Blur regresa a los escenarios con dos temas nuevos

Luego de una pausa de ocho años, los de Essex regresan a la escena musical con un concierto impregnado de éxitos y dos temas de su próximo álbum The Ballad of Darren.

Tras el anuncio de su nuevo álbum The Ballad of Darren y luego del lanzamiento de su primer sencillo “The Narcissist”, la banda de rock británica, Blur, regresó a los escenarios con un show que marca, por completo, su retorno a la escena musical en el Colchester Arts Centre de su ciudad natal con un concierto íntimo, que los lleva de vuelta a sus orígenes.

Íconos del britpop, los británicos hicieron de su show en Essex el escenario perfecto para dar muestra de un catálogo impregnado por sus grandes éxitos y, asimismo, sorprender a sus fanáticos luego de ocho años de ausencia, con dos nuevos temas de su próximo material discográfico, mismo a estrenarse este 21 de julio, a través de Parlophone.

Respecto a su primer concierto, y luego de poner en pausa su proyecto al lado de Graham Coxon, Alex James y Dave Rowntree, para seguir construyendo los sonidos vanguardistas detrás de Gorillaz, Damon Albarn ofreció una conferencia de prensa en el Castillo de Colchester, en donde expresó lo siguiente:

Nos imaginamos a Wembley en nuestra forma más pura y sin complicaciones. La intención original, no la que te deja llevar una vez que te conviertes en una gran banda. La forma en que jugamos esta noche (en Colchester) es la forma en que jugaremos en Wembley, pero, con suerte, suponemos que será mejor allí. Pero la intención, la razón por la que lo hacemos, es la misma ya sea aquí o allá”.

Con el estreno de “St Charles Square”, un tema divertido y que formará parte de The Ballad of Darren, Blur abrió el concierto para así tocar, por primera vez en su historia, “Villa Rosie” un track de su álbum Modern Life Is Rubbish (1993) y que dio pauta para desempolvar canciones como “Chemical World”, “Oily Water” y “Popscene”.

Incluyendo en su setlist éxitos como “There’s No Other Way”, “Coffee & TV”, “Song 2”, “Girls & Boys”, “Parklife”, “To the End”, “This is a Low”, “Tender”, “For Tomorrow”, “The Universal”, “Beetlebum” y “Popscene”, un tema que no habían tocado desde 2013, Blur demuestra no haber perdido su esencia en un concierto brillante, emotivo y lleno de britpop.  

Foo Fighters estrena canción y anuncia a Freese como baterista

La canción “Nothing At All” debutó en una transmisión en vivo donde también se anunció a Josh Freese como nuevo baterista de la banda.

El grupo de rock estadounidense, Foo Fighters, realizó el pasado 21 de mayo una transmisión en vivo titulada Foo Fighters: Preparing Music For Concerts donde el grupo, de más de 25 años de trayectoria musical, presentó canciones inéditas y dio la bienvenida al baterista Josh Freese, quien ocupará el lugar del difunto músico Taylor Hawkins.

El video que fue transmitido en vivo se grabó en los estudios 606 de la banda en Northridge, California. Sus más recientes sencillos, “Rescued” y “Under You”, formaron parte del set de ocho canciones que se presentaron con motivo de la gira que la banda está preparando de mayo a octubre de este año. 

Josh Freese, el nuevo baterista de la gira de Foo Fighters, ha tocado la batería para proyectos como The Vandals, Devo, Nine Inch Nails, Paramore, Guns N' Roses, The Offspring y Sting.

Tras el fallecimiento del baterista Taylor Hawkins, debido a un colapso cardiovascular a los 50 años de edad, Foo Fighters anunció que continuará haciendo música y dedicó el próximo álbum de la banda, But Here We Are, a Hawkins.

La transmisión en vivo estará disponible durante 72 horas en Veeps a partir de su estreno. El video incluye el set de canciones nuevas, más los clásicos “All My Life”, “Monkey Wrench”, “Aurora” y un detrás de escenas. Los boletos para la gira de Foo Fighters ya están disponibles

Dale play al debut de “Nothing At All” con Josh Freese como baterista.

Hoy se celebra el World Goth Day

Cada 22 de mayo se conmemora a toda la subcultura gótica en el World Goth Day.

