Los Bunkers se reunió para ofrecer dos shows

Los Bunkers se presentó en dos ciudades de su país natal.

Después de cinco años de ausencia, la banda chilena Los Bunkers ofreció un par de shows de reencuentro en su país de origen. La agrupación liderada por Álvaro López se presentó  los días 13 y 14 de diciembre en Santiago y en la Universidad de Concepción.

Para el primer evento, la banda se presentó en la Plaza de la Dignidad, ubicada en el centro de Santiago, Chile. El espectáculo fue gratuito en su totalidad y se llevó a cabo con todos los permisos y apoyo por parte de las autoridades chilenas. Además, Álvaro y compañía utilizaron como escenario el techo de un camión que se adaptó especialmente para el show.

Mira las imágenes de lo que se vivió el pasado fin de semana en la Plaza de la Dignidad.

Al día siguiente, la banda se presentó en la Facultad de Ciencias Sociales de la Universidad de Concepción. También gratuito, el show tuvo una duración de aproximadamente dos horas la agrupación interpretó éxitos como "Bailando Solo""Llueve Sobre la Ciudad" o "Miño", además de mostrar un apoyo infinito hacia los ciudadanos afectados por las agresiones durante las protestas hacia gobierno del actual presidente de Chile.

Aunque fueron dos días llenos de música y nostalgia para los seguidores de Los Bunkers, la agrupación no se reencontró para preparar nueva música, simplemente fue para revivir sus mejores éxitos en compañía de las personas que han seguido sus letras y su trayectoria musical por años.

Swans — Leaving Meaning

Swans: El peso de ser veterano.  

Nombra un género. Piensa en cómo suena el post punk. En aquellos bajos pulverizantes y el sonido de una voz aletargada. Ahora piensa en el no wave y su disruptiva respuesta auditiva contra el new wave. Sonidos abrasivos y repetitivos, la contracultura neoyorquina que no tuvo mucho auge ni empuje, pero que sentó las bases para muchas cosas que se harían después. Podría seguir, una larga lista del significado del post rock e incluso del industrial y hasta el gótico. Un listado de todos aquellos sonidos y corrientes que Swans ha perseguido y confrontado con fuerza y ha llevado desde la crudeza hasta la pulcritud. Una banda que no tiene el respeto ni lugar que merece, como en ocasiones pasa. Y, que tal vez, sea mejor que sea de esa manera. Un veterano dotado de versatilidad y soberbios recursos musicales. Leyenda que musicaliza barrios fríos que resurge como fénix cada vez que la cabeza de Michael Gira tiene una idea. 

Hablar de Swans es complicado. Tal vez sea una de las bandas con más ex integrantes que existe. Desde su nacimiento en 1982, se ha colapsado y reintegrado para conseguir más. O sacar adelante una idea más. Gira convoca a cisnes nuevos y también a viejos para evolucionar artísticamente dejando de lado siempre el convencionalismo. Un proyecto que por supuesto no obedece reglas ni géneros. Siempre que pienso en Michael Gira imaginó a un cascarrabias repleto de necedad que pocos aguantan. Un solitario que usa a compañeros como el medio para proyectar ideas. Nunca amigos, solo compañeros musicales. Puedo estar equivocado, pero la sombra de la historia lo persigue. Ahora, colaborando con The Necks y con el genio Ben Frost, la agrupación experimental presenta su decimoquinto álbum de estudio: Leaving Meaning.

Dividido como un disco doble lanzado bajo Young God Records, con seis pistas por parte, el álbum pareciera ser mucha de la historia que ha construido la esencia de Swans. El zumbido de Hums toma vida como un introductorio para hablar de Annaline, un tema con arreglos suaves y que en gran parte resulta ser tierna. Una catarsis de un amor peligroso. En letras, Gira siempre transmite rupturas irreparables. Es algo que sabe hacer con maestría. Swans vuelve a la carga con los temas largos e hipnóticos que aman hacer y llega The Hanging Man”. Oleajes oscuros y arreglos repletos de tensión que te dejan en suspenso. Tal vez no rayen en lo impactante que lo hecho en To Be Kind, pero es toda la energía apocalíptica que la banda ha demostrado en sus shows en vivo. Uno de los mejores temas del disco sin duda, 10 minutos bien empleados de tu día.   

