Fotografo: Diego Figueroa

Instagram: @halofive

Vanessa Zamora en el Lunario del Auditorio Nacional

Entre pasajes rockeros, acústicos y hasta un cover de Metallica, Vanessa Zamora presentó su disco Damaleona en el Lunario.

Una tarde con un aire gélido recibió a todos los fans de Vanessa Zamora en el Lunario del Auditorio Nacional, los abrigos, chamarras y suéteres fueron la constante en la fila de acceso, pero todas estas prendas terminaron sobrando al interior del recinto por el calor que cientos decenas de personas expedían. Al rededor de las 20:00 H Kirnbauer inició su presentación y tuvo una recepción bastante calurosa por parte del público que ya ocupaba 3/4 del aforo del Lunario. El set de Kirnbauer incluyó temas como “Es Mejor”, “Siento Que...”, “No Estamos Bien” y cerró con “2000nunca”. En medio de su show, Kirnbauer invitó a todos a su debut escénico: ”Quiero invitarlos a mi primer show oficial el 28 de julio en Bajo Circuito”.

Tan solo 15 minutos después de finalizada la participación de Kirnbauer, las luces se apagaron, en las pantallas se proyectaron visuales que decían “Damaleona” y todos estallaron en jubilo. Unos láseres salieron despedidos del centro del escenario dejando sin palabras al público y bajo una luz naranja, Vanessa Zamora apareció dando golpes bruscamente a un tom de piso. Después de su segunda canción, que fue “Trascender”, la cantante se presentó: "mi nombre es Vanessa Zamora, mejor conocida como 'Damaleona' y es todo un éxtasis estar aquí está noche”. Después de tres canciones nuevas, se cerró la primera tanda de temas de Damaleona, para dar paso a “Puro Pasado” con la que Vanessa aprovechó para bajar a la pista y cantar a lado de sus fans. Antes de seguir con la presentación de Damaleona, el público entonó "Las Mañanitas" y es que el cumpleaños de Vanessa había sido un día antes de este concierto. "Esta fue la primera canción que compuse en mi vida y es una canción muy dolida" mencionó Zamora antes de tocar “Te Quiero Olvidar” de su primer LP Hasta La Fantasía.

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Algo que ya se está volviendo una tradición ocurrió y Vanessa se fue con su Dr Simi personalizado, algo que agradeció levantándolo y diciendo "A huevo pinche Simi". Ya en formato acústico Vanessa Zamora tocó “Colores”, “Optemos” y “Contracorriente”. De regreso al show con banda completa, la sorpresa de la noche se hizo presente cuando Sabino salió a cantar “No Jaló” y todo el público cantó la canción de principio a fin aunque el aire no sobrara entre cuerpo y cuerpo. Después del encore Vanessa Zamora tocó “Al Fondo De Mí” y al término del primer coro salieron disparados miles de papelitos con forma de corazón en color verde y rosa. La última canción de Damaleona fue “Subconsciente”, la cual será el próximo sencillo de Vanessa Zamora, para cerrar esta noche especial, la cantante eligió temas que la han llevado a estar en festivales de todo México, incluyendo el Vive Latino 2022: “Psilocibina”, “Malas Amistades”, aquí la segunda sorpresa se consumó cuando Vanessa tocó una pequeña parte de “Enter Sandman” de Metalica, pero la canción que cerró este show fue “Hbls Mucho”.

La química y la cercanía que tuvo Vanessa Zamora en este concierto fue algo que cada vez se ve menos con artistas y bandas de cualquier nivel de fama, desde las independientes hasta las que llenan estadios. Este elemento que humaniza a los artistas hace que los veamos como seres terrenales y mortales y no como entes inalcanzables a los que hay que rendir reverencia y serles leales y fieles. Vanessa está convertida en toda una "show woman", no solo se limita a tocar sus canciones y retirarse del escenario, ella salta, corre, interactúa, contextualiza, tiene apertura, da todo de sí misma con o sin una guitarra encima, es el tipo de artista por la cual pagarías mas de dos veces por ver el mismo concierto, porque tienes la certeza de que se reinventará en cada presentación.

Ólafur Arnalds en el Teatro Metropólitan

Una experiencia intimista que pone la música por delante.

Tras una larga espera, el islandés Ólafur Arnalds por fin regresa a nuestro país, más específico al Teatro Metropólitan para presentarnos su más reciente álbum Some Kind Of Peace que, aunque salió hace dos años debido a la pandemia el músico no había tenido la oportunidad de presentar en vivo.

Luego de una breve espera, en punto de las 21:15 H y acompañado por un grupo de músicos en la sección de cuerdas; Arnalds se apoderó del escenario que sólo se acompañó de sus músicos, y la atmosfera creada por el mismo público para poder demostrarnos la gran magia que tiene sobre el mismo. 

“Árbakkinn” fue el tema elegido para arrancar la velada y adentrarnos a su mítica mezcla de sonidos, que van desde la mezcla de cuerdas hasta sonidos extravagantes de la música electrónica, que en vivo se complementa a través del uso de luces que irán generando la atmosfera necesaria para cada uno de los temas que el músico presente, probando que no se necesita tantos recursos cuando la música por si sola funciona.

