Entrevista con BoomBox

El paso del tiempo es inevitable, para BoomBox eso solo significa seguir explorando formas de crear música para conversar con el público en sus conciertos.

El tiempo puede ser algo relativo; recuerdos que se tenían como memorias frescas resultan algo distantes y lo novedoso en realidad perdió su brillo hace mucho. Frente a esa relatividad, algunos símbolos prevalecen; uno de ellos es la radiocasetera (coloquialmente conocida como boombox), aparato utilizado para reproducir audio por diferentes canales, desde señales radiofónicas hasta cassettes o CDs en modelos más avanzados.

Estos dispositivos son retratados como una forma de expresión o hasta de resistencia, a través del cual se puede compartir la música con un sinfín de comunidades.

BoomBox también es el nombre de un dueto norteamericano que retoma los sonidos que pasaron por esos aparatos para darles un aire nuevo, diferente al famoso sample. BoomBox genera sus propias bases desde cero, juntando ritmos de diferentes lugares para mezclarlos en vivo, creando algo único en cada concierto que hacen.

Lo primero es hacer música que nos gustaría escuchar a mi hermano y a mí (...) no tener un setlist nos da la libertad de poder tocar lo que queramos en ese momento, lo que sintamos pueda ser lo correcto en la ocasión”, menciona Kinsman MacKay, integrante de la agrupación.

Cada concierto de esta agrupación es único ya que no depende de una lista, si bien hay cierta planeación, la banda busca encontrar sonidos con los que el público pueda emocionarse para crear una relación con ellos.

Esta interacción hace que los discos de BoomBox y su música en vivo sean distintos. “En el estudio es un poco diferente, estamos escribiendo cosas que pensamos le gustarán a la gente, en vivo tenemos experiencia tocando pero encontrar la canción correcta en el momento correcto es la llave”, menciona MacKay respecto a su proceso creativo en el escenario.

Amamos las audiencias mexicanas para las que hemos tocado”, expresa MacKay, recordando sus experiencias previas en festivales de nuestro país. Sin buscar comparar entre diferentes países, la banda muestra una emoción legítima sobre su concierto en el Foro Indie Rocks!

Subirnos al escenario se trata de cómo nos sentimos en ese momento, pero algo siempre pasa en una canción o a la mitad del show, mi mente se despeja (...) buscamos estar en el momento para encontrar una sorpresa, aunque esta no sea intencional”.

BoomBox se presentará junto a Tayrell, que trae un DJ set al Foro Indie Rocks! este 29 de marzo de 2024. Puedes conseguir tus entradas aquí.

Boombox

 

“Is This What Love Is?”, lo nuevo de Wasia Project

Explorando las complejidades del amor y las emociones incontrolables.

El dúo, Wasia Project, ha lanzado su nuevo sencillo, “Is This What Love Is?”. Esta canción, que sigue a sus éxitos anteriores como “Remember When” y “ur so pretty” así como a su EP debut how can I pretend? lanzado en mayo de 2022, ofrece una reflexión profunda sobre el amor y sus dudas.

La letra de la canción se sumerge en una contemplación sobre el significado del amor, utilizando metáforas para expresar la confusión y la ambigüedad que a menudo acompañan a este sentimiento. Desde comparaciones como el amor siendo una mina de oro interminable hasta una sensación abrumadora de soledad, la canción invita a los oyentes a cuestionar sus propias percepciones del amor.

La canción, con sus sonidos vocales expresivos, refuerza esta incertidumbre emocional y tiene una capa de vulnerabilidad al mencionar la necesidad de seguridad y conexión emocional.

El dúo, formado en 2019, fusiona estilos e influencias de manera dinámica, creando un enfoque global del pop que atraviesa líneas de género y tradiciones musicales.

Con influencias que van desde el jazz hasta el pop, y con la voz resonante de Olivia Hardy comparable a la de artistas como Rickie Lee Jones y Joni Mitchell, Wasia Project continúa cautivando a su audiencia con su profundo conocimiento musical y su enfoque innovador.

Santa Salut conquista con “Real OG”

"Real OG" es una celebración del empoderamiento y la autenticidad.

Santa Salut, una figura destacada en el universo del rap en español, ha lanzado "Real OG", una canción que nos transporta a la época dorada del hip hop underground californiano. Con una trayectoria marcada por letras potentes y un estilo inconfundible, esta artista española continúa desafiando convenciones y dejando una huella imborrable en la escena musical.

"Real OG" no solo es una canción, es un viaje en el tiempo hacia la esencia cruda y auténtica del rap de los 90, es un recordatorio del poder de la música para narrar historias y mantenerse fiel a uno mismo en un mundo dominado por lo comercial. Santa Salut inunda la pista con una autoridad que refleja años de dedicación al arte del rap. Su habilidad para capturar la esencia del rap más puro es innegable, recordándonos la importancia de la autenticidad y el respeto en este género musical.

La producción de "Real OG" corre a cargo de PMP, donde se fusiona los ritmos del West Coast hip hop con elementos del trap, creando una experiencia auditiva única. El videoclip, dirigido por Istar Gutiérrez y producido por 4free, captura la esencia del tema con escenas que reflejan la vida cotidiana en el barrio.

2024 promete ser un año emocionante para Santa Salut, con nuevos lanzamientos y giras planeadas en diversas partes del mundo. Después de éxitos como "No Fallaré" y colaboraciones con artistas destacados, Santa Salut continúa consolidándose como una fuerza imparable en la escena musical internacional. 

