Epica en el Pepsi Center WTC

La marcha de los Titanes en el Olimpo, Epica.

Aún recuerdo la primera vez que escuché a Epica. Yo era una joven e ingenua metalera de 20 años que, en una noche de desamor, buscaba en YouTube canciones para complementar su bagaje musical, ya que para un metalero nunca es suficiente en cuanto a música se refiere. Encontré la canción con el título que describía perfectamente lo que yo estaba pasando en ese momento –si me has leído con anterioridad, sabes que yo soy una persona enamorada del amor y de la música, así que, sí, siempre estoy en líos amorosos… ¡ja!–.

“Cry for the Moon” empezó lentamente. El sonido de un violín agonizante, unas percusiones fúnebres; de pronto, el lamento profundo de una mujer que, sin decir nada, expresó el dolor lacerante que yo sentía. Y, lloré por la luna inevitablemente.

Años después, tuve la oportunidad de ver a la banda por primera vez en el Teatro Metropólitan de la Ciudad de México y, fue un gran show. Recuerdo a una Simone Simons con voz célica que controlaba completamente el escenario y el latido del corazón colectivo. Fue una ejecución impecable a cargo de Mark Jansen (guitarra), Coen Janssen (teclado y sintetizador), Isaac Delahaye (guitarra), Ariën van Weesenbeek (batería) y Rob van der Loo (bajo). El ambiente fue mágico en tan majestuoso recinto; transformó a todos y, conquistó el corazón de los metalheads mexicanos. Sin duda alguna, Epica es una banda mexicana honoris causa.

Los alrededores del Pepsi Center estaban repletos de sombras que esperaban impacientemente el tour The Mexican Principle; la emoción se inhalaba. Para muchos era su primer concierto y se notaba, me dio ternura; para otros, los veteranos, era el gusto de estar. Para los más, desconozco las razones; pero, el destino y el metal no se equivocan.

A las 21:00 H todo se volvió oscuridad. Unos rayos azules iluminaron el escenario por donde cada uno de los músicos salió, hasta que, al final, la reina del juego de ajedrez hizo acto de presencia; los gritos ahogados retumbaron. “Edge of the Blade” y “A Phantasmic Parade” iniciaron con el show. Dobles pedal, solos de guitarra, guturales y, headbanging.

“Muchas gracias Mexico City. Are you ready for Epica? ”, fueron las palabras que profirieron los labios de Simone. “Sensorium”, canción de su álbum The Phantom Agony, estalló en nuestros oídos para regresar al pasado, y al disco que a mí más me gusta de la banda holandesa.

“The Essence of Silence”, “Unleashed”, “Fools of Damnation”, “The Obsessive Devotion”, transcurrieron en medio de una batería potente y violenta, un bajo preciso y, unas guitarras bélicas acompañadas de los guturales de Jansen. Mientras, la batalla era librada en medio de muerte y desolación.  

“Ascension”, “Dancing in Hurricane”, “Once Upon a Nightmare” y “Unchain Utopia” sonaron a la par de la marcha de los Titanes del Olimpo. Las guitarras cruzaban el espacio como trueno; la luz del alma de cada uno iluminó la noche.  

Llegó el momento del reencuentro, los violines y las percusiones sonaron, los presentes cantamos ese eco profundo de dolor y Simone nos hizo coro. La gente entonaba “Cry for the Moon” como himno nacional. Siempre igual, siempre bella, siempre emotiva.

Para terminar, “Sancta Terra”, “Beyond the Matrix” y “Consign to Oblivion” dieron la estocada final a un público eufórico, embelesado y feliz.

El show fue todo un éxito. Las sonrisas en los rostros hablaban por sí solas; pero, hice una reflexión acerca de esta agrupación que me hizo enchinar la piel desde la primera vez que la vi.

La vida me ha dado la oportunidad de ver a Epica en varias ocasiones, y eso me brinda la perspectiva para decir que su show se ha convertido en algo repetitivo, gastado y cero emocionante. Creo que tienen todos los elementos para reinventarse, crear expectativa, producir algo nuevo y diferente; pero, están estancados en lo que ya les dio resultado. Eso mata el corazón de las personas que tenemos años siguiéndolos.

