“Una noche que nunca termina”, lo nuevo de Cancamusa

Escucha lo nuevo de la artista chilena.

Fresca, bailable y súper dedicable, así es el quinto single de la baterista, cantautora y cantante Cancamusa, y es que esta nueva canción verdaderamente es espectacular, ya que nos deja ver una canción que va de un nuevo amor.

“Una noche que nunca termina” formará parte de su más reciente trabajo discográfico que podrás encontrar disponible en todas las plataformas digitales a partir de enero del próximo año.

La escribí el año pasado mientras estaba tocando guitarra”, expresó la cantante en un comunicado de prensa.

Escucha aquí.

El single fue compuesto por la artista el año pasado, el cual fue grabado en Ciudad de México al igual que contó con la producción de Sinclavi y la coproducción de Cancamusa.

Así que ya sabes, si buscas hundirte en una canción romántica llena de sentimientos que te haga suspirar y recordar todas aquellas noches que se hacen interminables entre pensamientos y sentimientos que llegan cuando estas conociendo a alguien y descubriendo cuanto es que puede llegar a gustarte, esta rolita es perfecta para ti.

No olvides agregarla a tu playlist aquí.

 

 

“Volver a Ser”, lo nuevo de Petite Amie

Con una ondita llena de nostalgia por aquello que fue y ya no podrá regresar, Petite Amie nos regala su tercer sencillo de lo que será su segundo LP.

Si bien los elementos de “Volver a Ser” rozan el minimalismo, es una canción empapada de nostalgia, por aquellos sucesos que pasamos, por la infancia, por el primer amor, por los momentos de alegría y es que te hace pensar en que no es más que un recuerdo borroso.

Escucha aquí este sentimental tema.

“Volver a Ser” encarna la idea de que lo que está roto se puede arreglar, pero nunca deja de estar roto. Si el cambio es la única constante, nunca se puede volver a ser, porqué a cuantos de nosotros no nos ha dado uno de esos bajones, en los cuales lo único que tenemos son los recuerdos de los que nos hizo feliz en algún momento.

La banda conformada por Carlos Medina, bajista de Little Jesus, juntó a Aline Terrein (voz), Isabel Dosal (voz), Santiago Fernández (bajo) y Jacobo Velazquez (guitarra) y que tuvo sus inicios en aquel 2020 que marco la vida de todos, este grupo de talentosos amigos se reunían para darle forma a este nuevo proyecto musical en el estudio Chimychanga en la Ciudad de México.

Cabe resaltar que, desde su primer lanzamiento en octubre de 2021, la banda recibió muy buenas críticas por parte de medios nacionales e internacionales como NPR, KCRW y KEXP.

No cabe duda que va para grandes proyectos ya que es en vivo donde más brillan estas composiciones, quienes los ha llevado a escenarios como Bahidorá, ser teloneros de Hello Seahorse! y planear una extensa gira por EUA en 2022.

No olvides escuchar y descargar en tu plataforma favorita “Volver a Ser” aquí 

 

 

 

 

 

 

A 50 años de 'Transformer' de Lou Reed

"Holly came from Miami, F.L.A."

En 1972 David Bowie se volvió Ziggy, El Padrino llegó a los cines, Chuck Berry se le unió a John Lennon y a una desafinada Yoko Ono en una presentación en vivo en televisión, unos terroristas asesinaron a un grupo de atletas en los Juegos Olímpicos de Munich, un avión se estrelló en los Andes y los sobrevivientes se vieron obligados a recurrir al canibalismo para sobrevivir y Lou Reed lanzó Transformer, uno de los álbumes más influyentes del rock y su trampolín para pasar de la oscuridad del underground a la luz de los músicos de culto.

Hitch-hiked her way across the U.S.A.".

Hay bandas y/o artistas que saltan inmediatamente a la fama, otros que desaparecen de la faz de la tierra y los que tienen una segunda oportunidad como le pasó a Lou Reed. Su trabajo es plantar la semilla que inspirará a una legión de músicos, a pesar de no alcanzar inmediatamente la fama y reconocimiento. Estos artistas permanecen ocultos, su trabajo pasa de mano en mano, de oído a oído entre sus fans. Un día este artista resucita cuando su nombre sale de la boca de muchos músicos al ser nombrado como una inspiración.

