Sexy Pigeon y el bedroom pop de alma viajera 

Las palomas trotamundos.

Robin Cause (Amsterdam) y Darrel Dier (EU) es un dúo de bedroom, dream y rock pop con aleaciones románticas, serenas y alma viajera, que te inyectará un deseo incomprendido por aventurarte entre progresiones apacibles y transiciones espaciales.

Con una basta experiencia en la realización de música libre de derechos de autor para creadores de contenido en Youtube, Sexy Pigeon transita actualmente como una copla inseparable que sonoriza cualquier paisaje. Un equipo que encuentra inspiración en la exploración de sonidos ligeros, agradables y “felices”, de la mano de un apetito trotamundos. 

Desde los 12 años, Cause incursionó en el terreno musical, y a los 16 viajó por los Estados Unidos con solo una pequeña mochila y una guitarra en mano. Así conoció a Darrel, un paracaidista que vivía en una tienda de campaña junto a un hangar en The Parachute Center, al norte de California; finalmente ambos se unieron a un viaje en carretera durante los siguientes meses, se hicieron grandes amigos y comenzaron a grabar un álbum de homemade folk, que posteriormente traicionó a la fusión indie que conforma su discografía. 

Con un ojo creativo y una pasión por el arte, la copla presentó su primera creación titulada “Drunk Love” y una serie de fragmentos musicales que desembocan en más de 100 temas de texturas variables y esencia unificadora. Después de su éxito de 2020, “Avocado Toast”, “Let’s Leave In The Morning”, su primer EP homónimo y Pastel Summer (EP publicado este año), la banda llega con su nuevo tema “Love, It Causes Pain” y un nuevo videoclip producido por Michell Contreras, "una fan de Colombia que estuvo aquí una semana".

Esta nueva canción representa el inicio de su nueva etapa en otro país, pues recientemente se mudaron a Cancún, Quintana Roo en México, con el propósito de “explorar toda América Latina realizando conciertos en cada ciudad que visitemos”, mencionan los músicos; Además de una clara influencia del soul latino, por parte de grupos como Los Ángeles Negros, Los Freddy's y Los Bukis, la nostalgia y el romanticismo. 

“La letra trata sobre un chico al que le sigue gustando una chica después de que es obvio que a ella no le gusta. Es una canción clásica de angustia que trata sobre lo difícil que es enfrentarse a la realidad”, describe Sexy Pigeon

Escucha a Sexy Pigeon y descubre más sobre estos proyectos a través de Indie Rocks! 

 

Trentemøller comparte “All Too Soon”

El espacio limítrofe entre lo celeste y lo terrenal.

Baña tus sentidos con las melodías etéreas y analógicas de Trentemøller en “All Too Soon”, el segundo avance de su próximo álbum de larga duración, “Memoria” (In My Room), disponible el  11 de febrero de 2022.  

Para este lanzamiento, el oriundo de Copenhague acompaña con un videoclip oficial dirigido por Fryd Frydendahl, quién imprime coloridos atardeceres, luces neón, movimiento y misticismo de la mano de un viaje en motocicleta. Todo aunado a un pop abatido por suntuosas reverberaciones, un cóctel de riffs de guitarra y coros elegantes en compañía de Lisbet Fritze

‘All Too Soon’ pone a prueba la relación diametral que hay entre la luz y la oscuridad. La vida y la muerte. El día y la noche. El amor y el odio. En realidad las presenta como dualidades y simbióticas, vamos, que se influyen unas a otras siempre”, describen en un comunicado. 

Previo a este sencillo, el músico danés compartió “In the Gloaming”, mismo adelanto de su sexto disco de estudio; con antesala a “No One Quite Like You” en colaboración con Triky, y “Vespertine”. Escúchalos aquí

Por si fuera poco, Trentemøller regresa a los escenarios con MEMORIA TOUR 2022, más de veinte fechas agendadas para febrero, marzo y abril del siguiente año, al rededor de países como Alemania, Polonia, Países Bajos, Suiza, Francia, UK, Bélgica, España, Noruega, Dinamarca, entre otros. 

Escucha el nuevo track de Trentemøller y descubre más de él a través de Indie Rocks! 

Dave Gahan versiona “The Dark End Of The Street” de James Carr

Este es el segundo sencillo de su próxima producción Imposter, de la cual ya pudimos escuchar un cover "Metal Heart" de Cat Power. 