Crumb anuncia disco y estrena “AMAMA”

Explorando el vínculo generacional a través de la música psicodélica moderna.

El aclamado grupo, Crumb, ha dado a conocer detalles de su tan esperado tercer álbum de estudio, AMAMA, que verá la luz el 17 de mayo vía CRUMB RECORDS. Conformado por Lila Ramani, Bri Aronow, Jesse Brotter y Jonathan Gilad, Crumb ha forjado un trabajo que fusiona de manera única la psicodelia, el pop, el jazz y el rock, mostrando una faceta desenfadada y sincera que promete cautivar a sus seguidores.

El tema homónimo del álbum, “AMAMA”, sirve como un emotivo homenaje a la abuela de Lila Ramani, cuya voz se encuentra sampleada a lo largo de la canción. Inspirada por un video de WhatsApp en el que su abuela cantaba, Ramani construyó sobre esta base una melodía vibrante y envolvente. El videoclip, dirigido por Abraham El Makawy, combina imágenes familiares con animaciones creadas por los fanáticos del grupo, agregando una capa adicional de conexión con su audiencia.

AMAMA promete consolidar el distintivo sonido de Crumb, reflejando su evolución artística y su compromiso con la experimentación.

Además del tema principal, el álbum incluirá una selección de canciones que abarcan diversos temas y emociones, desde la melancolía hasta la euforia, ofreciendo una experiencia auditiva completa y envolvente.

Con su participación confirmada en el Festival de Música Pitchfork en Chicago para julio, Crumb se prepara para llevar su enérgico espectáculo en vivo a un público aún más amplio, consolidando su posición como una fuerza a tener en cuenta en la escena musical contemporánea.

AMAMA no solo representa un nuevo hito en la carrera de Crumb, sino también un tributo conmovedor y una expresión auténtica de su arte y creatividad. Este álbum promete cautivar a los oyentes con su mezcla única de sonidos y su mensaje sincero y emotivo.

Te dejamos el artwork y el tracklist a continuación:

Crumb Amama Artwork

Tracklist:

1. "From Outside a Window Sill"

2. "Side By Side"

3. "The Bug"

4. "AMAMA"

5. "Genie"

6. "Crushxd"

7. "Nightly News"

8. "(Alone in) Brussels"

9. "Sleep Talk"

10. "Dust Bunny"

11. "Swarmed"

12. "XXX"

Perfiles: Penny Lane 

El trabajo como principal herramienta para derribar barreras.

Siguiendo el ejemplo de sus padres, Penny Lane, fundadora y directora de Penny MGMT, empresa por la que han pasado proyectos como Odisseo, Kaiser Chiefs, Allison, y festivales como Estéreo Picnic y Festival Marvin, se describe a sí misma como toda una trabajadora, y su trayectoria dentro de la industria musical latinoamericana no hace más que reforzar esa afirmación. 

Nacida en Nicaragua y habitante mexicana desde hace 14 años, Penny se desarrolló en un ambiente en el que los límites no existen para las personas que trabajan por alcanzar sus metas, y desde muy joven demostró que el mundo de la música no sería uno que se resistiría a su empuje. 

Yo crecí con padres muy trabajadores, tenían negocios y siempre veía como hacían hasta lo imposible por que nos fuera bien, por eso nunca creí en las barreras que muchos construyen solos. Siempre fui amante de la música, y a pesar de que me gusta mucho el bajo y la batería, no soy muy buena tocando, así que tuve que pensar en otras maneras de hacer de la música mi vida”. 

Dar los primeros pasos en cualquier profesión es difícil, el camino a seguir nunca aparece con plena claridad frente a tí y el panorama de la incertidumbre se presenta de manera continua en la mente del valeroso que busca el éxito por su cuenta, pero hay que admitir que está etapa es una oportunidad perfecta para explotar la creatividad y audacia que establecerá la línea a recorrer con el paso de los años. 

“Desde los 17, cuando estaba en el colegio, supe que lo que me hacía feliz era escuchar música. Yo escuchaba mucho rock, lo que ya era interesante, porque en esa época no recibimos mucha música de este tipo en Nicaragua, debido a los bloqueos de Estados Unidos por la guerra. Era una señora quien nos conseguía la música, y yo quedaba sorprendida de lo que decían las bandas. Fue entonces cuando mi papá me apoyó para sacar playeras de las bandas y busqué por dónde comenzar a venderlas. Así comenzó todo”. 

 

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El camino de una vida no suele ser lineal, pero Penny estaba segura de que su misión estaba focalizada en promover lo que a ella le movía el corazón, lo que ella sabía que valdría la pena apoyar. 

Sin darme cuenta, yo ya estaba haciendo un especial de radio, trabajando en TV, o escribiendo en un periodico. Recuerdo que muchas personas me decían que cómo era mujer, mi enfoque debía estar en crear un club de fans, pero creo eso nunca fue para mi. Sin duda, amo la música, pero nunca me vi como alguien que solo va a gritar a los conciertos, yo quería estar atrás para ver cómo se hacía todo. Fue tanto mi trabajo y esfuerzo, que cuando PolyGram (ahora Universal Music) llegó a Nicaragua, me buscaron para trabajar en sus nuevas oficinas”.

Ya con una larga trayectoria dentro del mundo de las relaciones públicas en la industria musical, Penny mantiene sus ideales muy claros: cualquiera puede tener éxito, solamente hace falta ser fiel a ti mismo. 

