Fotografo: Diego Figueroa

Last Dinosaurs en el Foro Indie Rocks!

Épica actuación y entrega de Last Dinosaurs en su esperado debut en México.

Distinguida por tener canciones tristes y nostálgicas con un sonido alegre y bailable, anoche, con un sold out en el Foro Indie Rocks!, la banda australiana Last Dinosaurs, integrada por los hermanos Sean y Lachlan Caskey, Michael Sloane y su nuevo integrante Alistar Richardson, debutó en México para presentar su más reciente placa Yumeno Garden (2018).

A priori. Tras una pésima organización, el evento que tuvo que haber abierto sus puertas a las 19:00 H, se retrasó hasta las 20:30 H, tiempo en el que el grupo mexicano de sad surf y garage rock Dinosaurios Surf Club armó el slam con temas como “Suicidio Otaku”, “Te Odio” y “Piscina”. Preámbulo ideal de 30 minutos.

Después. En punto de las 21:15 H, el cuartero mexicano de jangle/dream pop Useless Youth amainó el ánimo del público con un setlist de 40 minutos no muy acertado, lo que produjo el hambre desesperada de los presentes de solicitar al acto estelar al grito de “¡Los Dinos! ¡Los Dinos!”.

Debut esperado. Alrededor de las 22:25 H, el escenario del Foro Indie Rocks! le dio la bienvenida al cuarteto originario de la ciudad de Brisbane, Last Dinosaurs, que arribó al escenario mientras de fondo se escuchaba la pieza instrumental “Satellites”, incluida en su álbum debut In a Million Years (2012). Posteriormente, los primeros acordes de “Weekend” desataron una lluvia de euforia y emoción en forma de gritos, saltos y manos al aire por parte de los asistentes, quienes en todo momento mantuvieron ese ímpetu a tope.

“Hola, México”, fueron las palabras de Lach, antes de tocar “Dominos”, perteneciente a su nuevo disco, seguida de la ya conocida “Andy”. Previo a “Sense”, Sean aprovechó para dejar en claro lo feliz que estaba de presentarse, por fin, en México. La siguiente en el setlist fue “Bass God”, en cuyo videoclip, Los Dinos rinden culto al ‘Dios del bajo del rock’. Bajo ese concepto, Lach, con un perfecto español preguntó. “¿Quieren ser parte de nuestro culto?”, la respuesta fue más que obvia. El público gozó de la pegadiza canción. Al finalizar ese tema y antes de interpretar

“Time & Place”, Sean preguntó a los espectadores si conocían a Nikola Tesla, puesto que ese clásico de la agrupación la escribió como una especie de tributo al inventor.

Momento Lach/Michael. Durante las siguientes cuatro piezas, la voz principal no corrió a cargo de Sean, sino de Lach y Michael. Como sabes (o no), en Yumeno Garden, Lach debuta como cantante en cinco temas escritos por él. Dicho esto, la funesta y melancólica “Italo Disco”, “Everything Relative”, que se enfoca en un mood fútil hacia la vida y la analógica “Shallow Boy”, fueron tres soberbios argumentos musicales para demostrar la calidad vocal que posee Lach. Después tocó el turno a Michael de exponer sus dotes como cantante en la siempre nostálgica “Stream”, en seguida de la mención (en inglés) de Sean: “Esta canción es la primera que Michael y yo escribimos juntos antes de unirse a la banda”.

Amor infinito a México. Para esta parte de la noche, Lach se deshizo en halagos hacia México diciendo en español: “Estar aquí es pinche increíble y los amamos, es nuestra primera vez en México y amamos su país, no podemos explicar lo agradecimos que estamos de estar aquí”. Los fans contestaron con gritos y uno que otro “Te amo”, antes de que Lach y Michael cantaran la atmosférica “Forget About”.

En el siguiente par de temas, Lach preguntó si todos estaban “listos para bailar y ponerse locos”. El baile destinado a “Sunday Night”, la locura a “Apollo”, una de las canciones más emblemáticas del proyecto australiano. Inmediatamente, Sean no demoró en afirmar: “Ustedes son lo mejor del mundo, muchas gracias por estar aquí”.

Parecía que el concierto continuaría sin problemas. Sin embargo, a mitad de “Apollo”, a Lach se le rompió una cuerda de su guitarra, por lo que avisó que regresaba en 5 minutos. Lapso suficiente para que Sean y Michael se arrojaran al público. Alegría total. Tiempo después regresó Lach para realizar la misma acción que su hermano y amigo, pero faltaba el baterista Ali, quien no tardó en dejarse convencer para hacer lo propio. Así, con todas las cuerdas en su lugar, “Zoom” marcó el cercano final.

La encargada de pre-terminar una ya epopéyica noche fue “Eleven”, en cuyo solo de guitarra, Sean no dudó en repetir la acción de aventarse a los asistentes. No obstante, la despedida no gustó a los seguidores, por lo que al unísono y característico “¡Oe oe oe, Dinos, Dinos!”, el grupo reapareció en el escenario. Lach se acercó al micrófono y el diálogo artista-público fue así:

—¿A dónde vamos

—¡Honolulu!