En la primera semana de este mes te platicamos aquí en Indie Rocks! que Dave Gahan Soulsavers trabajaron en un disco que será un homenaje a canciones de artistas como Cat PowerPJ HarveyBob Dylan. Bueno, el viernes salió el cover de "The Dark End Of The Street" que es original de James Carr quien la sacó en 1967.

 

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Gahan le imprime su color de voz a esta reinterpretación del clásico de Carr. Evidentemente la potencia de la voz de James difícilmente puede ser igualada pero eso es lo que convierte la versión de Gahan en algo distinto, cada uno la interpreta a su manera y con las capacidades vocales que tienen. Tal vez por respeto o admiración, tanto el integrante de Depache Mode como Soulsavers, dejaron la cuestión musical lo más parecida a la original. Desde el inicio con una nota al aire en la guitarra eléctrica hasta los coros de mujeres en segundo plano, todos los elementos de la versión de James Carr están presentes en este cover.

Recuerda que Imposter saldrá el próximo 12 de noviembre bajo la discográfica Columbia Records. En lo que se estrena otro adelanto de este álbum, te dejamos "The Dark End Of The Street":

The Cribs estrena “The Day I Got Lost Again” y “Opaline and Evergreen”

La segunda parte de la serie de sencillos que la banda prepara para este año.

Tras el lanzamiento del primer Sonic Blew Singles Club el mes pasado con los temas "Swinging At Shadows" y "Taken To Tualatin", The Cribs presenta su segundo lanzamiento de esta serie de sencillos que se estarán publicando mes con mes, compartiendo los nuevos temas "The Day I Got Lost Again" y "Opaline and Evergreen".

Con estas dos nuevas entregas la banda conformada por los hermanos Ryan, Gary y Ross Jarman lograron tener un sonido que se acerca a sus primeras producciones, así como una cierta similitud a The Beatles con el tema "The Day I Got Lost Again", cuyo intro de armónica junto con la formula clásica del rock nos remontan a aquellos años del álbum A Hard Day's Night. A continuación te dejamos este segundo lanzamiento de Sonic Blew Singles Club. 

Como se había anunciado con anterioridad, todos aquellos suscriptores de Sonic Blew Singles Club recibirán cuatro vinilos de dos pistas de 7" del mes de septiembre hasta diciembre. Cada uno contará con una canción inédita que formó parte de las sesiones del álbum Night Network.

Para suscribirte y acceder a más información de The Cribs dale click aquí.

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El baterista de Franz Ferdinand anunció su retiro de la banda

La esencia y legado de Paul Thomson seguirá intacta.

Tras 20 años de carrera tocando alrededor del mundo junto a Franz Ferdinand, el baterista Paul Thomson anunció su retiro de este conjunto escocés para enfocarse en proyectos personales dentro y fuera de la música, una decisión que lo tiene emocionado por el provenir.  

La agrupación dio a conocer esta noticia a través de sus redes sociales, donde agradeció el esfuerzo y dedicación de Paul por darnos sus peculiares percusiones. Incluso se enfatizó que las aventuras y experiencias que el músico dejó en la banda seguirán intactas y perdurarán en el tiempo por sus composiciones en conjunto.

No pasas 20 años recorriendo el mundo con alguien sin que se convierta en una familia y eso no va a cambiar pronto. Estamos contentos de haber compartido esas aventuras y experiencias juntos y esperamos escuchar lo que hará a continuación”, destacó la agrupación en Twitter.

Como parte del comunicado, Franz Ferdinand publicó una foto en la que se ve a Thomson entregando las baquetas de su instrumento a Audrey Tait, quien será su reemplazo de ahora en adelante y formará una nueva etapa para el cuarteto escocés.

Thomson participó en toda la discografía de Franz Ferdinand hasta la fecha, desde el debut homónimo de 2004 hasta Always Ascending de 2018.  Su legado y esencia continuará retumbando en los tracks que en su momento innovó a la industria musical.

Travis comparte demos de “Dear Diary” y “Last Train”

Previo al lanzamiento de la reedición de The Invisible Band, la banda británica estrena dos versiones inéditas

Hace algunas semanas la banda originaria de Glasgow Travis, anunció el lanzamiento de una reedición del álbum The Invisible Band por el motivo de su 20 aniversario, la noticia fue acompañada de una versión inédita del exitoso sencillo "Sing" titulada "Swing".