El World Goth Day se lleva a cabo cada 22 de mayo. Durante un día, cada año y en todo el mundo, se reconocen y celebran todas las facetas de la subcultura gótica. Esto comprende todas sus expresiones, desde música y cine hasta arte y moda. Generalmente se organizan varios eventos para conmemorarlo, como fiestas nocturnas y paseos en bicicleta, pero debido a las circunstancias actuales, este año será de manera virtual.

Este día especial comenzó en el Reino Unido y poco a poco fue expandiéndose hasta lograr ser reconocido de manera global. La primera celebración tuvo lugar en 2009 gracias a los DJs de BBC Radio 6, Cruel Britannia y Martin Oldgoth. Ellos fueron quienes acuñaron el 22 de mayo como el día para celebrar el goth cada año.

A pesar de que comenzó cerca de dos décadas antes, fue durante los 80 que la subcultura gótica comenzó a tomar más relevancia gracias a la escena post punk en el Reino Unido. No solo se ve reflejada en la música, sino en literatura, cine, arte y forma de vestir de quienes forman parte de alguna de las ramas pertenecientes al goth.

En la música, algunos de los actos más representativos de este movimiento son The Cure, Bauhaus, Siouxsie and the Banshees, Joy Division, Cocteau Twins y muchos más. El World Goth Day es una oportunidad de hacer notoria la presencia de una de las subculturas más importantes en el planeta, darle un espacio a la celebración y reconocimiento de esta escena que ha aportado tanto a la cultura mainstream.

Celebra desde casa con tus artistas favoritos del género gótico y recuerda que esto sucede cada 22 de mayo. Checa el sitio oficial del World Goth Day y síguelo en Twitter y Facebook.

 

Disfruta de la playlist que armó el equipo Editorial de Indie Rocks!

AQUIHAYAQUIHAY — No Me Busques Donde Mismo

Muchas cosas cambiaron, así que No Me Busques Donde Mismo.

AQUIHAYAQUIHAY está de vuelta, después de un tiempo entre lanzamientos de sencillos y EP´s ahora consolidan la entrega de su más reciente álbum No Me Busques Donde Mismo. El material permite a Jay – lee, Neqer, PHYNX, Zizzy y Nehly expresar su sentir y vivencias a través de 12 canciones que revelan su perspectiva sobre el amor, el éxito, las metas y sus sueños.

No Me Busques Donde Mismo cuenta con temas como proyecto, espacios de descanso, una grabación en acústico y dos colaboraciones con artistas que además de ser parte del medio son grandes amigos de AQUIHAYAQUIHAY; Big Soto y YOSHI se suman a la aventura del álbum para aportar su esencia a este material que es una joya de inicio a fin.  

NoMeBusquesDondeMismo_AQUIHAYAQUIHAY

“NMBDM” abre el mundo que visitaremos en el álbum con rimas potentes y clavadas que reciben los sentidos para justo a la mitad del tema encontrarnos un abanico de sonidos que caen más a la decoración ambiental; una ola suave de sonidos y armonías entre instrumentos y voces que nos recibirán en los siguientes temas. 

La lealtad es una cualidad que conforme pasa el tiempo es más escasa en este mundo, por eso como a manera de guiño al villano Dos Caras, AQUIHAYAQUIHAY presenta “Harvey Dent” un tema que en cada línea se plantea como un diálogo personal en busca de algo más que superficialidad en cualquier tipo de relación. 

AQUIHAYAQUIHAY muestra una vez más su versatilidad con un tema totalmente bailable en “Cerquita Mio”.  A pesar de estar acompañado de una base de sonidos muy al estilo que los identifica, las percusiones complementan el ritmo con un bajo que si o si te harán bailar con tu persona favorita y que el sencillo fue estrenado un par de horas antes de la entrega completa del álbum.  

En la etapa media del material nos encontramos con “1 de 100” que se posiciona como la primera colaboración del álbum con Big Soto y da paso a “B-Day”; sencillo que abrió los primeros pasos de No Me Busques Donde Mismo acompañado de un videoclip y coro adictivo. 

La despedida se siente y prepara el camino a la puerta de cierre al entrar en “Sin Señal” y es que no hay otra manera de describir la sensación que se apodera del entorno al escuchar el sonido de esta canción que alberga la esperanza de volver a un lugar donde fuimos felices. 

Sin duda uno de los temas más nostálgicos viene en “Barcelona” donde se suma YOSHI en colaboración donde el sonido suave de guitarras, bajos y percusiones acomodan el ambiente para que el corazón abra las puertas a liberar los miedos más profundos tras amar a alguien que ahora ya no está.  

