Lotic — Water

Música electrónica sin complacencias.

Lotic está de regreso con un nuevo álbum titulado Water, editado bajo el sello Houndstooth. Con este nuevo material la productora y DJ texana, avecindada en Alemania desde hace ya varios años, demuestra una vez más el porqué es considerada una artista que rompe esquemas. Sus shows son de los más solicitados en festivales de avanzada como Mutek, los cuales le han acarreado una legión considerable de fans en todo el mundo, Björk incluida.

Si ya en 2018 había sacudido a la escena electrónica internacional con su LP Power, con Water se repite la historia en un disco plagado de experimentación, acompañada como en sus trabajos anteriores, de un discurso político firme y sin concesiones, poniendo sobre la mesa, temas que giran en torno a la sexualidad, la discriminación racial, la migración… entre otros.

Water, a diferencia de su antecesor, como bien reza el título, es un disco más cristalino, menos áspero en los sonidos a partir de los cuales está construido. En Power, el noise y el glitch jugaban un papel relevante, mientras que en este, su tercer LP, sobresalen las melodías limpias y el papel protagónico de la voz.

De los nueve tracks que integran Water, destacan: “Wet”, canción con la que abre el disco, yendo de las atmosferas oscuras a las luminosas, en donde la voz de Lotic se suma al resto de la instrumentación, apareciendo en distintos planos de forma simultánea.

Come Unto Me” es un track impactante por la forma en que se va desarrollando y por la cantidad de sonidos de percusión, ritmos rotos cercanos al drum and bass y sutiles melodías de sintetizador que van construyendo un ambiente que lo mismo conmueve que inquieta.

En “Always You” de nueva cuenta, la productora crea una estructura sonora compleja a partir de un sinfín de capas de sintetizador filtradas, apoyadas en baterías sincopadas que por momentos nos remite a la música industrial de mediados de los años 70s.

Diamond” es un track progresivo que comienza con voces sutiles a capella, y que conforme avanza van apareciendo sonidos pesados de sintetizador sobre una base de breakbeats y cuerdas, quizás uno de los mejores temas del álbum.

Water en síntesis, representa una de las caras más interesantes, emocionantes y transgresoras que tiene la música electrónica actual, marcando distancia de las tendencias techno más complacientes, cuestionando todo. Con este álbum Lotic manifiesta una vez más que en la electrónica, por fortuna, no todo está dicho.

Mon Laferte — 1940 Carmen

Desde la intimidad de un Airbnb.

Mon Laferte llega con su nuevo álbum, escrito y producido por si misma desde el 1940 de la avenida Carmen, en Los Ángeles, sitio que le da el título a este álbum. Todo el disco lo compuso en ese sitio y el proceso creativo duró 4 meses. Es el segundo álbum de Laferte este año, después del último que sacó en 2018. 

El hit del álbum, "Algo Es Mejor, que supera a todas las demás canciones por más de un millón de streams , es una canción dulce, poco arriesgada, con la voz de Mon Laferte entonando un coro pegajoso sobre una canción amena de escuchar.

“Good Boy, una es la primera canción del disco que escuchamos donde la letra está en inglés. Este es el primer proyecto de Mon Laferte con canciones en inglés y la misma artista comentó en el interés que tenía por componer en este idioma desde antes, sin haberse atrevido a incursionarlo hasta ahora. 

“Supermercado, la cuarta canción, se escucha mejor. Es una de las canciones con más punch en la performatividad vocal, donde se siente la emoción de Mon al cantar, y no se siente plana como algunas de las demás canciones.

“Niña, una canción sobre su hija que está por nacer, es quizás la canción más plana del álbum. Es repetitiva y lenta y no se siente mucha emoción en general. Beautiful Sadness” es otra canción en la que tampoco se siente gran sentimiento, si bien si tiene un ritmo más movido que la canción anterior.

“A Crying Diamond” es la canción más fuerte del álbum, donde Laferte habla del abuso sexual de una niña de 13 años que sueña con ser cantante por parte de un señor que le promete hacerla una estrella. La musicalización de esta rola transmite bien la sensación de oscuridad de la situación que nos está narrando, como si pudieras sentir la sombra de este señor encima de ti. 

No Soy Para Ti es otra canción donde se siente mucho corazón en su cantar. La rolita trae buen ritmo y buenos cambios que te mantienen atrapadx. Una canción pegajosa y chida para cantar junto con la voz de Mon Laferte. Zombie es la última canción del álbum, y habla un poco de sentirse como un zombie por la vida, drogadx y adormecidx. Va y viene entre una vocalización suave y un coro que se siente más como un grito de desesperación y resignación.