Plucked her eyebrows on the way".

Después de su salida de The Velvet Underground, Reed pasó varios años intentando llegar a la cima. Su primer álbum no hizo mucho ruido, parecía que llegaba el fin, hasta que David Bowie le tendió una mano. Bowie era ese fan que estuvo desde el comienzo y aprovechó la oportunidad para producir el segundo álbum de Reed cuando RCA, la disquera para la que trabajaban, se lo propuso. "Estaba petrificado de que él dijera, ‘Sí’, que le gustaría trabajar conmigo como productor. Tenía tantas ideas y me sentía tan intimidado por mi conocimiento del trabajo que él ya había hecho… Lou tenía este gran legado de trabajo”, llegó a comentar para Classic Albums. Le hizo segunda su amigo, Mick Ronson. Entre los dos ayudaron en la parte musical.

Shaved her legs and then he was a she".

Una de las fortalezas que siempre tuvo Reed, fue esa gran capacidad lírica de contar historias de una manera entretenida, cruda, real de las calles de Nueva York, de su propia vida o de las historias de otros.

Cada canción que he escrito en mi vida he tratado de escribir emocionalmente. Todas las canciones están diseñadas para tratar de causar una emoción y siempre tratan sobre el conflicto”, declaró para Classic Albums

She says, "Hey babe, take a walk on the wild side"

"Perfect Day", "Vicious", "Walk on the Wild Side", "Satellite of Love" y "Wagon Wheel" son las canciones insignia de Transformer. Drogas, personas transgénero, sexo, prostitución, situaciones cotidianas, son los temas que desarrolla Lou a lo largo de los 11 temas que tiene este disco. Temas controversiales (en su época) que lo consolidaron como un músico fuera de lo común.

Said, "Hey honey, take a walk on the wild side".

La historia pone todo en su lugar y ya lo hizo con Lou Reed y Transformer, el álbum que posiblemente salvó su carrera y lo convirtió en una leyenda de culto. Lo pueden encontrar en las listas de los mejores álbumes del rock en medios como Rolling Stone, NME, The Guardian y muchos más. A 50 años de su lanzamiento, vale la pena volverlo a escuchar o conocerlo por primera vez.

Lee Fields — Sentimental Fool

Persiguiendo el sueño clásico.

Las voces llenas de emoción, texturas instrumentales que llegan a lo más profundo de nuestro corazón, aquellas que transmiten pasión, tesituras sonoras capaces de hacer vibrar nuestras entrañas, aquellas que no se rigen por modas ni temporalidades, que pueden erizar una piel ayer hoy mañana y siempre. Estos elementos de los géneros “negros” como el soul y gospel son de los que Lee Fields echa mano con una naturalidad y maestría que nos transportan al mismísimo hecatombe de los 60 pero en pleno siglo XXI, un viaje que se torna íntimo y familiar, ya que conserva la esencia de esos tiempos: cantarle al amor con el corazón en las manos.

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Sentimental Fool siguiendo la tradición del género, habla sobre el amor, el trabajo, la vida cotidiana de una forma clásica que no intenta acoplarse a ninguna restricción temporal o estilística sino que es fiel a lo que le marca el beat del corazón. El tema que abre el álbum "Forever", es una declaración de amor romántica de aquellas en las que se canta a la permanencia con nostalgia, al deseo de abrazar por siempre la presencia del ser amado, donde separarse no es una opción.

El tema que da el nombre al disco Sentimental Fool, contiene los elementos esenciales del genero: coros melódicos que respaldan la voz de Lee Fields, una letra que toca el corazón y abraza al amor, ese sentimiento en donde la razón no manda ni tampoco la lógica común, deja claro que por mas tonto y lugar común que pueda parecer: para el corazón no hay reglas.

"Two jobs" es un canto exasperado hacia la responsabilidad y lo que significa amar, que es un trabajo en sí mismo y nos dice “tengo dos trabajos pero solo me pagan por uno” que reafirma esto con "Just Give Me Your Time" en el que le canta al ser amado con pasión diciendo que no necesita nada en absoluto más que tiempo , que es lo más valioso que puedes darle a otro, la presencia y el momento de estar aquí y ahora juntos.