Ahora la banda británica libera los temas "Dear Diary" y "Last Train" en su versión demo, las cuales forman parte de la reedición del álbum The Invisible Man próximo a estrenarse este 3 de diciembre. A continuación te dejamos las versiones inéditas, cuyas sesiones fueron las primeras que se grabaron para el álbum.

La próxima reedición de aniversario de The Invisible Band incluirá una versión remasterizada del álbum original, así como todas las caras B de la época, junto con un nuevo disco adicional de presentaciones en vivo, demos y rarezas. Ya puedes pre ordenarlo aquí.

Travis seguirá con el festejo del vigésimo aniversario del disco interpretándolo en su totalidad, más sus éxitos clásicos en una gira por el Reino Unido en 2022, que incluye un espectáculo en The Roundhouse en Londres.

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Johnny Marr — Fever Dreams Pt. 1

De vuelta a lo esencial: una guitarra y algo bueno que decir. 

Johnny Marr ha forjado una trayectoria artística versátil y muy atractiva para los amantes del indie rock. El guitarrista ya es toda una leyenda de la música británica contemporánea sin apegarse a lo que logró en su juventud. Desde su trabajo con The Smiths, así como con Electronic, The Pretenders o Modest Mouse, Marr ha sabido tomar las decisiones adecuadas con base en el objetivo más importante de su carrera: la música. 

Sus composiciones suelen ser frescas, alegres y conmovedoras, dignas de ser coreadas por multitudes; muestra de ello son sus tres álbumes previos en solitario: The Messenger (2013), Playland (2014) y Call The Comet (2018), los cuales prepararon el escenario ideal para albergar a Fever Dreams Pt. 1- 4, un disco doble que se publicará en su totalidad en febrero de 2022 y el cual, muy probablemente, es el más ambicioso de su carrera en solitario. ¿En qué consiste pues dicho escenario? Sin tantas complicaciones: en un paisaje de pop, rock, electrónica, glamour y ensoñación súbita hacia mágicos espectros de diversión y esperanza.   

Por ahora, solo están disponibles cuatro canciones cuya energía ya avecina un gran álbum. En su conjunto van creando una narrativa interesante sobre el significado de la libertad, el placer de disfrutar el aquí y el ahora, así como las esperanzas puestas en un futuro mejor. Ojalá que el discurso sonoro y en verso se mantenga a flote y no decaiga a la mitad de las 16 canciones que conforman el LP. 

Los dos primeros tracks presentan una marcada influencia de la electrónica retro que remiten a la etapa de Johnny Marr con Bernard Sumner. La más evidente es "Spirit, Power and Soul" en la que si bien predomina, por supuesto, la guitarra, no quedan de lado los constantes ritmos de batería y sintetizadores que ayudan a crear una mezcla entre ciencia ficción, espiritualidad, misterio y fiesta. De hecho, son precisamente los coros de Mereditch Sheldon (ex bajista y colaboradora de Family of the Year, Marina and the Diamonds y The Lemonheads) los que aportan dicha aura mística y espiritual. 

“Cuando la fantasía está en tus ojos / Ahí es cuando me doy cuenta / El amanecer ha llegado / Tu estrella caerá / Una y otra vez escuchamos la llamada”.

Receiver” comienza poderosa, imponente y no baja el ritmo de su predecesora. Su intro resulta enigmático y da paso a versos que te preguntan, sí, a ti que estás leyendo esta reseña: "¿Escuchas y comprendes el mensaje? ¿Responderás a la llamada? ¡Los tiempos están cambiando! El Girl Power ya viene, so ¿do you receive it?”. Encuentro en la canción cierta crítica a la digitalización y la rapidez con la que vivimos: siempre adheridos a nuestros espejos virtuales y actuando en automático. 

Por otra parte, en “All These Days” el ritmo desciende con nostalgia. Un eco sublime abre el track y poco a poco se introduce una suave guitarra acústica acompañada de una pandereta. El bajo es lo más atractivo de la canción, y en la letra se asoma el deseo de abandonar el plano físico y volar o transformarse en infinito. Las frases abstractas y efímeras son capaces de tocar fibras sensibles y traer de vuelta memorias de lo que parece ser un sueño o un viaje por "la vida en la que todo es tormentas perfectas". 