“Duelo” es la canción final del recorrido de emociones donde la lealtad, la nostalgia y el amor nos acompañaron para darnos cuenta de que la vida se trata de un movimiento constate. En el caso de AQUIHAYAQUIHAY funciona del mismo modo, las puertas se abren para nuevas aventuras donde cada uno de los integrantes del proyecto dan lo mejor de sí para disfrutar de la música en esta nueva etapa.  

AQUIHAYAQUIHAY celebrará el estreno de No Me Busques Donde Mismo con un recorrido a diversos estados del país y que ya cuenta con dos fechas totalmente agotadas para la Ciudad de México 

Mientras tanto no dejes pasar la oportunidad de escuchar en su totalidad No Me Busques Donde Mismo, álbum que se encuentra disponible en todas las plataformas digitales. Esperamos verte pronto en alguna de las fechas para disfrutar del álbum y otros temas completamente en vivo, además te invitamos a seguir cada uno de los próximos pasos de AQUIHAYQUIHAY a través de Indie Rocks!. 

¡Cállate Morrissey!

¿Alguien tiene idea de lo que debemos hacer con Morrissey?

El cantante británico cumple 60 años y a pesar de toda la experiencia, su carrera sigue siendo un mar violento en el que la polémica y los ataques muchas veces superan a lo musical. Esa actitud franca y tajante siempre ha sido una arma de doble filo, pero con toda la práctica, el músico ya debería dominar su posición en el ojo del huracán o simplemente salir de ahí.

Con los años, las declaraciones de Morrissey se han vuelto más ofensivas y aberrantes. El interprete parece ajeno a su lado humano y de la misma realidad. Su incapacidad de sentir afecto o comprender el dolor de una tragedia es lo que le permite al británico comparar una masacre en Noruega con el consumo de animales en la comida rápida sin ningún problema.

Claro, también hay que decir que muchas de las causas por las que pelea Moz tienen un impacto beneficioso. Al músico le podemos aplaudir sus ataques a la realeza británica, a figuras políticas como Margaret Thatcher, su lucha en favor de los derechos de los animales y su apoyo al veganismo, que cada vez parece más necesario. Muchas de sus opiniones nos dejan con un muy mal sabor de boca.

La mesura es justo lo que necesita el cantante, pues puede hablar sobre el maltrato animal sin equipararlo con el abuso infantil o ataques terroristas. Puede que al músico no le afecten las tragedias humanas, pero le haría bien contar hasta 10 antes de hacer una declaración.

Pero en la lista de los errores de Moz no solo hay opiniones polémicas, también el cantante ha hecho comentarios que promueven la discriminación y el sexismo. Decir que los chinos son una subespecie y sospechar sobre los casos de víctimas de acoso sexual en la industria del entretenimiento son cosa aparte. También, su apoyo al brexit como medida contra los inmigrantes es algo que soportar.

El racismo y la misoginia no tienen justificación, sin importar quién seas, así que si alguien decide no volver a escuchar su música es totalmente justificable. Pero ¿Qué hay de aquellos que no logran soltar y quieren mantener la música de Morrissey en sus vidas?

Este texto es un triste intento por hacer recapacitar al músico británico, en realidad es un llamado a todos sus seguidores. Cada vez se hace más difícil llamar a Moz uno de nuestros ídolos, pues nos llueven preguntas de amigos y familiares sobre lo que pensamos de sus recientes acciones. En realidad, como fans no tenemos que estar de acuerdo con sus declaraciones y mucho menos justificar comentarios que sin duda son desagradables. La única solución es aprender a vivir con su presencia: disfrutar de su música sin avergonzarnos e ignorar sus ideas políticas. Aún así, a veces surge la necesidad de gritar: ¡Cállate Morrissey!

Foals en el Pepsi Center WTC

Una entrega total al frenesí musical del proyecto de Oxford. 

Después de unos cuantos meses desde la última presentación de la banda inglesa en nuestra capital, Foals regresa a la Ciudad de México para dejar una presentación legendaria en los libros del Pepsi Center WTC. Su vuelta también representa la reincorporación de una de sus piezas medulares en su alineación, el bajista Walter Gervers, quien se unió justo a tiempo para tocar en suelo mexicano y disfrutar de esta gran gira junto a Yannis Philippakis, Jack Bevan y Jimmy Smith.  