Los cambios siempre son buenos, la vida nunca se queda estática, nunca es igual. La música y las bandas tienen que evolucionar y lograr que el público sienta eso que experimentó la primera vez que los vio en vivo. Digo, si es que quieren seguir viviendo para contar su propia historia.

#CircuitoIndio: Thermo en el Foro Indie Rocks!

Thermo: Siénteme arder.

Existió una época cuando la gente lloraba en los shows; las gargantas se raspaban hasta no poder más. Mientras, los ojos expulsaban líquido que añoraba por salir a la primera oportunidad. “Quizá ahora sería bastante raro”, admite un emocional Roy Cañedo, “pero, sólo nosotros sabíamos entonces por lo que estábamos pasando”.  

El Foro Indie Rocks! se convirtió en una máquina del tiempo por una noche. Thermo, la emblemática banda de post-hardcore/dance-punk/pop-punk/emo… —como le quieran llamar—, tocó de principio a fin el larga duración Arde en Mílanzado en 2004.

Noche lluviosa, pasiva. La sede ubicada en la Roma Norte apenas lograba comunicar movimiento. Pocas personas se acumularon en la entrada, se cubrían de la lluvia; mientras, en el interior sonaban tarolazos y un ruido que parecía venir de otra época.

Quizá fue por la premura del evento organizado por Circuito Indio, por la naturaleza íntima del show o, simplemente quedan muy pocos seguidores de los días de Arde en Mí; pero, cuando la banda comenzó su set, había una asistencia modesta, reducida.

Tal y como en la placa de 2004, un melancólico "Piano" comenzó a inundar el lugar que ahora se situaba en penumbras. “Una Batalla Más” continuó con la ejecución del disco que fue tocado de principio a fin. El verso “¡Mírame, siénteme arder!” detonó agresivamente de la boca de los asistentes. Iván Pérez hizo un esfuerzo sobrehumano por lograr que los screams sonaran tan limpios como hace 13 años.

Con la piel chinita de tal catarsis, “Fuego Interno” comenzó a sonar, seguida por la emblemática “Dónde Estás”. Roy Cañedo anunció que Meyer (integrante que se unió en el proceso de Bajo El Control del Radar , 2007)  no estaba presente ya que la intención era tocar el disco lo más parecido a como fue concebido.

La noche comenzó a ser de historias y recuerdos, a la VH1 Storytellers. Iván compartió la anécdota de “Vanessa”, canción que le escribió a una chica que le gustaba mucho y que Roy, en un inició, considero que “estaba culera y muy cursi”.

Cuando “Avanzar Sin Ti” sonó, tanto la banda como el público llegaron a la conclusión de que no hacía falta nadie más. Sólo eran unos cuantos los que presenciaban el momento; pero, para esos pocos la noche se tornaba inolvidable. “Vamos a sacar un nuevo álbum”, anunció Roy, “…y son precisamente ustedes, los fans de hace años, los que nos preocupan, ¿cómo lo van a tomar?, ¿les gustará…”; fue interrumpido con “¡los amamos Thermo!” y, un fuerte aplauso del público.  

“Cenizas” contó con la participación de Cheke Mondragón de Sad Saturno. Fue hasta “Este No Soy Yo” y “Nuevas Ideas” que la gente se animó a formar un pequeño, pero catártico slam. Pocos lo admitirán, pero lágrimas corrían por las mejillas de varios presentes en el Foro. El primero en mostrar sus ojos cristalinos fue Roy Cañedo, quien se acercó al público a cantar un tema que casi no interpreta, ya que, como él acepta, no es sobre una situación linda.

“Azul” marcó el clímax de la noche, el recinto se unió en una voz junto a la guitarra de Iván Pérez.

No sólo el Arde En Mi sonó en su totalidad; “16” y “Zombies y Breakdance” fueron interpretadas antes de que Roy e Iván bajaran con una guitarra acústica al lobby del Indie Rocks! a tocar “Alza la Voz”, “Tal Vez No”, “Te Necesito”, entre otras.  