—¿Dónde?

—¡Honolulu!

—Oh…

Final apoteósico. Así, después de un setlist de más de hora y media lleno de guitarrazos, saltos, gritos, aplausos, lágrimas, empujones y mucho sudor, “Honolulu”, canción que data del año 2010, fue la cereza en el pastel jurásico, un momento que hizo olvidar la mala organización del evento gracias a la épica actuación y entrega de Last Dinosaurs en su esperado debut en México.

Festival Vaivén 2019

Música colores y calor en Vaivén 2019.

Durante el fin de semana nos lanzamos a los hermosos Jardines de México, en Morelos, para vivir una nueva edición llena de música y colores en Vaivén, uno de los festivales mas jóvenes del país.

El calor estaba fuera de control (36 grados, así nomas) pero los asistentes felices comenzaban a llegar con sus outfits súper frescos y toda la actitud para divertirse en los cuatro escenarios que arroparían 12 horas de música sin parar.

El grupo de pop rock mexicano, Rubytates fue el encargado de inaugurar el Escenario Vaivén, al que la gente se fue acercando poco a poco para aplaudirle a una banda de jóvenes que se mostraba por mucho, emocionada.

En el mismo escenario un par de horas después pudimos ver a Álex Ferreira, el Dominicano que ha formado carrera en nuestro país con sus letras como “Me pierdo contigo”, “Por defecto”, y ”Un domingo cualquiera”, mismo que fue bien recibido por los asistentes que no paraban de corear sus canciones.

Nos movimos a toda prisa al Escenario Claro Música para ver parte del show que estaba ofreciendo el rapero Lng/SHT, quien estaba cerrando con “Caballeros del sábado por la noche” y “Llaves, telefono y cartera”.

A nuestro horario agregamos a Two Feet, este músico originario de Nueva York que cautivó a todos con su presentación llena de colores y melodías que hizo que el publico se pusiera en tono romántico y relajado para cerrar los ojos mientras escuchaban temas como “Go fuck yourself”, “I Feel Like I’m Drowning entre otras, dejando así un escenario lleno para recibir a Daya quien con su belleza logró acaparar la atención del publico que cantaba algunas de las canciones como “Sit Still, Look Pretty”, “Hide Away”, y “Words”.

Corrimos ahora a La carpa Bud Light para ver a Breakbot con su DJ set acompañado de Irfane, uno de sus principales colaboradores el cual cantó en vivo algunas de las canciones que ambos mezclaron y que alzó los ánimos en la gente que, con cerveza en mano, no paraba de bailar y brincar.

Por fin llegó uno de los más esperados de la noche, Chvrches regresó a nuestro país como parte de su gira Love is Dead con una energía contagiosa y haciendo cantar y brincar a todos gracias a su frontwoman Lauren Mayberry, así como los británicos Honne que se apoderaron de su escenario y no podían creer la cantidad de gente que estaba coreando sus temas como “Forget Me Not”, “Day 1”, “Me & You” y el más reciente, “Radar”.

La noche estaba casi por terminar y no podíamos perdernos de la grande fiesta que fue The Chainsmokers, que con pirotecnia tenía animada a la multitud y entre hits que han arrasado a nivel internacional, su presentación fue absolutamente hipnotizante y dejó más que satisfechos a todos.

Como era de esperarse, todos corrimos a ver al dueto británico conformado por los hermanos Guy y Howard Lawrence quienes han reinventado la forma en que percibimos el electro. Disclosure hizo su regreso triunfal a los escenarios con una curaduría especial de canciones para el Vaivén.

Bring Me The Horizon en el Pepsi Center WTC

El resultado de una evolución constante en el estallido de una nueva faceta.

Llegó la noche en la que la banda británica Bring Me The Horizon ofreció a sus fans mexicanos un concierto que representó la consolidación de un sonido nuevo, uno de los saltos más aventurados en la historia de la banda.

Si existe algo que podamos decir acerca de ellos es que ninguno de sus discos es parecido al anterior y logran poner su toque característico en cada uno de sus materiales de estudio. Sería bastante arriesgado decir que la banda está en el mejor momento de su carrera, pero algo es totalmente cierto, la gran mayoría de sus fans aceptan el cambio.

El First Love Tour llega a la Ciudad de México en martes después de haber pasado por Guadalajara y Monterrey. El animo de los asistentes estuvo presente en los accesos del Pepsi Center WTC dónde había personas que estaban formadas desde las 6 de la mañana. Las expectativas eran grandes, en fechas anteriores la banda había metido algunas sorpresas en sus shows ¿En México sería una excepción?

La banda encargada de la bienvenida fue Allison, quien regaló un pequeño set lleno de algunos de los materiales más pesados de la banda; y una que otra balada. Canciones como “Rompase el vidrio en caso de emergencia”, “Matar o morir” y “Algo que decir” retumbaban en el lugar mientras este se iba llenando poco a poco.

El intermedio en el que Allison cedió el escenario a los estelares de la noche fue corto, los ánimos subían a cada momento y los cuerpos se juntaban cada vez más, las luces se apagaron y el show comenzó.