"Mira a través de cada ventana / Camina a través de cualquier puerta / Ahora sin tocar a nadie nunca / ¿Era así que los mundos estaban tan atrapados entre las paredes?...".

La primera parte de Fever Dreams termina con “Ariel”, una pista que nos catapulta de regreso a una base electrónica sin soltar siquiera un poco la nostalgia que produce la guitarra acústica incluida, y la cual da paso un estribillo conmovedor que referencia el famoso poema de Sylvia Plath.  A veces lo esencial y verdaderamente importante consiste en solo una frase o palabra bien dicha. 

Es muy interesante ser compositor, porque a veces puede volverte loco, pero con una canción como 'Ariel’, sentí que quería cantar algo que tuviera que ver con la empatía.

Lo primero que pensé fue en alguien a quien quería hacer sentir mejor, así que pensé en Sylvia Plath y de ahí obtuve el título 'Ariel'. Mis sentimientos sobre Sylvia Plath y su tragedia son similares a mis sentimientos sobre Syd Barrett [de Pink Floyd]. Es una historia de genio torturado. Están entre mi panteón de héroes y personas que me importan. Quiero que mi audiencia piense en ella como una canción sobre la amistad, la empatía y la compasión, evitando cualquier tipo de tropos cursis”, comentó Johnny Marr en entrevista para NME.

Con esta última canción, Johnny Marr provoca una inexplicable sensación de añorar algo que acabas de conocer. Un furtivo déjà vu que tiene lugar en los lares del descanso y los universos oníricos. El músico deja la vara alta para las proximas pistas de su álbum. Mientras aguardamos su llegada el próximo 15 de febrero de 2022, dale reproducción en bucle a Fever Dream Pt. 1 y cuéntanos en redes qué te pareció el EP. 

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Cariño en el Foro Indie Rocks!

Tontipop madrileño + clamor chilango = a una explosión de texturas sónicas en color pastel.

La ciudad de México (CDMX) ha sido el escenario de acontecimientos sónicos que han forjado la historia de incalculables agrupaciones nacionales y extranjeras; en nuestra capital habita una ola de estímulos que permiten que diariamente nazcan propuestas sonoras de todo tipo y tras un año en que el semáforo epidemiológico impedía que los conciertos se realizaran sin restricciones, llegó octubre y nos recordó que la música esta de vuelta.

Los pasados 23 y 24 de octubre fueron las fechas pactadas para que por fin recibiríamos a la agrupación española Cariño con un doble sold out en el Foro Indie Rocks! conseguido gracias a la fiel insistencia de sus escuchas que llevaban más de un año esperando a que esté momento sucediera.

Porque recordemos que inicialmente la gira de Cariño por tierras mexicanas había sido planeada para llevarse a cabo de manera previa al estallido pandémico en nuestro país a finales del 2019 y que se vio impedida por el riguroso cierre de fronteras en Europa y Asia en harás de contener el esparcimiento del coronavirus.

Hoy sabemos que fue imposible lograrlo y que la vida en el mundo entero dio un vuelco enorme donde el espacio tiempo que hoy habitamos tiene heridas muy frescas y la realidad que conocíamos se mira lejana y distante. Por ello, la música ha sido uno de los catalizadores que nos mantuvieron de pie y el arribo de Paola RiveroAlicia Ros y María Talaverano a nuestro país cargadas de ilusión y sobradas de tontipop bajo el brazo concedieron un fin de semana mágico en CDMX.

Es así, que para dar apertura a la noche del sábado 23 se contó con el debut escénico de Te vi en un planetario —una agrupación emergente que proviene de Teotihuacán, Estado de México— que logró conectar de manera potente con el público tras presentar temas como “Te odio” y “Ya no quiero estar aquí”; proyecto que se encuentra bajo el soporte del sello El Brillante.

Te vi en un planetario_ForoIndieRocks_ErnestoPareja (1 of 1)

Es así, que su presentación debió dejar un buen sabor de boca a los componentes de la joven banda que seguro regresó a casa con la motivación a tope y varios escuchas en el bolsillo. De igual forma, llegó el turno de la argentina, Lucia Tacchetti, para continuar con el line up de bandas y solistas invitadas a está especial fecha.

