Corona Capital 2016: The Killers, HAIM, Pet Shop Boys...

Otra mirada, más escenarios, y diferentes emociones en el día 1 del Corona Capital.

Trump ganaba la presidencia de Estados Unidos, no había rastros del criminal exgobernador de Veracruz con licencia Javier Duarte, se firmaba un acuerdo de paz entre el gobierno colombiano y las FARC, se estrenaba la nueva película del universo de Harry Potter, la OMS levantaba la emergencia sanitaria global por el zika, mientras que en la Ciudad de México se celebraba el Buen Fin y la sexta edición del Corona Capital.

50 bandas que venían de 12 países de América, Europa y Oceanía se presentaban en la curva 4 del Autódromo Hermanos Rodríguez. 25 bandas eran de EUA, 10 de Inglaterra; las demás se repartían entre Francia, Alemania, Canadá, Nueva Zelanda, Suecia, Bélgica, Gales, Irlanda, Escocia y Australia. 15 actos eran de puras chicas. El rock en sus derivados y la electrónica eran los géneros predominantes. Había un solitario acto de hip hop.

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El clima, como siempre, jugaba una mala pasada: estaba nublado y hacía frío. Algunos asistentes, incautos como siempre, no iban preparados para estas condiciones, a pesar de que todos les dijeron que fueran preparados. La cerveza era la bebida predilecta. Los baños, como siempre, tenían largas filas esperando entrar.

Parquet Courts dio el toque inicial en el escenario Corona Light ante unos cuantos asistentes. Human Performance, su más reciente y mejor álbum era su carta de presentación. “Qué onda México, somos Parquet Courts” dijeron antes de iniciar. Era su primera vez en la Ciudad de México y se estrenaron con el pie derecho provocando euforia y con canciones como “Dust”, “Human Performance”, “Outside” y un moshpit en “Borrowed Time”.

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Foto Parquet Courts: Lulú Urdapilleta / OCESA

Mientras ellos terminaban, The Struts tocaba en el escenario Doritos. Desde inglaterra, llegaron para poner un ambiente glam rockero en un acto muy bueno lleno de energía gracias a la fuerte presencia escénica de Luke Spiller, el cantante de la banda, que parecía una mezcla de Steven Tyler y Freddie Mercury. Los asistentes movían las manos y cantaban coros cuando Luke lo pedía. Presentaban su primer disco, Everybody Wants. Uno de los mejores actos del sábado.

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Foto The Struts: Chino Lemus / OCESA

Dan Griffith, también conocido como Gryffin, puso a bailar a los asistentes de la carpa Levi’s, en un show con una excelente mezcla de sonidos y luces.

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Marian Hill por su parte, salió al escenario con poca ropa, a pesar del frío. La acompañaban un tecladista y un saxofonista. Fue un show muy erótico gracias a los movimientos de la cantante y canciones como “Got It”, “I Want You” y “One Time”. El show dejó un muy buen sabor de boca entre el público.

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Los celulares y tablets hicieron su ya famoso acto de presencia en festivales y conciertos, robándoles la atención a los músicos que daban todo de sí sobre el escenario. Había también algunos juegos y distracciones que les daban pelea a los músicos. Las bandas y artistas iban acompañados de escenarios sencillos: proyecciones, luces y humo era lo único que necesitaban. “Thank You” y “Gracias, México” eran las frases predilectas por los artistas para dirigirse al público.

La bella y divertida, Cloves, dio un concierto muy íntimo y tranquilo en la Carpa Levi’s. Canciones como “Don’t Forget About Me”, “Everybody’s Son” y “Better Now”, fueron del agrado del público.

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Foto Cloves: José Jorge Carreón / OCESA

A las 6 se empezaron a llenar los escenarios. Cada quien elegía su acto favorito. Tegan  and Sara se presentaron ante un escenario lleno. Tercera vez en México. Su buen humor y energía contagiaron al público. Fue un gran show, muy emotivo, puso a brincar a todos con “Closer”, “Boyfriend” y “Walking With A Ghost”. Dieron una pausa y hablaron sobre el temor y el enojo hacia Donald Trump. El público se les entregó.