En general, el álbum no se siente muy innovador ni fresco. Después de SEIS, que sacó este mismo año, donde exploraba distintos sonidos latinoamericanos e hispanos, dejó la vara más alta. 1940 Carmen es una experiencia que se siente bien preparada, mucho más con una intención comercial que artística, aunque tampoco significa que no haya nada de corazón en este disco. Simplemente se siente tan limpio que es estéril. 

Entrevista con Foals

La nueva era ha comenzado.

Ya mucho se ha dicho de lo que significó este turbulento ciclo pandémico, y es evidente para los fans de la banda inglesa cuán impactante fue para ambas partes. Sin embargo, Foals no pretende desperdiciar un minuto más y con una marejada de buenas nuevas regresa oficialmente de su lapso de silencio discográfico.  

El trío de Oxford presenta un nuevo sencillo que hará despertar a los escuchas del trance que su ausencia dejó impregnado, de los vestigios de su último larga duración, y de lo que hoy se convierte en la confirmación de una nueva producción musical a expensas de su ya iniciado regreso a los escenarios. 

La pausa fue inesperada, pero sin duda alguna rindió frutos para Yannis Philippakis (vocalista), Jimmy Smith (guitarrista) y Jack Bevan (baterista), quienes a lo largo de este periodo de inminente reposo lograron canalizar ideas, propuestas y una ola gigante de sonidos que desembocan en “Wake Me Up”, la primera entrega de su séptimo álbum de estudio.  

El despertador

Este nuevo track conjunta toda una sucesión de acontecimientos acumulados tras los últimos 18 meses, lo que dio resultado a una mezcla dinámica, energética y funky, servida directamente del plato de la banda y sazonada muy a su manera.

En palabras del músico y percusionista inglés Jack Bevan, dicho tema resultó ser un salto inesperado y “abrupto” para la banda, pues con él recién se terminan los últimos detalles del LP que estará listo para mostrarse al público muy pronto: “Acabamos de grabar apenas hace unos meses y nos tiene bastante emocionados y con altas expectativas con este nuevo lanzamiento”. 

Con este bop musical el impacto es más certero, ya que existe una clara diferencia contextual y de repercusión creativa que los llevó a consecuentar estos nuevos sonidos, presentes en el primer sencillo y su universo sonoro: 

Me parece que en nuestros últimos lanzamientos Everything Not Saved Will Be Lost, part I & II, tratamos de experimentar de diferentes maneras e íbamos por un camino con sonidos más expansivos, y creo que ya tuvimos suficiente de eso por ahora, así que nos sentimos un poco nostálgicos, regresando a un sonido más nuestro y tratamos de hacer algo nuevo, más sobrio, que sonara fuerte y bastante rítmico. (...)”

“... Cómo pasamos 18 meses en casa sin poder dar conciertos, me parece que creó en nosotros una necesidad de hacer algo más divertido y ruidoso, algo que pudieras escuchar cuando vas a una fiesta o a un concierto y creo que eso despertó lo que más necesitábamos, y eso fue nuestra forma de expresarlo”, menciona Jack

Fue este despertar el que también trajo consigo nuevas maneras de trabajar, y una distinción peculiar en el transcurso de la grabación: “Fue bueno, fue muy diferente. Edwin no estaba con nosotros así que solamente estábamos yo, Yannis y Jimmy. Esencialmente, Yannis y Jimmy creaban nuevos loops e ideas para canciones mientras estuvimos encerrados por el Covid, de repente nos encontrábamos compartiendo, recibiendo nuevos sonidos y guardándolos, por lo menos cinco veces a la semana, así que solo seguíamos tocando hasta encontrar algo que nos gustara”. 

Esta es nuestra primera grabación en la cual hicimos todo desde cero y fue bastante rápido, todo en cuestión de días, y eso me tiene muy emocionado”.

Nuevo disco

El resultado de este próximo compilado es un binomio entre las distintas influencias y colaboradores incluidos, además de una fuerte inspiración que evoca a la retrospectiva de sus inicios como agrupación.

Definitivamente es una combinación de todo, de las diferentes personas con las que hemos trabajado y los sonidos que nos gustan, como John Hill (The Vaccines, Phantogram, Shakira y más) que produce grandes cosas que nos encantan u otras personas que tienen un sonido muy específico y admiramos, también he de incluir a Miles James que tiene un sonido impresionante. Como te decía, es para nosotros regresar a nuestras raíces, tocando solo con nuestros instrumentos, jugando con los sonidos y me parece que fue un proceso bastante bueno”, explicó el baterista. 