Es 2017; los shows han cambiado, los venues han cambiado, las bandas han cambiado; incluso Thermo ha cambiado. Por una noche eso quedó en el olvido, el ambiente se sumergió en recuerdos y en un íntimo intercambio de sentimientos. Una velada de amigos. Las lágrimas no cesaron y los gritos fueron expulsados sin miedo, ardiendo en una sola voz.

Escucha un tema inédito de Prince

En medio de la controversia sobre los derechos del material de Prince, se publica un track de 6:25 minutos de duración.

Hace algunas semanas recordamos un año de su partida y como era de esperarse, las disqueras, parientes y gente inmiscuida en su carrera, han iniciado una disputa sobre los derechos de su brillante historial musical.

Hoy se ha liberado el stream de “Our Destiny / Roadhouse Garden”, dos canciones ligadas pues así se presentaban en sus shows en vivo, que cuentan con la participación de Lisa Coleman y Dr. Fink.

El siguiente 23 de junio se estrenará la re edición de lujo con dos discos del Purple Rain (de 1984), editada por NPG/Warner Bros. Records, misma que tendrá 11 tracks inéditos como este y “Electric Intercourse”.

Lástima de todo el caos legal que existe tras la muerte del cantautor, recordemos que también está pendiente a publicarse el EP Deliverance, del que logramos escuchar el sencillo que da nombre al EP.

Escucha el soundtrack de 'Tenemos la Carne'

Conoce un poco de la historia de la sonorización de la película Tenemos la Carne.

Hace poco más de un año, fue el estreno de Tenemos la Carne en el International Film Festival Rotterdam, una cinta escrita y dirigida por Emiliano Rocha Minter.

El largometraje se desarrolla en un México devastado por el apocalípsis. Mientras, dos hermanos luchan por encontrar refugio y alimento; se topan con alguien que ofrece ambas cosas pero, a un costo en el que saldrán a relucir las más bajas pasiones y la violencia para poder sobrevivir.

El filme tuvo un muy buen recibimiento por parte de la crítica; sin embargo, otro de los factores que más llamaron la atención por su excelente realización, fue el soundtrack, compuesto por Esteban Aldrete.

“Me habló por teléfono antes de que se filmara la película, escuchó mi música y quería ver si me sumaba al proyecto”, declaró Aldrete sobre su primer acercamiento con Emiliano. “Leí el guión y empezamos a platicar ideas sobre cómo se imaginaba la música, luego empecé a trabajar con base en lo que me decía. Fue un proceso de sintonía donde imaginamos cosas similares”

A pesar de que Esteban no tenía idea del proceso y del trabajo que conlleva la cinematografía dado que esto sólo lo había experimentado tocando en bandas. Una de la cosas que convenció al compositor de aceptar el compromiso fue el entusiasmo que mostraba el director y, sus ganas de soltar la imaginación.

“Ya filmada la película se sumó Javier Umpierrez, quien se encargó el diseño sonoro. Ahí fue que entre los tres armamos las partes más ambientales de la película”, comentó Esteban sobre cómo se llevó a cabo la realización. “También hay que mencionar la participación de Karen Ruíz, quien compuso y cantó con nosotros en una de las baladas de la película”.

El resultado es una producción con distintos matices dentro del entorno de oscuridad que plantea el metraje. Unos temas suenan como a una versión futurista de algún clásico de The Doors; otros, como alguna balada melancólica de guitarras ligeramente distorsionadas; incluso, otros dan voz al grito desesperado que se oculta detrás de un símbolo patriota. Al final, cada uno da énfasis y volumen a cada escena de la película.

Escúchalo este soundtrack completo y júzgalo por ti mismo:

Entrevista a Sharif y Rafael Lechowski

Sharif y Rafael Lechowski: una amistad entre el rap y la poesía.