“Amnesia” baja los ánimos. Una versión totalmente diferente a la versión de Love of Life de 1992. Los coros tétricos remarcan la vida de algo extraño con una historia única. Su decimoquinto álbum es diferente, como todo lo que hace Swans. Si bien es complicado digerir, también entras en una satisfacción de sentirte ahogado con sonidos que no esperas. En ocasiones te llena de angustia. En otras de tensión. La música del proyecto puede que no sea para todos. ¿Pero qué música sí lo es? ¿Por qué disfrutamos escuchar a una banda que resulta complicada? Tal vez esa sea la magia que hace revivir a Swans una vez más en una relación repleta de toxicidad con Michael Gira. 

“Leaving Meaning” y “Sunfucker” cierran el primer capítulo del álbum. La primera un éxito con unos cisnes moderados; la segunda un éxtasis total que asciende por 10 minutos sin parar. Un himno religioso que explota en tu mente a los cinco minutos. Debo hacer una pausa aquí, debes escuchar “Sunfucker” las veces que sean necesarias. Tremendo cierre de una primera parte extraña. Extraña estilo maquinaria Swans. 

Una visita al inframundo.

Leaving Meaning abre en su segunda parte con Cathedrals of Heaven, evocando emociones desgarradoras. Piezas que deben desmenuzarse y ser escuchadas con precaución. No solo son temas dolorosos con un grado de simplicidad. Con Gira nada es sencillo, todo tiene su grado de complejidad. The Nub trae consigo la colaboración de The Necks, trío australiano de jazz experimental de culto que le da un nuevo giro a la teatralidad que conforma el disco. “It’s Coming It’s Real” es algo que combina mucho en muy poco. Hay algo de drone, una guitarra acústica y una voz que pareciera estar anunciando el día del Apocalipsis. Gira se niega a cambiar las cosas y la intriga sigue latente. Some New Things podríamos catalogarlo como lo más “normal” del álbum. Jason Pierce la tocaría sin problema con Spiritualized. Un poco de space rock para calmar la marea. What is This?” también es un respiro, uno necesario con estructuras más tradicionales y directas. Sencillos que sí son acreedores al nombre.  

“My Phantom Limb se remonta un poco a las raíces de Swans. Todo sobremontado y en una no sincronía que resulta perfecta. Porque hasta para estar desincronizado y sonar así, hay que ser cabrón. Las letras que hablan de caos, los bloques en cómo se construye el disco y las paredes sonoras que parece se desmoronan sobre ti, hacen que Leaving Meaning se posicione como uno de los mejores discos del año. Admito que me resulta bastante complicado criticar lo que hace Swans. En cada álbum que lanzan solo hacen que lo respete un poco más. 

¿Qué busca Michael Gira? ¿Venera el caos y la tensión como una forma normal de vivir? ¿Todo es una metáfora para decirnos que los cisnes mueren y reviven las veces que sean necesarias según le plazca? ¿O es un espejo sobre el reflejo del significado de la banda y su vida misma? Swans ya no existe. Pero al mismo tiempo existe más que nunca. Es un monstruo. Esperemos se confirme pronto, por fin, una visita a México.

Moor Mother — Analog Fluids of Sonic Black Holes

¿El Afrofuturismo ya existe como estilo musical catalogado? ¿No? Pues debería, y además tomar este disco como insignia.

Hace un par de años Disney y Marvel estrenaron Black Panther película basada en un cómic donde una sociedad negra se desarrolla en un país ficticio llamado Wakanda, lugar donde las culturas africanas ancestrales con todo su bagaje cultural se amalgaman con lo más futurista de la ciencia y la tecnología, si ese lugar fuera una disco seria Analog Fluids of Sonic Black Holes, y Camae Ayewa mejor conocida como Moor Mother su líder o por lo menos una excelente embajadora.