Aunque el “álbum tendrá que esperar” un tanto más, se espera que el 2022 sea el número de la suerte y el testigo predilecto del nacimiento de este séptimo disco, mientras tanto el baterista espera continuar con más shows en vivo, alguna que otra sorpresa para el resto del año y el inicio de este próximo ciclo. Por otra parte, es algo “incierto” contemplar a México como una de las posibles paradas en un futuro cercano, sin embargo Bevan recalcó que “se hará todo lo posible para regresar al país lo más pronto”. 

 El que colgó las botas

Con la partida de Edwin Congreave (ahora ex tecladista de la banda), quien dejó el proyecto para concluir un posgrado en economía en la universidad de Cambridge, y unirse en los próximos años a “otros esfuerzos técnicos para mitigar la inminente catástrofe climática”,  la banda se reformuló en la marcha como un ente de tres piezas. 

Tras 15 años de carrera conjunta, el músico decide “colgar sus botas musicales para seguir otras vías en la vida”, según una descripción en redes sociales. Y aunque su ausencia no parece haber incidido en malos términos para este nuevo álbum, el ver partir a un miembro invaluable del conjunto no fue del todo grato para los demás integrantes.

Siempre es triste cuando alguien se va y definitivamente aún no nos sentimos del todo acoplados con su partida, sin embargo logramos presentar algo genial, también me parece que Edwin sintió que cumplió su ciclo en la banda. Para mí es una persona increíblemente lista y se que lograra lo que se proponga”, declaró Jack

Eventualmente este no es el final para Foals, sino el principio de otra era, que por muy incierta en el pasado jamás dejó ser mejor una después de la otra. Al igual que Congreave, otros como Andrew Mears y Walter Gervers impregnaron su huella en el proyecto, el cual desde su LP debut no paró de sobrepasar las expectativas y desenvolvimiento musical contenido entre sus éxitos. 

Hoy se origina otro de esos comienzos y esta vez en modo alarma. Un despertador ruidoso y muy energético que no puedes ignorar, pues si te quedas dormido podrías perderte de algo muy interesante:  

Brujos, sonidos oscuros para disfrutar con tu aquelarre

Después de la media noche, los brujos te pueden convertir en una chica mala.

Emergiendo de los sonidos del mar, Brujos es un grupo originario de Mérida, Yucatán, en este, su lugar natal , la agrupación se ha convertido en una de las bandas emergentes más representativas de la escena musical.

Brujos debuto a principios de este año con el tema "Cómo Amar", canción con la que lograron colocarse dentro del gusto de público; ahora, Brujos está de estreno con su más reciente sencillo nombrado, "Chica Mala", una canción con tintes psicodélicos.

"Chica Mala" es una mezcla de rock con psicodelia, que habla de una chica que es mala, y que cualquiera daría lo que fuera por estar con ella, la canción está acompañada de un visual que se desarrolla a lo largo de "la noche de brujos".

Dale play a "Chica Mala" a continuación:

No te olvides de compartir la música de Brujos con todo tu aquelarre.
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Aserrín comparte 'Enero No Existe'

La banda presenta su primer álbum de estudio.

Si existe un ejemplo del ambivalente sentimiento de alegría y tristeza entonces nos referimos a Aserrín: La frescura, el baile y la melancolía vaciadas en una licuadora, y  trituradas, servidas e ingeridas en una dulce presentación. El cuarteto ecuatoriano es una de las promesas juveniles del momento y la viva representación de la colorimetría sónica que reside en el surf, el lo-fi, garage y pop rock.  

La banda nace a mediados de 2019 con la intención de plasmar sus vivencias diarias, “emociones que van desde las situaciones más felices y otras que simplemente te marcan para toda la vida”. En primera instancia, Pablo Lincango y Mateo Arteaga deciden reunirse para crear el proyecto y grabar su primer EP La Edad de Oro, el cual presentaron durante 2020, y con el que añadieron a Débora Vásquez, misma que colaboró en el asentamiento y búsqueda de su identidad musical. 

Si bien oscilan desde el folk hasta el surf rock, el conjunto quiteño no se limita continuar con la exploración de sonidos, pues con el reciente ingreso de Nicolás Ribadeneira impregnan recursos del dream pop y el indie en sus nuevas composiciones. 

Actualmente liberaron Enero No Existe, su primera producción de larga duración a través Pop Sucio Records, sello discográfico independiente. En este disco, Aserrín deja entrever vestigios vivenciales que se convierten en un símil de la murria y el regocijo. 