Un “Hola, ¿Cómo estás?”, hicieron que la noche continuara y la magia en el Metropólitan siguiera al ritmo de: “New Grass” y su delicada melodía a piano que estremeció a más de un asistente. También hubo oportunidad de escuchar temas del soundtrack de la serie Broadchurch como “Beth’s Theme”. Pese a que el set se enfocó en sus temas más recientes, no sería un concierto del músico si no escucháramos temas de su aclamado disco Re:member (Mercury KX, 2018). “Momentary” y “Saman” se unieron en una sola para dar paso a “Undir” que trasladaron a la audiencia a los paisajes de su natal Islandia que son la inspiración constante para el músico.

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Entre tacos y “Cielito Lindo” la velada se puso cada vez más intensa, pues los presentes no dejaban de aclamar al islandés; quien se mostró emocionado y conmovido antes la recepción del público mexicano, que no bajó la energía en ningún momento. Una lista de éxitos que recorren por todo su repertorio musical continuó y el momento de “Nyepi”, “Doria” llegó, siendo “We Contain Multitudes”, la elegida para que Arnalds diera una falsa despedida a su set y tomara un breve descanso, mientras el público pedía entre gritos y aplausos su regreso.

Luego de esta breve pausa, el músico regresó al escenario para culminar al ritmo de “Lag fyrir ömmu” con la cual demostró al público mexicano la capacidad que tiene para envolver a la audiencia, creando un puente entre las atmosferas electrónicas y lo tradicionalmente clásico de las cuerdas.

Fue así, como Ólafur Arnalds sorprendió a México con una velada llena de: luces, sonidos y mucho power islandés que, por fin, y tras todos los inconvenientes mencionados al inicio el músico pudo traer a la velada y los que estábamos ahí presentes “un poco de paz”.

The Strokes, The War on Drugs y Mac DeMarco en el Foro Sol

Balance entre nostalgia y futuro.

Comienza el ritual. La peregrinación al Foro Sol exige sortear el metro lleno o el viaducto parado. Afuera los puestos ambulantes venden mercancía no oficial de The Strokes y la pandemia por COVID-19 parece ser un lejano sueño. Aún es de día y hace mucho calor. Los primeros acordes pertenecen al canadiense Mac DeMarco, quien ataviado con un chaleco y un bucket hat verde toca rolas como “My Kind of Woman”, “Chamber of Reflection” y “Still Together”. El dato oficial será que 53 mil personas acudieron al concierto, pero para ese momento de la tarde, el recinto aún estará lejos de lleno. Luego será el turno de The War on Drugs, que tocará temas como I Don’t Live Here Anymore

La espera por la banda principal de la noche se vuelve entretenida gracias a los gritos que alternan entre: “olé, olé, olé, olé, Julian, Julian” y “olé, olé, olé, olé, The Strokes, The Strokes”. Por fin aparece en pantallas el logo de la banda neoyorquina. Esa de niños pijos que en el 2001 y a guitarrazos nos recordó que el rock aún estaba vivo. El set comienza con la alegre “Bad Decisions” a la cual siguen la más añeja “Juicebox” y “Eternal Summer”.

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Julian se mostrará jocoso y pronunciará palabras en español, quejas por el calor, y halagos a sus teloneros de lujo. Sonarán rolas como “New York City Cops, “Reptilia” y “Hard to Explain” (una de las mejores recibidas por el público), “Brooklyn Bridge to Chorus” y el clásico “What Ever Happened?”. En algún momento dirá que le compuso una canción a los asistentes para luego decir que en verdad él no la ha escrito; se trata de “Under Control”, la cual el público recibirá con las luces de sus celulares moviéndose en el aire.

Poco después sonarán “The Adults Are Talking” y “Selfless”. Para finalizar, Nick Valensi, Fabrizio Moretti, Albert Hammond Jr y Julian Casablancas eligieron “You only live once”, “Between love and hate” y “Take It or Leave It” (que parece dedicada a los fans que quieren que toquen aún más). Los incautos dirán que faltó “Last Night”, pero fan que se respeta que Julian ha dicho varias veces que ya no piensa tocarla. Así, el concierto encuentra un digno balance entre los clásicos del pasado, los éxitos actuales y las esperanzas de un futuro.

Hipnosis presenta: King Gizzard & the Lizard Wizard en Frontón México

Una experiencia maratónica y memorable.

Dios del trueno, apiádate de nosotros. La lluvia torrencial cubría la CDMX, sin embargo no habría diluvio que nos impidiera llegar a nuestra cita en el Frontón México

Miles de personas agotaron en su totalidad las localidades para una noche maratónica, donde disfrutamos de un extenso set de 3 horas de nuestros australianos favoritos: King Gizzard & the Lizard Wizard.

Mengers fue la banda telonera de la noche, calentando los motores del público con su música llena de fuzz y distorsión, alentando a todos a desatar el moshpit en la saturada pista. 

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Antes del show estelar, Hipnosis nos sorprendió con los primeros confirmados para su nueva edición, con Osees, The Black Angels, Shame, Psychedelic Porn Crumpets, Babe Rainbow y El Universo, desatando los gritos de los asistentes que han hecho crecer esta comunidad Hipnosis

Una cuenta regresiva de 15 minutos con visuales lisérgicos Lo-Fi aparecían en la antesala del concierto, y cercano el último minuto harían su aparición sobre el escenario cada integrante de la banda, acompañados de una bandera de México y la máscara de El Santo, viejo icono de la Lucha Libre, siendo los últimos 10 segundos fuertemente coreados por la multitud los que darían inicio al concierto, de la mano de “Crumbling Castle”

Lagartos inflables volaban por encima de la multitud, “Venusian 2” eleva los decibeles, la gente no se guarda nada y corea fuertemente, la música no para, ahora suena “Predator X” por primera vez en CDMX y los acérrimos fanáticos la disfrutan de inicio a fin hasta que “Mars of the Rich” corona los primeros temas llenos de trash metal y psych rock. 