Estamos ante una obra que apela a lo clásico, que no intenta dar lecciones novedosas  ni ser lo que no es. Se agradece que a estas alturas de la vida alguien como Lee Fields sea fiel a sus orígenes y nos siga deleitando con este estilo que está sustentado firmemente en una tradición que por generaciones se ha mantenido en activo a pesar de los años que han pasado. No todo es novedad, no todo es una competencia por lo distinto, Lee Fields le canta a la nostalgia y hace justo honor a quienes honor merecen, aquellos que aún le cantan al corazón sin importar nada más que el gusto por hacerlo.

The Cardigans en el Pepsi Center WTC

Lo mejor del catalogo de los suecos al servicio de sus fans.

No es sorpresa para nadie la fascinación que el publico mexicano tiene por Nina Persson y compañía, quienes han elegido nuestro país para continuar con esta serie de conciertos esporádicos que han ofrecido durante los últimos años. Al parecer no ha (ni habrá) nuevo material, pero la realidad es que simplemente no lo necesitan, por el contrario, hoy más que nunca las canciones de The Cardigans pueden resonar tanto con los primeros, como con los nuevos admiradores

La banda cerró su gira de conciertos por México con un show en el Pepsi Center WTC. En punto de las 20:00 H la banda arrancó con dos joyas del infravalorado Gran Turismo (Stockholm Records, 1998) iniciando con la siniestra "Paralyzed" que ahora suena mucho más gracias a la voz profunda de su vocalista y con "Erase / Rewind" que no deja de sonar divertida y melancólica a partes iguales. Aquí no hubo parafernalia por el contrario, un par de luces y el sonido como punto de foco del show, que entregó tracks uno tras otro en casi dos horas de set.

La banda agradeció las muestras de cariño del público mexicano quienes lanzaron el ya famoso Dr. Simi al escenario, a lo que la banda comentó que era el segundo durante su gira y bromearon acerca del estado de salud de la banda “¿De verdad creen que necesitamos medicinas?”. Luego de esta breve pausa la banda se concentró en temas de su disco Long Gone Before Daylight del 2003 del que se desprende el clásico "For What It's Worth", que por momentos en voz de Nina sonaba a punto del desgarro.

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A mitad del set llegó el clásico “Lovefool” que para cualquiera que desconozca del repertorio de la banda, pensaría que sería el tema perfecto para cerrar un show, pero justo esta concesión que se dan los suecos es una prueba de que tienen más clásicos de los que la gente piensa. “Don't Blame Your Daughter (Diamond)” y “Holy Love” continuaron con la melancolía de la noche para rematar con un cover del tema  "Bésame Mucho", con la vocalista enfundada en la bandera mexicana que volvió loco a todo el recinto, que escucho a la compositora en un español más que perfecto. El set terminó con otro tema de Super Extra Gravity (Stockholm Records, 2005) “I Need Some Fine Wine And You, You Need To Be Nicer” mientras que la banda agradeció el cariño del público mexicano.

Por supuesto que esto no era el final de la velada, la banda regresó para cumplir la promesa que un día antes no habían podido concretar en el Festival Tecate Bajío. "Rise and Shine" de su debut Emmerdale, que no había sido tocada por los suecos en más de una década, y el favorito de los fans "Carnival" formaron parte del encore inundando de gritos y aplausos el recinto . La noche terminó con la pista de baile a mil, "My Favourite Game" cerró el show con unos asistentes pidiendo mas música y una banda agradecida por el recibimiento.

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Muchos podrían pensar que no hay relación entre países tan distintos y lejanos como Suecia y México. La realidad es que The Cardigans recrean como nadie ese punto medio entre alegría y tristeza, justo como gran parte del cancionero mexicano. Seguimos esperando un nuevo disco, pero si este no llega, no importa, su catálogo sigue sonando fresco, un privilegió que pocas agrupaciones de su época se pueden dar.

Entrevista con Mabe Fratti

Desnudar los límites del sistema límbico. 

