URSS Bajo el Árbol estrena "Playa Paraíso"

Escucha una nueva canción de URSS Bajo el Árbol previo a su concierto en el Foro Indie Rocks!

La agrupación integrada por Mauricio Solo, Exael Salcedo, Roger Gómez, Christian Villanueva, Jonathan Arellano y Javier Jara ha compartido un nuevo sencillo titulado “Playa Paraíso”. El corte será incluido en su nuevo álbum de estudio, Multiverso.

En este tema, URSS Bajo El Árbol habla sobre romper todo tipo de barreras. Sobreponerse a las dificultades de espacio y de tiempo que obstaculizan el amor; además, muestra el característico sello que define el estilo de esta agrupación. Escucha a continuación "Playa Paraíso", más abajo te dejamos el arte de este extracto.

Este nuevo adelanto llega a tan solo unos días del concierto que dará URSS Bajo el Árbol el próximo viernes 28 de abril en el Foro Indie Rocks!, En esta presentación se les unirán los proyectos musicales Silver Rose y Suze. Conoce aquí todos los detalles para que no te pierdas de este increíble show.

urss bajo el árbol

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Entrevista a Oliver Sim de The xx

De cómo romper los miedos y encontrar tu propósito.

Muchos anhelan tener una pizca de suerte para conocer a su banda favorita. Sin embargo, pocos logran esa foto en el aeropuerto, los menos consiguen la firma del disco a las afueras del hotel en donde se hospedan. Mi suerte llegó en forma de entrevista: tuve algunos minutos para platicar con Oliver Sim, bajista de The xx.

Un día después de su concierto en el Pabellón Cuervo, en el pequeño salón de un reconocido hotel de la Ciudad de México, el británico me recibió con una amplia sonrisa. “¿Quieres algo; agua, refresco?” preguntó, después de saludarme con un beso en cada mejilla. Afuera, más de 27 grados derretían la Ciudad. A mí me derretía la emoción.

Tenía que guardar la compostura. Comencé con una pregunta fácil. Quería saber por qué Sim, conmovido hasta las lágrimas, dijo que México era uno de sus lugares favoritos en el mundo para tocar.

“Cien por ciento la gente”, dijo sin dudarlo un momento. “Somos de Londres y allá las audiencias suelen ser más reservadas, a eso estamos acostumbrados. Tener un recibimiento como el de ayer nos sacude sorprendentemente. Anoche fue especialmente increíble y creo que es mi show favorito desde que regresamos (a los escenarios). Nunca lo olvidaré”, aseveró, notablemente emocionado.

I See You, el tercer álbum de estudio de la banda, fue el que los trajo de vuelta a México. Esta producción se caracteriza no sólo por darle más color a cada una de las canciones de The xx, sino porque deja ver los temores personales de Romy Madley Croft, Oliver Sim, y Jamie Smith (mejor conocido como Jamie xx).

“Creo que en este álbum hay un crecimiento personal. El primero lo hicimos cuando éramos unos adolescentes. Veníamos de un lugar muy ambicioso y cometimos muchos errores; errores buenos que nos llevaron a encontrar nuestro sonido. Ahora, creo que estamos en una posición mucho más cómoda. Tanto, que pudimos salir de Londres; dejar atrás la idea de cómo debíamos sonar y, pudieron entrar nuevas ideas”, explicó el bajista que escogió a “Replica” como su canción más personal.

 

Romy, Oliver y Jamie llevan años conociéndose. Los dos primeros desde que estaban en el jardín de niños; Jamie se les unió cuando estaban en la secundaria. Ahora, con edades que rondan entre los 26-27 años, se podría pensar que estos británicos están más que acostumbrados a compartir detalles sumamente personales. Para mi sorpresa no es así.

En los dos primeros discos, Romy y Oliver se enviaban los fragmentos de las canciones por correo electrónico. Lo escrito por Madley Croft era cantado por ella; lo escrito por Sim por él. Una vez listo, Jamie se encargaba de adornar sus melancólicas letras con la caja de ritmos. El resultado era, como lo describió Sim, un collage de historias que sucedían al mismo tiempo.

Con I See You, salieron de su zona de confort. Enfrentaron sus miedos y escribieron cara a cara.