Analog Fluids of Sonic Black Holes es una mezcla entre poesía, música de protesta, beats techno, algunas guitarras, bastante word spoken y mucho pero mucho sonido tribal proveniente de una gran variedad de tambores y sets de baterías que en canciones como "Black Flight" no dan respiro alguno al mismo tiempo que Moor Mother repite una y otra vez que ese vuelo negro debe partir, todo esto acompañada en las vocales de Saul Williams viejo lobo de mar del hip hop de protesta.

El disco no es fácil y con esto no pretendo decir que sea malo, simplemente es diferente y eso siempre se agradece, pero es una realidad que no es un LP que puedas poner en tus reuniones de viernes por la noche entre Billie Eilish y Dua Lipa mientras tú y tus amigos beben cerveza, este disco es más cercano a la conceptualidad más profunda de The Mars Volta combinado con el hip hop de protesta que podemos obtener de Kendrick Lamar.

Al escuchar este disco me gusta pensar en espíritus africanos de esclavos escapando de sus captores ayudados por vehículos futuristas al ritmo de "Private Silence", imagino manifestaciones a través de los tiempos, partiendo de una América negra oprimida y esclavizada de hace dos siglos hasta la América neo racista de Trump expresándose mediante cajas de ritmo y beats galopantes, y todo esto es excelente, siempre es importante que además de hacernos bailar, sonreír y pasarla bien, también existe música que nos haga pensar, que nos haga reclamar, que nos haga cuestionar y cuestionarnos, que nos haga sentir incomodos, que nos haga vivir.

Este es un gran momento para una artista como Moor Mother, y ojalá encuentre la manera de que sin comprometer su esencia y su sonido logre darle ese toque “comercial” mediante el cual pueda acceder a públicos más grandes, para que así su mensaje sea escuchado por más personas, tal cual debe ser.

DLD en El Plaza Condesa

La banda DLD cerró su gira Futura con fechas agotadas en El Plaza Condesa.

DLD ofreció esta noche el primero de dos conciertos sold out en El Plaza Condesa, recinto en el que la banda cerró con broche de oro su gira Futura. Con los primeros acordes de “Soy” la gente comenzó a brincar y hacer vibrar el lugar, el movimiento siguió con “Pagarás” y “Dixie”, de esta manera la banda dio tres potentes descargas de rock a sus seguidores.

"Química y Física" y "Némesis" fue el preámbulo para que DLD hiciera una pausa para contemplar cada espacio ocupado en el recinto e interactuara con el público.

Nunca dejaremos de estar agradecidos, gracias por traernos aquí ". 

Entre luces sonó "Un Vicio caro es el amor", los celulares iluminaron todo el lugar, pero el momento nostálgico llegó con "Miércoles", "Arsénico" y "Devuélveme". Un repertorio como pocas veces suele verse a DLD, desempolvaron canciones que es grato que las interpreten. 

"Siempre son buenos los reencuentros", expresó Francisco Familiar antes de presentar a la única invitada de la noche, María Barracuda, con quien interpretaron “Reencuentro”.

"Control", "Viernes" y "Noches de Vinil", envolvieron de energía el venue, los gritos y aplausos no paraban hasta que llegó "Hasta Siempre", canción fue coreada por la mayoría de los asistentes. 

Fue una noche de éxitos que removieron las entrañas, canciones delirantes, melancólicas. Un concierto que se acomodó a la perfección, como las piezas de un rompecabezas. Dos horas que hicieron resonar eco en nuestros oídos.

 

 

División Minúscula en el Teatro Metropólitan

Intimidad y emoción bajo las luces de la CDMX con División Minúscula.

No hubo mejor momento, ni mejor ciudad en dónde cerrar la gira de Fronteras. Una vez más el Teatro Metropólitan recibió a División Minúscula para dejar que la melancolía y la emoción se convirtieran en una fuerza ensordecedora en cada una de sus canciones.