“Yo siempre me fijaré en la autenticidad y cómo una banda defiende su concepto. A mi me tocó esquivar piedras en varias presentaciones porque el público no se abría ante la diversidad de sonidos, pero la manera de detener eso siempre es mantener el enfoque y entregar el mejor show que puedas, así tu audiencia crece y se crean nuevos espacios, solo hace falta paciencia”. 

La paciencia es uno de los conceptos que más se pasan por alto dentro de esta industria, debido a que muchos buscan el éxito instantáneo, aunque esto no siempre ocurre. Al hablar con Penny nos quedó claro que no existen objetivos imposibles, pero todo es el reflejo del esfuerzo que cada quien le otorga a sus proyectos, y el éxito está reservado para quienes nunca sueltan su meta. 

No sabes lo bien que se sintió pasar de lugares en dónde solo cantaban tres personas, a un escenario frente a 10 mil personas listas para escuchar a la propuesta que tanto defendiste. Yo no usaría la palabra increíble para describir ese momento, debido a que siempre creímos que llegaríamos a ese punto, pero sin duda fue un gran logro”. 

 

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Penny Lane se establece como una de las relacionistas públicas más consolidadas en latinoamérica, y para cerrar esta plática nos compartió algunos consejos que pueden guíar a cualquiera que busque dedicar su vida a la industria del entretenimiento musical. 

“La música tiene muchos campos, y yo siempre recomiendo experimentar un poco de todos, así puedes descubrir qué camino es el que llama más tu atención. Hay muchos espacios en los que uno puede aprender, aunque se comience sin recibir nada a cambio además de la experiencia, pero es esa misma experiencia la que te hará destacar después. Yo espero que muchas mujeres se sigan sumando a este camino, que aunque parezca difícil, nada realmente es imposible y sabemos que las barreras u obstáculos, no surgen de nosotras”. 

De esta manera cerramos la conversación con una mujer dedicada a conquistar cimas, rompiendo barreras y estableciendo precedentes para que cualquiera que se sume a su misión, no tenga la palabra imposible dentro de su vocabulario.

Entrevista con Warpaint

La metamorfosis de una banda, cómo construir una relación de 20 años y celebrar el sonido de Warpaint.

La banda californiana celebró 20 años de trayectoria este febrero, dándonos la excusa perfecta para redescubrir la discografía de Warpaint. No solo eso, este año festeja el décimo aniversario de su emblemático álbum homónimo y el lanzamiento de su más reciente sencillo “Common Blue”. Para adentrarnos más en el pasado, presente y futuro de la banda, platicamos con Jenny Lee Lindberg y esto fue lo que nos contó.

Formar una relación como agrupación, que esté llena de creación y que funcione con plenitud, es un gran desafío. Así, Emily, Theresa, Jenny y Stella se reunieron al inicio de este siglo, para darnos el Warpaint que conocemos. Este no es un proceso sencillo, implica crecer y evolucionar como personas y como artistas, dejando espacio para seguir transformándose.

“El cambio más grande, al menos el que más significa para mí, es que siento que somos más eficientes cuando escribimos música, el elemento de la paciencia permanece, aunque ahora seamos más eficientes. Hemos sido una banda por 20 años, somos mejores músicos, con esa eficiencia ya no nos toma tanto tiempo escribir música. Antes nos tomábamos nuestro tiempo, la música cambiaba y creo que no estábamos muy seguras de qué queríamos decir, cómo queríamos que sonara y qué queríamos dejar en el mundo. Realmente nos tomábamos nuestro tiempo en el inicio, y amo eso, ahora llegamos al punto mucho más rápido”, explicó Jenny.

Crecer como artistas también abría la oportunidad para que la música encontrara la voz de Warpaint, así cuando escuchamos The Fool, su álbum debut, podemos expandir el sonido de la banda hasta Radiate Like This, de 2022. La evolución de Warpaint está en la libertad de crear, puliendo cada una su instrumento y mejorando la colaboración en grupo.

No diría que nuestra forma de componer es mejor, creo que es diferente, ahora tenemos muchas más opciones, siendo más eficientes y mejores en nuestro instrumento, ahora podemos grabar en nuestras casas, enviarnos cosas de ida y vuelta, sobretodo somos mejores”, afirmó Jenny.

Con su segundo álbum, Warpaint, la banda estadounidense dejó una marca significativa en la música independiente. Es un disco creativo y ambicioso, como ellas mismas, que nos trajo algunos de sus más grandes éxitos como “Love Is To Die” y “Feeling Alright”. 

“Siento que hacer ese álbum [Warpaint] fue muy divertido, estábamos en Echo Park, en casa de nuestro amigo, el estudio es, de hecho, casa de Conor Oberst, hicimos el álbum ahí, trabajando con Flood [productor del álbum]. De hecho, es el primer álbum en que trabajamos con Stella, todas las canciones que habíamos lanzado ya estaban escritas, por lo que fue la primera vez que hicimos un proyecto por completo con ella. Siento que cada momento haciendo el disco y en gira de su promoción se sintió como dejar una marca, se sentía que por primera vez estábamos dejando algo, se sentía que finalmente estábamos unificadas como banda, todo ese ciclo es muy especial para mí. Y amé completamente trabajar con Flood”, comentó Jenny.