...suena a momentos alegremente tristes, o tristemente felices. Pone en evidencia altibajos por los que han pasado los integrantes de la banda y lo vuelven un disco íntimo que va de subidas y bajadas, como en una montaña rusa”, describe el cuarteto sudamericano. 

Durante este mismo año, el cuarteto también compartió “Humo”, la añoranza de “los días que alguna vez fueron y no volverán”. Una alianza entre baterías repetitivas, sintetizadores suaves, acordes básicos y una guitarra rítmica, con tintes de lo-fi, pop y la predominancia del surf alternativo con un sonido DIY.

Si lo tuyo son bandas como Surf Curse, Las Ligas Menores, Current Joys y Señor Kino, debes de escuchar a Aserrín

Descubre más de estos proyectos a través de Indie Rocks! 

Aceros del Pacífico estrena “Pop Soda”

Un viaje nostálgico a los años 80.

Con toda la onda ochentera, esa época donde los flequillos y la melena de león estaba de moda; Aceros del Pacífico presenta su más reciente sencillo “Pop Soda”, un tema bastante colorido y divertido.

“Pop Soda” es el primer sencillo que la banda mexicana comparte de Drama, su segundo álbum de estudio y sucesor de Pulso; con este sencillo, Aceros del Pacífico deja ver esa nostalgia de los ochenta, desde la letra de la canción, hasta el visual que la acompaña.

El sencillo relata todo aquello que caracterizó a la época, cómo fue que Madonna se convirtió en la reina del pop, y más que nada, un icono de la moda en los ochenta, lo que la banda representa muy bien en los vestuarios y escenarios del video.

Mira el video de “Pop Soda” a continuación:

Drama es el primer trabajo que Aceros del Pacífico compone y produce como banda. Recuerda seguirlos en sus redes sociales para que estés al pendiente de más actualizaciones de este disco.

Johnny Marr anuncia el EP ‘Fever Dreams Pt 2’

Como adelanto compartió los sencillos “Tenement Time” y “Sensory Street”.

Con la energía que distingue a Johnny Marr, el ex guitarrista de The Smiths, compartió dos nuevos sencillos, “Tenement Time” y “Sensory Street”; ambos forman parte de su próximo EP Fever Dreams Pt 2, el cual estará disponible en el mes de diciembre. 

Estas dos pistas son un adelanto del álbum doble, Fever Dreams Pts 1-4, trabajo en el  que plasma algunas vivencias de cuando era niño, como es el caso de “Tenement Time”, en la que habla de su niñez vivida en Manchester.

La experiencia de crecer en el centro de la ciudad cuando era un niño pequeño, corriendo y siendo bastante salvaje…”, compartió Marr sobre la canción.

Dale play a “Tenement Time” y “Sensory Street” a continuación:

Fever Dreams Pt 2 saldrá a la venta el 17 de diciembre y estará compuesto por cuatro pistas que forman parte de su próximo álbum doble, Fever Dreams Pts 1-4, que será lanzado el 25 de febrero de 2022 a través de BMG.

Jhonny Marr Fever Dreams Pt. 2

Ohmme presentará ‘Full Bush’, producción tributo a Kate Bush

"Una reinvención amorosa de la ilustre carrera” de la cantante inglesa.

Ohmme, el dúo estadounidense de art rock, une fuerzas junto al artista Alex Grelle para crear una nueva producción teatral titulada Full Bush, homenaje a la cantautora británica Kate Bush. Dicha puesta en escena se realizará a partir de un performance musical, coreográfico e histriónico en vivo para este 3 y 4 de diciembre en el Constellation de Chicago, IL. Los boletos estarán a la venta el viernes 12 de noviembre.

Con la dirección de Jesse Morgan Young, la banda pretende explorar y encarnar el valiente compromiso de Bush a partir de su  “extraña y hermosa” actuación multidisciplinaria. “Kate centró su inmenso peso creativo en la fantasía de los sueños de la infancia. Su música puede ser difícil de seguir y, sin embargo, deslumbrante y expansiva al mismo tiempo. Su genialidad radica en abrazar el no saber y el pensamiento no lineal” (...)

...Ella es caprichosa mientras presta gravedad a los lados divertidos, extravagantes y sensuales de la música. Bush y su trabajo no temen exactamente lo que son, razón por la cual ella es una de nuestras mayores inspiraciones”, describen Sima Cunningham y Macie Stewart

 

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Por otra parte, la copla presentó recientemente los sencillos “Girls Love Me” y “Some Kind Of Calm (Kahiem Rivera Remix)”, además de su colaboración en “Province” de Bartees Strange y Eric Slick. Mientras tanto escucha su tercer álbum de estudio Fantasize Your Ghost (2020) aquí

Descubre más sobre Ohmme a través de Indie Rocks!