Es jueves por la tarde, dos colegas sentados en el mismo sillón hablan de libros, de música, de amor, de la vida que se les va y, de un sinfín de cosas más. Uno de ellos, tez morena y ojos color esperanza, es el primero en recibirme con una sonrisa en el rostro; el otro, mirada cálida y rostro triste, me extiende su blanca mano. Ambos, me invitan a sentarme. Sharif Fernández y Rafael Lechowski, respectivamente, dos de los máximos exponentes del rap en español abren sus corazones y sus mentes; me cuentan sobre su regreso a nuestro país (sobre sus ideales y sus direcciones).

Enfundados en una capa de humo y con la familiaridad de quien está entre amigos, la charla comienza al tiempo que Sharif me enciende un cigarro; Rafa pregunta si de casualidad hay uno verde entre los que quedan para él.

“Siempre es mágico volver a México. Tiene esta especie de aliteración y resonancia bonita lo que digo; pero, es verdad… México es nuestro país fetiche pues siempre nos reciben y nos aprecian” son las palabras con las que se refiere Sharif a la visita a nuestro país con motivo de su presentación.

“México es un país que tiene en equilibrio la pasión, la paciencia y la atención; son cosas muy extremas (…) Son un público súper cándido y pasional que mantiene viva la escucha, la apreciación y el rigor; en otro país no sucede así”, completa Lechowski.  

Rafa nos cuenta historias de su infancia, de cuando estuvo recluido en un reformatorio, historias que bien podrían ser las de propio Tom Sawyer. Se voltea y bromea con su “hermano” Sharif sobre las tardes en Zaragoza, cuando jugaban al PES y fumaban un poco de hierba para ponerse creativos. Tardes en las que ya se gestaba en sus cabezas un show como el que los trae en esta ocasión a territorio mexicano:

Rafa y yo, desde hace ya un tiempo, notamos en el otro las mismas inquietudes. Muchas veces en Zaragoza hemos tenido grandes charlas. Nosotros solos, con el Rapsus, con el Morgan, y siempre sale a colación este tema y, el siguiente paso lógico era la acción”, puntualiza Sharif con un tabaco entre los dedos mientras que Lechowski aclara que la idea de un recital como éste, siempre fue “tomárselo como una velada literaria y contagiar a la gente de las ganas de leer y escribir”.

Dos artistas de la palabra que se miran a los ojos con el cariño de dos hermanos, se hacen bromas y comparten un compromiso para con la cultura que va más allá de categorías. Eso es lo que son Rafa y Sharif, hermanos.

“Pensábamos que el rap tenía que respetar y cumplir determinados cánones y que salirte de ellos era sinónimo de falsedad. Hace mucho tiempo que sentimos que el rap debe eliminar esas barreras que no son más que puro lastre para la creatividad. El rap no deja de ser música y a lo único que tiene que aspirar es a emocionar, a transmitir… y, nosotros lo intentamos hacer con todo el respeto y rigor, respeto por el rap; pero, sobre todo, por la poesía”, afirma el siamés, dos cabezas un mismo pensamiento.

Entre risas y miradas de complicidad, ambos escritores, ambos raperos, terminan sincerándose de una manera que evoca a aquellas reuniones que seguramente ha tenido este par de seres humanos. Increíbles conversaciones de las cuales podríamos escribir más de 16 barras.

Tanto Rafa como Sharif saben que hay una responsabilidad en su trabajo; la asumen. Consciente o inconscientemente, ambos hacen un trabajo más que necesario en este momento de la historia mundial en el que nuestra generación está tan falta de arte y de cultura.

Dos artistas que se asumen como tal y que se respetan mutuamente. Dos personas que durante poco menos de una hora me hicieron sentir como parte de un círculo tan íntimo y tan humano que no me queda más que agradecerles cada una de sus expresiones. Palabras que nos son muy necesarias y que hemos de llevar como estandarte: “No hay que rendirse, hay que luchar” dice el de Zaragoza. “Hay que fluir”, finaliza Rafa.

Antes de despedirme Rafa y Sharif me confiesan que están trabajando en algo nuevo, cada quien por separado. Es sólo cuestión de tiempo para que los estemos leyendo y escuchando, una vez más.