Una marca fue exactamente lo que dejó Warpaint, convirtiéndose en una influencia fundamental para muchas bandas contemporáneas y proyectos que recién surgen. Justo el día de su 20 aniversario, la banda lanzó “Common Blue”, un sencillo que nos regresa a las raíces de Warpaint. Además de tratar el amor propio, la libertad de ser todo lo posible y la inevitable metamorfosis. 

“No teníamos la intención de que 'Common Blue' fuera una celebración de los 20 años de Warpaint, pero pasa mucho que nuestra música está muy abierta a la interpretación, lo que significa para mí puede ser todo lo contrario de lo que significa para alguien más, esta canción es un gran ejemplo de ello. Theresa escribió la letra de esta canción y lo que ella quería decir es desconocido para mí, creo que cuando lanzamos esta canción el 14 de febrero, en el 20 aniversario, esta canción empezó a tomar un significado diferente. Siento que al principio es como una carta de amor, debes amarte a ti mismo, encontrar la felicidad para vivir y hacer lo máximo de nuestra vida, ahora parece una carta de amor a la banda. Cuando la escucho y veo el video con todas las experiencias de nuestra carrera, las palabras empiezan a tomar un significado diferente y se convierte en una carta de amor para la banda”, explicó Jenny.

“Common Blue” es un himno nostálgico que juega con lo positivo, con la adición de la voz hipnótica de Emily y una buena dosis de sintetizadores. Nos cuenta cómo es renacer de las cenizas, tomarnos tiempo para nuestro propio proceso, como una mariposa esperando a poder volar. El deseo de amarse a sí misma, ahora desde la perspectiva de amar lo que la banda ha vivido y hacia donde podrá llegar.

Con respecto al sonido que caracteriza a la banda desde sus inicios, Jenny nos explicó un poco sobre su proceso, específicamente cómo ha llegado hasta estas fusiones que encantan a primera escucha. Tener influencias variadas, además de una larga trayectoria de cada miembro, que se unifica y nutre, son algunas de las cosas que constituyen a Warpaint.

“Siento que tenemos un sonido muy ecléctico, creo que todos los sonidos que alguna vez alguien nos escuchó hacer, seguiremos regresando a ellos en algún momento de nuestras vidas. Tenemos un gusto muy ecléctico, nos gustan todos los tipos de música, nunca hemos sido una banda que quiera hacer lo mismo todo el tiempo, incluso sería imposible para nosotras hacerlo, todas escuchamos música diferente y traemos eso a la mesa, se mezcla para hacer este sonido ecléctico. Además de mencionar que hacer lo mismo siempre sería aburrido, sería aburrido para mí y para las chicas, así que el plan para nuestra banda es siempre mantener la mente abierta para honrar lo que sentimos, que siempre está cambiando. El sonido de nuestra música cambiará por siempre”, compartió Jenny.

Como la mariposa que pinta la portada de “Common Blue”, la banda está en constante metamorfosis, abriendo su música a nuevas dimensiones. Ahora, tenemos la certeza de que, mientras las cuatro integrantes sigan descubriendo nueva música, sus propias canciones descubrirán nuevos colores, como lo es la naturaleza caleidoscópica de su sonido.

El futuro es una de las cosas que más incertidumbre nos da cuando hablamos de una banda con una trayectoria tan grande, pero sabemos que las raíces de Warpaint están sanas y a gran profundidad. Jenny mencionó el trabajo individual de las integrantes y, también, una noticia que nos emociona.

Creo que estaré trabajando en música propia, la mayoría de las chicas también, también será el lanzamiento de la siguiente canción que acompaña a 'Common Blue' en el sencillo de 7”, siempre estaremos escribiendo música, pero, por ahora, no hay fecha. Aunque, tenemos algunas cosas cocinándose con otras personas, dejándolo así, algunas colaboraciones que vendrán en el futuro próximo”.

¿Qué sigue? Seguir afrontando los vaivenes de compartir una banda por más tiempo, haciendo frente a todo lo bueno y seguir vislumbrando el futuro de Warpaint. Los desafíos solo crean nuevos aprendizajes y nueva música, como en el caso de la banda.

“Definitivamente es un desafío y un lugar seguro trabajar con las mismas personas por veinte años, somos una familia, también es como si fuera un matrimonio de alguna forma con otras tres o cuatro personas, es mucho trabajo, mucha comunicación, no es sencillo siempre, pero no lo cambiaría por nada”, compartió Jenny.

Después del lanzamiento de nueva música, a Warpaint le espera algunas fechas por Estados Unidos, en las que estará acompañada de Sego, banda de art punk, con la que celebrarán su trayectoria.

Estamos emocionadas por estar de gira, tendremos algunas fechas con Sego, siempre es emocionante compartir el tour con amigos. Estoy emocionada, amo estar en el escenario”, comentó Jenny.

Puedes escuchar el sencillo “Common Blue” y disfrutar del video musical, que ya están disponibles.

 

'Amor Líquido', el nuevo EP de Itzel Noyz

Una inmersión profunda en las emociones de una relación amorosa.

El esperado EP Amor Líquido de Itzel Noyz, en colaboración con Zaque de Sonido Líquido Crew, ha llegado finalmente a nuestros oídos para provocar una inmersión profunda en las emociones de una relación amorosa. Con siete tracks , este proyecto musical te lleva desde la euforia del enamoramiento en "Corazones" hasta la cruda realidad de la indiferencia en "Nada es Para Siempre".