De modo que las texturas electropop y synthpop que habitan dentro del concepto sonoro de ELETÉ (su álbum editado en 2020) hicieron vibrar con los highlights que Lucia decidió entregar como “Laberinto” que en su versión en vivo construyó un espacio donde puedes guiar con mayor claridad a tus emociones y así evites perderte en la densidad de los enredos sentimentales.

Logrando que temas como “Honestidad” y su aura cargada de sensibilidad elevaran a un climax indestructible de melosidad y dulzura. De igual forma destacó su versión de “El Magnetismo” un tema original de Él Mató a Un Policía Motorizado que está incluido en el álbum La Dinastía Scorpio.

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Pero no hay plazo que no se cumpla y la euforia por ver a Cariño en escena era cada vez más intensa. Fue hasta las 11 de la noche que con solo dar unos pasos sobre el escenario del foro el público liberó ese clamor contenido por todos los meses en que este momento fue pospuesto. Siendo “Momento Inadecuado” la primera canción de las españolas en recibir todo el cariño que la fan base mexa puede ofrecer.

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Y así, continuar con la ejecución de los temas de Movidas (2018) su primera referencia discográfica editada con Elefant Records. Como “Mierda Seca” ese grito a las atracciones fatales y toxicas que a todxs nos han hecho daño pero que es un placer culposo al que seguimos recurriendo.

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Asimismo, presentaron su versión de “Llorando en la limo” un tema original del también español C.Tangana del que extrajeron la substancia del fronteo característico del rapero para reconfigurarlo a su propio universo: “Dios bendiga el tontipop, Dios bendiga Family”. Una estrategia que les abrió los oídos de una enorme cantidad de oyentes que llegaron por este tema pero que se quedaron enganchados a la obra completa del tridente más revitalizante del nuevo pop madrileño.

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Con la gente más que extasiada dieron paso a “Bisexual”, su oda a la plenitud de definir, cambiar y elegir tus preferencias a modo y gusto sin que un dogma ajeno intervenga en tus decisiones. Porque hoy pareciera una temática sencilla de abordar, pero en cada hogar se viven micro universos diferentes donde existen personas que aún no pueden externar lo que sienten. Y ahí radica la importancia de que bandas jóvenes compartan con su gente experiencias sonoras que permitan a todas las comunidades identificarse, no reprimirse y expresarse de la manera que gusten.

Dónde el tono inocente y juguetón de esta pieza carga en hombros un mensaje de complicidad tan potente para todos esos corazones aún atrapados (y para quienes ya lo viven abiertamente) y así irradiar una sustancia que en directo se eleva y convierte en uno de los momentos más valiosos del show. Además, al set se añadió la participación inédita de la cantante mexicana de bedroom pop, BRATTY, para presentar "La Bajona" en una intervención que dejo un grandísimo sabor de boca y que abre las posibilidades de que ambos proyectos colaboren en el futuro.

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No obstante, las sorpresas aún no acababan y la presentación de temas clásicos no fue el único motivo de la visita de Paola, María y Alicia; ya que logramos presenciar parte del nuevo catálogo que editaron en confinamiento con el sello independiente Sonido Muchacho. De manera que rolas como “Te Brillan”, “Excusas” pertenecientes al EP X si me dejas en visto además del single “Modo Avión” que fue publicados en 2020 ya lograron ser coreadas en terreno mexa y que dan continuidad a la trayectoria en ascenso de las jóvenes madrileñas.

Es así, que para cerrar esta noche llena de texturas en colores pastel arribó el turno de la extremadamente acaramelada “Canción pop de amor” en honor a ese primer amor inocente y dócil del que todxs hemos sido presa. Logrando que los sonidos electrónicos pegajosos sobre cajas de ritmo y la actitud punky-pop de Cariño se robaran el estridente aplauso y corazón mexicano.

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Bauhaus en Parque Bicentenario

Nueva y oscura normalidad.

Probabilidad de lluvia, posibilidad de volver a un concierto bajo ciertas directrices extrañas: un certificado de vacunación como tu nuevo all access, una prueba de COVID-19 para evitar riesgos, cubrebocas obligatorio (y si no traías podrías incluso comprar uno en el stand de mercancía oficial con el logo de la banda), y sana distancia limitada ante la ansiedad por obtener el mejor lugar. 