“Hot water” y “Shanghai” le brindaron un poco de calma a este arranque enloquecido, permitiendo recargarse un poco para volver a desatar la locura a ritmo de “People-Vultures” y “Mr Beat”.

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“Persistence” y “Oddlife” nos describen cual amantes del rock y el headbanging, encaminándonos al brutal combo que “Nuclear Fusion”, “Pleura” y “K.G.L.W” formaban, llevándonos al límite del éxtasis de la euforia colectiva. 

Nuevamente haría aparición la cuenta regresiva de 15 minutos, siendo esta un gran intermedio para refrescarse un poco luego de una primera mitad del show sumamente extenuante. El rostro de la gente denotaba suma felicidad por lo acontecido, siendo imposible ocultar la emoción por lo que venía. 

I’m in Your Mind Fuzz, aquél álbum enigmático del año 2014 cobraría vida esta noche, pues sus primeros cuatro tracks sonarían uno tras otro, siendo “Cellophane” el clímax. Así arrancaba esta segunda mitad del show, de forma explosiva e intensa. 

Un momento de psicodelia chill nos transportaría a otra dimensión gracias a los coloridos visuales y el sonar de “Plastic Boogie” y “Magenta Mountain”, la gente pendulaba alegremente al suave compás de los teclados mientras el sudor por este caluroso show cubría nuestra cabeza. 

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El poder se siente fluir desde los primeros acordes de “Planet B”, la gente canta con fuerza y se deja llevar por el júbilo multitudinario, sin grandes pausas, “Gaia” realza nuestro espíritu guerrero y desgarra nuestras gargantas, concluyendo este colapso de energía al ritmo de “The River”

El final de esta noche maratónica se avecinaba, y contrastando con este set lleno de energía y psicodelia, “Work This Time” cubriría la atmósfera con las luces de los celulares de los asistentes que gozaban de la plausibilidad de este suave tema y cantaban con fervor y entusiasmo. Finalmente, el tema abridor de su último álbum concluiría el recital con un viaje de texturas, ritmos y emociones a lo largo de poco más de 18 minutos en donde KG&LW dejó todo sobre el escenario, al igual que nosotros sobre la pista de baile en cada nota de “The Dripping Tap”.

Este show fue por mucho el mejor que haya tenido King Gizzard & The Lizard Wizard en CDMX, pues la sinergia entre la banda y el público fue la constante durante este largo set, dejándonos atónitos al apreciar el gran potencial creativo y técnico de esta talentosa agrupación. Gracias Hipnosis por darnos la oportunidad de tener una historia más que contarle a nuestros nietos.

Festival Vaivén 2022

Un Vaivén de emociones, música y mucho calor.

Uno de los festivales más jóvenes de nuestro país es el Festival Vaivén, realizado en los preciosos Jardines de México en Morelos. A pesar de que comenzó su historia con unos contratiempos , ha logrado consagrarse como una de las experiencias festivaleras más atrayentes de México gracias a la calidad de su cartel y la mágica sede en que se realiza.

A pesar de que el camino al evento sufrió demoras por ser puente, quincena y día del niño (un trayecto de tres horas cuando normalmente es poco más de una), la travesía rindió frutos gracias a la espectacular bienvenida llena de colores y naturaleza que ofrece el Vaivén, además de los actos que sorprendieron en más de una ocasión a todos los asistentes.

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El sol no dio tregua y aquellas personas que se anticiparon y llevaron outfits acordes a los 39° de temperatura definitivamente disfrutaron más de los primeros artistas a diferencia de quienes llevaban más tela en su vestimenta. No obstante, en cuanto algún artista tomaba el escenario, el calor pasaba a segundo plano y todas las zonas se convertían en pistas de baile. Tal como sucedió con los regiomontanos de Clubz, quienes encendieron el escenario Bacardí por una hora con canciones de Destellos, cortes del próximo álbum y hasta un cover de "Bailando".

La tarde continuó con Ed Maverick en el escenario Vaivén, quien acumuló un público bastante grande en comparación a los anteriores y a pesar del sol. En las zonas de comida y descanso varias personas disfrutaban de variados alimentos, cerveza y la compañía de sus amigos mientras a lo lejos sonaba el eco de alguno de los 3 escenarios principales.

Los artistas más esperados de la noche comenzaron a hacerse presentes con la primera actuación de Porter Robinson en nuestro país desde aquel Corona Capital 2015, en esta ocasión con Nurture bajo la manga. Armado de visuales impresionantes y llenos de guiños a la cultura japonesa, emocionó y puso a brincar a varios de sus seguidores que esperaron suficiente para volver a tenerlo en tierras mexicanas.

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Posteriormente fue el turno del acto más esperado, Jungle, quienes amasaron la audiencia más grande de toda la noche. Mientras repasaron su discografía lograron derrochar energía al interpretar temas como "Keep Moving", "Julia", "Casio" y "Busy Earnin'". Demostraron su cariño hacia el público mexicano declarándonos como los mejores fans de la agrupación en todo el mundo. Definitivamente tanto la banda como el amor de México ha crecido bastante desde aquella primera visita en el 2014.