Lee la reseña de su presentación conjunta en el Teatro Ramiro Jiménez al dar clic en la imagen:

Natalia Lafourcade — Musas

Natalia Lafourcade muestra sus raíces bien plantadas en Musas.

En la era de la internacionalización y la migración a tope, la cantante mexicana Natalia Lafourcade rompe fronteras y se enorgullece de sus raíces latinas. Celebra la música que la influenció en su infancia. El viernes 5 de mayo presentó, con un showcase privado, su inesperado álbum: Musas.

Este nuevo material cuenta con la colaboración de Los Macorinos (Juan Carlos Allende y Miguel Peña) en cada uno de los 12 temas de que se compone el mismo. La participación del dúo fue clave para enaltecer el folclor latinoamericano que la cantante buscaba.

La curiosa historia de Musas comenzó durante un viaje recreativo de Lafourcade a Brasil tras la gira promocional de Hasta la Raíz (2015). Desde hacía mucho tiempo, tenía la inquietud de trabajar con Allende y Peña; los había visto tocar con Chavela Vargas y Eugenia León. Es así como la nacida en la CDMX se acercó a ellos con el objetivo de crear música solamente para ella, sin saber si los músicos aceptarían tal oferta.

Con más de 300 canciones creadas en un estudio, en medio del bosque, nació Musas Vol. I. Es un disco que “sabe a madera” por la forma tan natural en que fue creado y por lograr capturar la esencia de la música tradicional latinoamericana. Los Macorinos le plasmaron calma y experiencia.

El álbum contiene 12 tracks. Se incluyen canciones tradicionales de autores como Agustín Lara y Violeta Parra; temas inéditos de la propia Natalia; y, una canción instrumental como homenaje a Los Macorinos. La premisa más importante para la producción de este disco fue no utilizar ningún instrumento electrónico; unicamente aquellos hechos de madera.

La primera es “Tú Sí Sabes Quererme”, una composición limpia de la también filántropa. Dice sentir amor pero no aquel de pareja que lastima y confunde, sino uno por la patria y el hogar. La canción se lanzó a principios de este año y en tan solo unos meses ha alcanzado 22 millones de reproducciones en Spotify.

“Soledad y el Mar” se escribió en Veracruz cuando los problemas sociales acechaban al estado. Para “Mi Tierra Veracruzana”, se inspiró en aquel puerto donde la cantante corría en medio de los campos de café; además, cuenta con la voz casi imperceptible de Ximena Sariñana en los coros.

“Rocío de Todos los Campos” se compuso en honor a la maestra Rocío Sagaón, quien fuera musa y amiga entrañable de Lafourcade hasta antes de su muerte en el 2015.

El segundo sencillo del disco, “Qué He Sacado Con Quererte”, es de la autoría de la andina Violeta Parra. Expone el rango vocal alto que la intérprete puede alcanzar. “Mexicana Hermosa” se creó para enaltecer la belleza de México; no contiene pretensiones políticas y es una canción muy orgánica. “Te Vi Pasar”, la compuso Agustín Lara y es una de las favoritas de Natalia; caso similar con “Tonada de Luna Llena”, del venezolano Simón Díaz.

No hay nada más clásico de la cultura latina que los boleros y, en Musas se incluyen “Soy lo Prohibido”, de Francisco Dino López Ramos; “Tú Me Acostumbraste”, de Frank Domínguez con la colaboración de la también cubana Omara Portuondo. Completan el repertorio “Son Amores (That’s Amore)”, y “Vals Poético”, el homenaje instrumental a manos de Los Macorinos.

El álbum es el séptimo de estudio para Natalia Lafourcade y el segundo compilado desde su Homenaje a Agustín Lara (2012). La selección de temas es exquisita y, según la propia cantante, la música de esta producción no puede explicarse; pero sí, sentirse. Este nuevo homenaje capta la esencia de los boleros de Agustín Lara, el folclor de María Grever y el sentimiento de Chabela Vargas. Todos los temas son interpretados con maestría por una artista en plenitud personal y profesional; sin nada que probar.