“Estar frente a frente, hacer contacto visual y compartir letras muy personales es  atemorizante”, confiesa, mientras me ve directamente a los ojos.

“El proceso de escribir para The xx siempre ha sido como algo que hacemos para nosotros mismos. En esta ocasión creo que las canciones están más concentradas, tienen una sola historia”.

Fue así como el británico admitió sentirse más confiado al momento de escribir una canción que de entablar una conversación. Algo en lo que, al parecer, ha estado trabajando. Antes de comenzar las entrevistas, él fue el único que se mostró abierto: hablaba con su manager, con el staff y recibía a sus entrevistadores con una amplia sonrisa. Romy se limitaba a entablar pequeñas conversaciones y Jamie, absorto en su mundo, se dirigía a donde le indicaban.

Y, si por algo se caracterizan los integrantes de esta banda londinense es, tal vez, por su personalidad tímida. Algo que Oliver considera totalmente falso.

“Lo más chistoso es que no somos tímidos. Creo que tú y yo somos similares, pero si nos ponen al lado de un popstar nos vemos muy tímidos. Ellos aman los reflectores y nosotros no. No somos las personas más tímidas del mundo, sólo somos normales” dijo Sim. Continuó explicando cómo presentarse frente a diez personas le producía dolor físico. “He aprendido a relajarme y disfrutar el tocar en un show. No somos los chicos más cool sobre el escenario, pero nos gusta”, aseveró.

 

Habían pasado diez de los quince minutos disponibles para la entrevista, y la lista de preguntas aún no terminaba.

Tenía pendiente saber el papel de la moda y el estilo para The xx. Pese a haber participado en una campaña para Dior, Oliver admitió sentirse intimidado por el mundo de la moda, la utiliza sólo como un recurso para fortalecerse sobre el escenario.

The xx es una banda que promueve la inclusión. En cada una de sus canciones no utilizan el género, el tiempo, ni el espacio. Al respecto, Sim dijo, “no importa quién seas ni dónde estés, nos interesa que la gente se conecte con lo que estamos haciendo”, dijo llenó de confianza y determinación.

Después, la interrogante más importante: ¿Qué hay para Oliver más allá de The xx?  

En entrevistas con medios internacionales, Sim ha admitido que el tiempo entre el fin de la promoción de Coexist (2012), el segundo álbum del trío, y el empezar a grabar I See You ha sido uno de los más difíciles en su vida. No sólo tuvo que trabajar con su adicción al alcohol, sino que le resultó difícil la separación temporal. En el inter, Romy exploró otros caminos en Los Angeles, y Jamie promocionó su primer disco como solista. Él, se quedó un poco a la deriva.

“Ese es uno de mis más grandes miedos” contestó cuando le pregunté qué pasaría con él si la banda dejara de existir. Notablemente consternado y preocupado, me explicó que antes de que The xx despegara, trabajaba en una cafetería al sur de Londres, algo que por supuesto no disfrutaba.

Debido a este temor, necesita, según dijo, tener algo esperándolo en casa una vez finalizada la promoción del disco. Podría ser un curso, educación a distancia o aprender a tocar un instrumento.

“Creo que mi peor enemigo es sentirme ocioso. Necesito hacer algo y eso es lo que estoy tratando de averiguar”, dijo pensativo, mientras miraba a la ventana y sus ojos se llenaban de melancolía.

No podía irme sin saber qué fue lo que pasó luego de que, durante el concierto que ofrecieron el 4 de abril, él mismo adelantó que The xx regresaría para el Corona Capital. No me quiso contar; sin embargo, aceptó que se había metido en problemas. Al igual que todos los demás, no sabe más detalles sobre del line up.

“Me gustaría terminar con un enorme, Gracias. Siempre ha sido claro para nosotros lo bien recibidos que somos (en México). Aunque no puedan ver lo nerviosos que estamos al momento de subirnos a un escenario y presentar un nuevo disco. México nos ha alentado”, finalizó Oliver Sim. El chico sabe que su banda será recordada por temas como “Intro”; aunque, preferiría que fuese por una canción que escribió cuando tenía 16 años (“Stars”).

Waxahatchee anuncia nuevo álbum

 El título de la nueva producción de Waxahatchee será: Out In The Storm.

Durante una entrevista para el sitio Lenny, la cantautora Katie Crutchfield dio a conocer algunos detalles acerca de su próximo álbum de estudio como Waxahatchee.

