Sorry — Anywhere But Here

Sorry regresa con una paleta de sonidos diversa y un conjunto de letras agridulces.

Sorry es el proyecto musical de los londinenses Asha Lorenz, Louis O'Bryen, Lincoln Barrett, Campbell Baum y Marco Pini. Su álbum debut se titula 925 (2020), una presentación brillante, este primer álbum es una apuesta por la experimentación con sonidos discordantes y letras que retratan su ciudad de una manera positiva y agradable.

Como continuación de 925, Sorry regresa con su segundo álbum de estudio y presenta Anywhere But Here, disco producido por Adrian Utley (Portishead), que cuenta con un total de 13 canciones que demuestran que la banda no se queda en su zona de confort, pues las melodías tocan diferentes géneros, van desde lo indie hasta la mezcla de melodías noise rock, electrónica, lo-fi, grunge e incluso post punk.

Sorry dibuja en Anywhere But Here un paisaje donde hay callejones, antros subterráneos, luces parpadeantes, la vida ajetreada de la capital. Una colección de historias, de nuevo sobre su ciudad natal, pero ahora desde un punto de vista más oscuro, con un sabor agridulce que eleva a la banda a otro nivel de madurez en sus letras.

Sorry_2022

Iniciar con “Let The Lights On” es un movimiento inteligente, la canción habla sobre dejar el dolor atrás, propone un sentimiento positivo, una canción indie rock que mezcla una guitarra muy noventera y un bajo, una alegría que dura poco, pues al continuar con los demás tracks, los sentimientos esperanzadores y alegres se van disolviendo.

Los tonos minimalistas, que juegan con la experimentación se encuentran en “I Miss the Fool” y “Closer”, historias que destacan por mostrar un desánimo grande en sus personajes y que alertan sobre la importancia de la salud mental.

La voz resonante de O’Bryen en “Tell Me” sólo hace más profunda esa sensación de tristeza a la que no se le ve final, por esa misma línea va “Screaming in The Rain” donde se combina un indie muy suave y nostálgico que te contagia un sentimiento de desesperación y preocupación.

“Key To My City”, “There's So Many People That Want To Be Loved"  y “Step” son estampas con sonidos muy tranquilos, que contrastan con sus letras desgarradoras, donde se muestran imágenes urbanas desoladoras, donde persiste un sentimiento de anhelo en medio del deseo y la pérdida.

Cada canción es un mundo en sí mismo, un viaje donde estás en cualquier sitio, pero también aquí, en un escenario deprimente y abrumador, pero catártico y sanador al mismo tiempo.

 

Daphni — Cherry

Toda una experiencia de baile de inicio a fin.

Daniel Victor Snaith, es un compositor el cual hemos conocido con varios nombres artísticos, pero que en esta ocasión hablaremos de su faceta como Daphni, la cual nació como una necesidad de parte de Daniel, ya que, en sus ratos libres hacia sesiones de DJ, donde el mismo comenzaba a crear su repertorio, y con el cual nos comenzó a regalar compilados de su música.

Recientemente Daphni nos comparte un nuevo LP titulado Cherry a través del sello Jiaolong y hoy en Indie Rocks! te hablaremos sobre él.

Daphni_Cherry

Podemos decir que desde que nos recibe “Arrow”, encontramos el modelo de composición y creación del disco, el cual en un ambiente dance nos va hipnotizando. Esto mismo se siente en “Cherry” y con la canción “Always There”, ya que nos lleva de lo micro a lo macro, e incluso se siente esa vibra de la música electrónica de inicios de los 2000.

Con “Crimson” se nota la utilización de sintetizadores más dinámicos, con el uso de ruido blanco y cierto arpegio que te hace escuchar toda la pista.

“Arp Blocks” se siente como un descanso minimalista, como si se tratara incluso como de un descanso creativo, tanto es así que de pronto podemos escuchar el metrónomo de fondo. A continuación, Daphni nos muestra un jugueteo con un ecualizador, dejándonos escuchar frecuencias graves, de pronto cambiando a agudas o medias, y todo esto lleva por nombre “Falling”.

