La diversidad étnica ha disminuido en la industria musical

De acuerdo a un estudio reciente, sólo una quinta parte de las personas dentro del medio se identifican como parte de la comunidad negra, asiática o de las minorías étnicas.

Es bien sabido que el arte es un lenguaje universal que conjuga emociones y visiones del mundo que, a pesar de que parten de contextos y vivencias diversas, conectan y generan algo en quienes lo consumen. El arte se dedica a comunicar y humanizar, y dentro del rango de posibilidades de expresión artística, la música es uno de los motores con mayor impacto en la creación de comunidades y conexiones emocionales. No obstante, un nuevo estudio ha demostrado que la pluralidad étnica no ha sido un punto fuerte dentro de la industria musical, pues ha disminuido considerablemente desde el 2020.

Según lo compartido por UK Music, sólo una quinta parte (21.04%) de las personas dentro del medio musical se identifican como parte de la comunidad negra, asiática o de las minorías étnicas, lo que representa una disminución del 1.26% con respecto al porcentaje de hace dos años.

Nuestra encuesta de 2022 muestra cómo los negros, asiáticos y otras comunidades diversas han sido los más afectados por el impacto de Covid-19”, comentó Ammo Talwar, presidente del grupo de trabajo de la UK Music Diversity. "La caída en el porcentaje de empleados en varios sectores de la industria es una prueba más de por qué no debemos quitar el pie del acelerador cuando se trata de impulsar cambios positivos en materia de diversidad e inclusión lo más rápido posible”, añadió.

Por otro lado, el número de mujeres dentro del cosmos musical aumentó de un 49.6% a un 52.9%, esto a la par del alza en personas dentro del medio con alguna discapacidad. A raíz del estudio realizado, UK Music ha planteado un plan de acción que impulse la inclusión, a través del cual, entre otras cosas, se pretende aumentar la diversidad en roles administrativos con la inversión de una parte de su presupuesto anual en la creación de nuevas oportunidades de trabajo.

La inclusión es trabajo de todes, y en espacios tan significativos como los del área creativa, es menester adoptar una postura que incentive el crecimiento de colectivos variopintos y de representación que generen sinergia y un sentido de pertenencia entre quienes los componen.

Benito Cerati — Shasei

Benito Cerati publica su disco Shasei, donde el artista explora sus emociones vividas en la adolescencia.

El aclamado hijo prodigio del astro del rock argentino, Benito Cerati comparte Shasei, su nuevo disco en solitario. Este LP cuenta con 10 composiciones inéditas, inspirado en sus experiencias de la adolescencia. 

La familiaridad con la música, la composición y demás dotes artísticos se los heredó su padre, Gustavo Cerati; y quien figuró en más de una canción en discos de su padre, como lo fueron en  Ahí vamos (2006) y Fuerza Natural (2009); desde ahí, Benito, ya asomaba su peculiaridad creativa. 

BenitoCeratiBuenosDíasAmor

Para crear este álbum, Benito Cerati se nutrió de la memoria compartida en su infancia y adolescencia, y de convivencias entre su padre Gustavo y su madre, la actriz chilena Cecilia Amenábar. Esto lo llevo a permanecer en un ambiente rodeado de instrumentos y música, lo que lo llevó a construir su identidad artística casi desde su nacimiento; y que en Shasei plasma con tango y folklore, sonidos de música clásica; en el que deja escuchar sampleos y sintetizadores. 

La experiencia ya la tiene colgada, viene de su proyecto Zero Kill, el cual editó cuatro discos, ahora el músico de 28 años, nos muestra su lado más personal y que lo evidencian como un joven creador, con una estética definida; y bajo un concepto onírico. 

Shasei fue producido por Benito Cerati y Estanislao López, en el Estudio Unísono, en Argentina. Sus 10 canciones que engloba la reciente de Benito, logra cautivarnos con la sutileza de su voz, abanico de colores musicales que resaltan.

Para esta producción, Cerati comulgó con otros artistas: Lito Vitale (moog y sintetizadores), Estanislao López (bajo), Alejandro Castellani (batería), Carlos Salas (percusión), Alfredo García Tau (guitarras y sintetizadores), Alejandro Terán (arreglos de cuerdas), Javier Casalla, Julio Domínguez, Karmen Rencar y Alejandro Terán (en violín, cello y viola ), Gillespi (trompeta), Ramiro Flores (saxo y trombón) y Federico Stuart. 