Cada canción es como un capítulo en esta historia de amor y desamor. "Tentación" es una oda al placer prohibido, mientras que "Despacio" nos sumerge en la fase donde todo comienza a salirse de control. "Flash Confessions" revela la vulnerabilidad y el deseo de construir algo genuino con alguien.

Itzelnoyz Amorlíquido Tracklist

Este EP de Itzel Noyz no solo es una colección de canciones, sino un viaje emocional. Cada pista está cuidadosamente diseñada para capturar las complejidades del amor y las relaciones humanas. Desde el ritmo envolvente del R&B hasta los elementos sorprendentes del hip hop, Amor Líquido te invita a explorar diferentes facetas de las emociones humanas.

Este EP no solo es una colección de canciones, sino una narrativa musical que captura las emociones más profundas del amor y la conexión humana. Con Amor Líquido, Itzel Noyz y Zaque nos invitan a sumergirnos en un viaje sonoro inolvidable, donde cada track es una experiencia por sí misma.

Puesdes esuchar el EP, Amor Líquido, en todas las plataformas digitales como Spotify, Deezer y Apple Music.

“¿Qué Tal Un Descanso?”, lo nuevo de Laboratorios Moreno

La canción captura un conflicto emocional universal de manera convincente.

Los originarios de Guadalajara, Jalisco, Laboratorios Moreno, presentan su más reciente sencillo "¿Qué Tal Un Descanso?" como un adelanto de su próximo álbum, JSLF. Fusionando la energía del rock con elementos punk y frescura del funk, la banda ofrece una experiencia sonora única y enérgica.

"¿Qué Tal Un Descanso?" profundiza en la lucha interna entre la voluntad de seguir adelante y el autosabotaje, desde una perspectiva de empatía. Con una letra que explora la idea de continuar a pesar del agotamiento, la canción captura un conflicto emocional universal de manera convincente.

Inspirados por una amplia gama de influencias musicales que van desde The Prodigy hasta Pink Floyd, Laboratorios Moreno se embarca en un viaje psicodélico que invita a los oyentes a reflexionar sobre la importancia de detenerse y respirar en momentos de agotamiento emocional y mental.

Bajo la producción de Will Pyramith, la banda conformada por Carlos García Michel, Diego Orozco, Guillermo Uralde y Martín Villanueva ha creado una canción que captura la esencia de un conflicto emocional universal sin perder su distintiva energía y frescura.

Arte de "¿Qué tal un descanso?":

Laboratoriosmoreno Queta Undescanso

Puedes escuchar “¿Qué tal un Descanso?” de Laboratorios Moreno, en todas las plataformas digitales como Spotify, Deezer y Apple Music.

 

 

Entrevista con Salt Cathedral

¿Quiénes somos? ¿A dónde vamos?

Conversé 15 minutos con Salt Cathedral sobre ser colombianos, convertirse en latinos al pisar Estados Unidos, y cómo concilian las diferentes perspectivas que se crean desde el mudarse a otro país con otro idioma y formar parte de él, manteniendo aún las influencias de su vida en su natal Colombia. La universalidad es un tópico que se toca numerosas veces en nuestra corta conversación, a partir de preguntarles si sienten que hay algo que los llame a hacer música que represente su colombianidad al mudarse a vivir a un lugar tan globalizado como Nueva York. 

“Ese proceso de migrar, es extraño. Porque por un lado uno siente más identidad. A mí me costó irme de Colombia para sentirme realmente colombiana, o latina. Yo no entendía, pensaba ‘eso es normal, yo de latina no tengo mucho’. Pero te das cuenta cuando me ponen salsa e inmediatamente bailo, y con los ritmos latinos me activo y eso es natural, uno no se da cuenta porque nace”, respondió Juli. Una experiencia, nuevamente, universal, que se repite transversalmente sin importar de qué país del sur global llegues. 

“Eso es algo que exploramos mucho en nuestro disco pasado, Carisma, esa sensación latina. Entonces por un lado me siento más latina. Pero por otro lado me siento desarraigada, porque ya llevamos ¿10, 11 años en Nueva York? Entonces no eres ni gringa ni latina, uno nunca se siente 100% de un lado ni del otro. Porque si haces un zoom out, lo que ves es la humanidad, y te empiezas a identificar más como un humano que como un latino o un neoyorquino, Y de ahí viene el disco [Before It's Gone], ¿dónde encuentro mi espacio? Acabamos teniendo los mismos pensamientos existenciales, el mismo amor, el mismo dolor, y como migrante para mí es esa visión de exploración la que manda”, dice Juli, mirando el horizonte (detrás de la laptop).

El discourse en internet se ha volcado en hablar mucho de los idiomas que usamos también son resultado de nuestra colonización, tanto el español como el inglés. ¿Quiénes somos al crecer hablando español, y pasar al inglés porque tuvimos que migrar? ¿Hay algún código, una barrera invisible que estás rompiendo al acoplarte? “Nosotros estamos intentando ser honestos con nosotros mismos, y precisamente porque no sentimos esa responsabilidad es que no tenemos canciones en español en este disco, porque no sentíamos que había algo que decir en español, lo cual también es muy liberador”, apunta Nicolás.