Espejos de cortinas, intersticios no formulados mas plagados de existencia, crisálidas emocionales y autoconocimiento fotográfico: Mabe Fratti desborda todo tipo de paralelismos y presagios sonoros. Su ejercicio artístico prevalece como una de las propuestas experimentales más ricas y palpitantes de la actualidad, siendo Se Ve Desde Aquí su más reciente obra maestra. Vertebrado por nueve canciones, el álbum explora la idea del cambio desde distintas perspectivas a través de letras enigmáticas que parecieran decirlo todo. 

Fue un disco bien difícil de hacer porque yo estaba demasiado pendiente de cambiar y demasiado pendiente de que sonara especial y ser fiel a mis reglas”, explica Mabe. “Uní lo que yo estaba sintiendo en mis letras y lo volví algo un poco más general, y también en el proceso rompí mis propias reglas, yo dije: ‘bueno, estoy cambiando pero no quiero ser tan purista’. A nivel general, está chido pensar en la reconfiguración de una (misma) desde diferentes lugares (...), cómo es que se siente el cambio. No era como yo esperaba. Por eso se llama Se Ve Desde Aquí, porque es un poco como una referencia a esta idea de la persona que está ahí, que tú quieres ser y que está lejos”. 

La soltura y honestidad de Mabe se notan a leguas. Mientras la conversación avanza, la personalidad y apertura de la cantante, compositora y chelista guatemalteca construye una atmósfera de familiaridad y calidez que se conjuga a la perfección con su libre espíritu creativo. Mabe busca en sus adentros constantemente, siempre con un objetivo de reinvención e intercambio de musicalidades que se han intersectado múltiples veces a lo largo de su discografía.

Siempre me ha gustado colaborar porque conozco mis límites pero a veces me cuesta reconocerlos. Pero es parte de ello y reconozco que las personas tienen un proceso y una interpretación muy diferente de lo que se puede hacer con el sonido, y es muy chido cuando delegas a alguien y tienes la confianza, y dices como: ‘yo sé que tú vas a hacer algo que yo no sé qué va a ser, pero sé que va a ser algo chido’. Por suerte he conocido a mucha gente con la que siento esa afinidad y esa conexión”. 

Se Ve Desde Aquí ha representado, entre otras cosas, una oportunidad para seguir redescubriendo su potencial creativo y experimentar con nuevos elementos que han transformado, irremediablemente, la sonoridad del proyecto de la guatemalteca. Sin embargo, ella considera que el proceso de llegar hasta su sonido actual fue lento e implicó, por sobretodo, mucha transparencia por parte de ella. 

Muy poquito a poquito fui buscando cosas con las que yo estaba rompiendo mis límites. Yo estaba como: ‘estoy rompiendo mis límites pero entiendo el porqué y hace sentido para mí el porqué’. Ha sido un proceso lento, natural diría yo, entendiendo cuáles son las cosas que yo no puedo hacer y cuáles cosas suenan para mí como que me estoy traicionando o no estoy siendo auténtica. Es un proceso de mucho autoconocimiento y de intentar siempre mantenerme fiel a la música que yo quiero hacer, pero que puedo hacer y que viene de un lugar que siento que tiene sentido”. 

Y así como su proceso involucró toda una travesía interior, la creación de cada álbum resulta una magnificación de dicho camino. A veces los andares creativos resultan azarosos y en otras, en cambio, parecieran ya estar preestablecidos. Para Mabe, partir desde lo más elemental le permite navegar hacia otras preguntas que le dan una mayor claridad sobre lo que quiere lograr con su sonido. 

Cuando yo empiezo un disco, empiezo desde un lugar de hacerme preguntas desde las cosas más simples”, expresó. “(Se Ve Desde Aquí) Me dio una claridad de no tenerle miedo a mi voz o al sonido frontal. Me enseñó a tenerle menos miedo a quitar capas, de hecho creo que para el siguiente disco quiero quitar muchas capas, quiero hacer casi como un disco de folk, con pura guitarra y voz, y las melodías más atrevidas (...) Me enseñó a aceptarme cada vez más porque cada vez estoy más al desnudo, más claramente ahí, y también te ves más claramente y te aceptas porque esto es lo que eres”, añadió.

No cualquiera se atreve a desnudar las fronteras del sistema límbico, mucho menos traspasar sus confines. Mabe Fratti no sólo los ha sabido desnudar: los ha moldeado y transformado de manera tal, que es inevitable no verlos y pensar en que algo grandioso está por suceder.