Entre gritos de euforia un jardín floral se asomaba en la pantalla del escenario, un girasol, pasto verde, un cielo azul, y un sonido electrónico, eso solo significaba una cosa “Wonderful Life” abrió el set.

La primera parte del concierto fue dedicada a los sonidos rudos de la banda, claro, sin dar una sola referencia a la faceta deathcore de la banda, el moshpit se abrió en dos grandes círculos en la cancha al sonido estrepitoso en las guitarras y veloz en las baterías de “The House of Wolves”. “Mantra”, “Can You Feel My Heart” y “Shadow Moses” fueron unas de las más coreadas de la noche, sin olvidar “Drown”, el momento acústico del show.

Es bien sabido que Oliver Sykes sufrió de algunos problemas en sus cuerdas vocales, inconveniente que casi hace que cancele gran numero de sus presentaciones. Sabiendo esto, pensar que la banda tocaría grandes éxitos de sus inicios con el deathcore fue una fantasía lejana.

La segunda mitad del concierto fue dedicada en su mayoría a las canciones pertenecientes a su más reciente material de estudio y uno de sus discos más criticados, Amo.

La llegada de First Love Tour a la Ciudad de México fluyó con el nuevo estilo de la banda, algo más parecido al rock alternativo con tintes electrónicos y un show de animación visual bien trabajado. En pocas palabras, una noche llena de referencias al sentimiento de afecto más buscado por el ser humano, el amor.

Snow Patrol en El Plaza Condesa

La alegría de un reencuentro anticipado.

Una noche nunca es suficiente. Cuando se trata de música, el oído siempre busca una dosis extra que complazca los sentidos a través de cada sonido.

A tan solo cinco meses de su última visita, Snow Patrol regresó al escenario de El Plaza Condesa para ofrecer algo más que un reencuentro anticipado con el público mexicano. En esta ocasión, el quinteto irlandés llegó para consentir a los fans con una presentación en formato full band, llena de energía y de un repaso por algunos de los temas más representativos de su discografía.

Más que una desventaja, el regreso se sintió como un acierto, reflejado en un recinto lleno y ansioso por su llegada.

Tras media hora de espera, el quinteto se hacía presente frente a una escenografía sencilla, decorada con una manta con el diseño de su más reciente álbum, Wildness. Con semblante entusiasta y una gran sonrisa, Gary Lightbody tomó su guitarra al centro del escenario para arrancar la noche al ritmo de “Take Back the City”, seguida de otro par de clásicos en fila: “Chocolate” y “Crack the Shutters”.

“Es genial estar de vuelta. Siempre es divertido cuando venimos aquí, tuvimos que esperar siete años pero estamos de regreso”, fueron las primeras palabras que el vocalista dirigió al público, refiriéndose a su última presentación en formato full band.

Tras la primera ronda de temas, llegaba el turno de dar paso a algunos cortes del último álbum. Fue así como el coro de los asistentes se hizo presente con “Don’t Give In”, tras una aplaudida ejecución de “Empress”.

La noche avanzaba y la emoción de Gary se contagiaba entre los asistentes a través de cada salto y cada sonrisa, mientras las palmas del público se encontraban en el aire al ritmo de “Open Your Eyes”.

A pesar de la dificultad, el vocalista se daba un tiempo para bromear con el público acerca de la altura de la capital. “Todas las bandas que vienen aquí hablan de la altura, vaya que sí”. De la risa llegábamos a la melancolía que se hacía presente a través de “Run”, para dar paso a la motivación transmitida en “Life On Earth”.

El sonido del piano adornaba cada rincón del recinto con la ejecución de “Make This Go On Forever”, previo a desatar la energía y los saltos del público con “Shut Your Eyes” y “Called Out In the Dark”.

El final de la velada estaba cerca, pero antes nos regalaría la interpretación de “Heal Me” y llenaría la atmósfera de un tinte romántico con los coros de “Chasing Cars” y “This Isn’t Everything You Are”. “Es uno de los shows más divertidos que he tenido en un buen tiempo, gracias”, pronunciaba Gary antes de dar paso al encore.

Tras una breve pausa, la banda estaba de regreso y las luces de los celulares iluminaron los versos de “What If This All the Love You Ever Get”, antes de que robar los últimos rastros de energía y poner a brincar a los asistentes una última vez, con el mismo tema que dijeron adiós hace cinco meses, “Just Say Yes”.

Datarock en el Foro Indie Rocks!

Una sorpresiva explosión de vigor y felicidad gracias a Datarock.

A mi gusto, existen tres grandes clasificaciones de bandas o músicos. Aquellos que en vivo no le hacen justicia a su material de estudio. Los que en vivo reproducen fidedignamente el disco, esto, sin ser ni bueno ni malo. Y aquellos que sobre el escenario verdaderamente se convierten en una experiencia única, excediendo lo grabado. Datarock, agrupación oriunda de Noruega, entra perfectamente en la tercera categoría.