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En el escenario de enfrente Courtney Barnett hacia acto de presencia junto a su baterista y bajista. Un show trepidante e increíble. Courtney es una presencia escénica muy fuerte. “Debbie Downer”, “Pedestrian At Best” e “History Eraser” sonaron increíbles.

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Desde Edimburgo, Escocia, llegaron Young Fathers: un grupo de hip hop que dio un gran show, posiblemente una de las mejores sorpresas del sábado. Una locura total. Las personas que estaban en la carpa Levi’s estaban impresionadas.

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Fotos Young Fathers: Diego Figueroa @Halofive

Por su parte, Unknown Mortal Orchestra, volvió a dar un gran concierto, al igual que en el 2015 en el SALA. No podían faltar “Multi-Love”, “Can’t Keep Checking My Phone” y “First World Problems” para poner a bailar a todos.

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Fotos Unknown Mortal Orchestra: Diego Figueroa @halofive

Con Fischerspooner todo fue una fiesta. La energía que se generó en su presentación podía alimentar las necesidades eléctricas de Las Vegas. Mencionó que le avergonzaba la situación de EUA y el triunfo de Trump. “I Don’t Want A Wall” dijo, todos gritaron.  “We’are All The Same. Defend Your Freedom", remató. No faltaron éxitos como “Emerge”,”Never Win” y “Cloud”. De lo mejor del Corona Capital 2016.

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Foto Ficherspooner: José Jorge Carreón / OCESA

La presentación de HAIM fue un éxito total. El sonido fue increíble. Solos de guitarra, riffs y ritmos acelerados de batería. Todos celebraron canciones como “The Wire”, “Forever” y “Falling” de su álbum Days Are Gone.

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Terminando le tocó a los Pet Shop Boys: uno de los headliners más esperados por el público. Con lásers, luces, globos y proyecciones cautivaron al público en un acto lleno de nostalgia al dar un repaso a su discografía. Éxitos como “Always On My Mind”, “Go West”, “It’s A Sin”, “West End Girls”, entre muchos más prendieron al público. “México, you are fabulous” dijo el gran Neil Tennant. Su presentación estuvo a la altura de lo que se esperaba.

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Fotos Pet Shop Boys: Diego Figueroa @halofive

Fue un día muy frío, pero lo curioso es que varios músicos llevaban ropa ligera, parecía no afectarles las condiciones climáticas, al igual que varios asistentes que parecían inmunes al frío. Por fortuna no llovió: las nubes solo estaban de adorno al igual que muchos botes de basura, ya que muchos preferían tirar su basura donde fuera.

Para cerrar actividades en el escenario Corona llegaron The Killers. Hubo toda una movilización de personas para ver su acto. No faltaron los empujones para pasar más adelante. “¿Qué pasó, Chilangos?, ¿están listos para el gran evento, dijo Brandon Flowers para desatar la euforia. Una gran K y juegos pirotécnicos acompañaron su concierto. Entre covers a Joy Division, Elvis Presley y The Beatles, tocaron sus más grandes éxitos. “Human”, “Somebody Told Me”, “When You Were Young” Y “Mr. Brightside” fueron coreadas al unísono. “México, les queremos. No importa quién sea nuestro presidente. Todos somos hermanos y hermanas. Todos somos americanos”, sentenció Brandon antes del encore. Un concierto sorprendente que mantuvo a todos saltando gracias a la entrega total de la banda.

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El primer día del Corona Capital fue espectacular. Tuvo variedad y calidad. Parquet Courts, The Struts, Fischerspooner, Young Fathers fueron gratas sorpresas, algunos de los mejores actos del sábado. Los headliners estuvieron a la altura y dieron grandes shows. La organización del evento fue buena y el sonido fue excelente.  Un día frío, pero no detuvo la emoción de los asistentes.

Lee en este enlace nuestra otra reseña del primer día de actividades del #CoronaCapital16 con Air, Animal Collective y más...

 

The Killers anuncia disco navideño

Escucha el intro de la nueva canción de The Killers.

Desde hace ya una década, The Killers ha lanzado una canción navideña al llegar los últimos meses del año. Hemos podido escuchar canciones como “Christmas in LA”, “I Feel It In My Bones” y “Happy Birthday Guadalupe”.