Natalia Lafourcade — De Todas Las Flores

Amor a la vida y la transformación de las mil muertes.

Conforme pasan los años, el trabajo de Natalia Lafourcade se ha consolidado como un indiscutible referente para la música mexicana. Cada una de sus etapas artísticas ofrece al público un espectro sonoro proveniente del más puro e intenso enamoramiento. 

No importa si hablamos del travieso álbum homónimo del año 2000 con aquellos inquietos y rebeldes versos de “Mango”, por ejemplo, o bien si recordamos la dulce ternura de Hu Hu Hu (2009). Natalia Lafourcade le escribe al amor, le da mil vueltas, lo arropa y después lo comparte con otros para que se regocijen con ella en todo su esplendor. 

En Mujer Divina (2014), un homenaje a Agustín Lara, la cantautora exploró nuevas posibilidades y no dio vuelta atrás: se enamoró perdidamente del amor y de lo cursi que puede ser en ocasiones. Después, en Hasta La Raíz (2015) experimentó con diversas sonoridades y marcó un punto y aparte en su carrera. A algunos les agradó, a otros no. No importó. La búsqueda de su identidad artística apenas había comenzado.

El éxito de Hasta La Raíz fue rotundo. Su música dejó de ser parte de un pequeño sector independiente para convertirse en una compositora del y para el pueblo. Los Ángeles Azules versionaron el tema homónimo e incluso hoy en día, a casi diez años de su estreno, continúa levantando el ánimo en las fiestas y ferias populares.

Sus siguientes colaboraciones con Los Macorinos en Musas (2017) le permitieron soñar con otros universos al son jarocho y de la mano de maestros expertos en la música latinoamericana. Mientras tanto, el volumen uno y dos de Un Canto Por México  (2020 - 2021) demostró su capacidad de transformación y amor a su país a través del mariachi y la ranchera.   

Una nueva etapa de la canción de amor nace con Natalia. Y tras una larga espera de siete años desde aquel impacto que fue Hasta La Raíz, Lafourcade regresa con un trabajo elegante, misterioso y escalofriante. De Todas Las Flores (Sony Music) aborda al amor con una perspectiva completamente existencial y con la Madre Naturaleza de compañera. 

Si en Hasta La Raíz escuchamos historias románticas e inocentes guiadas por el asombro y la curiosidad adolescente, en De Todas Las Flores encontramos un canto al amor propio y a la madurez de darse cuenta de que para amar a otros, es fundamental reconocerse a uno mismo y saberse completo. 

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Acto 1: Muerte.

La compositora abre el repertorio con “Vine Solita”, cuya introducción protagonizada por violines lúgubres remite a alguna especie de réquiem para el personaje principal de la historia. El comienzo del disco es el final de una vida para dar paso al renacer. 

Después de la tormenta llega la aceptación de la pérdida. “Si lloro violento, soy río hasta el amanecer”, se desahoga Natalia con dolor para contar las razones de su pena en “De todas las flores”, una canción que resguarda en sus versos los recuerdos de una relación añorada que tiene como escenario las calles de Madrid.   

Los delicados acordes de una guitarra acústica abre “Pasan los Días”, un lamento que representa las largas esperas y lo angustioso que es el tiempo tras una ruptura. Porque cuando uno tiene el corazón roto, el transcurso de los días, las horas y los minutos se vuelven eternos. 

Por su parte, la Naturaleza protagoniza “Llévame viento”. La habilidad de Lafourcade para combinar el tono de su voz con la fonética de las palabras que elige y la instrumentación del paisaje sonoro es hermosa. La artista se mimetiza con su contexto, con sus músicos. Ella realmente se transforma en viento y se deja llevar.  

El lugar correcto” es aquel en donde las amistades te cobijan y reconfortan. Es agradable leer la canción como una bella reconciliación con la vida y todo lo que tiene para ofrecer. Además, Adan Jodorowsky, un buen amigo de la compositora y también productor del álbum, participa en la interpretación vocal con versos en francés. 

El aire de libertad que propone “Pajarito Colibrí” es una vía para sanar y echar el vuelo a nuevos horizontes. ¡Qué frágiles y poderosos somos al mismo tiempo!, nos recuerda Natalia con paciencia y ternura. 