Con las canciones “Mania”, “Take Two” y “Mona”, nos adentramos de nuevo en un momento dinámico como el del inicio, que si, en momentos nos saca de nuestra zona de confort, pero regresaremos a ella y con un poco más de dulzura en “Clavicle”, la cual podría ser la canción más dulce de todo el material.

“Cloudy” nos lleva entre notas de piano y un sampleo de voz hacia la parte final del disco, brincando a “Karplus”, canción que nos da la sensación de estar viajando entre tubos de plástico o resortes, dándole un cierto toque industrial, convirtiéndose en la canción más agresiva de toda la compilación.

Las últimas dos canciones son “Amber” y “Fly Away”, pero a pesar de que sabes que esto es lo último, la sensación que te dan las canciones no es esa, se siente como si apenas empezara una fiesta, y es que este disco es así, jamás se siente lento, está en constante dinámica con todas las canciones.

Este disco de música electrónica no busca ser pretencioso o algo por él estilo, se siente que su única finalidad es hacer bailar a la gente, y sin duda lo hace a la perfección, aunque también se pueden encontrar algunas cosas que puede que corten este baile o que no todo comprendan la rítmica o el porqué de la pista. También se puede notar ese espíritu de la música electrónica de a principios de los 2000, pero se siente más limpia, se escucha el avance tecnológico, pero con rítmicas de hace unos cuantos años, lo cual siempre se agradece y que se presta a la nostalgia. Así que, si tu extrañabas este tipo de toque en los productores actuales, este disco es para ti, y estamos seguros de que te va a encantar.       

 

Tecate Live Out 2022

Un ritual dedicado al baile y a la liberación, abrigado por el cerro de la silla.

Dos años han pasado desde la última vez que nos reunimos en las inmediaciones del parque fundidora para celebrar un Tecate Live Out. Este es un festival que hace retumbar el corazón de la desértica ciudad norteña, elevando la serotonina a niveles que nos hacen disfrutar cada segundo de la vida, mientras dejamos que nuestro cuerpo sea dominado por un incesante deseo de bailar hasta el final.

Clima cálido, que en momentos nos puso a prueba a muchos que no acostumbramos el extremo clima de la ciudad neolonesa, pero con viento que daba tregua a cada ráfaga que se hacía presente para conocer que artista se encontraba sobre el escenario. Sin duda, una combinación perfecta para disfrutar de un festival hecho para bailar sin descanso.

Más de 57 mil personas llenaron el espacio cercado por tres escenarios que no diferían tanto en tamaño, haciendo cada una de las presentaciones igual de importante que los actos que encabezaron un cartel repleto de talento nacional e internacional. En tamaño, el festival parecía ser pequeño, pero demostró que un buen lay out es suficiente para hacer de un festival pequeño, mejor que cualquiera que se las da de gigante.

Después de un pequeño retraso y un chequeo de sonido con toda la gente lista para bailar, Noah Pino Palo tomó el escenario. Esta presentación fue un claro augurio de lo que nos esperaría el resto del festival, llenando nuestros oídos con una vibra vintage de electro pop dedicada a dominar nuestros pies y corazones. Noah Pino Palo no dejó nada reservado y expuso lo mejor de su repertorio con una vibra más upbeat que a la que nos tiene acostumbrados, interpretando temas como “Anillos”, la siempre bailable “Morena” y “Muero x ti”, canción con la que llegaron los miembros de Clubz para dar cierre a un gran inicio del festival.

Noah Pino Palo_Tecate Live Out -5

A paso veloz nos transportamos a la carpa del Tecate Room, para presenciar la presentación de Pahua. ¿Qué podemos decir de esta presentación? Nada, solamente que Paulina Sotomayor es una genio sobre el escenario. Con muy pocos elementos Paulina logró hacernos bailar y disfrutar, mientras interactuaba con nosotros en cada oportunidad que se le presentaba, siempre para recalcar que el clima de Monterrey no da tregua a alguien que no lo conoce. En lo personal, siento que no hay mejor clima para disfrutar de la propuesta electro latina de Pahua, que nos hizo bailar con la interpretación de sus mas recientes lanzamientos como “Amuleto” y todo un repertorio de sonidos cumbieros.