Ahora, para no perder la bonita tradición, la agrupación originaria de Las Vegas ha decidido recopilar dichas melodías además del nuevo corte, “I’ll be Home For Christmas”, cover a Bing Crosby, en un álbum llamado Don’t Waste Your Wishes.

Este material beneficiará a (RED), una fundación de Bono y Bobby Shriver que tiene el objetivo de unir a las personas y a los negocios a favor a la lucha contra el VIH.

Don’t Waste Your Wishes saldrá a la venta el 18 de noviembre en su formato digital, mientras que el CD llegará a las tiendas a partir del próximo 9 de diciembre.

Escucha aquí la intro hablada por Brandon Flowers para “I’ll Be Home for Christmas” y más abajo te dejamos el arte del disco y la lista de canciones. No olvides leer nuestra entrevista con The Killers.

the killers don't waste your wishes

The Killers - Don't Waste Your Wishes

01. A Great Big Sled
02. Don’t Shoot Me Santa
03. Joseph, Better You Than Me
04. “¡Happy Birthday Guadalupe!”
05. Boots
06. The Cowboys’ Christmas Ball
07. Feel It In My Bones
08. Christmas in LA
09. Joel the Lump of Coal
10. I’ll Be Home for Christmas

Jim James comparte el video "Here In Spirit"

Jim James comparte el videoclip de una de las canciones más emotivas del disco Eternally Eleven.

Hace unos días, Jim James de My Morning Jacket se metía en la controversia política tras lanzar la canción “Same Old Lie”, una contribución para el sitio 30 Days, 30 Songs, tal vez uno de los pocos temas que no atacaban directamente a Donald Trump, pero que aún así era una protesta en contra de los ideales segregacionistas del ganador de las elecciones de Estados Unidos. Ahora el cantante vuelve a la polémica con el video de “Here In Spirit”, tema que pertenece a su segundo álbum de estudio, Eternally Eleven, que salió el 4 de noviembre a través de Capitol Records.

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La canción fue escrita después de que Jim James se enteró del tiroteo de Orlando, pues se sentía devastado por toda la violencia que hay en estos momentos. Esto fue lo que dijo el artista sobre su nuevo material: “En momentos como estos es fácil enfadarse y dirigir nuestra tristeza hacia espacios vacíos, pero tenemos que tratar de mantenernos positivos, seguir trabajando y hablar por la paz, el amor y la igualdad. Necesitamos llegar a aquellos con los que no estamos de acuerdo y encontrar un terreno común. Debemos luchar contra la división y conquistar técnicas que están funcionando tan bien para mantenernos alejados del amor universal.

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El video fue dirigido por Andy Hines y en este se muestran escenas de fraternidad como un policía abrazando a un jóven afroamericano quien sostiene un letrero con la frase: Black Lives Matter. Esto en conjunto con los paisajes naturales crean una sensación de afecto y simpatía generalizada.

Conoce más sobre Jessy Lanza

Síguele la pista a Jessy Lanza.

Hablar de Jessy Lanza nos transporta a diversos escenarios, a veces muy tranquilos con sintetizadores sutiles y una voz suave, otras con percusiones más intensas que tu cuerpo difícilmente puede ignorar.

Esta artista de origen canadiense tiene la habilidad de mezclar elementos del funk, soul y R&B, y apropiarse de ellos con los registros altos de su voz, creando temas que pueden hacer bailar o que te llevan a entornos mágicos.

La música siempre ha sido una parte importante en la vida de Jessy Lanza, ya que antes estudiar jazz en la prestigiosa Universidad Concordia, creció escuchando a Janet Jackson y a Paula Abdul mientras tocaba el piano y el clarinete y, antes de entrar de lleno en su carrera de cantante y productora, fue maestra de música.

Lanza estrenó su álbum debut Pull My Hair Back en 2013 y con este material logró que la crítica pusiera atención en su propuesta, que incluso la hizo acreedora a una nominación para el Polaris Music Prize de 2014. Ese mismo año, trabajó con Caribou para su sexto disco Our Love.

Dos años más tarde, llega Oh No que, por segunda ocasión, gana una nominación para el Polaris Music Prize de 2016. De éste álbum hemos podido escuchar sencillos como “It Means I Love You” y “VV Violence”.