El disco deja en claro, la certeza de aventurarse a publicar su disco debut, dejar ataduras en su disco más pop de su carrera, donde su musa fueron: David Bowie, Madonna, Michael Jackson; así como el género predilecto el britpop (Oasis, Blur, Suede y Pulp). 

"Tu espada en Mí", es con la que nos recibe el disco. Es una balada fantasmal en la que intenta curar las heridas de un amor fallido: "Luego me encontré hundiéndome en el mar, nadie vino, nada queda". Tema que sobresale los teclados y sampleos ochenteros. La letra habla del despertar de emociones en la pubertad, y de esos primeros encuentros de amor. 

La canción "El Atardecer" conjuga con  tintes de beat en el que la precisión de Martina Ulrich, da pauta para iniciar. Además de contar con arreglos de cuerdas, celo, violín y viola. Una canción por demás orquestal. 

Con "Agujero Negro" anticipaba su faceta en este su primer trabajo discográfico. Una canción que narra los errores cometidos durante la adolescencia. En esta pieza convergen sonidos latinos , saxofón y sampleos la adornan ; en tanto, se combina con la tenue voz de Benito Cerati , para cantar: "Sos agujero negro cielo, agujero negro y no poder parar". 

Para "Futuro Incógnito" y "Cemento", Benito explota sus dotes vocales. Aquí abunda en el rock pop e incluso incursiona con la música electrónica. Su timbre tenor le va bien a la canción.

Shasei , título que nombra a esta primer obra sonora del artista chileno-argentino, es un extracto instrumental de poco más de cuatro minutos con coros, arreglo de batería y sampleo, remonta a canciones de su padre como "Tu cicatriz en mí", aquél disco Siempre es Hoy ( 2006) o qué decir de Amor Amarillo ese primer material solista de Gustavo Cerati, publicado en 1993, y que es una referencia.

Un músico clave en "La luz mala" fue la participación del bajista Fernando Nalé , destacado por contribuir a Illya Kuryaki and the Valderramas, y fue pieza indispensable en el sonido de Gustavo Cerati. 

Benito Cerati regresa con una nueva propuesta la cual está basada en el amor ideal que todos deseamos alguna vez en la vida. Para ello, compuso "Buenos dias Amor", este es el corte sentimental, y segundo sencillo para promover su disco.

La canción con la que culmina el material es con "La tercera es la Vencida", en ella, expone la vulnerabilidad y pone el tela de juicio la salud mental, está muy presente en estas canciones. Benito externa: "Qué onda no sé con vos, quiero empezar de cero. El deseo no es más que dolor placentero". 

Este recorrido de diez temas nostálgicos y de introspección de parte de su autor, Cerati, Shasei es la banda sonora de su vida. Y que debuta como cantante, compositor y productor. El resultado de este primer guiño en solitario es bastante bueno, supo emprender vuelo en esta etapa. 

Dicho en palabras de su creador "Es un disco bastante personal, todas las canciones están basadas en alguna experiencia mía, sobre todo en mis sensaciones más adolescentes, como las primeras veces que sentí o experimenté ciertas cosas".

Ojalá este disco sea el primer eslabón de demás trabajos musicales de Benito Cerati, y que esta producción le resultó bastante interesante. 

 

¿En qué pensamos cuando escuchamos a Alison Mosshart?

Entrelíneas de Sound Wheel (2020):

Algunos conocidos se acercaron con la misma pregunta que el staff de Third Man: “¿Qué carajos es Sound Wheel?”. No es la vulnerabilidad lírica de Ash & Ice (2016),  el tinte electrónico de Blood Pressures (2011) o el twisted pop de Midnight Boom (2008). Tampoco es el dinamismo rítmico de The Dead Weather ni -mucho menos- el tono meloso de “Hey Lover”. “It Ain’t Water” y “Rise” no  fueron piezas referenciales para trazar expectativas en los 47 temas de Sound Wheel . “Nunca he tenido en mente una carrera como solista (...) Jamie y yo estamos trabajando en un nuevo álbum, pero él está en Los Ángeles (...) Mis bandas son el lugar en donde me siento escuchada”, manifestó Alison Mosshart en una charla con The Independent