Después de una pequeña pausa para explorar la basta oferta culinaria del festival, volvimos a correr, ahora hacia el escenario Bacardí, donde Saint Motel le daría el boost de energía que le hacía falta al festival. Increíble sería la palabra con la que podríamos describir el set que nos presentaron los californianos, quienes no desaprovechaban ninguna oportunidad para recordar su primera presentación en la edición inaugural del Live Out, en el lejano año de 2015. A/J Jackson nos entregó una de sus eufóricas presentaciones, bajando del escenario desde las primeras canciones del set y dominando al público con la interpretación de temas como “Cold Cold Man”, “Sweet Talk” en la que todos los presentes se unieron en una sola voz para acompañar a los coros, y “My Type” canción con la que cada uno de los miembros pudo lucirse tomando el frente del escenario.

La siguiente presentación del escenario Bacardí quedaría marcada por multiplicar la energía entregada por Saint Motel, ya que Yungblud tomó el escenario y desde el segundo rompió en un frenesí energético, que dejó a una gran parte del festival anonadada. Corriendo de extremo a extremo, gritando “Te amo” cada que podía, el inglés hizo del escenario su casa y nosotros fuimos los invitados de honor. No hay lugar a dudas de que el interprete inglés es todo un showman con un carisma envidiable.

Regresamos al escenario principal, para presenciar el set que Polo & Pan tenían preparado para nosotros. Para este momento, la pila ya se había vaciado y recargado múltiples veces, pero era casi imposible sentir el cansancio con cada una de las presentaciones, las cuales se encargaban de dominar nuestro cuerpo haciéndonos parte del mismo ritual de baile sin fin. Los franceses se encargaron de hacer lo suyo con un set que presentaba visuales magníficos e interacciones del dúo que demostraron su gran química como proyecto, mientras nos dominaban a todos con la interpretación de sus mejores éxitos como “Canopée”, “Ani Kuni”, “Mexicali” y cerrando su set con “Nanã”.

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A pocos segundos del fin de la presentación de Polo & Pan, el público solo tuvo que voltear para transportarse al escenario Bacardí, en el que Purple Disco Machine tomó a un público extasiado y con ganas de seguir el rito de movimiento perpetuo, para romper lo que quedaba de la pista de baile. De esta manera llegamos a una de las presentaciones principales del festival, Jungle subió al escenario principal para inundarlo de una bruma naranja y todo el sonido que los caracteriza. Este fue uno de los actos que más público reunió y que de ninguna manera decepcionó a los presentes, al contrario, nos dejó a todos con ganas de un set mucho más largo, y claro, con la pila lista para seguir bailando después de escuchar “Keep Moving” y “All Of The Time” como una referencia directa al claro objetivo del festival.

Llegamos al cierre del festival con la presentación de Roosevelt, quien fue el encargado de clausurar la carpa del Tecate Room, con una presentación llena de color y calidad musical extrema. Presentando grandes temas como “Montreal” y “Night Moves” con puentes musicales muchos más largos para dar continuidad al baile del día. Roosevelt, subió al escenario para dejar su marca indeleble en la historia del festival y dejando en claro que ellos están para la clausura de un escenario mucho más grande.

Culminamos el festival con un descanso para los pies, pero con regocijo emocional provocado por la presentación de Lorde. La neozelandesa nos sorprendió con un elemento escenográfico dinámico que aprovechó durante toda su presentación, la cual nos llevó a través de un viaje emocional y nostálgico entre sus sencillos más antiguos, hasta los más recientes. Toda la presentación se caracterizó por la alta emocionalidad de Lorde y sus mensajes de auto aceptación y conciencia ambiental. Sin temor a equivocarme, muchos de los presentes nos transportamos a nuestra época de adolescencia en la que Lorde representaba una voz de apoyo y el hecho de cerrar un magnifico festival con su presentación, nos llenó el corazón a varios.

Tecate Live Out regresó con paso firme y seguro, dejando como manifiesto su gran calidad como evento dentro de la mente de todos los asistentes. Sin duda, un festival que merece estar en el calendario de todos los amantes de los conciertos de nuestro país.

Gepe en el Auditorio BB

Con magia andina y matices de amor a México.