Jessy Lanza es un claro ejemplo de cómo darle un giro distinto a la música pop con calidad, tanto musical como lírica y que además permite a quien la escuche explorar distintas texturas que logran de la canadiense una garantía de satisfacción musical.

Justice estrena su disco 'Woman'

Escucha aquí en su totalidad Woman, la nueva entrega de Justice.

La espera ha terminado y hoy, después de cinco años, Justice por fin ha lanzado Woman, el esperado sucesor de su álbum de 2011 Audio, Video Disco. a través del sello Ed Banger y Because Music.

Como pudimos escuchar en los pasados cortes extraídos, “Randy”, “Alakazam!” y “Safe and Sound”, Woman está fuertemente influenciado por la música de los años setenta, desde arreglos con cuerdas y armonías pegajosas. Recordemos que en julio, "Safe and Sound" tuvo su premiere en una fiesta de Ed Banger en un DJ set de Busy P.

Woman ya está disponible a través de las diferentes plataformas de streaming como Spotify y Apple Music, abajo te lo dejamos para que le des play las veces que quieras o si lo prefieres, puedes comprar el álbum aquí.

Justice ha sido galardonado con diversos premios y han logrado colocarse entre los mejores sitios de popularidad gracias a sus fuertes influencias del disco, house y rock.

No olvides seguir a Justice en su Facebook oficial.

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The Weeknd estrena dos canciones

The Weeknd compartió "I Feel It Coming" con Daft Punk y "Party Monster" con Lana del Rey, todo esto para promocionar su disco Starboy.

Después de incitar el entusiasmo en redes sociales con la expectativa de un nuevo tema, el cantante canadiense nos ha sorprendido una vez más con otra colaboración de Daft Punk y una canción con Lana Del Rey. Estos se unen a “Starboy” y “False Alarm”, dos avances del próximo disco de Abel Tesfaye, que saldrá el 25 de noviembre.

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La primera canción que sacó The Weeknd el día de hoy se titula “I Feel It Coming”, la cual, al igual que su primer sencillo, tiene la contribución del dúo francés. Esta es una combinación que ha dado buenos resultados, pues el primer sencillo promocional del intérprete ya es una de las más reproducidas en servicios de streaming.

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El segundo tema es “Party Monster” que, aunque no se menciona en el título, cuenta con la aparición de la neoyorquina Lana Del Rey haciendo coros en los últimos minutos de la canción. Esta tiene una letra bastante peculiar, pues hace mención de la actriz Angelina Jolie y la fallecida cantante Selena.

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También se sabe que en el tercer álbum de estudio de The Weeknd participará Kendrick Lamar, por lo que muchos seguidores tienen la esperanza de que “Sidewalks” se estrene en los próximos días como último adelanto.

PREMIERE: Wolfy estrena el video de "Vamos Al Infierno"

Wolfy comparte con nosotros en exclusiva el video para el sencillo "Vamos al infierno".

Wolfy es un proyecto de Eddie González, músico y compositor que trabajó con Plastilina Mosh y formó parte de Jumbo. Idea que surgió debido a la naturaleza del regiomontano, pues la inquietud del artista por expresar sus ideas lo obligó a tomar esa audaz decisión en 2011.

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El primer álbum ya está a la venta desde hace unas semanas, pero hasta hoy es estrenado el video del primer sencillo, llamado “Vamos Al Infierno” a través de Indie Rocks!. Este tema fue producido por Gordon Raphael, quien ha colaborado con Blonde Redhead, Regina Spektor y The Strokes. Además de contar con el talento de músicos bien experimentados como Rulo García, Cliff Arlovsky y Alfredo Ureña, elegidos por Eddie por su deseo de que el grupo fuera integrado por amigos. Un acierto para Wolfy pues la camaradería y comodidad los llevó a grabar todo un álbum en solo una semana.

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El video de estuvo a cargo de Roger “Bull” Camarena, pues hizo el trabajo de director, editor y camarógrafo. Hay tomas llenas de movimiento y llenas de exaltación, algo que se ajusta de buena manera al sonido de la canción pues mezcla el ritmo del dance punk con algunos sonidos cercanos al new wave. De hecho el líder de la agrupación considera que las influencias más importantes de este proyecto son The Bravery, Placebo, Jesus and The Mary Chain y Joy Division.