La noche ya reinaba sobre Jardines de México y los escenarios de Vaivén seguían engalanándose con Noa Sainz, LANY, Don Patricio y Monolink. Sigur Rós salió al escenario principal para complacer a los asistentes con sus bellas melodías y dejando en claro que, a pesar de que vienen de ofrecer dos fechas en el Teatro Metropolitan, siempre serán bien recibidos en nuestro país.

El final de acercaba, cada vez más gente se dirigía a la salida y los escenarios mostraban menos público, pero aquellos que se quedaron para presenciar el show de Cut Copy (a pesar de que salieron más de 20 minutos tarde) fueron recompensados con aún más minutos de baile entre las luces.

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Realmente la experiencia Vaivén es una que vale la pena vivir acompañado de tus seres queridos bajo un clima tropical y una exquisita curaduría predominada de electrónica, synth pop y demás géneros alternativos. Si este año no pudiste asistir, tienes tiempo para empezar a planear la escapada a Morelos en 2023 para vivir un día lleno de música y ambiente inigualables.

Parcels en el Pepsi Center WTC

La luz de Parcels deslumbró a un Pepsi Center WTC abarrotado.

Poner a bailar a 7,500 personas no es algo fácil, pero anoche en el Pepsi Center WTC, Parcels lo logró de manera instantánea en cuanto subieron al escenario.

La fiesta dio inicio a las 20:45 H, cuando salió el acto telonero, Mildlife. A pesar de que la mayoría no estaban al tanto de su presentación, lograron ganarse al público con sus piezas instrumentales tocadas de forma espectacular en la que hasta una flauta transversal se robó los reflectores.

Exactamente una hora después, las pantallas se apagaron y, con las luces aún prendidas, inició la pista de “LIGHT”. Fue justo a la mitad cuando Parcels al fin salió a ocupar sus lugares entre gritos y aplausos.

La audiencia estaba claramente emocionada y lo demostraron coreando el primer "Olé olé olé olé" de la noche a tan sólo una canción de haber iniciado el show. Los rostros de Jules, Patrick, Noah, Louie y Anatole estaban conmovidos y agradecieron tocando de forma magistral cada uno de sus temas.

“Free” y “Comingback” elevaron la euforia con la que más de siete mil voces retumbaban en el recinto. Algunos bailaban, otros saltaban, pero definitivamente no había una sola persona que pudiera evitar moverse al ritmo de las melodías pegajosas de Parcels.

La agrupación hizo gala de sus virtudes musicales deleitándonos con versiones extendidas de algunos de sus temas, haciendo jammings de forma certera para lograr que el sonido nos invadiera por completo y no tuviéramos más remedio que bailar como si estuviéramos en una discoteca de los 80.

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El único visual en el que se apoyaron fue una manta blanca en la que, gracias a reflectores en distintos puntos de la tarima, se proyectaban las sombras de los integrantes como si estuviéramos en movimiento. Aunque esto puede no ser tan llamativo como otros actos, la magia de Parcels radica en la maestría con la que tocan y eso fue espectáculo suficiente.

“Overnight” hizo que el Pepsi Center entero estallara. Sobre todo la zona general, donde se podía distinguir a varios fans con pulseras neón que aventaban al escenario. La banda procedió a interpretar varias canciones de su disco Day/Night, entre las que destacaron “Shadow”, “Famous”, “LordHenry” y “Reflex”. El cariño del público y Parcels era recíproco, se notaba en las sonrisas e incluso lágrimas de felicidad de los artistas, ya que este fue el concierto en solitario más grande de su carrera hasta ahora.

Uno de los momentos más esperados era “Lightenup” y en cuanto empezó a sonar la guitarra de Jules Crommelin, el venue se convirtió en pista de baile, desde las personas en gradas hasta la valla de seguridad. El quinteto se envolvió en una pieza instrumental con un groove que recordaba a los clásicos de las décadas disco para poco a poco convertir las notas en su tema más popular: “Tieduprightnow”.

A partir de ahí, no hubo descanso. Parcels se entregó por completo a la audiencia que cantaba cada palabra, aplaudía siguiendo el ritmo y gritaba sus nombres. Las transiciones sutiles hicieron de la última recta de la noche una fiesta incontrolable. “Gamesofluck” hizo brincar y corear a todo mundo para que sin previo aviso comenzara “Hideout” y la emoción desbordara.

El final estaba cerca y ni el público ni la banda querían despedirse, lo cual resultó en un concierto de dos horas que cerraron con broche de oro al interpretar “Somethinggreater”.

Abrazados y con los ojos brillando, los australianos dieron las gracias a los espectadores entre aplausos, vítores y un "Olé" más. Este 1 de abril quedará por siempre grabado en la memoria de la agrupación por todo el amor que recibieron de sus fans mexicanos, pero también será una noche que ninguno de los asistentes olvidaremos. La noche en la que el talento y la intensidad de la luz que emana de Parcels iluminaron cada rincón de un Pepsi Center WTC completamente agotado.

Corona Capital 2021: Día 1

En la misma curva donde dos semanas atrás Checo Pérez afianzó un histórico tercer lugar en el Gran Premio de la Ciudad de México 2021, Tame Impala nos devolvió la esperanza de un futuro mejor.