Desde hace más de una década, este singular cuarteto ha puesto a bailar a su modesto grupo de fans internacionales, con una mezcla de rock electrónico con una sutil pizca de dance punk. Han sido constantes, lo que los ha llevado a ya tener cuatros discos de larga duración en su trayectoria. Después de más de siete años de ausencia en el país y aún más en la capital, por fin tuvimos el gusto de disfrutar su energía una vez más.

Los reunidos en el siempre fresco y emocionante Foro Indie Rocks!, llegaron un poco antes del espectáculo para convivir y echar unos tragos, así como para escuchar unos buenos beats proporcionados por DJ Sorullo. Cerca de las 22 H., se apagaron las luces y empezó a sonar la movida pieza acústica “BMX”, del más reciente disco de la banda, Face the Brutality (2018), para hacer una genial antelación a los integrantes próximos a aparecer. Se agradece que en el venue, cada vez son más puntuales y mejor organizados.

Después de haber soltado bastante humo en el escenario, la agrupación se hizo ver con sus nuevos trajes de color negro (antes de color rojo) así como sus icónicas gafas, para arrancar con la suave “Feathers & Wax”. Al terminar, el frontman, Fredrik Saroea exaltó a todos soltando unas palabras y agradeciendo por haber venido, para continuar con “Everything” con su pegajoso sintetizador y coros.

Después de estas canciones del más reciente disco, la banda regresó al pasado con la acelerada “Give It Up”, para ahora sí, prender a los fans ya que hasta el momento habían estado tranquilos. Una y otra vez, Fredrik, invitó a todos a corear ‘ooooooh oooooh’, así como lo haría continuamente durante la noche, con varios de los melosos pasajes de muchas de sus canciones. La fiesta prosiguió con “Dance!”, con sus salvajes riffs, que nos hicieron apreciar que la banda, más allá de su alocada presentación y actitud, son unos virtuosos musicales.

La excelente velada siguió con la tranquila y dulce “Amarillion”, acompañada de “Princess”, en donde Fredrik puso a todos a bailar haciendo el ‘Running Man’. Esta canción también dio pie a regresar a piezas de su primer album: Datarock Datarock (2005), como la energética “Sex Me Up”, que recargó a todos de energía para volver a brincar como locos.

Después, llegó uno de los mejores momento de la noche, con el estreno de la excelente canción “The One”, del EP A Fool at Forty is a Fool Indeed (2019), con un mensaje cargado de buena vibra, así como con el turno de tocar posiblemente la canción más famosa de la banda: “Fa-Fa-Fa”. Todos explotaron al unísono, una y otra vez, gritando ‘Fa Fa Fa’ hasta que la garganta no pudiera más.

Al terminar la agrupación salió brevemente para regresar con un sorpresivo encore conformado por la también clásica y divertida “Computer Camp Love”, cuya letra se la sabían de memoria la mayoría de los presentes. Antes de concluir, Fredrik se quitó la playera e invitó a todos hacerlo por el calor que hacía, para arrancar con dos canciones que fueron un total remolino de regreso a los orígenes punk de la banda: “The New Song” y “Hair”, una de sus primeras piezas, que puso a más de uno en un frenesí.

Antes de despedirse, los integrantes de la banda pasaron con sus fans todavía un momento más, inolvidable y cómico, jugando sobre el escenario con la canción “[I’ve Had] The Time of My Life” de fondo, de la película Dirty Dancing. Incluso, el baterista Øyvind Solheim, se lanzó a hacer crowd surfing para regresar al escenario, y ahora sí, despedirse todos en conjunto.

Así fue como Datarock cautivó una vez más a sus fans, quienes esperaron por años pacientemente a que volvieran, reafirmando que algunas bandas sencillamente nacieron para ser disfrutadas en vivo.

Ladytron en El Plaza Condesa

Los caminantes negros y la fragmentación de las moléculas.

Lo importante es reconocer nuestra condición, aceptar que algo ha cambiado, que eso se mueve, que tiene vida y que está latente, que está suspendido, flotando, cayendo o ascendiendo. En la última canción de su show, la banda de Liverpool, Ladytron, interpretó el himno de quienes se reconocen devastados, “destrúyeme de esta forma, todo lo que pueda abandonarte, para que eso no pueda herirte, solo debes mirar detrás de ti”. Unos levantaron las manos, otros sacaron celulares, los que podían bailaban, pero todos cantaban, “sacude tu mano, saca la pistola, aléjate del sol”. Lo importante es que el ánimo estaba arriba, más allá del escenario, más arriba de El Plaza –adonde la banda reaparecía después de ocho años de ausencia de México–, cerca de la noche estrellada. Destruye todo lo que tocas. Era una orden, y quienes ahí estaban la llevaron acabo.