Fronteras recorre las distintas etapas que los de Matamoros ha tenido durante su carrera, con nuevas y más personales emociones estas versiones orgánicas, acústicas y sinfónicas lograron una íntima conexión entre las figuras que se encontraban sobre el escenario y su público, quienes abarrotaron por completo este recinto.  

Cuando una canción marca alguna etapa de tu vida, sin importar los años sigue manteniendo el sentimiento, División lo sabe y es por eso que siguen presentando clásicos como “Sognare”, “Un beso al aire y un tiro al pecho”, “Sismo” y también se muestran solidarios con la situación de violencia que se vive en el país. 

Son más de 15 años los que hemos recorrido con esta banda, por lo que este viernes 13 por poco más de una hora se vivió un ambiente familiar y se brindó junto a Javier Blake por muchos más años de compartir bajo las luces de esta ciudad.

Los Amigos Invisibles en El Plaza Condesa

Una noche funkie llena de baile, goce y diversión con Los Amigos Invisibles.

Con el placer de una ciudad vacía por el puente guadalupano, anoche acudimos a nuestro venue consentido de la colonia Condesa, para disfrutar de la primera de dos fechas que Los Amigos Invisibles daría en El Plaza, siendo esta la que lograse agotar totalmente las localidades.

En punto de las 21:00 H la fiesta había comenzado sin mayor preámbulo a bandas teloneras, uno a uno los integrantes desfilaron frente a nosotros, saludando a su público que con emoción los recibía. La lírica sugerente de “Sueño Erótico” y su ritmo cadencioso arrancan las acciones, pero al parecer a la mayoría del público no tenía muy claro que estaban en un concierto, pues pocas personas se veían bailando a la par del conjunto en escena.

Siete eran los paneles LED que le dieron colorido a esta presentación, con visuales variados que fueron desde lo tropical y psicodélico hasta los que hicieron gala del estreno en vivo de “Something”, el nuevo sencillo de la banda, donde nos llevaron a través de un videojuego de plataformas, donde el protagonista sería un mariachi que iba sorteando los diversos obstáculos que se aparecían en su camino.

El amor sobre la pista era evidente, pues un gran número de parejas gozaban de lo “Dulce” de las letras románticas, e incluso aquellas almas solitarias se notaban disfrutar al cantar canciones como “Qué Rico” o “Viajero Frecuente del amor”.

Luego de una serie incesante de canciones, Julio Briceño, vocalista y líder de la banda, nos presentaba a cada uno de los otros seis músicos que le acompañaban, donde la amplia gama de percusiones cobraba notoriedad en cada melodía. Una invitación al mar caribe nos llega, la gente mueve los brazos de un lado a otro como el vaivén de las olas y súbitamente arriba la “Mujer Policía”, detonando finalmente la fiesta que tanto esperábamos.

Un esqueleto bailarín sobre la pantalla y una ráfaga de éxitos detonaría el clímax de la noche: “Playa Azul”, “Yo no sé”, “Mentiras” y “Viviré Para Ti”. Después, vendría un brindis con todo el público previo a “Espérame”, celebrando las festividades decembrinas, la vida y el amor.

Momento de elevar la temperatura, pues “Óyeme Nena” suena y la pista arde al ritmo de salsa, mientras que las grandes figuras del género desfilan en los visuales: Celia Cruz, Héctor Lavoe y Willie Colón, por citar algunos. Después, un pequeño cover a los Caifanes con “La Negra Tomasa” daría introducción a “Mi Vecina”, convirtiendo la pista en un gran baile cumbianchero.

El sencillo ganador del Grammy Latino “Tócamela” sonaba en todo lo alto, seguida de “Ponerte en cuatro” y “Ultra-funk”, mientras en las pantallas se veía la leyenda “Funk is back”. El resto del concierto sería fiesta pura: pequeñas intros como “Take On Me” de a-ha, “Barbie Girl” de Aqua, “Smells Like Teen Spirit” de Nirvana y hasta “Yeah!” de Usher, además de dos encores, en los que el público pedía “Cuchi Cuchi” y “Sexy”, desafortunadamente, la banda no alcanzó a interpretar las canciones solicitadas.