Y continúa... “Es como convertirse más bien en una persona más universal, y menos idiosincrática, pero la colombianidad nuestra no la podemos evadir simplemente porque crecimos allá, porque somos fanáticos de la música, y tenemos familia allá; entonces tener esa conexión con Colombia es inevitable. Y también estando en Nueva York, esa capacidad de singularidad es algo que siempre buscamos. Ponemos mucha atención a lo que pasa en Sudamérica, y nunca fuimos de creer que en USA ‘lo hacen mejor’, nuestra llegada aquí fue circunstancial. Colombia siempre va a estar presente, aunque en este disco no tuvimos la intención de homenajearla sino fue más bien una exploración universal.”

He llegado a la conclusión que el ser latino es un concepto creado en Estados Unidos para identificarnos y darnos un lugar de donde imaginan que somos, en sus cabezas, y que les queda lejano, porque hay una desconexión entre lo diferentes que somos entre cada región y cada país. Por eso es tan fácil decirnos “latinos” y acabar con el problema. Pero ser latino te interpela cuando pisas Estados Unidos porque encuentras lugares comunes con otras personas que hablan español también y vienen de algún país que reconoces como cercano, y de pronto ya no te sientes tan solo. O más bien, sientes que hay otra persona cerca que siente parecido a ti.

¿Pero hay algún deber, o responsabilidad de conectar con tu identidad para hablar de tu música? ¿O sientes que tienes que hablar de tu identidad para tener algo que decir como proyecto? “Lo que pasa es que nosotros para bien o para mal, no nos hemos encasillado desde el principio”, responde Nicolás.

Nunca dijimos que vamos a representar absolutamente nada, hay otras bandas que lo hacen y creo que dependiendo de la intención y el propósito y la música y el proyecto, se puede hacer. Porque cuando hablan de Colombia piensas que todos tenemos sombrero puentea’o y nos gusta Shakira. Somos de Bogotá, la ciudad más punkera del mundo, la ciudad más insegura, ciudad que es un desastre pero la amo. Hay mucho rock y metal; ese tropicalismo bogotano que tenemos de una manera, es con gusto. Nunca nos suscribimos a los estereotipos de nada para vender y creo que nos ha hecho demasiado mal”.

Juli agrega... “Preguntas, ¿una banda necesita usar su identidad latina o usar sus ritmos de raíz? Yo te digo, desde un punto de vista de marketing, sí. Porque alguien de marketing me va a decir, a ustedes les va a ir mucho mejor si hacen la cosa latina, la comunidad latina los va a acoger. Como dice Nico, nos ha hecho mal porque pensamos más en la música y la universalidad, en lo que nos inspira que no sólo son nuestras raíces. A nosotros nos interesa más esa experiencia universal, habiendo crecido con una cultura latina, en una ciudad como Bogotá”.

“Últimamente hemos hablado de Caetano Veloso, Björk y Ryūichi Sakamoto; artistas que no los define el país de procedencia, sino que le hablan a todo el mundo. El idioma es una herramienta tanto como la música lo es”, finaliza Nico. “Lo que importa es lo que tú dices, cómo lo haces, y qué estás diciendo”.

Before It’s Gone, el segundo álbum oficial de Salt Cathedral, está disponible desde el viernes 22 de marzo.

Axe Ceremonia 2024

El festival más esperado de México y la noche del amor universal. Axe Ceremonia logra la épica como uno de los mejores eventos del país.

Era un día que parecía que no llegaba. Para decenas de miles de personas fue un largo camino desde que anunciaron la visita de Kendrick Lamar hasta el inicio, pero al fin llegó la nueva edición del festival Axe Ceremonia en el Parque Bicentenario y sobrepasó las expectativas.

El festival tomó medidas e hizo mejoras para optimizar la experiencia de los usuarios, desde un mejor acomodo de los escenarios para que no quedaran tan lejos entre sí, hasta la apertura de carpas para que más gente pudiera entrar a espacios como Traición o El micky, que son gran alternativa para ver a Djs que pocas veces se unen.

No es arriesgado pensar que el Ceremonia ya se convirtió en el festival más importante en el Valle de México, ¿y por qué digo esto? por la forma tan única en la que ha logrado traer a referentes internacionales y mezclarlo con artistas nacionales y destacados del underground.

Ceremonia 24 Parque Bicentenario Faboos 32

Sin recurrir a la nostalgia y con la intención de siempre proponer, el Ceremonia tiene una curaduría que sobresale del resto desde hace años, y el hecho de contar con artistas como Grimes, Sampha o LCD Soundsystem, también puede llevar proyectos como Soto Asa, BB Trickz o Rusowsky, que pocas veces vienen a México, y al mismo tiempo traer la fiesta con referentes nacionales que suenan en todas las fiestas, como El Bogueto y Fuerza Regida, le dan un toque único al evento.

Todo se mezcla con un concepto visual vanguardista, con figuras de colores y un espectáculo de drones que cautivó a los asistentes en todo el parque ubicado en la alcaldía Azcapotzalco.

Te invitamos a leer lo más destacado del festival Axe Ceremonia a continuación:

Día 1

Por Rubén Ortega

Pocos festivales como el Axe Ceremonia, que te hacen sentir como si estuvieras en otro planeta, donde la vida se siente diferente y donde todo lo que hay fuera no importa. Será por la tranquilidad que se respira en el Parque Bicentenario o quizás por la buena vibra que había entre asistentes, pero ahí dentro todo era diferente.

El primer día tenía nombre y apellido: Kendrick Lamar, quien visitó la Ciudad de México por primera vez en su carrera, luego de haber pisado Monterrey en 2017 con un show del que quedaron pocos recuerdos.