Out In the Storm será el nombre que llevará su siguiente producción desde Ivy Tripp (2015). En la entrevista, Crutchfield describe al álbum como autobiográfico, pues, se centra en una relación enfermiza. Al respecto comentó lo siguiente:

“No quiero llamarlo un disco de ruptura, pero parte una relación romántica y profesional que se vino abajo. Tuve que terminarla y se onduló en cada rincón de mi vida. Llego al otro lado de eso. Reflexiono sobre todo el espectro de la tristeza, la ira y el resentimiento. Salí de ella y estaba mucho más cerca de mí misma”.

Waxahatchee es el proyecto solista de Katie Crutchfield. En éste se combinan géneros como el folk, rock alternativo e, incluso, un poco de pop. Sus letras son sinceras y es fácil sentirse identificado. Resulta una amena experiencia auditiva.

Desde su primer álbum, American Weekend (2012), este proyecto ha sido aclamando por la crítica. Ello, gracias a la habilidad de Crutchfield para componer bellas canciones.

Aún no se sabe la fecha de lanzamiento de Out in the Storm,  ni se ha publicado ningún tipo de adelanto. Sin embargo, aquí abajo puedes disfrutar de su presentación en KEXP:

Bleachers comparte nueva canción

"Hate That You Know Me" es el nombre del segundo sencillo del siguiente álbum de Bleachers.

Hace una semana, Jack Antonoff de Bleachers anunció su próximo material de estudio: Gone Now.

Hoy nos comparte el segundo sencillo de su nuevo disco. "Hate That You Know Me" es una canción en la que colaboran Carly Rae Jepsen y Sam Dew.

Gone Now sale el siguiente viernes 2 de junio y, Antonoff revela que es resultado del trabajo de dos años de grabación en un estudio que el mismo construyó en su departamento. Cuenta con las colaboraciones de distintos "amigos e ídolos" suyos; aunque no sabemos exactamente a quienes se refiere. Habrá que esperar a que el material vea la luz para averiguarlo.

A la fecha, van dos sencillos. "Don’t Take The Money", con Lorde; y el lanzamiento de hoy, "Hate That You Know Me".

Jack Antonoff es miembro de la agrupación FUN. Ha trabajado con la banda Steel Train, en donde fue el vocalista. También, ha colaborado con Taylor Swift y la banda Tegan and Sara. Más recientemente, co-produjo Melodrama, el próximo álbum de Lorde.

Bleachers es el proyecto solista de Antonoff; está en activo desde 2014 y tiene solo un álbum previo, Strange Desire.

Escucha el sencillo “Hate That You Know Me” aquí abajo:

#Ambulante2017 The Beatles: Eight Days a Week

¡Qué difícil es ser una celebridad!

Antes de decidir no continuar con las giras alrededor del mundo, el cuarteto de Liverpool llevó a cabo más de 800 presentaciones durante el período comprendido entre los años de 1962 a 1966. Dos de las más recordadas son: 1). su participación en el show televisivo de Ed Sullivan el 9 de febrero de 1964 -el cual, se calcula fue visto por al menos 73 millones de espectadores-; y, 2). su concierto efectuado en el Shea Stadium de Nueva York, donde se congregaron casi 56,000 personas. Dos hechos indicativos de que la Beatlemania había llegado para quedarse.

Lo acaecido durante estos y otros shows de la banda son el tema central de The Beatles: Eight Days a Week. Largometraje producido y dirigido por el cineasta Ron Howard (ganador del Oscar en 2001 por la película A Beautiful Mind). Además de presentar en pantalla grande mucho footage inédito de aquellos años, ofrece un acercamiento a las personalidades y momentos íntimos de John Lennon, Paul McCartney, George HarrisonRingo Starr.

La cinta reflexiona sobre el fenómeno generado en torno a la banda, y muestra las repercusiones que la fama tendría en sus vidas y en sus carreras.

El documental contiene material mostrado por vez primera, procede principalmente de colecciones privadas de admiradores de la banda, y fue reunido gracias a una convocatoria lanzada a través de Facebook en 2014. El periodista Larry Kane aportó registros fotográficos y grabaciones recopiladas mientras acompañaba a la banda durante sus giras por Norteamérica en 1964 y 1965. Otra fuente importante viene de los acervos de la disquera Apple Corps, encargada de la custodia de los derechos del conjunto desde 1968.