Un energético, folclórico y emotivo recital aconteció la noche del 15 de octubre en el Auditorio BB, uno de los venues más innovadores, no solo en tierra Azteca, sino en toda América Latina, pues cuenta con una de las mejores propuestas arquitectónicas, una excelente isóptica y un diseño acústico relevante; el spot fue idílico para una noche llena de magia con uno de los artistas chilenos más queridos a nivel internacional: Gepe.

Desde las 19:00 H la gente comenzó a arribar al sitio, la mayoría con ticket en mano, quienes aprovecharon la oportunidad para adquirir algún recuerdo del evento, desde playeras y sudaderas hasta coloridas tazas, plumas y pulseras; por otro lado, los más despistados llegaron al recinto con la esperanza de encontrar aún boletos disponibles ante el visible sould out de la noche.

Ya con todo listo y el protocolo de revisión ejecutado, las personas comenzaron la travesía para encontrar el mejor lugar y ver al cantante que, en sus inicios, creó una agrupación llamada Taller Dejao y luego inició su proyecto  Gepe el cual subió de manera orgánica y creció como la espuma gracias a su destacada lírica que transmite alegría y nostalgia a la vez.

En punto de las 20:30 H Daniel Alejandro Riveros Sepúlveda​, conocido como Gepe, hizo su aparición entre gritos y euforia del respetable, era oficial, la energía estaba en punto de ebullición y con esas vibes arrancó el concierto. El tema de banderazo fue un híbrido entre las canciones “Qué sacarán con quererme” y “Prisionero”, para que después vinieran icónicos temas como “Confía” y “Flor de canelo” con la cual de inmediato puso a brincar a los presentes, como efecto secundario, la vibración del piso era agitadora.

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Una velada mágica con Gepe y su gira homónima

El formato que el compositor y multiinstrumentista trajo desde el sur fue acústico e íntimo, mismo que estuvo conformado por guitarra, saxofón, charango/acordeón más la voz y la batería del cantautor, al mismo tiempo que el show estuvo enriquecido por la presencia de artistas invitados especiales. 

El primero de ellos fue Esteban Mateus Williamson, conocido profesionalmente como Esteman, quien interpretaron el más reciente tema que acaban de lanzar juntos titulado “Ansiedá”, pero las sorpresas no terminaron con el arribo del colombiano al stage, sino que la segunda invitada fue la compositora e instrumentista argentina Daniela Spalla.

Por parte del público también hubo sorpresas, entre ellas dos muñecos simi arrojados al cantante, quien al recibirlos expresó “gracias, ahora puedo decir que lo logré”; el respetable además lanzó una diadema con orejas de conejo al cantante y posteriormente un ramo de flores.

Gepe mostró su capacidad de taumaturgia en cada uno de los temas interpretados durante casi dos horas de concierto, en donde hizo un recorrido por exitosas melodías de sus ocho álbumes, con un repertorio extenso con el que logró acercar más a su público mexicano, a través de una velada mucho más íntima sin dejar a un lado el baile y el folclor que le caracteriza; este finalizó con éxitos como “Las 4:40” y “Hablar de ti”, sin embargo, la cereza del pastel aconteció cuando el chileno sacó a relucir temas del LP de covers, entre ellos “Las flores” de Café Tacvba, “Lento” de Julieta Venegas y “Amor, amor de mis amores”, de Devendra Banhart y Natalia Lafourcade, con las cuales Gepe aseguró que expresaba su amor en forma de homenaje a México.

Roger Waters en el Palacio de los Deportes

Un cautivador espectáculo que emociona a diversas generaciones.

La música de Roger Waters es uno de los legados más entrañables para un ser humano, pues su mensaje sigue impactando contundentemente a lo largo de varias generaciones de fanáticos que una noche como anoche fueron congregadas bajo el domo de cobre de la CDMX.

Previo al inicio del show, la gente dentro de la pista se notaba confundida por la ubicación del escenario, ya que unas enormes pantallas en forma de “T” fueron dispuestas al centro de la pista, por lo que desconocíamos cuál sería la ubicación ideal para apreciar el espectáculo. Los 15 minutos previos se avisó a los asistentes que el show estaba por comenzar, encendiendo la energía y la emoción entre nosotros. Una vez dadas las 21:10 H, las luces bajan, las pantallas se encienden y los gritos enloquecidos retumban por doquier, al momento que las pantallas se separan de su base y revelan la ubicación de Roger y el resto de sus músicos que fueron posicionados estratégicamente en toda la superficie del escenario recién emergido.