Y este sábado, con una discografía consolidada y con miles de personas haciendo la espera de horas, finalmente llegó y mostró su agradecimiento desde antes de salir del escenario, y la verdad qué bueno.

Se agradece la consideración de Kendrick, porque son contados los artistas que reconocen el tiempo que pasó para que volvieran. Normalmente muchos se presentan como si no hubiera pasado nada, pero a Lamar lo esperaban desde hace años y él lo sabía, por ello, en español, dejó el siguiente mensaje:

¡México! Quiero expresar mi amor hacia ustedes por recibirme nuevamente en este hermoso país. Ha pasado mucho tiempo desde la última vez que nos vimos, pero he sentido su energía todos estos años. Esta noche seamos libres."

A pesar del tiempo, de la distancia cultural, económica y de idioma, la espera valió la pena, Kendrick Lamar al fin se presentó en la ciudad más grande del mundo con un show brutal, en el que la gente no dejaba de gritar, en el que no se apagó la euforia y donde, como él pedía, fuimos libres.

Ceremonia 24 Parque Bicentenario Faboos 04

Elegante, misterioso y sin poder contener la emoción, Kendrick Lamar brilló junto a sus cuatro bailarines por dejar un show poderoso, impulsado por los saltos, las rimas a doble tiempo y beats que hacían temblar al piso junto con los saltos de miles.

Y fue político todo el tiempo, canciones como "Alright" o "DNA." tuvieron un fuerte trasfondo. Además hubo temas de sus últimos cuatro álbumes (Mr. Morale & The Big Steppers, DAMN., To Pimp A Butterfly y good kid, m.A.A.d city) que movieron corazones, que pusieron a todos a cantar y que fueron el alivio que desde hace años esperaban.

"Aún no me creo que lo esté viendo", decían algunos, y a pesar del tiempo de pie y los empujones, se mantuvo un buen ambiente, tanto para los fans de hace años como los curiosos que se metieron y la pasaron bien sin saberse las canciones. Creo que ese fue el mejor síntoma de la gran presentación.

En cuanto a lo sonoro, Kendrick Lamar tomó la mejor decisión: usar banda en vivo y al mismo tiempo beats. Esto produjo muchos matices, y cuando era necesario podía sentirse suave el sonido y cuando había que reventar el escenario estaban las baterías y guitarras distorsionadas.

No faltó nada, los visuales eran en español, con algunos gags de sus canciones y promoviendo el amor universal por encima de todas las cosas. Kendrick te hacía sentir valiente y eso fue genial.

Su cierre fue sumamente emotivo, y pidió prender las luces de los celulares mientras dejó este mensaje de despedida:

Prendamos el cielo y demostrémosle al mundo que el amor también es el lenguaje universal. Espero que sientan mi energía, así como yo siento la suya. Gracias, México. Amor por siempre."

Es difícil que gente como Kendrick Lamar venga a México. Nos separan muchas cosas: el idioma, los altos costos que representa traerlos, y que su base de fans no es tan grande como las de otros países. Por eso, me gusta creer que la noche de este sábado 23 de marzo fue el imposible que se hizo posible gracias a la energía, así como a ese lenguaje universal que llamamos amor.

El Ceremonia y la interminable energía

A lo largo del día uno, el Ceremonia brilló por muchas cosas, pero sobre todo por su brillante audiencia. Outfits espectaculares y una enorme apertura por escuchar nuevas cosas. Fue así que los curiosos se enamoraron de actos como Underscores o Gale.

Uno de los actos más destacados de las primeras horas fue Soto Asa, quien metió lo que había que meter para calentar la tarde: mucho flow en cada uno de sus temas.

Rusowsky fue una de las presentaciones que sorprendieron a lo largo del día. Comenzó con poca audiencia y al final retacó el escenario Air Max dejando perreo y baile.

El Ceremonia bien se puede dividir en dos clases de actos: los que salen con instrumentos musicales y los que apuestan por lo digital. Y mucho del éxito de Rusowsky fue debido al poderío digital, a la saturación y al abuso de beats potentes.

Un caso similar ocurrió con Romy que, además de su voz, dejó una colorida trama de sonidos que te metían en una atmósfera donde todo se sentía a gusto. Grimes fue algo similar, una artista que brilló más que nada por su presencia arriba del escenario mientras daba un DJ Set.

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Mientras, en el escenario principal teníamos un caso opuesto con Sampha, quien se lució con sus brillantes músicos y su apuesta por lo orgánico, por las percusiones y cambios de ritmo. Un R&B que se llevó ovaciones a lo largo de la noche.

En el American Eagle apareció Yves Tumor con una banda que era casi de glam rock, y con poderosos solos de guitarra, baterías caóticas y bajos que retumbaban dejó uno de los shows más apasionantes del día uno, así como una revancha de las fallas técnicas que tuvo en la semana pasada en el Autódromo Hermanos Rodríguez.

Tanto Yves Tumor como Floating Points fueron artistas que finalmente saldaron la deuda que quedó pendiente de aquel Ceremonia de 2020 que no se dio por la pandemia, y respondieron con shows de alta calidad, donde todo se escuchaba bien y con bastante energía.

Otra de las sorpresas de la noche fue Álvaro Díaz, quien priorizó los sonidos orgánicos y pegó los beats de reggaetón con baterías. Si bien el show tuvo energía, parece que pudo haber sido más intenso; sin embargo, el puertorriqueño aprovechó para anunciar oficialmente la salida de su esperado álbum Sayonara en mayo próximo, luego de años de espera.

