential Center de la ciudad de Nueva Jersey. Con un tweet, la también productora, agradeció el apoyo de sus fans a lo largo de más de 20 años de carrera.

 

Missy se suma a artistas como Madonna, David Bowie, Beastie Boys, Janet Jackson, Beyoncé, P¡nk, Jennifer Lopez, Rihanna, entre otros en recibir el premio.

Arroba Nat, Axel Catalán y Negrø en el Foro Indie Rocks!

Negro, Axel Catalán y Arroba Nat: El desamor resonó al ritmo de folk y boleros en el Foro Indie Rocks!.

La espera final para ver a tu artista o banda favorita siempre resultar ser la más grande de todas. A lo largo de esos últimos minutos te das cuenta de que estás más ansioso y eufórico que antes. Es normal, la emoción te lleva a vivir ciertos “momentos”, sin embargo, hay cosas que a veces encuentran fuera de la línea de esa emoción, mismos que, pueden ser reflejados de manera negativa hacia el futuro de tu día.

Comienzo diciendo esto porque a tan escasos minutos de que las puertas del Foro Indie Rocks! se abrieran para recibir a los fanáticos de Arroba Nat, Negrø y Axel Catalán, la policía de la CDMX llegó y se llevó a algunos de los fanáticos -que imprudentemente-, estaban bebiendo alcohol en vía pública. Lamenté lo acontecido, pero siempre he dicho que cada acción tiene sus consecuencias.

Después de lo acontecido, en punto de las 20:00 H. se abrieron las puertas del recinto y todos nos adentramos en el Foro para poder tener un buen lugar y esperar de las presentaciones. El inmueble se encontraba a la mitad de su capacidad, sinceramente esperaba que a lo largo de la noche se incorporara más gente, pero no fue así, pero eso no importó ya que, a las 21:00 H. portando un bonito vestido negro floreado y unos lentes gigantes en forma de corazón, Natalia Díaz, mejor conocida como Arroba Nat, subió al escenario junto a su banda, para deleitarnos con “Nunca te vayas”.

Nat recalcó que sus canciones no son precisamente las más felices de la industria musical, ya que en cada uno de sus temas refleja sus vivencias en el amor, y en la amistad. No podemos juzgarla, pues ¿Quién de nosotros no ha pasado por situaciones similares? ¿Quién no ha intentado cerrar ciclos alguna vez? ¿Quienes sí lo han logrado? Buenas preguntas que hicieron hincapié para que Nat nos interpretara sus temas “Al final” y “Adiós”.

“Al principio había escrito esta canción por un amor no correspondido, pero el significado fue cambiando cuando me di cuenta que hay cosas más importantes que tu crush no te haga caso, como que tus amigos se alejen de ti sin decirte nada. Entonces esta canción cambió el significado para este cotorreo de la gente que se va y ya ni siquiera vale la pena levantar el teléfono porque sabes que no van a contestar”.

Fueron las palabras que la oriunda de Zacatecas pronunció para presentar uno de los temas más esperados de la noche: “Ausente” un bonito bolero que puso a bailar a más de uno de los presentes. “Quiero decirte tantas cosas, que no sé cómo explicarte. Te quiero, no puedo contenerlo, quisiera tenerte pero estás…”, magia pura y sensualidad se derrochó a lo largo de la interpretación de este tema.

Ya para entonces, las emociones y sentimientos estaban a flor de piel, y se sentía una vibra súper especial en el recinto, la cual se notó más cuando la cantante nos hizo recordar a esos seres queridos que ya no están con nosotros al ritmo de “Nunca fue”, explicando que la letra de esa canción no es propiamente de ella, sino es una bonita adaptación que hizo de un poema que escribió su abuela. ¡Así, o más nostálgico!

El final de su acto se acercaba, pero Arroba Nat no podía irse sin abrir su corazón y compartir cómo vivió su primer experiencia amorosa que la llevó a escribir “Tóxico”, comentándonos una experiencia tan desagradable que más de amor, parecía de horror.

“Y no sé qué voy a hacer, si me quedo o me voy. Todos dicen que estar contigo es tóxico, todos dicen que siempre elijo lo peor…” situación en la que probablemente muchos de nosotros hemos estado, por no querer estar solos, tal y como lo explicó la cantante. Cuando eso te pase, recuerda cantar primero “La perra soledad” así con el mismo sentimiento con el que lo hizo la cantautora mexicana.