Después de una apertura ad hoc de media hora por parte de NWT, que propuso el ánimo ochentero, el público comenzó a llenar el lugar. Ciertos shows parecen una rutina, al telonero pocos lo ven y cuando el acto principal está por comenzar, los fans se amontonan hacia adentro. Aquí pasó igual. Muchos con ropa de negro. Uno que otro con un look exótico. 21:17 H. Comenzó el intro de Madeleine Chartrand, “Ani-Kuni”, y las luces se apagaron. Esa es la señal. Gritos. Energía. Euforia. Emoción. “Black Cat”, “The Island”, “Ghosts” y “Soft Power”. No son cuatro jinetes, son seis personas que como los caminantes blancos de Game of Thrones comandaron el show. Helen Marnie, de cabello rubio, con un vestido negro a rayas moradas; Mira Aroyo, también de vestido negro; Reuben Wu, Daniel Hunt y el baterista invitado, Billy Brown, con jeans y playeras negras, comenzaron su nueva gira en México, después de haber publicado el reciente material. Una chica los acompañó tocando un synth extra y haciendo coros.

Si en Game Of Thrones los caminantes blancos son una especie de criaturas persiguiendo tenazmente una misión, guiando a los no-muertos para que los ayuden a cumplir con su objetivo, aquí la banda sobre el escenario estaba formada por caminantes negros conduciendo a El Plaza que se encontraba a tope. Sin interactuar entre ellos, sin intercambiar miradas, simplemente ejecutando impecablemente sus canciones. “Ha pasado mucho tiempo desde nuestro último show en México” dijo Helen. El grito de un fan se elevó, “¡ocho años!”. “The Animals”, “Deadzone” y “Runaway”. Placer. Vibración. Alegría. Constelaciones explotando. El cuerpo desintegrándose por dentro ante los tonos orgásmicos de la banda, las moléculas separándose, los átomos disparándose y el tiempo se congeló. Más gritos. Más baile. Más euforia.

“Fighting in Built Up Areas”, “Paper Highways”, “International Dateline”, “White Elephant” y “Far From Home”. Durante la ausencia de la banda el mundo cambió. Y ahora que regresó lo tiene muy claro. Detrás de ellos dos pantallas proyectaban imágenes con glitch, figuras geométricas, abstractas y orgánicas. La vida se ha digitalizado. Algo llamó la atención de sus pantallas, la recurrente imagen de una mujer repetida en un bucle sobre otras formas, sin aparente relación. La mujer daba vueltas lentamente y podía parecer que estaba flotando o que estaba cayendo o ascendiendo. O todo al mismo tiempo. Era parecida a la portada de Velocifero. Ese era el ritual. Esa era su misión. Fragmentarlo todo, el cuerpo, la carne, los huesos, el alma. Synths análogos que vibraban fortísimo y que ocultaban al bajo, que querían opacar a la batería pero no lo lograban. Synths que se metían en los oídos y viajaban por el cuerpo. “You’ve Changed” y “Discotraxx”. Fin del show, muchos aplausos, muchos gritos, las luces siguieron apagadas. Ladytron entró de nuevo.

El encore fue demencial. Temas de una generación que creció, vivió o salió de noche escuchándolos, con la sensación de algo más, de que algo sucediera, con ganas de acelerar, con ganas de nunca frenar, con ganas de arder, con ganas de llorar y de reír. “White Gold”, “Playgirl”, “Seventeen” y “Destroy Everything You Touch”. Sobre el escenario los caminantes negros casi a oscuras, luces rojas-azules por encima del escenario, luces blancas y amarillas disparando hacia el público, las pantallas brillando en blanco resplandeciente. Helen Marnie caminaba hacia los costados, cruzaba el brazo de manera sensual, giraba el rostro, conducía e imponía. Y el público únicamente gritó, “destrúyeme, destrúyeme de esta forma, destruye todo lo que tocas” reconociéndose devastado.

Eso fue lo que pasó el miércoles 27 de febrero. Hoy los asistentes han vuelto a escuchar a la banda porque no fue suficiente y porque la música suena mejor después de un concierto, cuando recuerdas lo que pasó.

Stone Temple Pilots y Bush en Frontón México

La química entre nosotros y la nostalgia.

Expectativa como palabra clave en un domingo cualquiera. Con una calle de separación, el público atento a la entrega de premios a lo mejor del cine en la plancha del Monumento a la Revolución, y en la esquina del Frontón México la duda de los transeúntes: “¿qué va a haber?”, un concierto, un tumulto de sentimientos añejos, una espera que se verá coartada.

Stone Temple Pilots y su forma de comenzar un incendio: Dean DeLeo, el silencioso, la forma, genio y figura, golpea las seis cuerdas de su Gibson Les Paul y nos da la bienvenida a la nostalgia, al recuerdo tal vez roto, a la visión tal vez nunca idealizada. Y la voz nos conmueve porque nos recuerda a alguien que no está, pero cuyo legado sigue dando vida: “But I’m alive, so alive now, I know the darkness blinds you”. Pero las luces de colores nos dejan ver a una banda reformada y tocando como en sus mejores días.

“Crackerman” para expander el fuego, “Vasoline” y el humo de su riff provocador, la cadencia de Jeff Gutt dando una nueva personalidad a la banda, quizá más funcional, o muy estudiada, cada quién sacara sus conclusiones, lo importante es que nos mantiene a flote y las dudas sobre su accionar se disipan mientras “Silvergun Superman” nos destroza. Tiempo de bailar tímidamente al compás de “Big Bang Baby”, alguien entre el público que emula los pasos de Scott Weiland, siempre, de alguna extraña forma presente aunque no podamos verlo. Es claro que el vacío es difícil de llenar pero la guitarra con slide y su tono evocador vuelve a llamar de nuevo nuestra completa atención: “So much trippin’ and my soul’s worn thin”. Tantos viajes musicalizados por esta canción que suena en una tragedia en The Crow, una película que a muchos de los asistentes compete más que cualquiera que la misma noche gane una estatuilla.