Gel antibacterial. Sana distancia. El protocolo completo de sanidad al que nos hemos acostumbrado. Comprobante de vacunación o prueba negativa a COVID -19. El regreso a los eventos musicales masivos tiene un sabor agridulce. Entre cancelaciones por circunstancias diversas, todos ponemos de nuestra parte para recuperar un poco de las alegrías que quedaron suspendidas por el confinamiento. 

Traída directamente desde Venus, HANA inaugura el escenario principal con un set electrizante. Mezclando secuencias espaciales con tesituras de voces femeninas, nos da un fugaz paseo de 30 minutos por la constelación de Andrómeda. Volvemos al planeta Tierra sanos y salvos con “We Appreciate Power”, el tema colaboración con su sister, Grimes

“Pero el perfume de tu piel jamás que se me olvide...”. Cuco toma el teclado para acompañar a boy pablo en un hit que está por salir. El proyecto Chileno - Noruego hizo su debut en nuestro país en 2019 con un contundente sold out en el Foro Indie Rocks!. Dos años después regresa para cosechar los frutos de su álbum debut, Wachito Rico. Su combinación de guitarras tropicales, efecto flanger y una pizca slacker rock, nos transporta a un paraíso con vista al mar. “Dance, Baby!”. Dentro de muchos años, varios recordarán sus amores juveniles gracias al beach pop de Nicolas Muñoz y su equipo.

Con el cielo parcialmente nublado, la corriente marina nos lleva con rumbo hacia el noroeste para desembarcar en el escenario Corona Cero. Con su acento típicamente inglés, SG Lewis nos recibe sobre la arena y nos obsequia un collar de flores exóticas y una piña colada. El joven de 27 años que, recién este año presentó su primer larga duración, luce notablemente contento de percibir el calor del público mexicano. Tras unos cuantos temas,  tomó su guitarra y se bajó de la mezcladora y explotó el baile con sus “Chemicals” que entraron directamente en nuestro torrente sanguíneo.    

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Para las 17:00 H, el calor del sol, que en ningún momento se sintió abrazador, comenzó a perder intensidad. La afluencia de gente fue notablemente menor que en ediciones anteriores, sin embargo, fue reconfortante volver a ver sonrisas (ocultas detrás del cubrebocas). 

La batería alta en esteroides de Turnstile inauguró el slam. La primera presentación del acto de hardcore punk en México estuvo marcada por la facilidad con la que arrastran al público al pie del escenario para redimir su estrés a empujones y saltos cavernícolas. Claros deudores del rap metal de Rage Against the Machine y del grunge de Pearl Jam, los de Baltimore explotan como dinamita. Verlos en vivo es como escuchar sus grabaciones a speed up de 1.5; por eso no es de sorprender que hayan terminado casi 15 minutos antes de lo programado. 

Jack Antonoff es un tipo al que generalmente le gusta mantener un bajo perfil. Cuando no le está produciendo a Lorde, Lana del Rey o Clairo, le gusta salir de gira con Bleachers. Loco y extrovertido sobre el escenario, corre de un lado para el otro. Salta cualquier “obstáculo”. Hace cómplices a sus músicos y el público le responde con baile y gritos. Perfeccionista del sonido, se trajo dos baterías al Corona Capital para que le pudieran seguir el paso a su guitarra hiperactiva. Optimista sin remedio. “Rollercoaster” y la gente se deja ir como en un parque de diversiones. 

La “Venganza de Moctezuma”. A través de Instagram, Disclosure se disculpó porque un problema estomacal en uno de los hermanos Lawrence les iba a impedir presentarse. Sumado a la cancelación de St. Vincent (días antes por un caso de COVID - 19 positivo en uno de los miembros del crew) y el repentino pero comprensible abandono de The Kooks del cartel (Luke Pritchard voló de regreso a casa porque se convertiría en padre), la mesa quedó puesta para que Tame Impala cerrara el primer día de actividades sin rush previo. 

Cayó la noche y una ligera llovizna nos trajo la psicodelia líquida de Khruangbin. Ya sea por la ascendencia mexicana de la vocalista Laura Lee o por los paisajes desérticos que evocan sus canciones, el trío texano siempre es bien recibido en nuestro país. Tras el cover instrumental de “Bam Bam” (Sister Nancy, 1982), una densa nube de humo con THC se levantó y disipó la amenaza de lluvia. “Time (You and I)”; en un abrir y cerrar de ojos, luego de 20 meses en casa, algunas parejas salieron para poder disfrutar de la música en vivo al aire libre y con la luna de testigo de su amor.   

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Mientras en una inmensa carpa, Slowthai no terminó de conectar con el público, el escenario Bosque le quedó pequeño a Dayglow que se armó su propio festival dentro del Corona Capital 2021. Esperábamos que la irreverencia del inglés desatara una locura; sin embargo, el ánimo de los asistentes no estaba como para perder la cabeza. Francamente, Tyron tampoco está pasando por un buen momento, sabemos de los problemas que viene arrastrando desde hace un buen tiempo. Ojalá haya oportunidad de verlo en el futuro, en circunstancias más favorables. 