La noche comenzaba con el caos de la lluvia que inundaba las calles aledañas al Pepsi Center WTC, la gente que esperaba a sus amigos dejó su lugar para escapar de la lluvia y entrar al foro. La pista se encontraba llena de personas empapadas y piso mojado, lo que generó un calor insoportable por unos 30 minutos, hasta que las luces se apagaron por primera vez para dar oportunidad de que Niño Viejo subiera al escenario. 

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Directo desde Mexicali, el estilo frenético e irónico del rock panchero de Niño Viejo levantó el ánimo del público con la interpretación de temas como “Ya no puedo más”, “Pocos Huevos” y “Fuimos Pop”. Se debe reconocer la capacidad de Baruch Argil para conectar con la audiencia y hacerlos parte de su viaje melancólico dominado por el folk y el garage rock, el vocalista no desaprovechó ningún momento para platicar con todos y hasta hizo de un falso arranque del baterista, un momento agradable y divertido. Gran manera de comenzar la noche. 

Sin darnos cuenta, habíamos llegado al final del set de Niño Viejo, la gente ya no se quejaba del calor y se recorría cada vez más hacia adelante, todos queríamos estar lo más cerca posible del escenario, formar parte de él y disfrutar de una gran noche junto a Foals. Algo era seguro, la amargura de la lluvia se quedó afuera y el Pepsi Center WTC solo sería inundado por la potencia musical del proyecto de Oxford, y en punto de las 20:33 H, las luces se apagaron y con un espectáculo de luces increíble, Yannis y compañía tomaban el escenario con los primeros acordes de “Wake me up”

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El inicio del concierto fue una declaración de todo lo que se avecinaba pasando por “The runner” y “2001”, un frenesí sonoro interminable, dominado por la voz de Yannis y los acordes lisérgicos de las guitarras del mismo vocalista y de Jimmy Smith. Para terminar esta primera parte del concierto, el frontman se tomó un momento para recordar que Walter Gervers se reincorporaba a la alienación, mientras comenzaba “Blue blood”, tema en el que se le dió un espacio a Walter para lucir sus habilidades con el bajo y dejar en claro que su regreso era definitivo. 

De este modo llegamos a un momento en el que solo importaba bailar sin detenernos, el viaje musical de Foals nos movía entre lo más reciente de su discografía y sus primeros pasos como una banda que buscaba ganarse su lugar dentro de la memoria del público mundial. Recorrimos temas como “2am”, “In degrees”, el clásico “My number” y “Black gold”, siempre con una energía de locura del frontman Yannis, quien dirigía al público como un director de orquesta buscando que todos tuviéramos una noche inolvidable. 

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Por un momento todo se detuvo y la banda se dirigió al público para agradecer nuestra asistencia y decir “amamos tocar en México, porque ustedes son increíbles y su energía es incomparable”. De fondo a estas palabras comenzaba a sonar “Spanish Sahara”, lo que culminó en uno de los momentos más especiales de la noche, con un público totalmente entregado y cantando cada palabra del clásico tema del álbum de 2010, Total Life Forever.  

Pasamos por los temas “Olympic Airways”, “Milk & Black Spiders” y “Late nigth” para llegar a la recta final del concierto, un final que sería caracterizado por un ritmo más acelerado y en palabras del frontman, “pura música ruidosa” con la interpretación de “Black Bull”  y el épico cierre del concierto con “Inhaler” canción que más se extendió con un Yannis que bajaba del escenario para abrazar a los fans que estuvieron desde temprano esperando entrar para tomar su lugar hasta adelante de las barricadas. Final frenético y asombroso por la entrega de la banda con su público. 

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Entre gritos de “olé olé olé, Foals Foals”, la banda regresaba al escenario para entregar el encore que comenzaba con “Mountain at My Gate” y “What went down”, dos temas que fueron coreados por todos los presentes en agradecimiento por el gran concierto que se nos había entregado. De esta manera llegamos al final, regresando a los inicios de Foals, quienes cerraron con la interpretación de uno de sus primeros hits proveniente del Antidotes  y que se ha vuelto un clásico atemporal de la  banda, “Two Steps Twice”, generando una locura increíble en la que ya la mojada del inicio no importaba, el frío de la salida aún no existía y solo éramos nosotros y uno de nuestros proyectos más queridos de la actualidad. 

Semana IR! 2023: Lucrecia Dalt + Camille Mandoki en el Foro Indie Rocks!

Noche mágica dónde reinó la experimentación.