Algunos somos la mitad que solíamos ser, siguiendo aferrados al ayer donde queremos permanecer, pero nada como la música para saber que no estamos perdidos. Y cantamos como en aquellas noches entre cerveza y cigarros, cantando y soñando, gritando y emulando. Los sonidos de esos CDs que tanto nos costaba trabajo conseguir pero que santificábamos y desgastábamos, “Plush” fue un momento increíble.

“Meadow” avante ante fallas técnicas para demostrar la nueva cara de una banda que siempre es bien recibida, “Interstate Love Song” como buen pretexto para el abrazo entre aquellas parejas que cuando conocieron estos temas aún no estaban casados. La brecha generacional que queda en evidencia, ya somos más viejos, alguien canta mientras tiene en brazos a su hijo dormido. “Roll Me Under” y Jeff escala hasta las gradas y cual pasarela se pavonea entre la gente para después lanzarse a la multitud desde una altura considerable. Ese espíritu del rock n’ roll que nunca muere, solo se renueva. “Dead & Bloated” cual respiro de apreciación, “Trippin’ On A Hole In A Paper Heart” para establecer un statement: “I’m not dead and i’m not for sale”. “Sex Type Thing” para darnos un último golpe y una despedida ideal.

Bush ataca con todo su arsenal desde un comienzo, y “Machinehead” emociona y altera, disipa las dudas, comienza el gran show de Gavin Rossdale y su alta condición de frontman, la batalla ha comenzado, los tonos son perfectos, las novedades nos sorprenden, “This is War” y esa innegable necesidad de producir grandes canciones. “The People That We Love” y la gran travesía por las diferentes etapas de este combo que si bien no figura en los grandes tours del año o como headliner de festivales, ofrecen una actuación en directo que no necesita de grandes distracciones. Lo instrumental los alimenta, la energía los pone en evidencia, la selección de temas es impecable.

Gavin no deja de hablarnos en perfecto español, agradeciendo e induciendo a la euforia: “Greedy Fly” y un aparente estado de calma, “Everything Zen” para que saltemos como si fuera el concierto que soñábamos al escuchar su disco debut en nuestras habitaciones. Tal vez ya llegaron muy tarde pero en un gran momento, ya que el poder escénico de Bush es atrayente, contagioso y digno de apreciación.

“Let Yourself Go” y el recorrido de Gavin Rossdale por las gradas del Frontón México y su alegría por cerrar un tour con una noche perfecta y conmovedora, la emoción evidente y contagiosa. Y así, una generación entera que no necesita grandes producciones, lasers o “cielos eléctricos” para desbocarse, canta con saña y sentir “Swallowed”, hace air guitar, se abraza con sus amigos en un círculo que después de muchos años no se ha roto a pesar de los compromisos, las distancias, las nuevas responsabilidades o las separaciones momentáneas.  La adultez como pesada carga pero también como aliciente, los años que no pasan en vano, los momentos para el desahogo perfecto.

“Glycerine” para terminar de rompernos la garganta, “Comedown” cual glorioso final para una noche que necesitábamos, de recuerdos, de reencuentros con viejos amigos, de saber que estábamos en el lugar correcto ante tantas opciones y decepciones, ante tanta bulla y faramalla, la música como aliciente perfecto para comenzar una semana que esperamos no sea difícil. Como sea la euforia y una playlist necesaria nos hará superar los días malos, las canciones que todo lo mejoran.

Daniela Calvario en el Foro Indie Rocks!

Cantándole al amor y al desamor Daniela Calvario celebró el 14 de febrero en el Foro Indie Rocks!.

En el día del amor y la amistad ¿Hay un mejor plan que ir a un concierto en compañía de tu pareja o amigos? La respuesta es muy sencilla, no. Disfrutar de la increíble voz de Daniela Calvario y su particular estilo es una oportunidad que no puedes desperdiciar.

Aproximadamente hace cinco años la tapatía abrió su propio canal de YouTube para subir covers como hobbie, después de mucho trabajo y un largo camino, Daniela ha logrado despegar su carrera, a la par ha ganado muchísimos fans en toda la República Mexicana.

La noche comienza tranquila, algunos piden cervezas y van entrando al foro, buscan los mejores lugares y esperan emocionados la gran entrada de la oriunda de Guadalajara, entre conversaciones se escucha “ya quiero cantar ‘Te la pasaste bien anoche’, dedicada al pendejo de mi ex”.

El show comienza y Ale Aguirre es la encargada de preparar los ánimos de los asistentes, “Queriendo sin querer” enamora a más de uno y los suspiros comienzan a hacer eco en la habitación, los amantes se comen a besos y unos que otros se miran en silencio.