Al comenzar, un mensaje pedía a los asistentes dos cosas: la primera, apaguen sus celulares; la segunda, si no están de acuerdo con la postura política de Roger, váyanse al carajo ahora mismo. Sin preámbulos, “Comfortably Numb” arrancaba el recital, uniendo las voces de todos los asistentes cantaban con gran sentimiento. Sin pausa alguna, el puente entre “Happiest Days of Our Lives” y “Another Brick in The Wall” consumió entre aplausos y vitoreo al público.

El material visual proyectado en las impresionantes pantallas se tenía de rojo, las diversas víctimas por el abuso de los ejércitos y el abuso policiaco se muestran como principales protagonistas en “The Powers that Be”. El discurso en contra del abuso en la guerra política no cesa, la imagen de Ronald Reagan aparece en pantalla, con una leyenda señalándolo como criminal de guerra, tras la muerte de 30 mil personas en Guatemala, para posteriormente culpar a Obama por aprobar el uso de drones en la milicia, a Trump por continuar aumentar las muertes causadas por drones y finalizando con la imagen de Biden, que recién comienza con su mandato, todo esto mientras “The Bravery of Being Out of Range” sonaba en todo lo alto.

Roger, aún pese a no hablar español, hace un esfuerzo por agradecer a todos aquellos que compraron su boleto desde 2020 y asistieron esta noche, significando mucho para él. Su nueva canción “The Bar”, misma que contiene pensamientos post pandémicos, es escuchada con atención al término de este bello mensaje, dándole paso a un nuevo bloque de canciones de Pink Floyd, siendo “Have a Cigar” la que, tras dar un breve recorrido por su trayectoria musical a lo largo de los años 60 y 70 haciendo un homenaje a sus ex colegas, continuaría con la locura dentro del Palacio de los Deportes.

Durante “Wish you Were Here”, se recordó el origen de Pink Floyd, tras una magnifica noche donde Gene Vincent y The Rolling Stones inspiraron a seguir sus pasos, recordando a su vez a aquellos seres amados que vamos perdiendo en este viaje de la vida. “Shine On You Crazy Diamond” resuena, siendo acompañada de una historia que vivió Roger dentro de su anterior matrimonio, donde la inestabilidad emocional dentro de la cantina del estudio de grabación en Abbey Road causó un gran conflicto. Finalmente, “Sheep” hace su aparición, a la par que un gran globo en forma de oveja dirigido por drones revuela sobre nosotros. 

Roger Waters en el Palacio de los Deportes (2)

Tras hacer ajustes en el posicionamiento de la batería y otros ajustes durante el intermedio de este espectáculo, la figura de un cerdo que sobrevolaba el interior del domo captura la atención de los espectadores, esto como entrada a la reanudación del concierto con “In The Flesh”, misma que desplegó largos banderines que dejaron al descubierto el famoso símbolo de los martillos cruzados, cuyo significado ha sido comúnmente relacionado al fascismo, enfatizando la lírica de este gran tema.

“Run Like Hell” continuaría enalteciendo el espíritu de lucha, donde el público dejó todo al cantar al unísono, mientras se nos mostraba un video filtrado por un exsoldado estadounidense, donde se observa un asesinato por parte del ejército, sin que hubiese ningún castigo de por medio para los asesinos, no así para el soldado que valientemente le hizo saber sobre este crimen al mundo.

Una ola de éxitos de Pink Floyd derretiría nuestro cerebro: “Money”, “Us & Them”, “Any Colour You Like” y “Eclipse” fueron coreados uno tras otro, causando baile, gritos y llanto entre los apasionados fanáticos.

Para concluir, Roger se reúne para brindar con todo su equipo de músicos y coristas, muy a la mexicana al degustar un mezcal espadín, agradeciendo no solo a ellos si no a todo el equipo de ingenieros que hicieron posible la ecualización y disposición de todo el equipo necesario para crear esta increíble experiencia audiovisual. “Two Suns in the Sunset”, un reprise de “The Bar” y “Outside The Wall” fueron las últimas canciones de este increíble concierto.