El Día 1 del Axe Ceremonia fue el más demandado, y debido a todos los actos que hubo y por la llegada de Kendrick Lamar, quedará marcado como uno de los mejores no solo en la historia del propio festival, sino de todos los que hay en el país.

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Día 2

Por Jairo Valencia

Perreo, electrónica y corridos tumbados con todos mis amigos.

AXE Ceremonia en domingo regresó con mucha fiesta desde temprano con géneros que conquistaron a todos los gustos, desde electrónica alternativa hasta regional mexicano y reggaeton. Los corridos tumbados de Justin Morales y el gran ambiente de la rapera española, Bb Trickz, fueron de las primeras sorpresas del día.

Poco después, Sevdaliza salió a ofrecer un gran set en el escenario principal, donde demostró un imponente dominio de la tarima e interpretó varios temas de su carrera, incluyendo “Ride Or Die”. Mientras tanto, al otro lado del festival, el escenario AirMax se preparaba para recibir a una de las figuras más prominentes del neoperreo: Bad Gyal, quien no defraudó a sus miles de fanáticos ansiosos de baile con canciones como “Flow 2000” y “Bota Niña” mientras demostraba sus increíbles pasos de baile al lado de sus bailarines. Quienes aún no saciaban su apetito de reggaeton y fiesta corrieron hacia la carpa American Eagle a presenciar el show de El Bogueto, una de las voces más populares de la nueva ola de perreo mexicano.

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Otras personas optaron por dirigirse al escenario principal y agarrar un buen lugar para la presentación de James Blake, la primera en CDMX desde hace más de 10 años. El cantautor inglés fue recibido con aplausos y gritos ensordecedores mientras repasaba su catálogo, desde “Limit To Your Love” de su primer disco, hasta temas de Playing Robots Into Heaven, su LP más reciente. “Hemos tocado varias veces en México, pero nunca ante tanta gente”, mencionó emocionado tras ver la multitud que se reunió para verlo. Tras reconocer el gran trabajo de su banda que interpreta cada canción sin ayuda de una pista pregrabada, James nos deleitó con su cover a “Godspeed” de Frank Ocean y “Retrograde” antes de dejar el escenario conmovido.

La noche aún tenía varias sorpresas y dos de ellas fueron los sets de Kenia Os y Overmono. La cantante mexicana llegó a AXE Ceremonia a deslumbrar tanto a fans como curiosos con un show lleno de producción entre visuales llamativos y excelentes coreografías, mientras que el dúo de dance conformado por los hermanos Russell reventó el escenario American Eagle con grandes mezclas y hits como “Blow Out” y la reciente “stayinit” al lado de Fred Again.. y Lil Yachty.

La gente empezó a salir para presenciar el regreso de LCD Soundsystem, uno de los actos más esperados de la noche. James Murphy y compañía derrocharon energía como bien lo saben hacer, además de complacer a sus seguidores con versiones entrelazadas de algunas de sus canciones. Claramente movidos por el público mexicano, el frontman prometió volver muy pronto antes de cerrar su set con la clásica “All My Friends”, canción que bien podría ser el himno de esta edición del AXE Ceremonia, pues a lo largo del festival se podían observar grandes grupos de amigos disfrutando de la música, las bebidas, las activaciones y las bellas postales del Parque Bicentenario.

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Durante el domingo había dos tendencias muy marcadas en los outfits de los asistentes: los atuendos producidos inspirados por el neoperreo y aquellos que portaban su sombrero vaquero para disfrutar de la llegada de Fuerza Regida al festival. La agrupación demostró por qué se ha ganado su lugar en este y varios otros carteles de festivales importantes al poner a cantar a miles de fans de la música regional mexicana y, aunque repitieron un par de canciones, sin duda su show pasó a ser uno de los más memorables de todo el fin de semana.

Para darle un gran cierre al AXE Ceremonia, tres grandes actos de música electrónica se adueñaron de los escenarios. Arca hizo reventar el American Eagle con un show impresionante que, a pesar de haber empezado con un ligero retraso, dejó satisfecha a la audiencia que la esperaba desde la edición 2022.

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Four Tet hizo lo propio cerrando el escenario principal dándonos un show de más de una hora en el que sonaron “Baby Again”, “VOLVER” con Skrillex, Tainy y Rauw Alejandro, “Strobe” de deadmau5 y decenas de DJs más.

Finalmente Peggy Gou puso el punto final a la edición 2024 de AXE Ceremonia con la última hora y media de baile en la tarima AirMax. Aunque la gente ya empezaba a salir del festival, una gran porción del público continuaba bailando, ya sea frente al escenario o un poco lejos de la multitud al lado de sus amigos que descansaban en el pasto. “I Go” e “(It Goes Like) Nanana” cerraron la presentación de la DJ surcoreana y para muchos uno de los mejores fines de semana del año.

A pesar de las largas distancias entre escenarios, los varios árboles que tapaban la vista y el desastre vial que nos esperaba al término de cada jornada, el AXE Ceremonia continúa posicionándose como uno de los festivales más importantes y eclécticos de México. Sin duda, una gran experiencia que merece ser vivida en compañía de tus mejores amigos, sin importar cuáles sean sus gustos musicales pues en este festival siempre habrá algo nuevo para todes.

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