En dicho material, se aprecian momentos históricos, decenas de entrevistas y ruedas de prensa. Es patente lo divertidos, espontáneos e ingeniosos que eran George, John, Paul y Ringo en esos años. También queda manifiesto el furor y la histeria de sus seguidores en cada una de sus presentaciones públicas. Sin embargo, la obra no se queda exclusivamente en la celebración y la evocación nostálgica…

Por un lado; gracias a testimonios (póstumos o recientes, según sea el caso) con sus cuatro integrantes, más las declaraciones de personas cercanas y colaboradores, el filme evidencia que buena parte del éxito obtenido por The Beatles fue porque todos ellos eran músicos talentosos, creativos, comprometidos y, sobre todo, disfrutaban tocar y componer juntos. Esto queda claro cuando se le permite al espectador atisbar las sesiones de composición y grabación de algunos de sus temas clásicos.

Por otra parte; en sus propias palabras, las estrellas manifiestan que todo ese éxito llegó acompañado de una serie de responsabilidades y presiones desgastantes. Se llenaron de hastío. Grabar y tocar fue algo cada vez menos placentero y más parecido a dirigir una empresa. Esto, sumado a la combinación del modo de vida excesivo del rockstar y el paso natural de su juventud a la vida adulta, les hicieron tomar varias decisiones respecto al futuro de la banda. Entre ellas, la de no volver a sumergirse en giras extenuantes, ni presentarse en vivo hasta años más tarde. Su último -y legendario- concierto fue en la azotea de las oficinas de la disquera Apple en 1969, poco después hicieron oficial su separación definitiva.

Estas decisiones –un tanto drásticas– les ayudarían a crecer y evolucionar musicalmente. Se concentraron en desarrollar música increíble y muy adelantada a su tiempo; fue el período en el que produjeron varios de los álbumes más reconocidos por el público y la critica especializada. Sin duda, piedras angulares en la historia del rock.

Adicionalmente, la película aborda el fenómeno de la Beatlemania desde distintos ángulos. Se sustenta en testimonios de diversos artistas como los actores Sigourney Weaver, Whoopi Goldberg y Eddie Izzard; músicos y compositores como Elvis Costello y Howard Goodall; y, cineastas como Richard Curtis y Richard Lester. Este último abunda un poco en el aspecto cinematográfico de la banda, ya que él los dirigió en dos de sus incursiones en el séptimo arte: A Hard Day's Night (1964) y Help! (1965).

The Beatles: Eight Days a Week es un documento indispensable, no solo para los Beatlemaniacos, sino para todo aquel interesado en adentrarse en la revolución sociocultural que significó la llegada del grupo al panorama internacional.

Al terminar los créditos finales del documental, hay un plus adicional: media hora del concierto en el Shea Stadium. Fue restaurado digitalmente e incluye las canciones "Twist and Shout", "I Feel Fine", "Ticket to Ride", "Can't Buy Me Love", "Help!", y más.

"Not Enough", lo nuevo de Las Robertas

Las Robertas adelanta "Not Enough", primer single de su próximo álbum: Waves of the New

La agrupación proveniente de Costa Rica está de vuelta con el primer sencillo de su nuevo material de estudio titulado Waves of the New. A juzgar por esta canción, el disco se viene cargado de psicodelia y noise pop.

Waves of the New es su tercer material de larga duración y se estrena este próximo viernes 5 de mayo. Fue producido por John Greene, quien ha trabajado con bandas como Best Coast, The Soft Pack y Dum Dum Girls. Saldrá bajo los sellos Buen Día Records (MX y EUA) y The John Colby Sect (ESP).

Las Robertas también nos comparte el clip para "Not Enough". El video fue dirigido por Dorsia y fue filmado en la Ciudad de México. El trío conformado por Meche Oller, Sonya Carmona y Fabricio Durán pasea por el Espacio Escultórico de la UNAM, mientras los colores y la psicodelia extienden el viaje.