El Parque Bicentenario rompe su calma familiar, y mientras padres e hijos terminan su jornada de paseo, comienzan a aparecer sombras con tatuajes, capas y uñas negras. Seguramente la curiosidad y los murmullos ante esta invasión de entes ávidos de oscuridad y de rendirle tributo a su condición. De nuevo la comunidad que viste de luto hasta en los días más alegres tiene un pretexto para encontrarse y celebrar a los próceres de su modo de vida. 

La estructura del escenario cual templo al que añoramos volver, Soriah y su ritual de iniciación sonora, gutural, frenética, tribal y difusa. Automatic y su jovial forma de remitirnos al sonido de Berlin, Visage, o hasta Le Tigre, el espacio abierto que poco a poco se fue llenando, más que de la excentricidad, de la naturalidad de aquellos que viven bajo las sombras, la pasarela de largos peinados mohicanos, gabardinas y capas de la era victoriana, como si Jack el Destripador reviviera su sed de sangre en pleno Azcapotzalco, sombreros y olanes, pintura blanca en el rostro y de negro la envestidura, calaveras y catrinas, una fiesta previa a la noche de las almas. 

“Rosegarden Funeral of Sores”, Bauhaus rompe el silencio que nos aquejaba, la sequía que nos mantenía cautivos, disipa el miedo por esta nueva normalidad, y entre el humo y las luces el bajo seductor y arcano vuelve a marcar los pasos de nuestro corazón, y la voz que nos devuelve cierta esperanza, nos deja ver que nuestro hartazgo al fin rindió frutos: "Virgin mary was tired, so tired, tired of listening to gossip, gossip and complaints”

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“Double Dare” David J de nueva cuenta imponiendo el frenesí con el bajo, Daniel Ash más que manipulando, dañando las 6 cuerdas de su guitarra, Kevin Haskins marcando el ritmo trepidante, y Peter Murphy vociferando, mutando, gritando, retador e indomable, con una luz blanca iluminando su condición inmortal. “In the Flat Field”, donde algunos discretos pasos de baile comienzan a emanar, cuando los tragos se intensifican, “A God in an Alcove”, en el orden como están las sagradas escrituras en aquel vinilo que no dejaba de girar. “In Fear of Fear”, por aquellos que aún no nacían cuando ya sonaba esta canción, “She’s in Parties” para aquellos que tal vez no dominan la discografía completa, pero que saben que el legado de Bauhaus es invaluable. 

La forma primigenia y básica de una banda como demostración de un todo, no se necesitan pantallas para figurar, ni una gran orquesta para crear sinfonías fundamentales, la energía escénica que resiste el paso del tiempo, nuestros viejos ídolos devolviendo nuestra juventud. “Kick in the Eye” y su ánimo funk entre la bruma, “Bela Lugosi’s Dead” como alta causa, porque de nuestros sarcófagos salimos a respirar, cual vampiros sedientos de sangre y cerveza, en la noche medio nublada como lugar feliz, y con estas notas como himno de resurgimiento. Cual espontáneo al ruedo, un sujeto se atreve a intentar tomarse una selfie con Peter Murphy en pleno escenario, este lo aleja, la improvisada seguridad lo tumba, minutos después otra invasión disipada, la necedad por figurar donde a nadie le importas.

3 Bauhaus-Parque Bicentenario-Diego Figueroa-20Pero sigue el eco de esa voz que nos seduce, el delay de los instrumentos que nos droga, el himno de una generación que en la oscuridad encontró su propia luz, y en la música sus influencias: porque están presentes los que conocieron a la banda como tal, y los que en Interpol encontraron la forma de indagar sus influencias, los que encontraron similitudes con She Wants Revenge, los que siguieron la pista de Love and Rockets, los que portan playeras de Nine Inch Nails, los que conocen más a The Cure, los que se vestían también como Caifanes, o los que extrañan a Siouxie and the Banshees

 

“The Passion of Lovers” por aquellos que de la mano continúan por la senda oscura, “Stigmata Martyr” por los que reposan en el suelo de ebriedad e hicieron que los paramédicos acudieran a checar su bienestar, “Dark Entries” como frenética absolución de todos nuestros pecados, y como celebración por haber sobrevivido a una pandemia, el ánimo punk que nos dio fuerza para soportar, la música que en sus diferentes formas siempre nos va a salvar, ese track que más que sofocarnos nos enaltece y llena de vida. 