Su voz llena el recinto, los tímidos asistentes comienzan a saltar al ritmo de las pegajosas notas y letras de “Hacia ningún lugar”, el pop no deja que nadie se quede quieto, los invita a bailar y dejar atrás la rutina.

Después de que Ale Aguirre ayudara a ambientar el evento, siguió el tan esperado gran número de la noche, la presentación del disco Todos Míos de Daniela Calvario. Al verla aparecer en el escenario del Foro Indie Rocks! todos comenzaron a gritar la emoción que habían estado conteniendo durante toda la noche.

El concierto parecía una fiesta, los ritmos latinos vibraban en los oídos de todos, las parejas bailan al ritmo de “Te voy a dar mi corazón”, mientras que los solteros corean “Se terminó”, “Huyendo” y “Volverás”, porque el 14 de febrero también se permite llorarle a ese ex que no te supo amar.

La gran fiesta terminó con muchas ganas de seguir celebrando, de seguir escuchando el singular estilo de la música de Daniela, porque una de las cosas que los seguidores de la tapatía agradecen, es su particular estilo, capaz de mezclar las letras de tristeza con un ritmo movido, que te recuerdan que no eres una víctima, sino una persona que lucha por ser feliz, su música te hace sentir ese dolorcito rico, ese dolorcito que te invade pero te permite bailar y disfrutar de lo que estás viviendo.

¡No le pierdas la pista!

Los Amigos Invisibles en El Plaza

De la oficina a la pista de baile.

Es martes, pasan las 22 H. En el escenario de El Plaza Condesa, Los Amigos Invisibles, banda emblema de Venezuela, se encuentra invitando al público al “Cuchi Cuchi”. Mientras, en la pista cientos de personas bailan y disfrutan de la fiesta. Al voltearlas a ver me doy cuenta que la escena es similar a la de una fiesta de fin de año de oficina, todos iban con su ropa de trabajo y tenían más de 30 años y bailaban canciones de hace más de una década recordando su temprana juventud, mientras se empedaban entre semana, ¿qué es esto sino la posada del trabajo?

Los Amigos Invisibles lleva dos décadas sobre los escenarios. Por este motivo decidieron abrir, no una, sino dos fechas en la CDMX para festejar con uno de sus públicos más leales. La noche empezó con un audio en el que la banda recordó sus más grandes éxitos mientras lanzaba la pregunta: ¿qué estabas haciendo cuando escuchaste esta canción?

Como ya se pudo deducir, el concierto estuvo plagado de éxitos como: “Mentiras”, “Cuchi Cuchi”, “La que me gusta” y “Ponerte en cuatro”, entre muchas otras. Este set solo motivó más a los asistentes que lograron llenar El Plaza Condesa y que sacrificaron el cansancio y la cruda del día siguiente para estar con esa banda que seguro los acompañó en la prepa o secundaria.

Lo interesante de esta banda en vivo es que a pesar de tener un sonido bastante electrónico muy pocas secuencias son usadas en sus presentaciones, cosa que el vocalista señaló cuando estaba presentado a la banda. De hecho, las secuencias o sampleos, solo fueron usados notoriamente entre canción y canción, ya que de vez en cuando metían introducciones de clásicos como “Barbie Girl”, “Bohemian Rhapsody” (porque siempre es bueno subirse al tren) y hasta “Mi gente” de J Balvin.

Es justo la introducción de J Balvin lo que da paso a otro dato interesante de Los Amigos Invisibles: el sentido del humor. Si bien no es una banda que para nada tenga prejuicios musicales hacia el reggaeton, en este caso el soltar este intro fue más un acto de comedia, para sacar una sonrisa al público y vaya que lo logró.

El humor también se notó en el momento en el que Julio Briceño, vocalista, parodió el famoso momento en el que Freddie Mercury puso a cantar a todo el estadio Wembley por allá de 1985. Solo que en lugar de usar fonemas sin significado los sustituyó por un “culeeeero”.

En cuanto al público debo decir que no era lo que esperaba pero una vez reflexionando, tampoco sorprende. Como dije se trató en su mayoría de gente recién salida de la oficina, alguno incluso aún llevaban saco y corbata. Es más, hubo muchos que llegaron tarde muy seguramente por sus obligaciones laborales combinadas por el tráfico citadino en vísperas de la celebración de la Virgen de Guadalupe.

Sin embargo esto no debe tomarse a mal ya que, si bien un adolescente deja toda su energía en un concierto como si no hubiera mañana, el joven adulto sabe cómo dosificar la fiesta, lo cual convirtió el concierto en un espectáculo de menos a más logrando que al final esto pareciera más un bailongo que un simple concierto.

Nine Inch Nails en El Plaza Condesa

Clavos en nuestra psique.

“Branches / Bones”, nociones, aseveraciones, expectativas, de ninguna forma estábamos preparados para lo que nos deparaba.

“Wish”, ¿qué deseas?, ¿que el mundo sea perfecto?, ¿que mañana será un día normal en el que no tengas que preocuparte por nada?, al demonio, la pulsión instrumental te está lacerando, lo más real que tendrás en un buen fin de idiotas atascando las calles y los centros comerciales ávidos de cosas que no necesitan. La música que va a atacarte.