Grimes presenta "4ÆM"

Siguiendo con los adelantos de su próximo LP, Grimes presenta un nuevo tema.

Miss Anthropocene está cada vez más cerca y Grimes presenta otro corte, se trata de "4ÆM", track en el que la canadiense sigue con el mood futurista. El tema fue presentado en el 2020 Game Awards ya que será parte del soundtrack oficial del videojuego Cyberpunk 2077.

Además de esto la cantante tendrá un personaje llamado Lizzy Wizzy, el cual será una estrella pop. Otros artistas que participarán en la banda sonora son A$AP Rocky, Run the Jewels, Refused, Gazelle Twin, Ilan Rubin, Richard Devine, Nina Kraviz, Deadly Hunta, Rat Boy y Tina Guo,

Si quieres escuchar el track y ver la presentación aquí las tenemos:

Luego de algunos meses de retrasos y temas sueltos, Grimes ha confirmado que Miss Anthropocene será lanzado el próximo 21 de febrero de 2020 bajo el sello 4AD. De este material se han presentado los sencillos "Violence", "My Name Is Dark" y "So Heavy I Fell Through the Earth".

El esperado material ya está disponible en preventa en distintos formatos como son CD y vinilo, de este se liberarán algunas copias en color blanco opaco.

Sigue pendiente de Indie Rocks! para más detalles y noticias de Grimes.

Netflix adaptará un libro de Paul McCartney

El músico llegó a un acuerdo con Netflix para adaptar su libro High In The Clouds.

La plataforma de series y películas en streaming Netflix anunció la adaptación del libro juvenil High In The Clouds  escrito por Paul McCartney y Philip Ardagh e ilustrado por Geoff Dunbar.

El libro se publicó en 2005, sin embargo, fue hasta el presente año que se llegó al acuerdo de convertirlo en un largometraje. Netflix trabajará con la compañía cinematográfica Gaumont para la producción de la cinta, mientras que el animador nominado al Oscar, Timothy Reckart se encargará de dirigirla. Y, por sí fuera poco el ex Beatle estará a cargo del soundtrack del filme, en el cuál también se incluirán canciones del cuarteto de Liverpool.

Netflix

La sinopsis de la película se centra en la historia de una ardilla adolescente llamada Wirral. Este personaje se ve envuelto en una serie de sucesos que lo llevan a quedarse atrapado con una pandilla rebelde que vive en las alturas después de enfrentarse al búho de Gretsch, un magnífico cantante que trata de robarle la voz a todo ser que pueda eclipsarlo.

Siempre me han encantado las películas animadas y este es un proyecto de pasión enormemente importante para mí. No puedo esperar a que el mundo lo vea", dijo el compositor en un comunicado de prensa.

¡Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles!

Poppy estrena un disco de metal

La artista Poppy vuelve con nuevos videos, canciones y también con un cambio radical en su obra musical.

Poppy compartió el video musical de “Fill the Crown”, una canción bastante diferente a lo que nos tenía acostumbrados, pues la artista está incursionando en el género del metal. 

Además, está estrenando un disco de cuatro canciones que ya está disponible en todas las plataformas de streaming. Las nuevas canciones son metal, metal fuerte, con tonos bajos, overdrives y arreglos duros de batería característicos del estilo de música, un cambio radical en la artista que ya comenzaba atreverse en su entrega anterior Am I a Girl?, pero es ahora cuando lo hace de manera plena y concisa.

Dale play a continuación:

 

La publicación de sus discos anteriores era a través de I’m Poppy Records en colaboración con Mad Decent, sin embargo, esta última producción está a cargo de Sumerian Records, disquera de metal conocida por tener en sus filas a Asking Alexandria, Black Veil Brides, Circa Survive entre otros.

Buena parte de su cambio tiene que ver con que la artista siempre busca reinventarse y crear conceptos misteriosos que atrapen a sus fans, ya sea a través de la música o de su canal de YouTube donde tiene millones de seguidores. Este año también sacó un álbum, se llamó I C U (Music to read To), el cuál es ambiental, con sonidos de teclados y sintetizadores en 23 minutos de música.