Las Robertas es una de  las bandas más emblemáticas de Costa Rica. Gracias a su fino sonido lleno de surfrock y garage ha creado una fuerte base de fanáticos alrededor del continente y algunas partes de Europa. Con tan solo  dos álbumes de estudio, la agrupación ha tenido importantes presentaciones en festivales como el SXSW y el Austin Psych Fest; además, de su sesión con la prestigiosa estación de KEXP.

Disfruta del video para "Not Enough" aquí abajo:

Shamir comparte disco sorpresa

Antes de Hope, Shamir planeaba retirarse de la música.

Desde el lanzamiento de Ratchet, su álbum debut en 2015, el músico y cantante Shamir Bailey no ha dado mucho de qué hablar. Esto cambio hoy. Está de regresó con un álbum sorpresa llamado, Hope. Un material que incluye 10 tracks grabados este mismo fin de semana mientras el artista consideraba seriamente renunciar a la música.

“Iba a dejar la música este fin de semana. Desde el día uno fue claro que yo era una estrella pop por accidente. Me encantó la idea, ¿a quien no? El desgaste de cómo me presentaba a mí y a mi música tomó una gran parte de mí mentalmente”, escribió Shamir en la descripción de su SoundCloud.

“No voy a mentir, este álbum es difícil de escuchar, pero fue aún más para mí compartirlo. Amor el pop, la música ajena y el lo-fi, esta es mi forma de combinar las tres. Yo toqué, escribí, produje y mezclé todo. Agradezco a Kieran Ferris por hacer el master del disco con una hora de anticipación! Es gratis! Disfrútenlo! Los amo! Aún hay más por venir!!!!!!!!”, concluyó el vocalista.

Escucha Hope en el enlace de más abajo; si deseas descargarlo, solo haz click en la imagen.

shamir hope

Shamir - Hope:

01. Hope
02. What Else
03. Ignore Everything
04. Tom Kelly
05. Easier
06. Like a Bird
07. One More Time Won’t Kill You
08. I Fucking Hate You
09. Rain (Blake Babies Cover)
10. Bleed It Out

Timber Timbre — Sincerely, Future Pollution

Sincerely, Future Pollution: El soundtrack de nuestro respirar.  

En una era de glamour vintage, los soudtracks que acompañan el ritmo de un vivir deben gratificar las añoranzas de aquellos buenos tiempos. El halago de purificar la verdadera música se ha vuelto escaso, a tal grado de orillar al escucha a conformarse. Afortunadamente Timber Timbre rescata el veredicto.

La agrupación canadiense, Timber Timbre, emerge desde aquellos –aparentemente lejanos– días del 2009 con una mezcla entre Toronto y Montreal. La música que desenvuelven estos magnos artistas ha logrado actuar, literal y espiritualmente, como el soundtrack de una thriller llamado: vida. La película más eterna y aterradora posible.

En un año de atesoramiento retrograda y consumo digital incontrolable, Taylor Kirk viene a rescatarnos del atropello. Con su sexto material discográfico, los dueños del blue/rock alternativo, llegan a engrandecer su teorema: musicalizar el ambiente. Sicerily, Future Pollution es el nuevo trabajo de estudio de la banda. Un disco alejado de lo que ellos, en tiempos pasados, consiguieron ambientar. Grabado en algún rincón de París, el álbum es un logro excelsamente hermoso, pero abrumador a la vez. Organizado en nueve tracks, se siente ambicioso, sensible, e histórico.

Después de teclear play, no llega ni siquiera el segundo seis cuando una abrazadora batería cautiva tus sentidos. “Velvet Gloves & Spit” nos yergue. El canto armonioso de Kirk imbuye a lagrimear, a retomar las acciones más allegadoras. Confunde el sentir con la escucha. La melancolía es la esencia de este LP. Es, para mí, una de las facetas más ocultas de Taylor y compañía. La melodía te lleva a un lugar al que creíste nunca volver…

Con electrónica psicotrópica, “Grifting” nos despierta del enajenado viaje. Una canción acoplada en su perfección: voz, bajo, sintetizador, coro, cuerpo. Una melodía difícil de olvidar por su título. Momentos turbios, momentos descomunales. Se comienza a disfrutar el recorrido de esta contaminación futura.

Tercer paso, “Skin Tone”. Una verdadera línea. Es el momento correcto que dicho conjunto se dio para adaptar lo que en realidad saben hacer. Un track que nos adentra al pasado de su música y nos proyecta a su nueva etapa. Un tema sin letra, sin voz, sin aliento; tan sólo, el vaivén de los sintetizadores.