Phoenix comparte video para "J-Boy"

Mira el videoclip del primer sencillo del nuevo material de Phoenix.

La agrupación francesa compartió el video musical de “J-Boy” en YouTube. El tema es extraído de su sexto álbum de estudio: Ti Amo. El material completo será lanzado el próximo viernes 9 de junio a través del sello Glassnote.

Originalmente, este clip fue estrenado el 11 de mayo de manera exclusiva a través del sitio oficial de Phoenix; también, fue transmitido en cuatro puntos distintos a lo largo del día. En él podemos ver a Thomas Mars y al resto de la banda en una presentación para televisión que finaliza con los aplausos de la audiencia.

La dirección estuvo a cargo del afamado artista visual Warren Fu, quien previamente ha trabajado con artistas y bandas como The Weekend, The Growlers, The Strokes, Rey Pila y CHVRCHES, sólo por mencionar algunos.

Mira el videoclip de "J-Boy" aquí abajo:

Si deseas preordenar Ti Amo de Phoenix, haz clic en la portada:

phoenix ti amo

Marilyn Manson personifica a un asesino

Previo al lanzamiento oficial de la cinta Let Me Make You A Martyr, se presenta otro tráiler protagonizado por Marilyn Manson.

Brian Warner, mejor conocido como Marilyn Manson, interpreta a un asesino a sueldo en la compleja trama de una película que combina el suspenso, el drama y la acción. Let Me Make You A Martyr, es un largometraje dirigido y coproducido por Corey Asraf y John Swab.

En este thriller “cerebral”, como lo describe la crítica—, Manson interpreta Pope, un matón que está más interesado en salir airoso que en cumplir con su parte del trato.

Durante el rodaje de la cinta en Tulsa, Oklahoma, en 2015, la cuenta oficial de Instagram de la producción compartió una imagen de Brian Warner caracterizado como su personaje cinematográfico.   

This is Pope. @marilynmanson #letmemakeyouamartyr #martyrdiaries

Una publicación compartida de Let Me Make You A Martyr (@letmemakeyouamartyr) el

De acuerdo con la ficha técnica y la sinopsis del largometraje:

Drew Glass (Niko Nicotera) es un joven que recién regresa a su ciudad natal después de años de ausencia. Debido a su comportamiento, la tensa relación con su padre adoptivo Larry Glass (Mark Boone Junior) se complica. También, se reencuentra con June Glass (Sam Quartin), su hermana adoptiva y,  también, su amante. Ambos deciden asesinar al padre para huir juntos de su complejo pasado. Desafortunadamente, Larry descubre el plan y contrata a Pope (Manson) para adelantarse al golpe; sin embargo, éste tiene sus propios planes.

Puedes ver este nuevo tráiler de Let Me Make You A Martyr justo aquí:

Aunque la película ya se encuentra disponible en línea en diversos sitios —en mala calidad, por cierto—, se estrenará de manera oficial el próximo martes 6 de junio a través de servidores como Amazon, iTunes, Google Play, entre otros. Revisa más detalles en el sitio oficial de la cinta: Let Me Make You A Martyr

Banks & Steelz estrena canción

Rumbo al Corona Capital, escucha una nueva canción de Banks & Steelz.

El año pasado el dúo Banks & Steelz, formado por Paul Banks de Interpol –próxima a visitar nuestro país para celebrar el 15 aniversario de su disco Turn on the Bright Lights– y RZA de Wu-Tang Clan, publicó su disco debut Anything But Words. De este se desprenden 12 temas, de entre los cuales hay colaboraciones de Florence Welch (Florence & The Machine), Ghostface Killah, Method Man, Kool Keith y más.

Dicho material causó genuino interés en la crítica especializada gracias a la inusual combinación entre los estilos musicales del líder de Interpol y el MC neoyorquino –al igual que Banks–. Recientemente se dio a conocer que Banks & Steelz forma parte de la edición 2017 del festival Corona Capital, donde también se presentará Green Day, Foo Figthers, PJ Harvey, Grizzly Bear, y Cage the Elephant, entre otros.