Hace mucho que no escuchábamos algo con tanta energía, así que estamos muy felices de presentar el video de "Vamos Al Infierno", el cual puedes ver justo aquí:

Entrevista con The Killers #CC16

The Killers, festejando el pasado y viendo al futuro.

Una de las bandas más importantes de nuestra generación, The Killers, encabeza el Corona Capital 2016 después de una ausencia de casi cuatro años en nuestro país. Además, los originarios de Las Vegas están festejando este año el décimo aniversario de Sam’s Town -el disco que los convirtió en lo que son ahora– mientras se encuentran trabajando en su nuevo álbum. Sobre esto y más, platicamos con Ronnie Vannucci, baterista del cuarteto.

El 3 de octubre del 2006 fue lanzado al mercado Sam’s Town –segundo material de la banda– y aunque el álbum debut (Hot Fuss) fue un gran éxito y uno de los mejores discos del 2004, pocos previeron la trascendencia de este trabajo –que incluye himnos como “Read My Mind”, “When You Were Young” o “For Reasons Unknown”– de hecho, ni la propia banda: “Nosotros buscábamos el éxito, pero no estábamos seguros de qué esperar, pues el disco tuvo un leve desvío del álbum anterior. Nos recuerdo confiados y orgullosos de nuestras canciones”. Aunque los cuatro discos de la banda han logrado el número 1 en el Reino Unido, en Estados Unidos ninguno ha alcanzado esa posición, siendo Sam’s Town el más cercano al llegar al nada despreciable número 2.

Para festejar el décimo aniversario, la banda dio dos conciertos en el ahora célebre casino del mismo nombre donde tocaron el álbum de principio a fin, y aunque curiosamente durante la gira previa no lo hicieron, y seguramente en la Ciudad de México tampoco lo harán, al sugerirle la idea a Ronnie dijo: “Pondremos la idea en el sombrero y veremos qué pasa”. Seguramente fue una respuesta amable, pero lo que sí es un hecho, es que al menos la mitad del disco sí sonará en el Autódromo Hermanos Rodríguez.

10 años después, la banda se encuentra trabajando en su quinto álbum de estudio, aunque hasta el momento es difícil decir algo de este, de su sonido, sus letras o cualquier indicio de por dónde irá: “No puedo decir nada, no ahora. Arruinaría la sorpresa”. Anteriormente, Vannucci comentó que al entrar a grabar un disco, la banda siempre llega de una dirección y termina en otra, al cuestionarle cuál era la dirección actual de la banda, él comentó: “Estamos explorando distintas maneras de tocar una canción y estamos divirtiéndonos experimentando con el sonido. Sigue siendo muy pronto para darte una idea de qué esperar”.

Lo anterior realmente da para soltar la imaginación, pues aunque The Killers siempre ha mantenido un sonido característico, a lo largo de sus cuatro álbumes la banda ha experimentado leves pero concisos cambios en su sonido, desde las canciones con muchos teclados y efectos en Hot Fuss, (“Smile Like You Mean It”, “On Top”, “Believe Me Natalie”,  pasando por los sonidos tropicales de Day & Age (“Losing Touch”, “Joy Ride”), hasta llegar al cuasi heartland rock de Battle Born (“Runaways”, “The Way It Was”, “The Rising Tide”).

Es justamente este trabajo el que mejor sirve de ejemplo sobre la evolución de The Killers y el cómo llega a ello en cada disco; en Battle Born, se puede escuchar que, consciente o inconscientemente, la banda abrazó totalmente la influencia de Bruce Springsteen, dejó un poco la grandilocuencia y Brandon y compañía se dedicaron a contar historias cotidianas de amor a través de carreteras y desiertos; además decidieron cantarle aún más a la clase trabajadora de su país, justo como “The Boss” sabe hacerlo. Ese camino no fue precisamente el mejor comercialmente hablando, pues ese género se ha hecho viejo junto con sus fans y sus principales exponentes –el propio Springsteen, Tom Petty o Bob Seger– y es algo que en general no está dentro del radar de nuestra generación ni mucho menos de las siguientes. Sin embargo, Ronnie está interesado en otra cosa: “La música es, ha sido y será siempre subjetiva. No tengo un medidor para ver en lo que anda la gente a nivel masivo, y si lo tuviera no lo usaría. Estoy interesado en un momento a futuro. También estoy interesado en mis propios límites con esta banda. Ese deseo es independiente de lo que cualquier generación piense, es personal. Me siento afortunado de que la gente sepa quiénes somos como banda y aún más afortunado de que la gente disfrute la música que hacemos”.