La otra cara de la moneda es Sloan Christian. Este chico a sus escasos 22 años es la personificación de la alegría y el optimismo. Definitivamente una de las grandes sorpresas para esta edición. Con 274 millones de reproducciones en Spotify, “Can I Call You Tonight?” rápidamente se convirtió en una de las canciones favoritas que las relaciones de pareja a distancia se dedican. Al interpretarla, todo mundo se olvidó del caos y se entregó a repasar los versos. 

La franja horaria de los headliners quedó prácticamente vacía. Sin St. Vincent, Disclosure y The Kooks (que, por cierto, días antes se presentó en el Teatro Metropólitan), se tuvieron que realizar un par de ajustes de última hora. El show de LP se recorrió una hora para realizarse de 20:50 a 21:55 H y Cuco fue anunciado con un set sorpresa de media hora. El chicano que, dicho sea de paso debutó en México como parte de la Semana Indie Rocks! 2019, nos deleitó con versiones acústicas de dos de sus grandes éxitos: "Lo Que Siento" y "Lover Is a Day".

En compensación por las dificultades, los organizadores anunciaron que las personas que compraron su boleto solo para el sábado podrían ingresar gratis al día siguiente para el complemento del festival.

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A escasos días de coronarse con un Foro Sol y teniendo ni más ni menos que a MGMT y Clairo de teloneros, Tame Impala tuvo que suspender -y posteriormente cancelar- su presentación en la Ciudad de México. Marzo del 2020, el mundo se declara en alerta por pandemia. La historia es por todos conocida. Con mucha incertidumbre el último gran evento musical masivo que se realizó fue la edición 21 del Vive Latino.

20 meses después, Kevin Parker se puso a mano con uno de sus fandoms más fieles. Es un cliché, pero todas las bandas dicen que están ante su público favorito. Puede que en muchos casos sea una arenga para exacerbar el ánimo de las audiencias; en el caso de Tame Impala tiene un alto grado de veracidad. Escogió nuestro país para cerrar su año: Pa’l Norte, Guadalajara y CDMX, respectivamente. Su próxima fecha confirmada hasta el momento es el Primavera Sound de Barcelona en junio del 2022.

Con toda puntualidad, a las 22:20 H, la banda saltó al escenario para entregarnos 100 minutos de sinestesia, rayos láser y una ola de éxitos. “One Year”, en realidad casi dos son los que tuvimos que esperar para escuchar este tema en vivo de su nuevo disco: The Slow Rush. “Borderline” para comenzar a abrir las puertas de la percepción. Su versión de seis toneladas de “Elephant” llevó el show al siguiente nivel. El aro de luz y los visuales nos hicieron alucinar.

Combinando novedades, clásicos radiofónicos y tesoros guardados, ejecutaron “Lost In Yesterday”, “Beverly Laurel“ (b-side que rara vez tocan en vivo), “Feels Like We Only Go Backwards”, “Endors Toi”, “The Less I Know, The Better” y “Eventually” solo por mencionar algunos tracks. Con “Let It Happen” la catarsis estuvo completa. El confeti y los rayos láser que cayeron sobre nuestros hombros durante “New Person, Same Old Mistakes” son la promesa de que las cosas irán mejor de aquí pal’ real. ¡Mil gracias, Kevin Parker!

 

Bauhaus en Parque Bicentenario

Nueva y oscura normalidad.

Probabilidad de lluvia, posibilidad de volver a un concierto bajo ciertas directrices extrañas: un certificado de vacunación como tu nuevo all access, una prueba de COVID-19 para evitar riesgos, cubrebocas obligatorio (y si no traías podrías incluso comprar uno en el stand de mercancía oficial con el logo de la banda), y sana distancia limitada ante la ansiedad por obtener el mejor lugar. 

El Parque Bicentenario rompe su calma familiar, y mientras padres e hijos terminan su jornada de paseo, comienzan a aparecer sombras con tatuajes, capas y uñas negras. Seguramente la curiosidad y los murmullos ante esta invasión de entes ávidos de oscuridad y de rendirle tributo a su condición. De nuevo la comunidad que viste de luto hasta en los días más alegres tiene un pretexto para encontrarse y celebrar a los próceres de su modo de vida. 

La estructura del escenario cual templo al que añoramos volver, Soriah y su ritual de iniciación sonora, gutural, frenética, tribal y difusa. Automatic y su jovial forma de remitirnos al sonido de Berlin, Visage, o hasta Le Tigre, el espacio abierto que poco a poco se fue llenando, más que de la excentricidad, de la naturalidad de aquellos que viven bajo las sombras, la pasarela de largos peinados mohicanos, gabardinas y capas de la era victoriana, como si Jack el Destripador reviviera su sed de sangre en pleno Azcapotzalco, sombreros y olanes, pintura blanca en el rostro y de negro la envestidura, calaveras y catrinas, una fiesta previa a la noche de las almas. 