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Acto 2: Vida.

Después del dolor, la protagonista de De Todas Las Flores ya emprendió su vuelo y se ha encontrado con “María La Curandera”, quien le ofrece diversos remedios para las crisis de los desamores. La canción está basada en un poema de María Sabina, la famosa curandera mazateca del estado de Oaxaca. Desde el eucalipto hasta los rayos de luna, la Naturaleza es la cura siempre. La guitarra eléctrica hace de las suyas brindando a la narrativa del disco un momento de baile y regocijo, casi un experiencia psicodélica. 

En “Caminar bonito”, hay un agradecimiento por cada día de vida  y una mirada optimista para expresar la alegría por aquel espacio llamado "hogar", que bien se puede encontrar en la familia, las amistades o la pareja. "Mi manera de querer" es guiada por el amor libre; el recordatorio más bello de que todos somos seres de luz. 

Muerte” vislumbra una atractiva etapa de interpretación poética de Lafourcade. La canción es un homenaje a la vida y en aproximadamente seis minutos coexiste el folclor, la cumbia y el jazz. Mientras tanto, la playa queda contenida en “Canta la arena”. Aunque al inicio del álbum el agua se presenta como un elemento turbulento y violento en forma de llanto, ahora es presentada como un recurso de renovación, limpieza y nuevos comienzos.

La vida inicia ahí en donde hay mar. 

Que te vaya bonito Nicolás” es la despedida definitiva. La muestra de amor más grande es soltar, dejar ir y desear lo mejor siempre para aquellos a quien un día amamos con esmero y sinceridad. Todo al igual que la vida, un día termina. 

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De Todas Las Flores es un álbum conceptual que cuenta con todo un arco narrativo, una estructura del tipo "viaje del héroe", personajes bien construidos y un estilo cautivador que roza con lo cinematográfico, teatral y dancístico. Natalia Lafourcade es una narradora innata y junto con Adanowsky y todo su equipo de músicos (entre ellos Emiliano Dorantes y Rodolfo David Aguilar Dorantes) han logrado crear un disco memorable que podría ya ser considero un clásico de la música tradicional mexicana. 

Cuéntanos, ¿cuál es tu canción favorita?

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Hipnosis 2022

Estallido onírico bajo un clima perfecto.

Psicodelia es la adaptación al español del inglés psychedelia, un neologismo que de acuerdo al británico Humphry Osmond significa "que manifiesta el alma" y fue precisamente esta la emoción generó la quinta edición del festival Hipnosis, el cual este 2022 regresó para descollar y corroborar los motivos por los cuales es considerado el evento de mayor sinestesia en México y uno de los más revolucionarios en la la palestra musical alternativa.

El punto de encuentro para la fiesta sonora llena de euforia y frenesí fue el Parque Bicentenario en la CDMX, un espacio con destacada conexión orgánica y equilibrio con la naturaleza, donde la magia auditiva se manifestó el pasado 5 de noviembre durante más de 15 horas seguidas de recitales simultáneos entre dos escenarios colindantes.

Algunos asistentes arribaron al spot con atuendos que evocaron al mítico festival Woodstock en 1969, looks que complementaron maquillajes exóticos en el contorno de los ojos, mientras que otros presentes preferían utilizar atuendos monocromáticos más minimalistas. 

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El Sol estaba en su punto más cerca del cénit es decir al mediodía momento en el que se aperturó la quinta ola Hipnosis a cargo de la banda de space rock mexicano El Universo, que exhortó a los paganos melómanos a abrir sus sentidos para dejarse llevar sin prejuicios y con libertad al ritmo de su más reciente sencillo "Neu!". Luego de un viaje con matices de krautrock durante el arranque del festival, los fronterizos de Parque de Cometas fueron los siguientes en la colorida fila del lineup.

Hipnosis 5ta edición: libertad, colores y gran júbilo

Además de disfrutar e interactuar con los ecosistemas y recursos naturales que ofreció el Parque Bicentenario en un clima perfecto en donde no hubo lluvia, los amantes del fuzz, rock alternativo, garage y demás sonidos lisérgicos pudieron gozar los dos escenarios que estuvieron diseñados con una excelente isóptica que brindó el mayor trip sensorial, además de que hubo amplia diversidad de foodtrucks y souvenirs oficiales del evento.