Invitándonos a comprar su mercancía oficial y a convivir un ratito con ella al final de la noche, se despidió al ritmo de un gran tema “Dormir sin coger”. Fueron 35 minutos llenos de magia, de folk y boleros nostálgicos que nos hicieron echarnos la primera lloradita de la noche.

Tan solo 10 minutos fueron suficientes para acomodar el escenario que daría la bienvenida a Negrø. La multitud se escuchaba más emocionada, coreaban su nombre y le pedían que ya saliera. A las 21:45 H. muy modestamente el oriundo de Michoacán salió acompañado de su guitarra eléctrica dispuesto a interpretar “Bajar avión”, tema dedicado a su mamá.

Con algunas fallas de sonido -que pronto se solucionaron- el cantante pudo deleitarnos con un cover de “Yo no nací para amar”, tema de Juan Gabriel al cual -como era de esperarse- le realizó unos divertidos cambios en la letra. Continuando con algunos buenos chistes que hicieron reír al público y algunas anécdotas de su infancia, nos presentó su nuevo sencillo “El río”, un melancólico tema que habla sobre el ciclo de la vida.

Acompañado de su banda, Negro y las Nieves de Enero, la agrupación nos demostró porque es tan interesante su música que resulta de una mezcla de boleros y música popular mexicana que me remonta a la década de los 70. Los presentes nos paraban de bailar al ritmo de temas como: “Un arpa descansa dentro de un piano de cola” y “Morena”.

Llenos de nostalgia y bajo la tenue iluminación del Foro Indie Rocks! los fanáticos comenzaron a corear “Solo sale de noche, pa’ apagarse la sed, va buscando venganza, tu sangre quiere beber”. El público quería “Vampiro”, y así fue. El tema fue interpretado de inmediato, por Negro, quien nos demostró a cada segundo esa pasión y entrega de sentimientos que desprende al cantar.

El entusiasmo del público era sorprendente, se notaba que habían esperado mucho para ese momento, se sabían las letras y las coreaban, por eso el cantante se notaba tan feliz y continuaba con sus chistes sobre la vida y los artistas. Fue él, quien mencionó de forma burlona que Ed Maverick debería de estar ahí también, para después reírse y decir “no se crean, es broma”.

Sinceramente, ya a estas alturas de la noche ya muchos nos encontrábamos con los sentimientos encontrados, yo sabía que era una noche llena de nostalgia, pero no sabía hasta qué punto llegaría ese sentimiento, hasta que Negrø comenzó a decir que tenía un par de sorpresas para todos los presentes.

“Cada día canto más y hablo menos” y “El pasado” eran sus sorpresas, efectivamente, un par de sencillos nunca antes escuchados, que serían interpretados por primera vez en vivo. El cantante comenzó explicando que formarán parte de su nueva producción discográfica, y continúo con un “Ojalá les gusten”.

Todos creíamos que las sorpresas ya habían terminado, pero no fue así, a la última hora el cantante decidió cambiar el setlist, improvisando unas canciones en acústico que todos los presentes se sabían. Solo faltó afinar la guitarra acústica para que comenzara a sonar “Ay, quiero iniciar una guerra, no es una guerra de a balazos, sino de besos tú conmigo”. Y así fue como la noche tomó un poco de color y se puso romántica, invitando a todos los presentes que abrazaran a su pareja y que cantaran juntos ese gran tema.

“Rápidamente tengo que explicar que esta canción no habla de asesinar a nadie, sino a un sentimiento. Hace referencia a cuando te mandan muy lejos, y todos los días la pasas mal esperando a que se acabe, que sí, eventualmente se acaba, pero la terminas pasando muy mal”.

De esa manera, Negrø presentó “He querido asesinarte”, uno de los temas más esperados de la noche, que fue interpretado -de igual forma- en acústico. “Debo confesar que muchas veces, he sentido un inmenso deseo de asesinarte, entrar hasta tu habitación mientras duermes y ahí en tu cama mil veces apuñalarte”. Que bueno que fue especificado que no habla de asesinar a nadie. El humor y el sentimiento del cantante fue lo que hizo que ese tema sonara como un auténtico bolero.

Para finalizar su acto, solo faltaba una canción, la más esperada y pedida de toda la noche, todos sabíamos que la presentación de Negro y las Nieves de Enero, iba a retumbar el recinto con ritmos populares originarios de Michoacán al ritmo de “El último recuerdo” y así fue, los presentes bailaron, y cantaron hasta el final. Sin embargo, aunque la banda se despidió, los presentes no dejaron que Negro se fuera; pidieron otra y otra tuvieron.