Con el apoyo de una batería alineada y vibraciones sintetizadoras, se reproduce uno de los sonidos más eternales. La letra más sublime: “Moment”. ¿Hermosa? Decídelo tú.

El viaje es realmente alucinante. Timber Timbre sabe perfectamente cómo estructurar la música de nuestras acciones y sentimientos. Está de más mencionar su talento y experiencia en respaldar musicalmente el séptimo arte. Si con ello lo logra, con nosotros se desmorona. Y, es que el paso entre “Sewer Blues” (track 5) y “Western Questions” (track 6) es líricamente evidente; pero, sentimentalmente no logras desconectar una escena de la otra.

“Sincerely, Future Pollution”, ha sido el tema elegido para difundir el magno trabajo. Una canción que abarca todo lo que puede representar a estos músicos canadienses. Un conjunto de instrumentos, sonidos y percusiones exóticas, desconectadas de lo lineal. Un track denso y tenso; el andar de tus malestares en un instante.

Finalmente, con una enriquecedora muestra de talento, “Floating Cathedral”, cierra el sexto trabajo de Taylor y sus espaldas. Un tema donde recorres los "créditos" de tu existencia, donde alineas las prioridades de tu vivir. Un tema alentador que te incita a mirar por la ventana y atrapar un nuevo mañana. Estoy completamente seguro de que en ese “nuevo mañana”, Timber Timbre estará nuevamente musicalizando nuestro respirar.

Anohni — Paradise

Paradise: una reflexión sobre la humanidad.

Como una continuación al desgarrador, maravilloso y conmovedor HOPELESSNESS (2016), Anohni presenta Paradise. Es un EP que sigue en la pelea contra el ecocidio, la misoginia, la desigualdad social y la injusticia. En general, contra la distopía que hemos creado. A la vez, motiva a ser parte de una sociedad más consciente y humana.

“In my Dreams”. Cierras tus ojos. El aire comienza a soplar con fuerza en tu rostro; de pronto, ese sonido comienza a mezclarse con teclados y gemidos de Anohni. Todo se transforma en algo que ella misma ha definido como "una pequeña improvisación". Te invita a imaginar un mundo mejor a través de un estado de desesperación.

En “Paradise”, Anohni canta con ironía “…world without end; hopelessness sinks into the earth, … the shifting beauty”. Es un contraste con la realidad que presagiamos; realidad en la que “el hombre desea destruir este mundo y construir uno nuevo en el que sea su deidad y autor único. Pero, en verdad, si nos separamos de este mundo, nos marchitaremos y moriremos”.

“Jesus Will Kill You” denuncia el sistema desigual que nos controla. El poder de pocos sobre muchos. La muerte de “poblaciones” a favor de la riqueza de otros. La pérdida de lo humano; la pérdida del amor hacia los demás. Las poderosas percusiones se fusionan con ritmos tropicales.

“You Are My Enemy” es el sentir de Anohni como persona ante el mundo. Ella “nunca se ha sentido parte de éste”. Por su naturaleza protestante, cree ser parte de un sistema que no tiene los mejores deseos hacia la humanidad. “I’m ready to cast from this world”, replica, como una forma de querer escapar del mundo.

En “Ricochet”, Anohni manifiesta su enojo sobre el estado actual del mundo. Al mismo tiempo, navajas van cortando nuestros oídos. Especialmente critica la manera de actuar de la sociedad ante esta situación. Al respecto, versa de la siguiente manera: “And if this keeps going; gonna curse, my god; I’m gonna hate you, my god; for making me this way”. Exceso de la fe, sobre la acción.

“She Doesn’t Mourn Her Loss” es una metáfora sobre la Tierra. Nosotros, sus hijos, la hemos destruido. Ella nos ha dado vida y acepta el dolor que le causamos.

En una entrevista para la fundación Aarhus, Anohni comentó: “Quebrantando el cuerpo de la Tierra de esta manera, no podemos esperar que continúe manteniendo la vida como la hemos conocido”. A través de sus redes sociales, la artista invitó a sus fans a enviarle un mensaje sobre lo que más les importa o sus esperanzas para el futuro; a cambio, recibirían la última canción del disco: “I Never Stopped Loving You”. Una balada experimental que parece estar escrita por la tierra. Ella parece estar lista para su extinción. Catarsis. 