La imparable energía crecía cada vez más a la par que los recitales transcurrían, entre los más bailados y coreados estuvieron Chicano Batman, los garageros de Osees y por supuesto una de las agrupaciones favoritas del festival The Black Angels, que hizo explotar de energía con la presentación de su nuevo disco Wilderness of Mirrors; no pudieron faltar los californianos de Moon Duo y vaya que se hicieron notar con su espectáculo psicodélico The Lightship.

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La estrella de mayor radiación electromagnética —el Sol— seguía su curso hacia el Oeste y llegó el momento en que una de las agrupaciones más esperadas dentro del circuito psicodélico extraoccidental arribó al escenario, hablamos de Kikagaku Moyo, quinteto que luego de 2022 se retira indefinidamente de la escena musical.

Posteriormente los presentes estallaron en éxtasis con el regreso a México de la banda Primus, que presentó un homenaje al emblemático álbum A Farewell to Kings de 1977 a cargo de la banda Rush, mismo que fue evocado en su totalidad con todo y las icónicas piezas “Cygnus X-1 Book 1: The Voyage” y el track homónimo.

Tras la magia electrizante que se vivió con el bajista y vocalista Les Claypool, el momento cumbre de la noche llegó: el regreso a los escenarios de The Mars Volta, que luego de 10 años está de regreso sobre los escenarios, lo que sin duda puede ser descrito un momento histórico, pues no por nada la agrupación formada en El Paso, Texas fue descrita como "La mejor banda prog-rock" del 2008 por la revista Rolling Stone.

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A pesar de que hubo un momento en que el sonido presentó inconvenientes, lo cierto es que el guitarrista Omar Rodríguez-López y el vocalista Cedric Bixler-Zavala se entregaron en cuerpo y alma a su público durante su reencuentro, energía con la que cautivaron a través de la presentación de tres sencillos: “Blacklight Shine”, “Graveyard Love” y “Vigil”, magia que fue retribuida con minutos enteros de aplausos por parte de los asistentes al Hipnosis 2022, quienes con eufóricos gritos agradecieron una edición más de este magno festival.

 

 

HIPNOSIS presentó: The Black Angels+ JJUUJJUU + Supersilverhaze en Foro Indie Rocks!

Una noche distorsionada que nos transportó a otra galaxia.

Como calentamiento previo a su presentación en Hipnosis 2022, The Black Angels arribó al Foro Indie Rocks! para dar un show por primera ocasión fuera de un festival en CDMX, sumado a la primera aparición de JJUUJJUU en nuestra ciudad y teniendo como acto telonero a Supersilverhaze.

Los oriundos de la ciudad de México detonaron con su psicodelia setentera el inmueble, trayendo a escena lo mejor de su EP Mugre, Pelos, Sangre, Muerte, además, los visuales de coloridos llenos de lisergia acompañaron de grata manera el arranque de esta noche.

Por su parte, JJUUJJUU sorprendió a propios y extraños, pues la mayoría de la audiencia se notaba atónita ante su rock con altas dosis de psicodelia, sumados a una producción destellante, con intermitencias en la iluminación y un paisaje distorsionado de fondo, acelerando nuestro viaje espacial. Su último lanzamiento “Crappy New Year” inauguró el set, así como “Daisy Chain”, otro estreno de este año. El pasaje hipnótico de su set destacó con “Camo” y un cierre brutal con “Gemini”, donde nuestros cuellos fueron puestos a prueba por la intensidad del headbanging.

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The Black Angels comenzó a desgarrar gargantas con los gritos que el público lanzó en su aparición. Todos tomaron posiciones y arrancaron su concierto con “Young Men Dead”. El público se movía al compás de la música cautivado por escuchar por primera ocasión “El Jardín” en nuestra ciudad. 

El corazón palpitaba al ritmo del bombo que Stephanie hacia retumbar en “Entrance Song”, seguida de “History of the Future”. El público, algo contenido en cuanto energía, tiene un primer esbozo de la locura que se esperaría que tuviera, pues “Don’t Play With Guns”.

Los visuales fractalizaban nuestra mente, “The River” suavizaba el entorno, hasta que el impacto de un sniper desconecta nuestra conciencia y nos convierte en soldados caídos.