Un encore plagado de covers incluyendo la infaltable aparición de “Ziggy Stardust”, saldo blanco en una noche negra, nada que ver con aquella última visita en el Cine Opera, los tiempos han cambiado, ahora hubo zona VIP, pago con tarjeta y vaporizadores a la venta, no hubo portazo, pero sí gente que se quedó escuchando desde afuera o en el estacionamiento, el Parque Bicentenario fue por una noche un buen camposanto para reflexionar, para volver a encontrarnos con gente que no veíamos desde hace mucho tiempo, y para reconectar con la música en vivo que tanto necesitábamos. 

A 10 años del 'Audio, Video, Disco' de Justice

Donde el frenetismo sonoro baja.

Dentro de la historia de la música electrónica en Francia han surgido grandes artistas de reconocimiento internacional que crearon un fuerte movimiento en el país y otros lugares del mundo. El french touch o french house, fue el subgénero de la música dance (EDM) del cual surgieron agrupaciones como Daft Punk, Cassius o Justice. Inspirado en los movimientos disco en los años 70 en Europa y Estados Unidos. El surgimiento y la evolución del french touch se puede observar a lo largo de la cinta Eden, que retrata la primera y la última generación que pisó este movimiento.

Sin dejar de lado la escena del house en los años 80 y 90 que permeaba en Nueva York y en partes del continente europeo, logrando que los clubs se convirtieran en recintos mayormente solicitados por la escena. El french house formó sus cimientos a mediados de los años 90 con bandas como Daft Punk, Cassius o Air, quienes traspasaron límites de disqueras y su música comenzó a ser escuchada en todo el mundo, pasando del underground al mainstream. Muchas fueron las generaciones que atravesaron por este subgénero, haciendo una reinvención de la música electrónica en el continente europeo, inclusive en algunas ocasiones sobre pasando el éxito de la cultura rave. French Waves, es otro punto de referencia de la música electrónica en Francia, un documental que expone a distintos Djs que nacieron dentro de este subgénero de música y en los cuales se encuentra Justice.

Dentro de este contexto Gaspard Augé y Xavier de Rosnay forman parte de la última generación del french touch. La música de Justice también es parte de una revolución del legendario género musical.  La primera producción de este par de amigos, Cross, salió en el año 2007 mostrando el alto frenetismo musical que marcaría la agrupación en sus siguientes materiales.

En este año se cumple décimo aniversario de su segundo álbum Audio, Video, Disco el cual fue lanzado en el 2011. Puede que este material musical sea una contraparte de lo creado en Cross, pero eso no demerita el trabajo realizado en esta producción. Si bien, no trae la misma potencia sonora que su antecesor tiene elementos que hacen que Audio, Video, Disco sobresalga acercándose a sonidos del house de los 90, del rock psicodélico de los 60 y 70 y también con breves sonidos futuristas que asemejan al new wave. AVD, se convirtió en una mezcla de sonidos de diferentes décadas en un solo álbum. También hay que mencionar que Audio, Video, Disco está rodeado de más voces que acompañan las canciones a diferencia de Cross, donde los protagonistas son únicamente los sonidos, hecho que marca una brecha entre su álbum debut y su segundo material.

Pero, pese a las duras críticas que este trabajo recibió en su lanzamiento, tal vez porque se esperaba más del dúo de origen francés, trajo consigo éxitos mundiales como "Civilization" que fue su primer sencillo y del cual también se desprende un video, sin olvidar que Justice es un concepto que entrelaza la música con las imágenes lo cual se observa fielmente en sus videosclips y conciertos.

"Horsepower", es la primera canción que compone este material y donde existe una pequeña relación rítmica con Cross, pero, después de esto el trayecto musical comienza a tomar otros movimientos más suaves hasta llegar a Audio, Video, Disco donde de nuevo comienza a subir la aceleración y regresar a sus orígenes"Planisphere", es el cierre del álbum y al mismo tiempo el regreso de Justice a los sonidos que fueron parte de su debut pero, a su vez marca una nueva forma de crear música con un solo de guitarra incluido al final de la canción, donde concluyen los ruidos dispersos a lo largo del  material,  la creación que dura más de 17 minutos hace que recordemos el por qué forman parte de la última generación de la french house.