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Varios medios y periodistas han dicho que el principal factor para que Donald Trump ganara las elecciones fue el hartazgo de la clase obrera que dio su voto al candidato republicano, esa clase obrera a la cual le cantaba Springsteen y recientemente The Killers; sin embargo, es bueno aclarar que al menos en la banda y en Ronnie, no existe racismo ni antipatía por los mexicanos: “México siempre ha sido especial para nosotros. Hay una fuerte cultura mexicana en la costa oeste que personalmente disfruto mucho. Tengo muchos amigos mexicanos”. Sobre su próximo viaje a la Ciudad de México para tocar en el Corona Capital, comentó: “Es bueno ir de nuevo al país y experimentar una versión más robusta, espero pasarla bien tocando para todos ustedes”.

Y, ¿cómo no pensar que México es especial cuando somos el segundo país con más seguidores de la banda en Facebook? Así es, solo después de Estados Unidos: “Eso es lindo de escuchar. Creo que las redes sociales son como un gran vaso de leche con chocolate: un poco al momento adecuado puede ser realmente satisfactorio; mucho, lo vomitarás. Ten cuidado”.

Con este gran consejo, Ronnie se despidió hasta una próxima ocasión en la que, con suerte, habrá más información del nuevo álbum de la banda. Mientras tanto, a aprovechar la oportunidad de verlos nuevamente en nuestro país el próximo 19 de noviembre en el Corona Capital.

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Black Sabbath en el Foro Sol

Black Sabbath. El adiós al padre del heavy metal.

Todo en esta vida tiene un principio y un fin. En la música esta máxima es mucho más patente: toda buena canción tiene que terminar en algún momento. Y todas las buenas bandas, tarde que temprano, deben decir adiós.

Así, la legendaria agrupación Black Sabbath se despide de los escenarios tras casi 50 años de existencia (no exentos de algunas pausas y altos en el camino), dejando un invaluable legado musical y el enorme mérito de que, tras su llegada; el universo musical se revolucionaría y no volvería a ser el mismo, además de haber engendrado un género musical -y un estilo de vida- el cual millones de personas profesan alrededor del mundo: el Heavy Metal. Ahora han decidido retirarse no sin antes realizar una última gira internacional denominada apropiadamente como The End. Y sería el Foro Sol el recinto que ayer tendría el privilegio de albergar a la banda por última vez.

Horas previas al inicio del concierto -y después de una pertinaz lluvia que afortunadamente cesó un rato antes- miles de personas comenzaron a llegar a las inmediaciones de ese recinto y del Palacio de los deportes, para conseguir un buen lugar desde donde despedir a estos ídolos de varias generaciones, las cuales dicho sea de paso se dieron cita esa noche. Desde adultos entre cuarenta y sesenta años hasta jovencitos quinceañeros e inclusive algunos niños pudieron verse deambulando de un lado a otro.

El show daría inicio a las 20:30 horas en punto, cuando la agrupación Rival Sons apareciera en escena, para intentar calentar los ánimos de un público mojado y con frío por el meteoro previo. Y lo consiguieron ejecutando un contagioso hard/heavy/blues rock que logró enganchar con los allí presentes. Tras un set de 40 minutos, el vocalista agradecería en español y tocarían un par de piezas más antes de retirarse.

A las 21:38 horas sería el comienzo del fin. Y en unas enormes pantallas dispuestas sobre el escenario, podríamos ver una animación en la que de un enorme huevo -muy parecido al de los Aliens del universo cinematográfico-, surgiría un enorme demonio precediendo al cuarteto estelar. Todo esto, enmarcado por un estallido de gritos y exclamaciones de la asistencia.