Pasan los años y Roger sigue brindando espectáculos difíciles de olvidar, superándose en cada uno de ellos. El pasar del enojo al júbilo, del llanto al baile, y de gritos de protesta a gritos de alegría hace que este concierto sea uno de los shows más emocionantes que uno pueda experimentar, aunado al increíble espectáculo audiovisual que acompañó esta magnífica experiencia que se ha colado en una de las mejores que haya vivido.

Hipnosis presentó: TR/ST en el Foro Indie Rocks!

Sintetizadores deliciosos y visuales impactantes en un mar de oscuridad.

Primera fecha de TR/ST, sold out en tan solo unas horas. Segunda fecha, sold out en unos días. Queda claro que, aunque el proyecto de Robert Alfons no es ajeno a la CDMX sigue siendo una grata sorpresa verlo. 

Como abridor tuvimos a Eduardo Amezcua, aka Grenda. El joven originario de Tijuana se encargó de ponernos a oscilar y a bailar un poco con un set de 45 minutos bastante interesante. Su propuesta de electrónica y synths, a veces sonaban como la intro de Stranger Things para luego virar a algo que podría esperarse en Tomorrowland. En general, un muy buen match para TR/ST. 

Al finalizar, el Foro ya está a tope. Un mar de chamarras de piel negra se reacomoda en el espacio mientras el staff cambia de instrumentos y prueban el proyector. A la hora prometida, vemos bajar por la escalera a Robert, los gritos son incontenibles. Comienzan los primeros acordes de “The Shore”, el más reciente sencillo. Los celulares capturan la sombra de Alfons frente a unos visuales impactantes llenos de rojos y negros que complementan un viaje que evoca psicodelia. 

Le sigue “Bulbform”, empezamos fuerte, dirían… Sin embargo, el audio está dejando a deber. El micrófono de Robert no se escucha y él lo está notando. No obstante, sigue brincando y dándolo todo. El show continúa con una fuerza descomunal. Parecería que entramos en trance colectivo cuando suena “Rescue, Mister”, mientras que “Colossal” lo lleva al siguiente nivel. 

La audiencia está comprometida con escuchar con atención cada detalle. Se ve a sectores del público bailar con una cadencia compartida mientras escuchamos cómo los beats industriales y los sintetizadores suenan espectacular. “Four Gut” baja el nivel de emociones para disfrutar calmadamente junto a “Candy Walls”. Nos tomamos un respiro. 

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Sin saberlo nos acercamos al sprint final, que comienza con “Dressed for Space”, los celulares se alzan, el baile real comienza y el canto también. En ocasiones, Robert deja que nuestro canto opaque el suyo. Con “Iris” hasta se enchina la piel con esos synths inconfundibles al inicio. Lo mismo pasa con “Bicep”, “Shoom” y, por supuesto, “Sulk”

En un concierto de una hora exacta, nos quedamos queriendo más. No dudo que varios salieron del Foro y se movieron al Under para continuar la velada dark con TR/ST

A 10 años del debut homónimo de Jake Bugg 

Entre chispazos de energía folk rock se cuela un corazón roto que no pretende pasar el resto de sus días en soledad.

Hay gente que piensa que mirar televisión no deja nada bueno. Honestamente, y -pensando en los programas de hoy en día-, podría ser una realidad tal premisa, sin embargo, hace 10 años la sencilla acción de mirar TV le cambió la vida a un chico de Clifton, Nottingham. Mientras disfrutaba de un día cualquiera mirando el televisor, Jake Bugg descubrió una canción que le voló la cabeza. Entre destellos mágicos y llenos de melancolía, “Vincent (Starry, Starry Night)” de Don McLean, lo invitó a enamorarse de la música y hacer de ella parte de su vida.

Para ese entonces Jake contaba con tan solo 12 años. La inquietud de crear pronto se convirtió en una realidad. Tiempo más tarde su tío le obsequió una guitarra que aprendió a tocar de manera autodidacta para luego crear de manera independiente sus primeras canciones. Con una base sólida de aprendizaje, el músico se embarcó en la compleja tarea de tocar puertas y desbloquear oportunidades. 