Como parte de los talentos que este año formaron parte de la Semana IR! 2023 podemos destacar que, dentro de la amplia gama que todos ofrecieron; la experimentación es el hilo conductor que formó parte de estos conciertos. Lucrecia Dalt fue la encargada del cierre de este ciclo. Aunque el publicó terminó extasiado por la experiencia, estuvo claro que la sorprendida fue la compositora, que encontró una recepción de un publicó que pedía más.

La noche inició en punto de las 20:30 H con una tímida y misteriosa Camille Mandoki acercándose a su set, que lo mismo abarcaba sintetizadores, computadora, una pedalera y todo lo necesario para preparar algo que nadie se esperaba: un set que fue de la más simple experimentación a una compleja sección de secuencias que acompañaban a una compositora con ganas de desafiar al publico a través de un performance que fue in crescendo. Actualmente la artista multimedia trabaja en una pieza en vivo que mezcla, música, escritura, actuación y performance. Podría parecer que fuimos conejillos de indias pero, contrario a lo que sucede cuando se presenta material inédito, aquí la gente quedo cautivada ante una artista que se limito a dar las gracias mientras presentaba a Lucrecia Dalt, una artista que ella admira.

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Mientras se hacían unos pequeños ajustes a los instrumentos pudimos escuchar algunos boleros y danzones clásicos de fondo, cosa rara de escuchar en el Foro IR!, pero que dio el sabor necesario para lo que se venia. Sin mucho aspaviento Lucrecia y el encargado de percusiones Alex Lázaro se acercaban al escenario para  iniciar con "El Galatzo". Sobra decir que el publico ya estaba entregado desde el minuto uno, pero no todo inicia siempre con el pie derecho. Al terminar esta canción Dalt pidió un poco de calma por que había que resolver un problema con el sonido. Este tipo de detalles (inadvertidos por el publico) es una prueba del nivel de rigor que requiere presentar un material de estas características.

Minutos más tarde todo resuelto y ahora sí, listos para escuchar ¡Ay! en su totalidad. Ya en entrevista con la músico, ella comentó el ejercicio de expandir lo más que se pueda el sonido de este disco. Para ello las canciones tienen una mayor duración, pero las secuencias, los cambios de voz y  los arreglos dan paso a un show mucho más orgánico que sin duda se construye a partir de una sección de percusiones, que espera el momento adecuado para elevar cada uno de los temas aquí presentados. Alex y su set de baterías ocupan todo el espacio y están al servicio de la cantante, que sin duda comanda este viaje sonoro. Mención especial, que haya un breve espacio para recordar lo hecho en su anterior trabajo No era Solida, con el tema “Ser boca”.

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Si bien por lo general Lucrecia se encuentra manejando la consola, también hay espacio de interacción el público, cantando y acercándose al público para hacer contacto.  "Atemporal", "La Desmesura" y "Contenida" fueron algunos de los puntos altos de la noche, no solo por el histrionismo de los músicos en escenario, si no por que la gente se dio la oportunidad de bailarlas, uno de esos momentos en que la atención paso a segundo plano y el cuerpo tomó protagonismo, dentro y fuera del escenario.

Al final Lucrecia salía del escenario, entre porras, gritos, gente pidiendo “¡otra otra!”. Al final el dúo regresa al escenario toca todavía con más soltura (al final del día el show ya había terminado) y se despiden con una sonrisa de la Ciudad de México. Nuevamente las porras se escuchan “¡Lucrecia, hermana, ya eres mexicana!” … por si ella no lo había notado, de ese tamaño es la conexión que su música es capaz de lograr, bienvenida a casa.

A 10 años de 'Random Access Memories' de Daft Punk

Ram y el Arriesgado viaje de Mezclar lo Viejo con lo Nuevo.

Let the music in tonight

En 2013, Daft Punk nos sorprendió con el lanzamiento de su cuarto álbum de estudio, Random Access Memories. No por ser una nueva entrega, más bien por el resultado final. Este LP dividió opiniones en su momento. ¿Por qué el dueto se enfocaría más en el pasado y no en el presente o futuro? Tuvo sus detractores al centrarse en instrumentos musicales y sonidos funk disco de los setentas y no tanto en la parte electrónica. ¿Acierto o error? 10 años después y con el fin de Daft Punk, ya tenemos una mejor perspectiva.