En la portada del disco aparecen artistas, poetas y activistas. Están tristes, llorando, desesperadas, llenas de dolor y enojo. Anohni es  parte del movimiento Future Feminist, y considera que “la subyugación de las mujeres y la Tierra es una, y la misma”, ya que se encuentran “profundamente entrelazadas”. Piensa que “sólo una intervención por parte de las mujeres alrededor del mundo, con su conocimiento innato de interdependencia, su habilidad de escuchar, empatía, y autosacrificio, podrían alterar el grave curso de nuestra especie”.

Tal como en HOPELESSNESS, el trabajo experimental de Daniel Lopatin (Oneohtrix Point Never) y la “exuberancia” de Ross Matthew Birchard (Hudson Mohawke) fueron parte importante de la producción. Sin embargo, Paradise presenta un sonido muy diferente que se podría distinguir en dos facetas: 1). Anohni, llena de fuerza y poder, beats caóticos, drum machines y percusiones; y, 2). la que nos recuerda a Antony & the Jonhnsons, repleta de atmósferas nostálgicas, teclados lentos y cantos a capella.

Como moraleja nos queda el mensaje de la artista Nola Ngalangka Taylor al final de “She Doesn’t Mourn Her Loss”: “Nos preguntamos, ¿Qué le está pasando al mundo? ... despiertas en la mañana y te preguntas, ¿Todo mejorará o empeorará? ... ¿Cómo pararemos y trabajaremos en ello; haremos del mundo un mejor lugar para todos nosotros?". 

Arca — Arca

La renovación del caos a través de Arca.

Alejandro Ghersi es conocido, desde hace 5 años, como Arca. Tras la ruptura de Björk con el artista Matthew Barney, la islandesa ha trabajado con él casi como siamés. -Desde que Vulnicura (2015) inició a construirse-. A partir de esta unión, la importancia emocional que Björk transmite en sus proyectos se filtró al productor venezolano. Así queda demostrado en este álbum, su tercer LP, Arca.

La substancia que caracteriza a Ghersi como productor es la composición caótica, casi destructiva. Mutant (2015) y Xen (2014), sus discos pasados, construyeron una implacable necesidad por la distorsión y la dramática sensación de no entender qué esta pasando. Entonces, llega Björk a ajustar el proceso creativo de Arca. Llega con una ruptura amorosa muy fresca, dispuesta a exponerse como nunca lo ha hecho y, permite que Arca construya la estructura sónica de su sentir. ¿Cómo no esperar que Arca hiciera lo propio en su siguiente álbum?

Así surge el LP, Arca. El elemento innovador de su trabajo (bastante novedoso de por sí) es la voz de Arca mismo. Interpretación acompañada del sentir que solo el idioma español puede promover en el escucha.

"Piel" es el punto de partida en el renacer de Ghersi. Aquí, sus sentimientos se notan vulnerables; pareciera que sus dos alter-egos (productor caótico - frágil compositor) coinciden para realizar la reconstrucción del artista.

La voz de Arca funge como el máximo elemento de expresión a lo largo del disco. "Anoche" continúa como un canto al recuerdo y a lo deshabitado de las emociones.

Cuando pareciera que será un álbum vocal y sumamente dramático, llegan "Saunter" y "Urchin" a balancear la renovación con caos. Adaptación al sonido característico de Arca con una presencia industrial innegable.

"Castration", "Child" y "Whip" relucen dentro del arsenal como los elementos más resistentes al cambio. Mantienen la esencia que Arca construyó en sus discos anteriores. Ahora, son un resultado más complejo, más preciso. La lógica de su trabajo se vuelve más enfocada dentro del campo de la construcción de distorsión consciente; más allá del frenesí solo porque sí.

La voz de Alejandro en del disco produjo un efecto de personalidad que hasta ahora no se había filtrado en su música. Esto genera un inicio en la carrera de quien podrá ser un individuo expresivo a partir de dos elementos: la instrumentalización y la ideología sentimental.

Si bien, pareciera que Arca definió las bases de quién es realmente, lo que vendrá a continuación del álbum Arca será la experimentación de un ser nuevo.