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La voz de Alex conecta con nuestro ser al cantar de “Bad Vibrations”, otro de los clímax de la noche, pues la chillante guitarra de Christian irradia energía que pone a todos a bailar. El final se veía cerca, “Vermillion Eyes” mantiene el fuego sobre la pista para dar paso a “Bloodhounds On My Trail” y darnos a todos una breve pausa. 

Luego de unos minutos, los californianos retornan a escena, arrojando sobre nosotros el estreno de “Without a Trace” en tierras mexicanas. La penumbra invade el Foro y los suaves acordes iniciales de “Manipulation”, el gesto atemorizante de Christian nos mete en trance y el fondo distorsionado multicolor derrite nuestros pensamientos más oscuros. 

Los aplausos y los gritos les piden aún más, y pese a que pensamos que se guardarían lo mejor del nuevo disco para el Festival, “Empires Falling” clausura esta experiencia espacial e introspectiva.

HIPNOSIS presentó: Tempers + Vinyl Williams + Diles Que No Me Maten en Foro Indie Rocks!

Noche visual, noche psicodélica, noche Hipnosis.

Cuando la luz, la imagen, el sonido (que podría mejorar enormemente por parte del recinto) y el público se juntan, coinciden en sus intenciones, se compaginan en su densidad, se entienden y fluyen a un fin común todo se pone en su lugar para hacer de una noche algo inolvidable y se vuelve algo que resulta orgánico y natural. Esto fue lo que pasó en esta primera noche que el festival Hipnosis nos trae con las propuestas neo-psicodélicas de avanzada a nivel nacional y global. 

La velada arrancó con Diles Que No Me Maten, una banda que está haciendo un trabajo que se desmarca de lo que estamos viendo en la escena musical mexicana actual. Un acto en el que impera la poesía, la improvisación, las largas instrumentaciones en las que se monta el desenfreno del frontman Jonás Derbez con su salvaje saxofón y su delirante poesía, que son la amalgama ideal que conforma al show como un todo como una propuesta que nos transporta a un lugar en el que todo es posible, sumados los increíbles visuales y juegos de luces que logran una atmósfera alucinante y densa en la que somos inmersos con total docilidad. 

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Acto seguido, se adueñó del escenario  Vinyl Williams, que nos dio una lección de colorida psicodelia junto a tres magníficos músicos que echaron mano de una cantidad exorbitante de recursos técnicos-mágicos en sus instrumentos que lograron crear un universo sonoro tan rico que nos hizo volar hasta dimensiones que no teníamos conciencia. Vinyl nos adentra en un mundo creado y modelado por el mismo, que nos remite a muy diversas estéticas de videojuegos vintage, de surrealismo onírico con la clara referencia a Xilitla y el jardín de Edward James que nos condujeron hasta capas del subconsciente musicalizadas con maestría por el hijo del legendario músico John Williams, quien lleva el estandarte de música espacial y de ensueño muy en alto con resultados frenéticos. Es importante mencionar que esta fue su primera visita a nuestro país en la que recibió un caluroso recibimiento por parte del público.

Para cerrar la velada nos deleitamos con el dueto Tempers, conformado por Jasmine Golestaneh y Eddie Cooper que, con un juego de luces estroboscópicas coloridas y apabullantes , aderezado con unos visuales alucinantes en tono abstracto, nos receto una alta dosis de sonoridades con tintes synth pop oscuro. La atmósfera del show fue densa e introspectiva, se nota el paso del confinamiento en las nuevas creaciones y performances del dueto, donde la exploración artística los llevó a tocar lugares en los que no habían estado. 

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El público fue enérgico ante la presencia de la banda que nos vino a presentar su último álbum New Meaning, nos dieron un show de luces y visuales que complementaban la presentación que fue llevada de principio a fin con el estilo característico del dueto que nos conduce por su geografía sonora y sensorial.

El festival Hipnosis está al vuelta de la esquina y con estas presentaciones se inicia un fin de semana lleno de ensoñación sonora, trips psicodélicos musicales, atmósferas experimentales y energía luminosa que pondrán de cabeza nuestros sentidos llevándolos a límites insospechados gracias a la fina música que nos invade los oídos.