“Rosegarden Funeral of Sores”, Bauhaus rompe el silencio que nos aquejaba, la sequía que nos mantenía cautivos, disipa el miedo por esta nueva normalidad, y entre el humo y las luces el bajo seductor y arcano vuelve a marcar los pasos de nuestro corazón, y la voz que nos devuelve cierta esperanza, nos deja ver que nuestro hartazgo al fin rindió frutos: "Virgin mary was tired, so tired, tired of listening to gossip, gossip and complaints”

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“Double Dare” David J de nueva cuenta imponiendo el frenesí con el bajo, Daniel Ash más que manipulando, dañando las 6 cuerdas de su guitarra, Kevin Haskins marcando el ritmo trepidante, y Peter Murphy vociferando, mutando, gritando, retador e indomable, con una luz blanca iluminando su condición inmortal. “In the Flat Field”, donde algunos discretos pasos de baile comienzan a emanar, cuando los tragos se intensifican, “A God in an Alcove”, en el orden como están las sagradas escrituras en aquel vinilo que no dejaba de girar. “In Fear of Fear”, por aquellos que aún no nacían cuando ya sonaba esta canción, “She’s in Parties” para aquellos que tal vez no dominan la discografía completa, pero que saben que el legado de Bauhaus es invaluable. 

La forma primigenia y básica de una banda como demostración de un todo, no se necesitan pantallas para figurar, ni una gran orquesta para crear sinfonías fundamentales, la energía escénica que resiste el paso del tiempo, nuestros viejos ídolos devolviendo nuestra juventud. “Kick in the Eye” y su ánimo funk entre la bruma, “Bela Lugosi’s Dead” como alta causa, porque de nuestros sarcófagos salimos a respirar, cual vampiros sedientos de sangre y cerveza, en la noche medio nublada como lugar feliz, y con estas notas como himno de resurgimiento. Cual espontáneo al ruedo, un sujeto se atreve a intentar tomarse una selfie con Peter Murphy en pleno escenario, este lo aleja, la improvisada seguridad lo tumba, minutos después otra invasión disipada, la necedad por figurar donde a nadie le importas.

3 Bauhaus-Parque Bicentenario-Diego Figueroa-20Pero sigue el eco de esa voz que nos seduce, el delay de los instrumentos que nos droga, el himno de una generación que en la oscuridad encontró su propia luz, y en la música sus influencias: porque están presentes los que conocieron a la banda como tal, y los que en Interpol encontraron la forma de indagar sus influencias, los que encontraron similitudes con She Wants Revenge, los que siguieron la pista de Love and Rockets, los que portan playeras de Nine Inch Nails, los que conocen más a The Cure, los que se vestían también como Caifanes, o los que extrañan a Siouxie and the Banshees

 

“The Passion of Lovers” por aquellos que de la mano continúan por la senda oscura, “Stigmata Martyr” por los que reposan en el suelo de ebriedad e hicieron que los paramédicos acudieran a checar su bienestar, “Dark Entries” como frenética absolución de todos nuestros pecados, y como celebración por haber sobrevivido a una pandemia, el ánimo punk que nos dio fuerza para soportar, la música que en sus diferentes formas siempre nos va a salvar, ese track que más que sofocarnos nos enaltece y llena de vida. 

Un encore plagado de covers incluyendo la infaltable aparición de “Ziggy Stardust”, saldo blanco en una noche negra, nada que ver con aquella última visita en el Cine Opera, los tiempos han cambiado, ahora hubo zona VIP, pago con tarjeta y vaporizadores a la venta, no hubo portazo, pero sí gente que se quedó escuchando desde afuera o en el estacionamiento, el Parque Bicentenario fue por una noche un buen camposanto para reflexionar, para volver a encontrarnos con gente que no veíamos desde hace mucho tiempo, y para reconectar con la música en vivo que tanto necesitábamos. 

Ciclo Hipnosis: MEELT + ACTY + Strange Color

De lo orgánico a lo hipnótico: circunvoluciones sonoras del tercer showcase.

Los sonidos proyectados desde la curaduría prismática de Hipnosis se abrían paso una vez más hasta nuestros oídos, sorteando el tiempo gris eléctrico de los últimos días junto al sabor de ansiedad colectiva que nos deja la pandemia llegaba la tercera fecha del ciclo de showcases organizados por el festival, presentando en esta ocasión a MEELT, ACTY y Strange Color en la cartelera del foro Indie Rocks!

La banda conformada por Uriel Mena al bajo y Alejandra Acosta en la batería fue la encargada de dar el kick off inicial en la cara del público; MEELT rompía la atmósfera de stand by con el tronar del primer riff y disparos percutivos que mantendrían presentes a lo largo de toda la presentación. Después de “Último Vagón”, “En Tu Cara / Bicampeón” y “La Noche Quedó Atrás” la línea sonora del concierto empezaba a definirse como un movimiento de loop incesante evolucionando sobre sí mismo.

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“Un slam con sana distancia.” Colocaba Acosta como preámbulo a “Buscapleitos”, haciendo sentir obligada la intensidad corporal cuando el dueto dejó caer “Golpe de Calor” seguida de “Bruce Willis Estaba Muerto”.

“Esta canción es de los Mengers, vamos a ir a quemar Pantitlán”. Soltaba Mena para conectar lo que sería la última ráfaga del set, logrando con “Doctor Psiquiatra” un contraste poco encontrado hasta ese momento. “Permanencia Voluntaria” daba cierre al desenfado punk y sensación de grito ahogado que nos regaló el proyecto, siendo el turno de los hidalguenses para tomar el escenario.

Amparo Carmen Teresa Yolanda inundó desde el primer acorde el aire del recinto en texturas eléctricas y experimentación sonora, hilando casi 18 minutos seguidos de pista tras pista que culminaban en el primer silencio otorgado por los músicos. Las pausas casi enteramente mudas que marcaban el inicio y fin de cada track lograban limpiar el paladar auditivo de los asistentes, enfatizando el contraste entre murmullo humano y el wall of sound en el que se había convertido el show.