“Letting You”, déjate llevar, estás presenciando uno de los mejores conciertos acontecidos en la historia de El Plaza Condesa y es apenas el comienzo. Repleto como pocas veces, en un lunes en espera de volver a la normalidad, esa que te da cierta tranquilidad, get away, que todo se disipe, que las inyecciones de la enfermiza electrónica que antes que alegrarte te hipnotiza, te sofoque, te provoque, te mande al demonio. Somos cerdos en una marcha ávidos de atascarnos de todo lo que nos complace, ¿eso te hace sentir mejor?, entonces arráncate el cabello, delira, dispara, figura al opresor ante en ti y sorpréndelo con un golpe contuso a la quijada.

“This Isn’t The Place”, gran contradicción, estamos en el lugar correcto, El Plaza Condesa cual capilla de adoración ante un Trent Reznor que hasta el momento no ha dicho nada. Solo se concentra en lo mejor que sabe hacer: ofrecernos la música que nos lleva al delirio. “Sanctified” para arrastrarnos a la adoración primigenia, pequeñas máquinas de odio devaneando entre notas y frases, estamos siendo purificados, absortos miramos a nuestro alrededor, las poses, los rumores, los letargos, la indiferencia, cómo es que observas tu pantalla ante tal maestría sonora, cómo es que te preocupas por lo que pasará mañana sin disfrutar el hoy.

“Reptile”, la maldad avante ante las buenas intenciones, la maquinaria que pocos comprenden, porque es más fácil posar, estar presente, hacer check-in, tomar la foto para la red social favorita, vanagloriar la presencia antes que la esencia, y mientras sucede la selfie de manifiesto de los que están en apariencia, los que están en esencia cierran los ojos y se dejan llevar. El gran pecado de escuchar y apreciar antes que posar: “Sin” y su siniestra euforia, los gritos sinceros que opacan la hipocresía. No fuimos multitud, fuimos bendecidos por los tonos que no sonaron en un festival masivo. La intimidad y la fidelidad antes que el afán de pertenecer.

“Help Me I Am In Hell”, y en las llamas encontramos el confort, en los sonidos la iluminación, el candor que tanto nos falta. “Happiness in Slavery”, no abras los ojos, no quieres ver lo que sucede, solo siente, deja de ser un reo de tus necesidades. “God Break Down The Door”, el delirio, la necedad de moverse, el frenesí, la capacidad que tenemos para apreciar antes que perder el tiempo. Sin gran ardid visual y un saxofón nos arrastra a la locura.

“Gave Up”, y esa necesidad de azotar nuestras cabezas contra la pared que fácilmente nos lleva a la locura, “The Great Destroyer” para calmar el ímpetu pero no la emoción que claramente nos domina, brilla, y pertenece, sobre todo a aquellos pocos que cierran los ojos y disfrutan antes que escribir un texto en su teléfono. “Burning Bright (Field on Fire)”, no están todos los que lo merecen, “Survivalism”, bocanadas de nicotina ante la prohibición, un olor entre hierba ilegal y perfume barato, los tragos que fluyen. “The Hand That Feeds”, ¿morderás la mano de aquel que se entrega en el escenario para tu iluminación mientras te tomas una selfie?, no pertenezcas si no sientes, no aparentes si no hiciste el mínimo esfuerzo. “Head Like a Hole”, nuestras almas oscuras y podridas que saltan, trasfugan, enardecen, no tenemos dinero pero tenemos desgracias, no tenemos que adquirir pero sí qué saquear, tenemos lo que merecemos, no lo que podemos adquirir sin necesidad.

“The Day The World Went Away”, y cual dirección de orquesta los golpes a la guitarra, los ecos de una maldición, la instrumentación que nos guía a la figuración: imagina que todo terminará pronto, que el plástico matará los mares, que las guerras serán los nuevos deportes, que tus necesidades se convertirán en deseos. “Even Deeper”, no ha terminado nuestro descenso, “Over And Out”, y aquellos que se rinden y se van, pobres diablos, aún falta el alta causa, la expiación, el réquiem persistente, la costumbre, el preludio al final que no queremos aceptar.

“Hurt”, el viento orgánico de nuestra agonía, porque nos lastimamos para sentirnos vivos, porque nos golpeamos el pecho para hacer trabajar el corazón, la realidad del dolor punzante, lo que queremos dejar atrás pero nos sigue doliendo. ¿En qué nos hemos convertido?, en seres que en su nostalgia y el dolor se regodean mientras aquellos culpables de nuestra miseria se han olvidado de nosotros. Tronos de mentiras y porquería, cosas de las que nos arrepentimos, palabras que nunca debimos haber dicho, esa extraña cómplice amargura en una zona de confort incompleto. El final anunciado, el último momento para ahogarnos, la esperanza de encontrar un camino. Y las luces que nos guiaron y los sonidos que nos ultimaron de pronto callan, y lo agradecemos, lo saboreamos, después de ser crucificados por clavos en nuestra psique antes que en nuestras manos.