La artista es clara desde el principio. “¿De verdad van a escucharme hablar, hablar y hablar?” cuestiona (y advierte) en la introducción. No hay posibilidad de pensar en singles o colaboraciones. Sound Wheel es un fanzine sonoro sobre y desde la voz de Alison Mosshart. Quizá, el error consistió en dar apertura con una alusión a su biblioteca musical (Tom Petty, Fugazi, Captain Beefheart, Desert Sessions) y no con el enunciado que da sentido a “Cables Galore”: Sound Wheel es la biopsia de una artista visual, música, performer, escritora, admiradora de autos antiguos, lectora recurrente de The New York Times y coleccionista de multas de tránsito.

-Knock! Knock!

-Who’s there?

-The Daughter of the American Used Car Dealer 

-What do you do?

(***)

Cuando Alison visitó la Ciudad de México para presentar Side Effects, el cartel de Panteón anunció lo siguiente: “¡Lo quiero todo y lo quiero ahora!”. Las palabras que acompañaron pinturas como “Queen Of Clubs”, “Viviendo el Sueño” y “We Are” son las mismas que dan fuerza y sentido a temas que funcionan a manera de autorretrato (atemporal) en Sound Wheel: “Hold On”, “Salt Lake City”, “She’s a Trip”, “Let’s Start a Band” y “The Daughter of the American Used Car Dealer”

Semanas previas al lanzamiento de "Road Kill", Rebecca Lee invitó a Alison a How the F Did You Get So Confident? En dicha entrevista, la cantautora resaltó los indicios biográficos para escuchar el monólogo de 52 minutos: Nació y creció en Vero Beach, una locación del condado Río Indio en la que los mayores atractivos para las y los infantes eran el skate boarding, grabar música de bandas locales y el acompañar a sus padres a la venta de autos los fines de semana. “Pontiacs, familias, carritos de hot dogs y latas de Pepsi”, vocifera en “Sunday Style”.

Durante su pubertad y adolescencia cuestionó y rechazó los roles de género y el sexismo detrás de la mística de la feminidad. “La última vez que usé un vestido fue a los dos años; me rapé a los 11. Nunca me he sentido limitada por mi estilo. Mis elecciones me hacen sentir como una superheroína” expresó a Lesley Mackenzie (Hollywood Reporter) a mediados de 2017. “No hay cuestiones de género. Nadie me dice lo que tengo que hacer” reiteró en mayo de este año. 

Vroom Chicka Vroom!

Desde principios de los 90, la artista no había pasado más de 14 semanas en el mismo lugar. Los trayectos de verano con su padre por los rincones de Estados Unidos la entrenaron para los tours de 36 meses, las visitas escalonadas a Dana Louise, la asistencia a desfiles de moda con Melvis Crawford y almuerzos ocasionales con Dean Delray, Brody Dalle y el matrimonio de los Fertita

La vida de Alison siempre ha girado en torno al movimiento y desarraigo. Rara vez planea sus proyectos. Probablemente, Discount sea la única excepción. Como lo relata en “Let’s Start a Band”: A los 12, ocultarse detrás de los amplificadores era una necesidad, a los 13 exploraba su sexualidad, a los 15 quería conquistar el mundo, a los 17 tenía algo que probar y a los 20 tocaba en bares de Gipsy Hill por dinero. El recuento biográfico pausa en 2001, fecha en la que compuso “Monkey 23” al lado de Jamie Hince.

Ver América a través de tus ojos fue como ver América por primera vez. 

Alison tiene tatuado “14-2-02” en la muñeca izquierda. Los primeros versos de “Sonic States”, así como las referencias a las versión original de “Hand”, “Gum” y “No Wow/Telephone Germany” en siete de los interludios recuperan algunas de las escenas del documental I Hate The Way You Love (2005) y hacen eco a la carta que escribió a Hince en julio de 2017: “Llegaría al otro lado del mundo. Tenía la firme convicción de que haríamos algo (...) Que juntos podríamos hacer cualquier cosa (...) Nos sentíamos como si estuviéramos colgando al borde de un acantilado”.