Dread Mar I en el Teatro Metropólitan

Caminando por el camino del reggae.

Cada vereda es un aprendizaje, eso escuché en un murmuro. El caminar fortifica el alma, afina el destino y pacta la eterna felicidad. Andamos aprendiendo a aprender, viviendo intentando vivir, caminar sobre nuestro propio camino hasta que éste se recorra solo; siendo compañero de nuestro fruto. Dread Mar I es la muestra nata.

A principios de noviembre, Mariano Javier Castro anunció sus últimos shows del año presentados en México. Cinco fechas que iniciaron en Querétaro, pasando por Guadalajara hasta llegar a la Ciudad de México; la fecha, 12 de diciembre. El glorioso día llegó.

En la fachada se anunciaba desde tempranas horas: Dread Mar I estaría –el día de ayer, 12 de noviembre– en el monumental Teatro Metropólitan. Es, a mí consideración, el excelente recinto que se puede adaptar al músico argentino. En brevedad: un excelso foro.

El horario del espectáculo se acerca y en los caminos que llevan a éste se comenzaron a saturar: la avenida principal, el acceso, los pasillos, las butacas; tras bambalinas todo se ajustaría para una presentación más de Dread Mar I y su reggae argentino en nuestra ciudad.

El destello de la iluminación cayó como una lluvia de bendiciones, como si le mismísimo Jah nos diera la bienvenida. La banda sonora nos abrazó en su arrancar; el espectáculo (retrasado por 30 minutos) daba inicio. Nueve músicos en escena con una vestimenta homologada comenzaron con una introducción. El brote pudo haber sido espectacular; sin embargo, se vio atropellado por una ineficiencia de audio durante el primer tema.

Mariano llegó al frente de todos, corriendo de esquina a esquina en la tarima; tres mil, dos mil, no lo sé, el humo de avenencia tanteaba al rincón más indefenso. El Teatro Metropólitan vibra, se encendía, respiraba –primero inconforme por el problema de audio, después eufórico por el gran músico–. Era una noche de reggae y de vida, una noche para viajar nuestros propios caminos orquestado por Dread; “No convencerán” fue el gran arranque. “En el seno del amor”, temas de su último material Caminarás caminos, fue parte de lo inicial. Y así, el hilo del deleite rastafari continuó, tocando desde Amor-es hasta lo más estrenado: “Laberintos”, “Mi amor”, “Sálvame”, cerrando ésta con un solo de trompeta, y “Hoja en blanco”; momento en el que Mariano desfunda sus dreads.

Un momento de silencio se instaló; Mar I indicaba su primera salida. Pero no… su reintegro fue energético, bailando de esquina a esquina, inspirando al público, coreando su buena vibra. “¡Muchas gracias gente linda!”, halagaba el artista. Y con ello, su reggae latino daba continuidad: “Decide tú”, “Más allá de tus ojos”, “Arenas en nuestras manos” y “Árbol sin hojas”.

Era una noche prodigiosa, la vibra retumbaba en cada coro, en cada canto. Esto es reggae, aquel que se inhala y se exhala, el mismo que bailas a tu gusto, pues lo resplandeciente es como lo palpitas. Y es así como el escenario se enciende cuando interpreta “Tú sin mí”. Es ahí donde esto se detiene… y después de minutos, los músicos retornaron para interpretar “Nada” y “Así fue”, concluyendo esta última con un bendecido solo de acordes, de cada instrumento, de cada palpitar; algún lagrimeo brotó en el teatro, lo puedo asegurar.

El murmuro que más me retumba se siente así: “Tú has sido un abrigo para mí, aunque te tengo perdido por ahí”. Y es que en realidad, aunque el reggae pierda impulso, hay grandes que lo mantienen vivo, tan vivo como la esperanza, como la resistencia, como la vida misma. Y Dread Mar I es un gran soldado del propio y esperanzador reggae: de nuestro ritmo vivencial.

Gracias, Mariano.