El grupo integrado por -el siempre polémico- Ozzy Osbourne en las vocales; Tony Iommi en la guitarra, Geezer Butler en el bajo y Tommy Clufetos en la batería subiría al escenario ataviados de ropa negra y cruces. Más adelante, este último se despojaría de su playera oscura para lucir sus tatuajes. Arrancarían con el tema que da nombre al grupo (y a su primer álbum lanzado el 13 de febrero de 1970) Black Sabbath, y desde luego el respetable estallaría en júbilo y gritos de euforia.

En este punto cabe señalar que el set preparado para esa noche estuvo compuesto en su totalidad por una selección de algunas de sus composiciones emblemáticas de su etapa temprana con Ozzy, para justamente revivir la nostalgia, y viajar en el tiempo hasta esos primeros años de discos como el ya mencionado álbum debut; Paranoid (también del 70), Master of Reality (1971); Black Sabbath Vol. 4 (1972) y Technical Ecstasy (1976).

 

Posteriormente la banda arremetería con Fairies Wear Boots seguida de After Forever. En ese punto Ozzy se dirigió al publico para preguntarle como se la estaban pasando, y como respuesta le llegó una oleada de vítores y animados chiflidos. Tras esto, anunciaría que continuarían con Into the Void; y más tarde con Snowblind.

Para esos momentos la audiencia ya se había olvidado del frío, la humedad y todas las calamidades por las que había pasado para estar allí esa noche, y se encontraba compenetrada con la banda, lo cual sería evidente cuando Osbourne les pidió que lo acompañaran a cantar el siguiente tema precedido de alarmas de bombardeo: War Pigs, con el cual todas las voces se hicieron una para corearla, y una sacudida se hizo sentir por las gradas del foro: eran más de 60 mil almas saltando, sacudiendo los brazos, pataleando y gritando al compás de la voz de Ozzy y los inconfundibles riffs de Iommi.

Al concluir esta canción, el vocalista procedería a presentar al personal, y anunciaría que tocarían algo más de su primer disco, Behind The Wall of Sleep, y en las pantallas se podía ver una pared hecha de ojos vivaces -en lugar de ladrillos- durante su ejecución. Después se escucharían las primeras notas del bajo de N.I.B. y de ahí continuarían con Rat Salad, tras la cual la mayoría de la banda se tomaría un pequeño respiro, dejándonos en compañía de Tommy Clufetos, quien ejecutaría un solo de batería de siete minutos, ligándolo con otro de los himnos de la banda: Iron Man, donde podíamos ver a los músicos en pantalla siendo rodeados por llamas y lenguas de fuego, que no hacían sino reflejar la propia prendidez de la audiencia.

“God bless you Mexico” exclamaría Ozzy momentos antes de anunciar Dirty Women, y al concluir la misma informó que tocarían un tema más: Children of the Grave. “Hemos tenido mucha diversión esta noche” diría dirigiéndose a los que se hallaban frente al escenario, antes de brindar el encore de esa noche, un símbolo de la banda y el más conocido por propios y extraños: Paranoid.

Al terminar la última canción, y tras una reverencia de los miembros del grupo, estos se retirarían mientras en las pantallas podían leerse un par de palabras: The End. Se escucharía una última carcajada de Ozzy y eso sería todo. El final había llegado y después se vino el silencio, interrumpido por música del audio local para acompañar la retirada del publico hacia sus hogares, tras haber presenciado un concierto que ya es histórico.

Entrevista con Warpaint #CC16

Diversión: el nuevo elemento que revitaliza a Warpaint.

Con el paso del tiempo las experiencias que vivimos nos hacen madurar, pero madurar no significa dejar la diversión, sino tener consciencia plena de nuestros actos. Algunos se dan cuenta de que han pasado mucho tiempo siendo serios y empiezan disfrutar la vida con más alegría. La banda Warpaint, empezó con un sonido muy pesado, oscuro y lento. Con el paso de los años obtuvieron más confianza y se soltaron. Era hora de divertirse. Para Theresa Wayman, guitarrista y cantante del cuarteto, este proceso de maduración refleja el momento que están viviendo. “Somos más suaves. Estamos teniendo más diversión. Estamos en un muy buen lugar”, comparte para Indie Rocks!