(Just turn on the music) 

Lo que hace de Random Access Memories un álbum especial es su audacia y la manera en se atrevieron a usar los sonidos del pasado con su característico estilo. En lugar de conformarse con la fórmula que los había llevado al éxito, el dúo francés decidió embarcarse en una aventura musical arriesgada. Se sumergieron en el mundo de los setentas y se rodearon de una impresionante lista de colaboradores, incluyendo a legendarios músicos como Julian Casablancas, Nile Rodgers, Giorgio Moroder, Paul Williams y Pharrell Williams para lograr su cometido.

Let the music of your life 

El resultado es un álbum que fusiona de manera magistral la electrónica con géneros como el funk, el soul y el disco. Canciones como "Get Lucky", “Give Life Back to Music”, "Lose Yourself to Dance" y "Instant Crush" se convirtieron en clásicos instantáneos y resonaron en las pistas de baile, celulares y las radios de todo el mundo (con sus respectivos memes). Estos temas capturan la esencia de la música disco de los años 70 y los reviven con un enfoque fresco y contemporáneo. Es, tal vez, una carta de agradecimiento a sus influencias.

(give life back to music)

Sin embargo, Random Access Memories va más allá de su impacto comercial. Daft Punk mostró una meticulosa atención al detalle en cada canción, desde los intrincados arreglos hasta la elección de los instrumentos y sonidos. Cada pista es una experiencia auditiva completa y sumamente gratificante. Y con los bits que nos han regalado en su canal de YouTube, podemos conocer un poco de su forma de trabajar.

Let the music in tonight

Además, RAM es una muestra de cómo las influencias y la creatividad nos llevan a buscar nuevos terrenos por mera curiosidad. El dúo utiliza extractos de entrevistas con figuras icónicas como Giorgio Moroder para agregar una dimensión narrativa al álbum. Estos momentos hablados resaltan la importancia de la música en nuestras vidas. 

(Just turn on the music) 

A 10 años de su lanzamiento, RAM sigue siendo relevante y continúa influyendo en la música electrónica y más allá. Su legado perdura en la forma en que ha desafiado lo que se espera de un artista y ha demostrado que la música electrónica puede ser profunda, emocional y trascendente. Es un álbum que ha dejado una marca indeleble en la música. Daft Punk se arriesgó a mezclar lo nuevo con lo viejo y el resultado es un legado que sigue resonando en la industria musical hasta el día de hoy.

Conéctate al IG Live de Aquihayaquihay

¡Checa todos los detalles de su gira por México!

La banda mexicana Aquihayaquihay está por embarcarse en la gira No me busques donde mismo tour, que recorrerá los éxitos de su trayectoria y las nuevas canciones del álbum lanzado el 12 de mayo de este año, que tiene el mismo nombre que la gira. 

AQUIHAYAQUIHAY-2023

El R&B y hip hop al estilo mexicano de Jay Lee, Neqer, Phynx, Zizzy y Nehly, llegará a diferentes lugares de México durante el mes de junio: CDMX, Guadalajara, León, Puebla, Querétaro, Toluca, Monterrey y Tijuana.

Entérate de los detalles en el IG Live de Aquihayaquihay este lunes 22 de mayo a las 14:00 hrs en Indierocks Magazine.

Solo Fernández da un viaje por “Brooklyn”

Capaz de llevarte al sentimiento de caos y eliminar el ruido en todas partes.

El trío naciente de República Dominicana prepara su regreso y nos da el primer adelanto con “Brooklyn”, un tema inspirado directamente en sus influencias neoyorquinas y el movimiento que hay en ellas.

Algo que Solo Fernández describe como una canción capaz de levantarte el ánimo y llena de vitalidad, narra el sentimiento de una sola persona cambiando tu percepción de un mundo caótico a tu alrededor. Ya no hay ruido, tu ciudad es donde él o ella esté, su presencia es lo único que importa.

Este nuevo material se conforma de algunas ideas que generamos mientras estuvimos por México y otras que fueron fluyendo en Vibrar Studio (Santo Domingo) que es nuestra casa creativa y donde actualmente estamos produciendo el disco”, comentó la agrupación en un comunicado de prensa.

Previo al lanzamiento de su nuevo disco, la banda estrena también el video musical que acompaña a “Brooklyn”, y que, ambientado con una cámara análoga, llena de colores vibrantes los ojos del espectador, mostrando en el a los integrantes haciendo todo y nada aparentemente, de fondo con el sonido dreamy e instrumental de la rola.