En solitario -como al principio de la presentación- el cantautor interpretó “Amigos”, tema que después fusionó con “Bomba” de King África, con el cual demostró que es un tipo de lo más divertido, y que su carisma hace que su música sea vida. Esto lo noté, cuando bajó del escenario y se paró en la valla de metal y culminó su interpretación junto a los fanáticos, dejando en el aire unas partículas de energía súper especiales.

Pasaron 10 minutos, en lo que acomodaban de nuevo el escenario, para darle paso al acto final de la noche, y debo decir que el más esperado. Axel Catalán, se presentó en el escenario a las 23:00 H, asegurando que venía una hora de grandes éxitos, y así fue. Carismático el hombre, se quitó la playera y los fanáticos no tardaron en chiflarle y lanzarle unos cuantos piropos, a lo que el cantante respondía coquetamente porque hay que aclarar que cuando subió al escenario dejó en claro que ya estaba un poco ebrio.

En fin, después de su extendida presentación, inició con “Adiós”, tema con el que sabíamos que incluso nos íbamos a poner más tristes y nostálgicos el resto de la noche. Sin embargo, cuando se dispuso a interpretar “Perro viejo”, llegó otra vez Negro y juntos cantaron el tema, sonó increíble la fusión de las dos voces, la esencia de cada uno de ellos hizo que ese momento fuera muy emotivo para el público. Definitivamente todos coincidían en que sería un cierre perfecto. Catalán agradeció a Negrø por la participación recalcando su amistad de años, por venir del mismo lugar, Michoacán.

“Me lo he pasado de la verga desde el 26, la mayoría de escenarios no pintan muy bien. Ya estoy cansado, desvelado, sucio y algo mal cuidado, creo que me huelen fatal los pies. Van 15 días que estoy enfermo o 16, sigo insistiendo en levantarme a vivir también…” coreaban todos cuando sonó “Valer Verga” porque es verdad, quién no ha sentido que hay veces que tienes una mala racha y no sabes cuándo vas salir de ahí, un gran tema que ayuda a reflexionar sobre esa situación.

Un tema de su EP Perro viejo (2016) se hizo presente en la noche: “Bonita”, canción dedicada a una mujer especial. Continuando la velada con “Camisas”, tema de su más reciente producción Sinfuturo (2018).

El público se encontraba demasiado contento con la presentación de Axel Catalán, ya que al parecer, el hombre iba preparado a lo que el público quisiera escuchar esa noche. No había ningún setlist pegado en el piso, solo era él, más un grupo de personas que le gritaban títulos de algunos de sus éxitos. Así fue, como el cantante comenzó a complacer a cada uno de los asistentes con temas de todo su repertorio musical.

Siguiendo con las complacencias, interpretó “El fin”, y aunque aún no era el fin de la presentación se podía sentir ese nudo en la garganta que surge luego de escuchar sus letras tan sinceras que le cantan al desamor.

Indagando en los inicios del músico, interpretó un par de temas que, sinceramente, fueron una sorpresa para todos los presentes, ya que sonó “Mestizo” un tema que no encontramos en su plataforma digital, pero si en las curiosidades de YouTube. Este sencillo fue uno de los primeros que lanzo, y la verdad es que debe ser escuchado por todos.

Después de que Axel Catalán se perdió en su música y en el bonito momento que estaba viviendo, el tiempo se le fue tan de prisa que no se dio cuenta de que su presentación había llegado a su fin. Ya se le estaba presionando para que culminara, aunque el público no quería que se fuera, es por eso que el cantante comenzó a tocar los primeros acordes de “Maldito”, el tema con el que se despediría de todos..

Aunque no interactuo tanto con el público como los dos actos anteriores, debo decir que la que gente estuvo contenta con su presentación de principio a fin, siempre se les vio catando y conviviendo, disfrutando de un agradable momento.

Pasadas las 12:00 H, las luces se apagan y el Foro Indie Rocks!, abre sus puertas para despedir a todos los fanáticos de Arroba Nat, Negrø, y Axel Catalán, dejándonos a todos con un buen sabor de boca con tan buenos actos, buena organización y por haber logrado que todos abriéramos un poco nuestro corazón y le cantaremos al desamor y nos echáramos unas lloraditas.

Quede sorprendida de escuchar a tres grandes talentos de la industria musical mexicana que debo confesar, en vivo suenan mucho mejor. Cada uno de ellos merece ser escuchado y tener más reconocimiento.