LA ALISON Y JAIME

Fotografía: Myles Hendrik

Al componer para otros, Mosshart nunca tuvo en mente que -en 2019- su nombre aparecería en el título de un ensayo en el que Sarah MacDonald (Vice) escribió sobre “cómo cambió la forma en la que las mujeres nos relacionamos con la música”

La frontwoman de The Kills y The Dead Weather lo ha repetido hasta el cansancio: Las dos bandas surgieron del encuentro y accidente. Como artista visual, la ruta no fue distinta: Fire Power nació de su admiración por Basquiat, no por un deseo de formar parte de la historia de la Joseph Gross Gallery. El repertorio de Side Effects no incluía 70 piezas; el objetivo con Danny Zovatto era pintar una sala de FF-1051 Gallery, no montar una exhibición.  Originalmente, Car Ma, Sound Wheel y la serie The Excerpt Reel eran la propuesta de un fanzine de 15 páginas. “Dejemos de imaginar cómo puede terminar y comencemos a pensar en cómo es en realidad”, concluye Mosshart en “Around and Around”.

Oh Black (and White) Shark…

La casa de Alison en Nashville (a.k.a Disgraceland) está decorada con fotos de Iggy Pop, posters de Tony Hawk, pedazos de periódico que retratan accidentes automovilísticos y multas por exceso de velocidad. Durante una plática con Jehnny Beth (2016) y Jill Riley (2020), la artista anticipó las palabras que inspiraron el imaginario fílmico de “Road Kill”, “Louisiana” y “The Electric Sads”: Libertad, dinamismo, creatividad, exploración, vulnerabilidad, pasión y ruptura. 

Alison Mosshart es reservada respecto a su vida personal. Al igual que en “That Love”, “Hum For Your Buzz”, “It Ain’t Water” y “Rise”, en “The Distance” y “Admit It” Alison se narra desde un umbral de lo íntimo y afectivo que bien podría ser el tinte nostálgico de “Hard Habit To Break” y “Days Of Why And How”: “¿Por qué me miras así si no quieres que te vea? (...) Me tenías estancada en la cima de la montaña rusa (...) Desde el principio sabía que estaba jodida, pero ¿Quién no lo ha estado?”

Otros de los elementos que son perceptibles en Sound Wheel y que no suelen formar parte del repertorio (musical) de The Kills o The Dead Weather son la denuncia y el retrato del contexto político. En temas como “Interlude/Psycho Hwy” ,“Last Package of Holy Smokes” y “Animals” la compositora retoma algunas de las declaraciones que ha hecho desde 2015; expresa su repudio por la violencia policial y reconoce el valor que tiene la lucha de las mujeres. CAPITAL LETTERS, CAPITAL LETTERS, CAPITAL LETTERS: “No voy a tolerar discursos de odio, racistas, sexistas y amenazantes” escribió en su cuenta de Instagram durante las protestas de Long Beach, Minneapolis y Atlanta. 

if Trump is elected, all these folks who support him will probably get screwed six ways from Sunday

“Ghosteo”, el nuevo sencillo de Kumbia Queers

Entre ritmos urbanos y cumbia, “Ghosteo” es una canción que habla del fenómeno conocido por cualquier persona que utilice las redes sociales.

Kumbia Queers presenta su nuevo sencillo “Ghosteo” acompañado de un video animado a cargo de Francisco Favarol, Inés Labarrere y Sofía Lorber. El grupo argentino comparte esta canción como lo ha hecho anteriormente, a través de un tema punzante y compartido por cualquiera entre ritmos bailables sobre la tragedia y la denuncia de sus letras. Acompañado de su video, “Ghosteo” se expresa como una especie de terror con tonos sombríos bajo la descripción de este fenómeno como ‘una práctica de terror que produce mucho daño’. Aunque el tema pueda parecer sombrío, la música de Kumbia Queers lo trata desde el humor y un ritmo efectivo para bailar aun las cosas que no nos gustan. 

“Ghosteo” será presentado en vivo el próximo 27 de noviembre en el festival Rock al Parque en Bogotá, Colombia. Anteriormente Kumbia Queers se ha presentado en el Vive Latino, en el Zócalo de la Ciudad de México y hasta en la cárcel de mujeres de Ezeiza, su paso por México es fundamental. Mientras que para cerrar este año se presentarán en Córdoba. 