Las mesetas de intensidad llegaban con “La Guerra Interior” y “Obsesivos Días Circulares”, traduciendo la naturaleza orgánica del movimiento sensorial en pulsaciones constantes. ACTY nos arrastraba a un trance de shoegaze, noise y el desgarre de la voz de Iván Aguilar entre la instrumentación abrasiva.

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La agrupación terminaba en un guiño a los fanáticos del balompié con “El 10” para cerrar en la violencia del spoken word vía “Los Intraterrenos”, reventando por última vez en la noche los tímpanos del Indie Rocks!

Después del impulso garage y oscilaciones hard ambient de las bandas anteriores llegaba Strange Color para dar la última estocada al ruido de esa noche. Abriendo setlist en un despliegue de psicodelia indie con “Estratagema” el proyecto mexiquense prendía el primer chispazo a la serie de melodías lisérgicas que nos tenían preparadas.

“Estamos al borde, al borde de los tiempos perdidos”, pronunciaba Ricardo Gil, frontman del proyecto.

La atmósfera se moldeada al ritmo de “Lightness”, encontrando su faceta más salvaje prendida al riff de “Fuzzphene”. La potencia en el groove percutivo de Ernesto Figueroa acompañado de las armonizaciones a seis cuerdas de Alex Carbajal lograban resolverse en una caída suave hacia “Three Sundays”.

El tercer show pre Hipnosis terminaba así con un nuevo track compuesto por la banda durante el aislamiento, seguido de “Talismán”, poniendo la cereza de psych sound sobre este triplete de experiencias sonoras.

Ciclo Hipnosis: El Culto del Ojo Rojo + Rostro del Sol + Román Tamayo

La noche y el día se pintan de colores cálidos.

Y, de nuevo, la sombra del ‘semáforo amarillo’ cayó sobre la Ciudad. Sientes su presencia en las cortinas cerradas, en los locales vacíos y en la ausencia física y mental de los transeúntes. El color rojo, aquella temida señal de advertencia, pesa sobre el ambiente como un fatídico destino que aún puede evitarse. Pero, irónicamente, el amarillo y el rojo fueron los colores que tiñeron la segunda noche del Ciclo Hipnosis, un espacio de escapismo para esconderse por un momento del semáforo epidemiológico y su orwelliana vigilancia.

La noticia del ‘semáforo amarillo’ tomó por sorpresa a la metrópoli y confirió un sentimiento de derrota anticlimática frente a una pandemia que considerábamos domada. En este escenario de tensión y miedo, donde la bonanza volvió a parecer endeble, nada resultaba más adecuado que volver al ritual del heavy psych: el peso de sus guitarras se elevaría como el fuego, y calmaría los temores de un puñado de almas enfundadas en chaquetas y cubrebocas negros.

Fue este público el que, tras la llegada de la luna, recibió el golpe fulguroso de Rostro del Sol. Configurado como un sexteto con teclados y dos metales, el grupo de Ciudad de México encendió los cuerpos del Foro con un explosivo caos sonoro, cuyo informe sonido evolucionaba deliberadamente del heavy psych al jazz y al boogie. Retazos de King Crimson, Charlie Parker y Magma se mezclaron en un místico caleidoscopio (no por nada, el baterista lucía una playera de este último). Y fue aquí donde retumbaron los primeros gritos de catarsis, acompasados por un incipiente headbang y los tímidos pasos de un baile de salón.

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Rostro del Sol demostró ser un grupo para apreciarse mejor en el escenario, pues los integrantes lucieron sus habilidades sin opacarse en ningún momento, sino mediante un trabajo en conjunto con incontables solos y transformaciones de precisión milimétrica. Así lo marcaron con “Bop C Sketches”, “Effect of Creation”, “Backyard's Blues”, así como “Cynical Mind”, anunciada como su ‘primerísimo primer sencillo’ y recargada con un eterno solo de batería. La promesa de nuevo material, cuyo nombre permanece desconocido hasta para la banda, se sembró esta noche en el escenario.

Pero Rostro apenas encendía el fuego que culminaría con la llegada de El Culto del Ojo Rojo. A medio paso entre la destreza blusera de Led Zeppelin y el stoner de Sleep, el power trío de Ciudad de México recordó a las víctimas del eterno encierro cómo debe escucharse un verdadero concierto de rock. Las guitarras retumbaron con fiereza como gruñidos salvajes que llenaban el escenario en una danza de expansión y contracción, mientras la masa del público comulgaba en un ritual donde el headbang y los gritos de éxtasis derivaron incontrolables. “Hombre Prometeo”, “El muerto” y el nuevo sencillo anunciado como “Las murallas pegadas a la escafandra eléctrica”, marcaron el descenso al irrefrenable delirio con “Growl” y “Sin Miedo a Morir”, momentos culmen donde la formación de un moshpit pendía de un hilo…

...Pero el moshpit no sucedió. Porque la sombra del ‘semáforo amarillo’ aún pesa sobre la vida nocturna de la Ciudad, y el acercamiento físico se mantiene como una latente amenaza. Sin embargo, el temor al caos inminente que permea en las calles del exterior se convirtió por un momento en un recuerdo borroso, y se diluyó en dos horas de clamor y furia. La noche, con su abrigo enfurecido, nos hizo teñirnos completamente de rojo.