Habían pasado cerca de dos años desde este conmovedor inicio cuando Bugg ofreció un “primer concierto” en su colegio, para después establecerse en los diferentes bares y clubes de Nottingham. Se postuló para el Festival GlastonbudgetSpoiler alert: fue rechazado; pero eso no impidió que él continuara su búsqueda de oportunidades; porque claro, la vida nos ha enseñado que siempre hay algo esperando por y para nosotros. Y por supuesto que así fue. Jake pronto recibió esos primeros rayos de luz gracias a un llamado por parte de la BBC Radio 1 que pronto lo llevó a entablar conexión con Mercury Records para finalizar un encantador y novedoso homónimo del que hablaremos ahora.

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“There's a story for every corner of this place”

Influenciado por artistas como Bob Dylan, The Beatles, Oasis, Johnny Clash, por mencionar algunos. Jake Bugg empezó a forjar un estilo sumamente ligado al rock folk, country con toques de blues. Su propuesta era un guiño a los años 60, algo no necesariamente nuevo pero que sí prometía destacar entre lo que resonaba en aquél momento. 

Hoy el cantante comenta “No puedo creer que hayan pasado 10 años desde el primer álbum”, y es que todo ha pasado demasiado deprisa. El álbum impactó de diferentes maneras a los escuchas. Las melodías con sabor agridulce repletas de matices grisáceos llegaron cuando muchos de nosotros apenas estábamos en la adolescencia así que comprender estas líricas honestas que fijaban su atención en pro de la libertad y en el desahogo del mal de amores, nos llenaba de empatía, nos envolvía el corazón, nos hacía querer gritar de emoción y luchar por lo que apenas teníamos. 

***

“Lightning Bolt” da inicio al debut homónimo bajo la constancia de una guitarra acústica que nos emociona por su velocidad y esa simpatía que muestra para con el escucha. El coro se ve revitalizado entre un enérgico juego con la guitarra eléctrica; una canción que habla un poco de los días grises y de la fortuna. Por su parte, y manteniendo un ritmo similar, “Two Fingers” nos permite verle el lado divertido a la idea de escapar o permanecer en algún lugar.

La guitarra vibrante de nuestro intérprete consigue darnos vida y al mismo tiempo, nos la arrebata. Es en “Taste It” donde entre animados riffs se entabla un diálogo para profundizar en el adiós, el futuro y la sensación de estar vivo. Mientras que en “Seen It All” nos muestra todo lo contrario en una onda más depresiva. 

Is love just suffering?

Podríamos decir que el homónimo de Jake Bugg se divide en dos partes que a su vez, consiguen tener el mismo hilo conductor. La idea de exponerse vulnerable ante su propia visión del mundo y a un suceso de desamor, nos muestra una faceta de un personaje derrotado que tranquilamente podemos comprender porque todos hemos pasado por lo mismo; escuchen “Simple As This” y entenderán. 

El ritmo de la guitarra cambia. Las canciones se apegan a la lentitud para expresar con cautela la idea de llamar a alguien cuando estás roto por dentro. La interpretación es tan calma que la voz de Bugg nos genera un nudo en la garganta en temas como “Country Song”, “Broken”, “Ballad Of Mr Jones”, “Slide”,“Someone Told Me” dejándonos llevar por una ola de dolor. ¿El destino es cruel? ¿Hacia dónde se dirige? 

Jake bugg_2012

En la recta final nos regala una dosis de ritmos rápidos para manifestar los problemas y las noches oscuras en soledad en melodías sutiles como “Trouble Town”, “Note To Self”, “Someplace”“Fire”; culminando un extenso material que nos deja con un gran sabor de boca. 

El álbum debut homónimo de Jake Bugg consiguió revolucionar el panorama del 2012. A la edad de 18 años el británico ya tenía mucho que decirle al mundo. Y pronto consiguió ser telonero de actos como Noel Gallagher's High Flying Birds y Stone Roses. Este material le permitió desenvolverse con mayor facilidad en el mundo de la música. Hoy, después de 10 años de su lanzamiento, escuchar el LP consigue arrancarnos sonrisas y destellos de felicidad al saber que fue un debut abrasador; el gran comienzo de un gran artista. 