Con una voz relajada y alegre, Theresa, deja de lado su ocupada agenda para responder unas preguntas. Este año sacaron su tercer álbum, Head’s Up, y ahora toca la gira. “Soy muy trabajadora. Disfruto trabajar. Mi trabajo es genial, aunque los viajes son muy desgastantes, pero disfruto mucho tocar música frente al público todas las noches, viajar por el mundo. A veces cuando eres músico o artista es muy difícil obligarte a ti mismo a trabajar lo necesario para poder crear algo, porque no hay nadie diciéndote lo que tienes que hacer, pero creo que ya estoy mejorando cuando se trata de motivarme a mí misma”.

En Head’s Up hicieron de lado la atmósfera difusa, amenazante y melancólica, y trajeron un sonido más alegre que invita a bailar. Este nuevo enfoque, nace de querer transmitir la atmósfera emocionante que se vive en un concierto en vivo de Warpaint. “Creo que hemos tenido más éxito tocando en vivo que con nuestros discos. Tocar en vivo es algo que se acerca más a nuestra esencia. Hay más energía. Creo que hay una cualidad sorprendente en las canciones grabadas, que no obtienes en vivo. Pienso que es una cosa especial y cuando tocas en vivo una canción obtienes un aspecto diferente de la canción” y añade después de una pequeña pausa: “Personalmente aprecio el poder hacer cosas cuando grabamos que no podemos hacer necesariamente en vivo. Cuando grabas puedes controlar todo. Somos muy detallistas”, reconoce.

Después de una extensa gira en el 2014, decidieron tomar un descanso. A lo largo de los meses corrió el rumor de una separación. La tensión había subido durante su extensa gira. La separación estuvo cerca. Al final lo único que necesitaban era un descanso para aclarar su cabeza. En poco tiempo se juntaron y empezaron a preparar un nuevo álbum “Después de nuestro álbum pasado, cuando regresamos de la gira, estamos completamente exhaustas, el amor no estaba ahí, tuvimos que esperar a que regresara”.

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Mientras Stella Mozgawa, Jenny Lee Lindberg y Theresa tienen otros proyectos además de la banda, todavía queda mucho camino por recorrer para Warpaint. “Nosotras sabemos que podemos ofrecer mucho más como grupo. Creo que eso se debe a que cada una de nosotras tiene una voz fuerte en la banda y no toma mucho tiempo conocer todos los ángulos posibles de expresión que tenemos”.

La presencia femenina cada vez adquiere mayor presencia en los festivales más importantes a nivel mundial. Este Corona Capital tiene 15 de 50 actos puramente femeninos, el 30% del cartel. “Es increíble, me encanta. Más y más mujeres hacen lo que quieren hacer. No tiene sentido una industria dominada por los hombres. No quiero que se vayan los hombres, pero me alegra que cada vez más mujeres se expresen musicalmente” comparte con una risa al final Theresa.

Warpaint es una banda que ha inspirado a muchas personas en todo el mundo y no todo ha sido fácil. Ha sido un camino largo, pero después de 12 años, todo su esfuerzo está rindiendo frutos. “Todos deberían hacer lo que desean; tienes que trabajar duro y ser serio, así verás resultados. No tengas miedo de expresarte, aunque sea algo que los demás no entiendan. Si le echas ganas, te enfocas y te esfuerzas, eventualmente lo entenderán, bueno, tal vez no todos, pero sí los suficientes” menciona con mucho entusiasmo.

Theresa sabe la importancia que tienen las bandas en la búsqueda de identidad en los jóvenes y dedica un mensaje a las chicas que la verán en el CC16. “También creo que las chicas deberían aprender e involucrase en los aspectos técnicos de la música y no solo ser una cara bonita que se para en el escenario y canta. No importa que instrumento toquen, aprendan el aspecto técnico,  es genial tener la perspectiva femenina en la música.”

El próximo domingo se presentarán en el Corona Capital. Es la tercera vez que pisan tierra Azteca y lo más seguro es que las veremos seguido por acá. Al final de la entrevista, Theresa Wayman le dedica unas palabras a sus fans en México: “Estamos muy emocionadas. Amo tocar en México, es una locura”.

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