Previo a dicha presentación, la dupla compartió una nueva canción llamada "Who Needs The World", misma que produjo Warner Bros. Records Inc. y ya está disponible en las plataformas digitales de streaming.

Banks & Steelz invita a sus fans a crear su propio cover art del sencillo. Los que más le gusten a la dupla, serán publicados en sus redes #WhoNeedsTheWorld

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Slowdive — Slowdive

Cuando el maestro aprende de los alumnos y regresa para continuar impartiendo cátedra: Slowdive.

La historia nos sirve, entre muchísimas otras cosas más, para comprobar que cada época tiene un sonido particular. No sólo me refiero a los géneros, a los ambientes, a los discursos sónicos y líricos; también destaco las emociones que acompañan a esa música. No sería lo mismo oír a The Beatles en esta época, o a Radiohead en los 60. Así pues, no fue lo mismo escuchar el aclamado y visionario Loveless de My Bloody Valentine en 1991 que su sucesor MVB (22 años después).

Slowdive es el disco con el que otra de las agrupaciones pioneras del shoegaze y el dreampop regresa a la palestra musical después de 22 años. Este material comprueba la hipótesis anterior y, es una guía perfecta sobre cómo nadar entre los mares de los años para, después, emerger fortalecido.

Para entender este álbum hay que conocer un poco de la evolución del sonido que los propios Slowdive, My Bloody Valentine, Cocteau Twins y, varios más, crearon a finales de los 80 y comienzos de los 90.

Beach House le quitó ese halo de amargura, hartazgo, pesadez y desesperanza que acompañaba al género en los 90. Creó paisajes sonoros sumamente hermosos y melódicos que se pueden escuchar especialmente en Teen Dream (2010); con esta entrega se dio un significado más acorde al dreampop.

Otras bandas como The Pains of Being Pure at Heart revitalizaron el shoegaze y lo hicieron mucho más digerible sin llegar a hacerlo pop gracias a riffs melódicos y voces aún más suaves.

Otras agrupaciones como Deerhunter saltaron de trabajos muy experimentales como Turn It Up, Faggot (2005) o Cryptograms (2007) a obras maestras como Halcyon Digest (2010) gracias a la completa inclusión del dream pop y guitarras muy saturadas; pero, sumamente melódicas. Ya en la presente década DIIV, Wild Nothing y Motorama añadieron sonidos “dreampoperos” y “shoegazeros” a su música basada en el post punk.

Bueno, pues lo que parecen decirnos Neil Halstead y compañía con este álbum es que, mientras todo esto pasaba pusieron mucha atención, escucharon a sus “alumnos”, asimilaron todas estas versiones modernas de su sonido clásico y, cuando estuvieron listos, hicieron su propio ensayo sobre esta nueva historia.

Gracias a lo anterior es que tenemos canciones como “Slomo” un space rock que suena a Beach House (sobre todo en su disco Bloom, 2012) o “Star Roving” que suena a las mejores canciones del aclamado y, arriba mencionado Halcyon Digest.

Por otro lado, “Sugar for the Pill” y “No Longer Making Time” recurren a guitarras filosas y metálicas (dignas de Explosions in the Sky) como envoltura para una canción sencilla y melódica muy en el estilo de Motorama que termina yéndose a los sonidos saturados clásicos del shoegaze.

Pero, no te confundas, Slowdive NO es un collage de sonidos, no es un pastiche de todos los sonidos en que sus propios discos derivaron. Slowdive es un disco que suena a Slowdive. Un Slowdive del 2017, un Slowdive que entendió lo que generó en su tiempo, entendió lo que se creó después de su tiempo gracias a ellos—, logró conjuntarlo en ocho canciones excelentes, ejecutadas de una manera magistral.

Después de la triste manera en la que la banda se separó en 1995, principalmente por el hartazgo de la industria y debido a problemas con su ex disquera, este nuevo material de estudio nos comprueba que: jamás debieron poner pausa.