Su proyecto definitivamente es uno para explorar las definiciones dentro de los géneros musicales, bautizado como TropiPunk. No te pierdas su último sencillo disponible en todas las plataformas de streaming y por su puesto el video que lo acompaña:

Surge nuevo testimonio sobre Win Butler de Arcade Fire

A finales de agosto, el líder del grupo de Montreal fue acusado de abuso sexual y los testimonios continúan surgiendo.

Pitchfork, el medio originario de Chicago, Illinois, dio a conocer un nuevo caso que se suma a las cuatro personas que previamente declararon haber sido víctimas de abuso sexual y coerción por parte de Win Butler, líder de la banda Arcade Fire. Estas relaciones se sucedieron en un lapso comprendido entre 2016 y 2020 y, no obstante las repetidas negaciones de Butler con respecto a los actos de los que se le acusó, nuevos testimonios que aseguran lo contrario continúan surgiendo en redes sociales. 

La historia de la nueva atestiguante, quien adoptó el nombre de Sabina para resguardar su identidad, se acercó al medio estadounidense de música y explicó que mantuvo una relación sexual de tres años con Butler, durante los cuales señaló que existieron conductas manipuladoras y abusivas por parte del músico.

 

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Sabina conoció a Butler en el verano de 2015 cuando tenía 22 años y se encontraba aún estudiando. Después de conversar un rato, el cantante invitó a Sabina a una fiesta que él mismo organizaba, a la cual ella asistió con su entonces novio. Luego de ello, Butler la invitó a tomar una copa y su encuentro terminó en un beso, una experiencia que Sabina calificó como "chocante". 

Estábamos sentados y hablando probablemente de Simone de Beauvoir o algo así, y recuerdo que me alarmó que hubiera llegado a los besos", comentó Sabina, quien luego de ello se marchó apresuradamente.

Ambos siguieron en contacto después de tal acontecimiento y la relación comenzó a tornarse únicamente sexual con un alto nivel de insistencia por parte de Win Butler, quien daba vuelta a los temas para continuar con insinuaciones o sexting, sumado a que en repetidas ocasiones presionó a Sabina para que se fuera a vivir sola y pudieran tener relaciones más fácilmente. La combinación entre agresividad, la diferencia de edades, el abuso de poder y la manipulación emocional fueron factores que influyeron en la decisión de Sabina de cortar lazos con Butler, relación que finalmente culminó en 2018. 

En general, fue una dinámica abusiva. Fue realmente agresivo y sentí que tenía que hacer lo que él decía. No me sentía muy cómoda con algunas de las cosas que me pedía que hiciera, pero las hacía de todos modos. Y eso es, en última instancia, deshumanizante”, explicó Sabina a Pitchfork. "Si estás en una relación emocionalmente abusiva te hace sentir mejor decirte a ti misma que todo esto fue por algo, que sus arrebatos fueron errores y que significaste algo para el abusador, que todavía tienes valor a sus ojos. Pero el único valor que tenía para él era realizar actos sexuales siempre que él quería", añadió. 

Por el momento, los representantes de Butler no han dado ninguna respuesta a los medios respecto a este nuevo testimonio y las autoridades pertinentes tampoco han esclarecido los hechos en torno a las pasadas acusasiones.

El guitarrista de The Black Crowes expulsa del escenario a un fan

Con su guitarra, Rich Robinson impidió que un fan sorteara la seguridad de su último show en Australia.

El pasado 20 de noviembre, cuando se llevaba a cabo la última parada del tour de The Black Crowes, en el Palais Theatre en Melbourne, un fan intentó sortear la seguridad del concierto mientras la banda tocaba “Stare It Cold”, abalanzándose hacia el bajista Steve Pipien. La seguridad no logró detenerlo y los integrantes de la banda intervinieron, en específico Rich Robinson, quien utilizó su guitarra para golpear al intruso en el pecho y la cara, mientras que Chris Robinson, tomó el soporte del micrófono para expulsar al intruso. Finalmente pudieron expulsarlo empujándolo del escenario y continuando su concierto sin más percances. 

Bajo la celebración del 30 aniversario de su primer disco Shake Your Money Maker, The Black Crowes había comenzado su tour el pasado 13 de noviembre. En sus conciertos habían presentado el álbum completo, no siendo la excepción este último, donde ya llevaban 10 canciones tocadas. El tour de la banda es el primero en 14 años, después de su separación en el 2015, tras el desacuerdo entre Rich y Chris. El incidente se ha visto repetido varias veces este año, con bandas como Rage Against the Machine, Show Me the Body y Lil Uzi Vert.

El tour acaba de terminar con esta nota, sin embargo The Black Crowes tocará el próximo 15 de diciembre en el Coca Cola Roxy en Cobb County, para celebrar el 40 aniversario del álbum debut Chronic Town de R.E.M. Después se presentarán en febrero en Las Vegas y por supuesto en el Vive Latino el 23 de abril del próximo año. 

Te dejamos con el video de la interacción que esperamos no vuelva a repetirse: 

Tonga Conga graba canciones a un dólar

Una pasarela de artistas se dio cita en el estudio móvil implementado en Las Vegas.

No ha parado de estar en movimiento, el proyecto alterno de Raúl Sotomayor, Tonga Conga, prepara una interesante propuesta con su movimiento de canciones a un dólar.

Raúl Sotomayor es un DJ, compositor y productor musical mexicano que forma una de las dos mitades del dúo de electrónica Sotomayor, junto a su hermana Paulina. Raúl tiene un alter ego conocido como Tonga Conga, donde aprovecha a impulsar a talento emergente latino al mismo tiempo que explora diversos ritmos.

En julio del presento año editó su álbum debut JEVI con Virgin Music, donde colaboraron Mula, Mabiland, Vanessa Zamora, Immasoul, Seba Otero, Plano, Tolumide y Acentoh, recibiendo el visto bueno de la critica especializada.

Ahora, Tonga Conga propuso una innovadora dinámica durante el fin de semana de los Grammys Latinos, que se realizaron este 17 de noviembre en la Michelob Ultra Arena de Las Vegas. Se valieron de un estudio móvil para grabar alrededor de 20 temas, con 20 artistas distintos, durante dos días, vendiendo las canciones originales a un dólar, de ahí el título del proyecto Songs For 1 Dolar, apoyándose con la producción de Rafa Pabón y Eduardo Cabra.

Aún no se revela la lista completa de músicos que colaboraron, pero en redes se confirma la participación de: Elsa y Elmar, Sofía Campos, Jambene, Goyo, Calacote, Letón Pé, Daymé Arocena, Akapellah, Ambar Lucid, Juan Ortega (Los Aptos), Totoy El Frío y Santiago Motorizado. Por el momento estamos a la espera de escuchar éste álbum completo o del adelanto de algunos temas.

Si quieres ver a Tonga Conga en acción, podrás hacerlo del 09 al 11 de diciembre como parte del Festival Trópico de Acapulco.

 

 

Ryuichi Sakamoto anuncia nuevo álbum, '12'

Material que nace durante su batalla contra el cáncer.

La leyenda anunció 12 su nuevo álbum en solitario desde 2017, material verá la luz el próximo 17 de febrero de 2023. Ryuichi Sakamoto es conocido por la creación de ambientes y bandas sonoras para diversos proyectos audiovisuales, pues ya que de manera magistral a través del lenguaje musical se encarga de transportar al espectador a mundos desconocidos.  

RyuichiSakamoto_12

12 es un álbum especial que reúne un total de 12 canciones que retrataron y acompañaron a Ryuichi Sakamoto en su lucha contra el cáncer. A manera de diario y un recuento de sucesos emociones y días, el título de cada uno de los tracks hace referencia a la fecha en que fueron grabados.  

Después de que finalmente 'llegué a casa' a mi nueva vivienda temporal después de una gran operación, me encontré alcanzando el sintetizador. No tenía intención de componer algo; solo quería que me bañaran en sonido", añadió Sakamoto.

Lee Ufan se encarga de traer el arte al álbum a través de una obra que crea calma y permite al espectador perderse en los colores de la pieza.  

12 llegará a través de Milan Records el 17 de febrero del 2023 para deleitar los sentidos de los escuchas de Ryuichi Sakamoto.  