Para celebrar la primera década, el músico presenta una versión remasterizada del mismo en Abbey Road Studios con un añadido de 18 canciones, gran parte de ellas presentadas por primera vez como “It’s True”, “Mr. Minister”, o “Love Me The Way You Do”. Además, incluye la presentación completa de su concierto en el Royal Albert Hall de 2014. 

Escucha 'Diseñar y Destruir', el nuevo disco de Varsovia

Temas que te invitan a desatar tu lado más rebelde, después de todo de eso de trata la música ¿no?

Varsovia es un proyecto con sede en Lima, Perú que surgió en 2012, integrado por Dante Gonzales y Fernando Pinzás en los sintetizadores y Sheri Corleone en la guitarra y voz, su música te ayudará a explorar tu lado más rebelde. 

La belleza de Varsovia radica en sus sonidos que son una mezcla bien hecha entre los ritmos ochenteros con lo contemporáneo del punk electrónico que vuelve de ellos su sello principal, es sombrío, es oscura, es rebelde, van en contra de las reglas y eso los vuelve aún más atractivos.

Varsovia-2022

Sus canciones tocan temas que giran en torno a problemas sociales como apagones, coches, bomba de grupos terroristas y la incertidumbre de vivir entre dos fuegos en una ciudad sumida en el caos, son la voz de aquellos que no pueden ser escuchados.

La banda adquirió popularidad cuando sus temas fueron utilizados para la serie de HBO, Los Espookys, su música embonó tan bien en esta producción que volverán a formar parte del soundtrack de su segunda temporada.

DiseñaryDestruir-Varsovia

El 14 de octubre, el grupo estrenó un nuevo material discográfico titulado Diseñar y Destruir a través de Buh Récords, contiene un total de ocho temas, los cuales fueron grabados en un periodo comprendido de 2015 a 2017 y finalizadas en 2021.

Escucha a Varsovia y adéntrate en una spooky season interminable.

Conéctate al IG Live de Indie Rocks! con Vera Pedro

El mexicano está de estreno, conoce todos los detalles de su nuevo álbum.

Entre ritmos “vintage” y melancólicos, Vera Pedro, el multiinstrumentalista originario de la Ciudad de México, envuelve a su público con melodías que llegan al alma, desde su debut en 2019. Hoy, tres años después, celebra la llegada de un nuevo álbum titulado Volver A.

 

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Vera Pedro ha colaborado con artistas como Adan Jodorowsky, en su sencillo “Háblame de ti” donde se siente una fuerte influencia del músico de origen mexicano-francés. También ha trabajado de la mano de David Aguilar y Pablo Cantú de Reyno

Conéctate al IG Live de Indie Rocks! en punto de las 15:00 H en una entrevista conducida por María Letona, para conocer más detalles detrás de su nuevo álbum, también sobre su participación en el Festival Marvin y el lanzamiento de su nuevo sencillo junto a Caloncho en “Ven a Mí”.

 

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Alemán presenta “Bombas” con Ximena Sariñana

La nueva colaboración entre Alemán y Ximena Sariñana harán explotar nuestras emociones. 

"Bombas” es el nuevo sencillo del dúo implacable, que estrenaron obra cargada de una potente lírica, sonidos y un beat que cala en lo más profundo del corazón. La canción hace referencia a la línea invisible que existe entre el amor y el desamor causados por una relación complicada. Acompañados de la esperanzadora voz de Ximena, que trata de mostrarnos una vista al futuro, mientras Alemán a través de sus líneas expresa las crudas verdades que no queremos escuchar.  

Aleman_Bombas

El estreno de “Bombas” fue acompañado de un videoclip dirigido por el Ojo del Trap, donde presenciamos la historia de una pareja que viven el límite de su interacción de pareja, donde las acciones y palabras detonan las “Bombas” de su relación. 

La estética visual, donde las luces marcan duros contrastes y nos muestran la vulnerabilidad de los personajes, así como la dualidad de las relaciones, convierte al videoclip en un exquisito momento audiovisual que no querrás parar de reproducir.  

“Bombas” se trata de la primer colaboración entre el Alemán y Ximena, que sin duda nos han dado un hit que estará dentro de nuestra playlist. 

Esto es “Bombas”, escucha: