Louise Post — Sleepwalker

Hazle honor a nuestro verdadero ser con Sleepwalker de Louise Post.

“El disco debut de la vocalista de Veruca Salt es un espacio en el que su verdadero ser, sin juzgarse a sí misma y con un amor profundo por lo que fue, es y será”.

Quizás de tanto querer cambiarnos, no podemos estar y amar nuestro presente. Esta es la nota de Sleepwalker de Louise Post. Un disco en el que la vocalista de Veruca Salt explora su verdadero ser, sin juzgarse a sí misma y con un amor profundo por lo que fue, es y será.

Después de haber ganado relevancia en 1994 con “Seether” y “Volcano Girls”, su compañera de composición y voz, Nina Gordon, decidió emprender otro proyecto como solista en 1998. Desde ese entonces, Post se convirtió en el miembro constante del grupo de Chicago, hasta el regreso del lineup original en el 2013. Ahora viene con esta primera producción debut como solista, hecha de la mano de Matt Drenik.

El título viene de que cuando era niña, la cantante solía ser sonámbula y piensa que era una manera de su inconsciente para lidiar con los problemas entre sus padres. “God I Know” captura la esencia del LP, aceptando esa imperfección, a través de una guitarra acústica, un piano y una lluvia que va incrementando su intensidad. Lo que sigue en “Killer”, donde tiene guitarras explosivas que evoca el sonido característico que siempre caracterizó su banda y hace referencia a “People Are Strange” de The Doors en la melodía de la voz en la introducción.

Los dos temas introductorios, “Queen of the Pirates” y “Guilty” son oscuros y dramáticos, tanto que muchas veces se sienten como el soundtrack para las persecuciones de Rocky Horror Picture Show (1975). Los dos representan la culpa que tenemos por todas las cosas que nos pasan, que generalmente se deben a nuestro deseo de ser independientes y de lograr todo lo que nos proponemos.

Poco a poco, se hace más evidente que las protagonistas son las guitarras y la batería. “Don’t Give Up” tiene una que parece de The Strokes para representar el deseo de continuar con un amor que está por terminar. Esta temática es central en “Secrets” y “Hollywood Hills”, donde narran con pianos y guitarras acústicas la distancia entre las personas en la relación. Mientras que el amor profundo, a pesar de todo lo que ha pasado, está encapsulado en elementos dreamy en “All These Years”.

“What About” y “All Messed Up” son composiciones que integran pop/rock de los 2000, en un ritmo narrativo sencillo que cumple con el deseo que tenemos de cantar nuestros problemas para dejarlos ir. De esa manera Louise Post cierra Sleepwalker con “The Way We Live”, somos perfectos tal y como somos, solo nos queda descubrirnos con cada paso, no cambiarnos.

Entrevista con Alex Anwandter

La fiesta tu hogar, el baile tu modo de resistencia.

Atrás han quedado los tiempos en los que bailar en tu cuarto era la única opción: la fiesta y el baile han regresado. No es la primera vez que tenemos de acompañante y creador del soundtrack al chileno Alex Anwandter. Él no es ajeno a la pista de baile y sin embargo en esta ocasión entrega su trabajo más bailable y directo a la fecha. El Diablo en el Cuerpo es un trabajo que busca ser revisitado por el escucha una y otra vez y un manifiesto del lenguaje corporal como forma de comunicación.

Se me hace un poco obsoleta la visión de la música bailable, como algo hedonista, escapista o superficial. Cualquier persona que haya tenido contacto con el baile, o haya bailado muy desenfrenadamente sabe que es una manera de comunicarse también, es un lenguaje y nos comunicamos constantemente con el cuerpo y no lo veo como contraposición a ‘lo profundo’ o lo sustancial en absoluto”.

Este disco es el recorrido sonoro más largo de toda su carrera, con 16 cortes que abordan la temática del cuerpo y el deseo como elementos de una búsqueda constante de libertad. En una era donde la inmediatez, el streaming y la búsqueda de prevalecer ante la enrome demanda de música que existe, Alex reconoce que tiene poca visión comercial y que prefiere hacer música en sus propios términos y sin presiones.

Estaba muy fácil tomar el camino de un disco bailable, corto y estaban también estas otras canciones, como más diversas estilísticamente y la pregunta que me hice fue ‘¿Quiero este disco corto o largo?’ Al final me incliné por un disco más complejo moldeándolo en discos que a mí me gustan que funcionan más así, que como una fantasía de disco corto y perfecto".

Aunque confiesa que trató de hacer su disco más 'Barbie' (divertido) admite que al final del día tanto sus trabajos anteriores como su historia musical terminan unidos a la política. En este caso el mensaje no es tan directo como en el trabajo hecho en Latinoamericana, pero es cierto que la diversión y el goce son también un acto de resistencia ante la opresión.

Si uno quiere hacer un análisis político o social, es muy común que suceda este énfasis en la música de masas, en épocas dónde se nos niega la comunicación colectiva, desde el neoliberalismo y conservadurismo extremo que están en alza. Al final somos una especie de animales en colectivos y eso se manifiesta de una manera u otra”.

Para este disco hay un grupo extenso de invitadas que acompañan a Alex desde compañeras de generación como Buscabulla y Javiera Mena. Pasando a iconos del rock como Christina Rosenvinge (quien de momento solo conoce por zoom) y Julieta Venegas, de esta última a la que además tuvo la oportunidad de producirle su más reciente disco.

“Julieta tiene una mente muy impresionante al momento de crear… Quizá eso es lo que aprendí. Uno pensaría que alguien tan talentoso necesitaría trabajar menos para llegar a algo genial, pero no.  Trabajaba 3 veces más que yo, para llegar a algo que le resultara satisfactorio, y ese fue el aprendizaje ‘¡Ah por eso es genial!’ Por ese ímpetu".

Alex se prepara para una extensa gira en su país y si bien no puede dar detalles, afirma que regresar a México es una posibilidad cada vez más cercana. El cantante promete ofrecer un show de calidad, divertido, en dónde tanto el público como él, sean libres de gozar

A través de mi voz he aprendido a aceptarme más… hay que amigarse mucho con uno mismo, y eso es muy sano. Siempre que estoy grabando pienso que me gustaría ser distinto, cantar como esta otra persona que me gusta… no se puede es lo que hay y la voz es una de las cosas más únicas que tenemos, todos tenemos una voz distinta”.

 

 

Protomartyr — Formal Growth In The Desert

Saborear la vida a pesar de ella.

Tras el lanzamiento de Ultimate Success Today (2020) partido justo a la mitad por el confinamiento, Joe Casey y compañía barajaban la posibilidad de un cese definitivo a su vida musical. Los meses siguientes entre distanciamiento, desasosiego y desfibrilaciones funerarias parecían remarcar la línea esta misma de finitud. Aún así, y aferrados a las intenciones de la madre del vocalista (QEPD), Protomartyr lograría condensar sus emociones para  “encontrar la felicidad en un cielo sin nubes”. Esto a lo largo de los doce tracks que conforman Formal Growth In The Desert.

Grabado en los estudios Sonic Ranch (Tornillo, TX) bajo el cobijo de Domino Recording, el material nos presenta el nuevo rostro del cuarteto; afilado, ultrasensible y tan expuesto como las cuerdas niqueladas lo permiten. Las puertas se abren con el desgarre emocionalmente vago de “Make Way”, cortado y revolucionado casi inmediatamente por la velocidad al interior de “For Tomorrow”. El tracklist se desarrolla cercano en musicalidad a trabajos pasados, pero sin intención alguna de ignorar lo que ha pasado.

“Elimination Dances” nos hipnotiza percutivamente para recibir de lleno la embestida de nostalgia dentro de “Fun In Hi Skool”; “Recuerda… cuando las cosas estaban bien. Recuerda… cuando aún éramos jóvenes”. El álbum mantiene esta línea de emociones agridulces de principio a fin. Cada corte parece fungir como microexpresiones de un duelo aún mayor; culpable de querer mostrarse al mundo; liberado por alcanzar la sensibilidad de otros, a merced de sí mismo; tragándose su propia ira para extender la mano al cielo y agradecer tan buen servicio.

“Let's tip the creator.

Enriching our lives, wasting away. 

Oh such a shame”.

Llegamos sónicamente hasta encontrarnos con “Graft Vs. Host” como columna vertebral del recorrido. El mensaje, antes solo sugerido, se vuelve todo cuanto nos rodea. Debemos forzarnos a experimentar felicidad aún después de la desolación. Pasando por el eco de tu madre a punto de extinguirse, entre el salvajismo de los tigres (“3800 Tigers”) arrasando con cualquier naturaleza, dudando sobre si puedes odiarte a ti mismo y aún merecer amor. Lo único que queda es masticarlo “Polacrilex Kid”, masticarlo hasta que puedas volver a ti

“Fulfillment Center” sirve como transición metafórica y musical, esto entre blasteos de shoegaze casi noise y la aceptación paciente entre las líneas de “We Know The Rats”. El estilo ligero y abrasivo de la producción (cortesía del guitarrista Greg Ahee)  funciona perfectamente al acentuar el carácter del álbum, con la yugular apenas despejada para respirar en los soundscapes al fondo de cada track

Formal Growth In The Desert nos despide con una arremetida final vía “The Author”, seguida de “Rain Garden”. El tiempo se mantiene antagonista, pero el amor nos ha encontrado. Ahora el decay del overdrive se diluye entre las texturas ascendentes, guiños a Coney Island, botellas de Baja Blast y la dulzura de una vida que continúa entre labio y labio.

 

“Oh my love, make way for my love.

My love, kiss me.

Kiss me before I go”.

 

Playlist: Rave LGBTTTIQA+

Llega junio y eso sólo significa una cosa: Es momento de celebrar el mes del Orgullo LGBTTTIQA+.

Cada año, se celebra en México y diversas partes del mundo, el mes del orgullo donde lxs miembrxs de la comunidad se unen y celebran la libertad de ser ellxs mismxs, y con el objetivo de perpetuar el mensaje de tolerancia, igualdad y dignidad de las personas gays, lesbianas, bisexuales y trans, queer y todxs lxs pertenecientes a esta comunidad.

En Indie Rocks! nos unimos para festejar la lucha por sus derechos y celebrar juntos la individualidad de cada unx de ustedes. Por eso, entre el staff y colaboración especial de Ángel Amezquita, hemos preparado una playlist especialmente pensando en nuestra comunidad LGBT+ con canciones que rinden homenaje al amor, la igualdad y la libertad de expresión y la sexualidad de cada quién.

Desde la reina Lady Gaga, pasando por COBRAH, Arca, Flo Milli, Chase Icon hasta Chiquita Magic, te presentamos una amplia variedad para que disfrutes este mes a lo grande y sigas celebrando con orgullo tu identidad.

¡Feliz mes del orgullo!

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Hipnosis presentó: Allah-Las en el Foro Indie Rocks!

Cero pretensiones, solo buena música.

Los Àngeles, California tiene una vibra muy específica; una vibra que Allah-Las representa perfectamente. Es una vibra que encajó como anillo al dedo en este caluroso viernes por la noche. Calmada, veraniega y con toda la buena onda.

Viv and the Sect fue la banda encargada de calentar nuestros oídos esta noche. Los mexicanos, influenciados por el garage y la psicodelia, atrajeron nuestra atención con canciones en inglés y español en un cómodamente lleno Foro Indie Rocks! Un agradable descubrimiento para la mayoría de los asistentes, quienes mostramos apoyo ante su familiar sonido. Tras su set, recargamos cerveza, platicamos un poco sobre la última vez que los Allah nos visitaron en el festival Hipnosis 2018. Y mientras tanto, veíamos cómo el staff arreglaba los instrumentos del acto principal.

El logo de la banda, ese sombrero trazado con solo una línea se proyectaba al fondo del venue, esperando las cuerdas de surf y rock psicodélico que lo acompañan. A las 22:00 H, vimos bajar por las escaleras a los cuatro integrantes que nos darían una velada fantástica.

Viv and The Sect_Foro Indie Rocks_David Durán (1)

Los primeros acordes fueron los de “No Werewolf”, seguido del hitazo “Tell me (what’s on your mind)”, la cual comenzamos a corear sin restricciones, cosa que detonó sonrisas escondidas en todos los miembros de la banda, pero más notoriamente en Miles, quien al cantar nos veía con emoción transparente.

Tell me what is on your mind. Tell me what is on your mind ‘cause I can’t find it”.

Esta vez, se nota que los que estamos, somos los que tenemos que estar. Escuchamos con atención y placer, mientras bailamos oscilando al ritmo de “Had it all”. No hay conversaciones cruzadas, solo entrega a la música. En un respiro, Miles nos cuenta que este show casi no sucede debido a un problema ya visto varias veces: las visas. “Sin embargo, aquí estamos y ustedes son la razón”. Agradecidos ellos y agradecidos nosotros.

Allah-Las_Foro Indie Rocks_David Durán (12)

También nos recuerdan que un nuevo álbum está listo para salir en octubre y que el nuevo sencillo podremos escucharlo la próxima semana y hoy mismo. Proceden a tocar una suave canción con mucho groove. Después, en “Busman’s Holiday” el movimiento de cabeza no puede faltar. Y al terminar, el bajista Spencer y el guitarrista Pedrum cambian instrumentos y de lugar. “Catalina” nos pone a cantar a todos, pero no a todo pulmón sino bajito, de manera que sentimos la canción sin opacar el sonido de la banda; lo que menos quisiéramos sería arruinar el buen audio que tenemos esta noche. Y es que de eso se trata, cero pretensiones, solo buena música. No se necesitan fuegos artificiales o producciones extravagantes.

La banda se da un pequeño break, para regresar a un encore de dos canciones, entre ellas “Catamaran”, una canción icónica de los californianos. Nos despedimos con mucho aplauso bien merecido, pues fue un concierto espectacular.

 

 

 

 

Linxes en House of Vans

Íntima celebración a la diversidad y al orgullo con Linxes en House of Vans.

Provenientes de Argentina, el dueto Linxes, conformado por Lucas en la batería y Dany en la guitarra y voz principal, llenaron de intensidad sonora el escenario Next era en House of Vans, mismo que la pasada noche del 9 de junio fue presente de un recital desbordado en matices queer, muy al estilo de esta dupla.

Durante casi una hora ofrecieron a todos los espectadores sonidos y melodías acompañadas de letras que evocaron al desamor y la ironía. Después de viajar por algunas ciudades de México promocionando su nuevo álbum Nadie recuerda tu entrada al mundo, Linxes se dispuso a interpretar éxitos como “Quizá”, “Entender”, “No me rompas el corazón”, entre otras, durante lo que fue (en voz de su vocalista) el show más largo que habían tenido en México.

Un show andrógino

Dany y Lucas, portando un look único, original y muy andrógino, cantaron a sus más fieles seguidores de la Ciudad de México sus canciones recién gestadas, así como un recorrido por los temas que conformaron su EP Los restos de lo que transformé, todos ellos temas de un estilo musical autoproclamado como post pop, mismo que contienen elevadas cargas de corazones rotos y desencuentros emocionales.

“Juventud”, uno de sus tracks más esperados, llenó de inspiración y fuerza a los energéticos asistentes, quienes corearon la letra que como hizo mención el vocalista Dany: “habla sobre romper cosas atadas, de ser como queramos ser”.

A unos días de celebrarse el Pride, es decir la marcha por el orgullo de la comunidad LGBT+, Linxes en House of Vans se encargó de encaminar esta celebración, pues abrazó a todos, todas y todes con sus letras que reivindican la diversidad sexual y la libertad de ser y elegir lo que realmente se sienta.

Finalmente, Linxes cerró su show después de presentar cerca de 11 canciones con un excelente e inesperado cover de “Ciega, sordomuda” de la intérprete colombiana Shakira, mismo que fungió como broche en un show repleto de diversidad, incluso de géneros, en donde resaltó lo alternativo, el post pop y uno que otro matiz psicodélico.

A 20 años de 'Hail to the Thief' de Radiohead

Acaba de cumplir 20 años uno de los discos más controversiales de la carrera de Radiohead: Hail to the Thief.

Hail to the Thief, es el sexto álbum de la banda de rock británica Radiohead; lanzado el 9 de junio de 2003 a través de Parlophone a nivel internacional y un día después a través de Capitol Records en Estados Unidos. La agrupación buscó trabajar de manera espontánea, combinando música electrónica con rock, grabando con su productor Nigel Godrich, lo cual le costaría la aprobación y recibimiento de sus fans.

El álbum asimiló instrumentos con computadoras portátiles y estableció algunos sonidos bastante experimentales y desafiantes, tanto es así que no tuvo la misma cantidad de adoración que los demás. Las críticas hacia este material no eran del todo malas, pero por lo general no eran las más entusiasmadas.

La opinión más común del disco, tanto de sus seguidores como de la propia banda, es su duración. Con 14 canciones y un tiempo de aproximadamente una hora, la producción trae consigo una gama estilística que destila mucho más que lo de siempre: el rock de su primeros sellos, pero con más rudeza; el folk de mirada vintage; su aprendizaje a mayor escala con experimentos con loops y bases electrónicas, acentuando todo con una visión/crítica al capitalismo y a la política en el aspecto lírico.

En 2003, cuando Radiohead lanzó este sexto material discográfico, dejó de lado buena parte de la experimentación sonora de sus dos producciones previas. Grabaron todo en dos semanas sin muchos trucos, sin mucha post producción, ni muchas manipulaciones digitales.

Después de haber llevado dos discos de exploración y experimentación sonora, Radiohead mezcla todo lo aprendido en el pasado y lo usa como una potente herramienta que da forma y estructura a este disco. Si se pudiera definir, este material es un trabajo que a menudo se toma como una placa novedosa, pero siempre por debajo de todas las obras maestras del grupo.

Cuando Hail to the Thief llega a su final queda una sensación extraña y/o diferente. Es el soundtrack de un “apocalipsis palpable”, no de ese que nos pintan las películas, los libros o los textos religiosos, sino de uno más real, más humano, y eso es lo espeluznante. Y es más aterrador aun, que estos catorce singles, veinte años después sigan diciendo mucho de quiénes somos como civilización y hacia dónde nos dirigimos.

A pesar de los cambios en sus sonidos, tuvo diversos logros: debutó en el número uno en la UK Singles Chart y en el número tres en la lista Billboard 200. Fue certificado platino en Reino Unido y Canadá y oro en varios países. También, fue el quinto álbum consecutivo de la agrupación nominado para un premio Grammy al mejor álbum de música alternativa y ganó el premio Grammy al mejor álbum no clásico diseñado.

Y tú, ¿qué piensas, qué te gusta y qué no del álbum 20 años después? Te compartimos el disco para que tomes la decisión, imperativo escucharlo.

Teri Gender Bender estrena “You Won The Man”

Una canción alegre con lirica oscura.

Integrándose al EP Outsiders con fecha para el 7 de julio, y tan solo dos meses después de su otro material CATSPEAK, Teri Gender Bender sorprende con "You Won The Man" una melodía agridulce que captura momentos de vulnerabilidad y dolor.

La líder de Le Butcherettesllega en esta ocasión para entregarnos uno de sus temas más complejos, que narra el peso oculto que a menudo lleva la victoria y las emociones tan profundas que esta puede evocar. Sarcástico e irónico, como era de esperarse, es un sonido alegre y de pop rock vanguardista el que acompaña este nuevo lanzamiento, que si no tienes cuidado te hará creer que realmente escuchas cualquier single country.

A través de fotogramas manchados de lágrimas, tejo una narración que nos recuerda que detrás de cada victoria se esconde una conmovedora historia de sacrificio, lucha y profunda experiencia humana. Las lágrimas que derramo se convierten en la encarnación visual del precio pagado".

Emprendiendo su gira de apertura en colaboración con The Mars Volta, la cantante estadounidense hija de inmigrantes mexicanos, prepara también su próximo lanzamiento Outsiders:

outsiders teri gender bender

  1. "You Won The Man"
  2. "Stupid Love Song"
  3. "Sideways"
  4. "What Do You Want Me To Do"
  5. "Walk Into My Everything"

Cuco versiona el tema “Mi Querido, Mi Viejo, Mi Amigo”

Retomando el clásico musical de Roberto Carlos, el cantautor recuerda sus raíces con un homenaje a la música latina.

Después de un año del lanzamiento de Fantasy Gateway, Cuco emprendió su gira por Norteamérica que finalizó en abril, pero no solo ha estado enfocado en sus presentaciones en vivo, pues también ha liberado tres sencillos desde que inició el 2023 y ahora presenta un cover de uno de los éxitos más grandes de la música latinoamericana.

First of the Year”, “Best Disaster” y “Si Me Voy”, fueron los estrenos más recientes de Omar Banos, mejor conocido como Cuco, siendo este último una colaboración con María Zardoya de la agrupación The Marias. Desde entonces, también liberó tracks en compañía de Caloncho y Los Aptos en los temas “Medusa” y “Miel”, respectivamente.

En esta ocasión el artista estadounidense-mexicano comparte su versión de la canción “Mi Querido, Mi Viejo, Mi Amigo” del cantautor brasileño Roberto Carlos, considerado como el Rey de la Música Latina. Esta reinterpretación del éxito de 1979 fue un tributo a su abuelo ante la proximidad del Día del Padre, a quien también le dedicó su melodía “Pendant”.

Su versión del memorable tema en español reconecta a Banos con sus raíces y retoma la dirección presentada en su último álbum, donde explora la cultura mexicana y otros géneros musicales de la comunidad latina. Cuco se presentará en la ciudad de San Francisco el próximo 11 de agosto como parte del Outside Lands Festival, que también recibirá el mismo día a Kendrick Lamar, Interpol y Zedd.

Vacations estrena “Midwest”

El amor a distancia ahora tiene un himno.

La banda australiana, Vacations, estrenó este 9 de junio la canción “Midwest” que habla sobre las dificultades de mantener una relación a larga distancia cuando las rutinas y actividades marcan una brecha en el amor. 

Esta canción se basa en una experiencia personal de Campbell Burns, vocalista de Vacations, quien reflexiona en “Midwest” sobre sus giras, las distancias y cómo esto ha impactado en su vida amorosa.

Para mí, cada vez que volvía a casa de la gira, todo había terminado. Me sentí como si estuviera atrapado en este ciclo hasta el punto en que se volvió cómico. Mi vida romántica era una broma, y ​​la dualidad entre yo en casa y yo en la gira estaba más separada que nunca", comentó Campbell Burns en un comunicado.

El video de “Midwest” fue grabado en Los Ángeles y en él se presenta a un actor que sostiene conversaciones a distancia a través de una cabina telefónica. El ambiente es caluroso y desértico, como la sensación de ahogo y vacío que se enfrenta en una relación donde la distancia juega un papel decisivo.

El próximo 15 de noviembre, Vacations llegará al Lunario de la Ciudad de México junto a Last Dinosaurs, adquiere tus boletos aquí. 

Dale play a “Midwest” de Vacations aquí.