Te dejamos el link para que puedas pre-ordenar o pre-guardar el álbum y puedas escucharlo antes que nadie. Da clic AQUÍ.  

Lista de canciones:

  1. "20210310"
  2. "20211130"
  3. "20211201"
  4. "20220123"
  5. "20220202"
  6. "20220207"
  7. "20220214"
  8. "20220302" - sarabande
  9. "20220302"
  10. "20220307"
  11. "20220404"
  12. "20220304"

Músicos y celebridades VS Elon Musk

Tras la controversia de Twitter y las decisiones de Elon Musk, músicos deciden desactivar sus cuentas.

Luego de haber tomado el mando de Twitter como el CEO, Elon Musk ha tomado ciertas decisiones que han sido altamente criticadas y cuestionadas por una variedad de usuarios de la plataforma. Después de haber comprado la plataforma, Musk se dio a la tarea de despedir a casi la mitad de sus trabajadores, incluso a ejecutivos de alto rango, esto debido a que, de acuerdo al magnate, Twitter está perdiendo cuatro millones de dólares al día, por lo que era necesario recortar gastos.

La polémica generada a raíz de esto ha provocado que varias celebridades hayan decidido borrar sus cuentas de Twitter, entre ellas Gigi Hahid, Whoopi Goldberg y Shonda Rimes. Kevin Abstract, miembro de BROCKHAMPTON, ha también anunciado su plan de dejar atrás Twitter al igual que estas celebridades.

Familia BH. Gracias por ser parte del viaje. Los aprecio a todos. Probablemente soy la persona más dramática que siguen en esta aplicación. Dicho esto: desactivaré esta cuenta después de que estos programas de radio se transmitan esta semana. Si quieres seguirme, estoy seguro de que me encontrarás", escribió Kevin en su Twitter.

Añadido a esto, Jack White ha borrado la cuenta de Twitter de su sello discográfico Third Man Records luego de que Musk anunciara la reincorporación de Donald Trump, y Trent Renzor, frontman de Nine Inch Nails, también decidió desactivar su cuenta el pasado 20 de noviembre después de declarar en una entrevista con The Hollywood Reporter que el trabajo de Musk como cabecilla de Twitter ha sido una vergüenza.

No necesitamos la arrogancia de la clase multimillonaria para sentir que pueden entrar y resolverlo todo”, comentó Renzor.

Por otro lado, Kanye West ha regresado a la plataforma tras haber sido bloqueado por sus comentarios y publicaciones antisemitas en la plataforma. "Probando, probando. Viendo si mi Twitter está desbloqueado,” escribió. A pesar de haber negado repetidamente que su conducta había sido racista y de haber declarado que para él, el término de "antisemitismo" no tenía validez, al final ofreció sus disculpas durante una entrevista con Piers Morgan. Ahora, parece que Musk planea colaborar empresarialmente con el rapero, a pesar de que no ha habido ninguna confirmación por parte de ninguno.

No cabe duda que dentro de Twitter se está gestando una revolución entre músicos y celebridades, versus Elon Musk.

“Taste The Money”, lo nuevo de FIDLAR

La banda de rock punk californiana nos trae un nuevo adelanto de lo que será su próximo EP.

Fuerte, ruidoso y estruendoso, así podríamos definir "Taste The Money" que llega como el tercer adelanto de la banda, teniendo como antecesores "Sand On The Beach" del mes pasado y "FSU" de agosto, dicho lanzamiento es nuevamente producido por Dave Sardy (Spoon, LCD Soundsystem, Red Hot Chili Peppers).

Esta canción trata de hacer una terapia psicodélica casera”, explica la banda en un comunicado de prensa

Escucha aquí "Taste The Money"

Recordemos que FIDLAR no ha lanzado propiamente un álbum desde antes de la pandemia y al parecer no habrá uno por delante, al menos no en un corto plazo, por otro lado, el lanzamiento de su nuevo EP, empieza a sonar como su último álbum, Almost Free de 2019.

Dicho EP, aún no tienen nombre, ni fecha específica de lanzamiento, sin embargo, se espera llegue a principios de 2023

Sin duda una canción que disfrutarán todos sus más fieles seguidores, "Taste The Money" ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales, así que no dudes en escucharla y guardarla.