Hipnosis 2021: Monolord, Cardiel y Satánico Pandemónium en el Foro Indie Rocks!

Entre atascadas distorsiones y ritmos violentos, el festival Hipnosis cerró cuatro días de actividades.

Llegó el último día de acción. Hipnosis ha sido una locura por completo luego de un jueves y viernes llenos de ritmo y emoción en CDMX y Guadalajara, un sábado de antología en los Quarry Estudios y el final que desde luego tenía que ser en el Foro Indie Rocks!, la casa y trinchera que está detrás de uno de los primeros festivales que se atrevieron a volver y a recordarnos que la música es siempre un lugar seguro, y que luego de año y medio es posible reencontrarnos con la responsabilidad necesaria. El cierre de este día cuatro fue con toda la fuerza posible, cortesía de Monolord, Cardiel y Satánico Pandemónium.

A diferencia de días anteriores, donde se usaba el escenario trasero del Foro Indie Rocks!, este último día se llevó a cabo en el espacio principal, el que tiene una fachada melancólica con vitrales imponentes a un costado. Compacto pero contundente, así se encontró el recinto con la audiencia en punto de las 21:00 H. con la salida de Satánico Pandemónium.

Entre diálogos de películas, y gritos eufóricos de diferentes sectores de la audiencia, Satánico Pandemónium abrió con mucha furia, desplantes intensos y ritmos lentos, pero con riffs memorables y un set bastante orgánico, orientado principalmente al factor humano así como algunos espacios para hacer ruido y jugar con las frecuencias elevadas del lugar. Los solos de guitarra, así como los remates de batería hicieron lo suyo y ayudaron a que la gente entrara en calor.

Satánico Pandemonium_Foro Indie Rocks_David Durán (2)

Más tarde tocó la hora de Cardiel, power dúo que subió el tempo y desató el slam en el foro. La agrupación venezolana con base en CDMX presentó su más reciente sencillo "Armagedón Afterparty", además pudo dar a conocer algunas de las canciones que serán presentadas en su próxima gira donde acompañarán a Vinnum Sabbathi, y que cerrará el año en Monkeybee Festival.

Lo más formidable de Cardiel en vivo fue la versatilidad del proyecto para hacer cambios de ritmo, pasar por el punk, stoner e incluso reggae con cruces psicodélicos fue algo genial. Las guitarras sostenían la armonía de forma brillante a través de loops y efectos atmosféricos que llenaron por completo el audio y se pusieron a la altura de un público que comenzó exigente y se entregó de a poco. Samantha, baterista de Cardiel, me comentó hace unos días en una entrevista que le gustaba tocar "ponchado", y en vivo su energía es muy notoria. El dúo de hecho fue el último en hacer acto de presencia en Hipnosis, y vaya que supo afrontar la responsabilidad en un escenario que les resulta familiar.

Cardiel_Foro Indie Rocks_David Durán (5)

Detonar los oídos.

Existe algo genial con la música hecha a distorsiones, con ritmos lentos y riffs poderosos en vivo, y es que el cabeceo del respetable es un parámetro interesante para conocer su respuesta y como es que la música sube desde el suelo hasta sus oídos, esa noche en el Foro Indie Rocks! hubo un ambiente genial por parte del público. Las frecuencias hacen temblar el lugar y entre algunos gritos y golpes de prueba entra Monolord.

La agrupación de Gotemburgo lucía imponente a través de amplificadores de modelos extraños, instrumentos peculiares y, por supuesto, su sonido que fue explosivo de inicio a fin. Costaba un poco de trabajo entender el ambiente tenso del lugar, ya que las canciones eran liberadoras, y parecía en los rostros de los escuchas que había un deseo de gritar, saltar y soltar toda adrenalina que surgía como efecto del gran trabajo sonoro de la banda.

Monolord_Foro Indie Rocks_David Durán (4)

Largos pasajes instrumentales, el bajo de Mika Häkki tomando protagonismo gracias a efectos interesantes que enriquecían la dinámica de la banda respecto a lo mostrado en el estudio y mucha fuerza en cada matiz hicieron que la presentación de Monolord fuera imponente. Al final resultó interesante escuchar y conocer en vivo algunas de las canciones de Your Time To Shine, su más reciente álbum de estudio, ya que el tridente también hace ver su evolución y el gran momento en el que se encuentra dentro de la escena del doom sludge metal.

Al final, el cierre de Hipnosis 2021 fue un acto simbólico de homenaje a esa música que no se encuentra en todos lados, por la que vale la pena nunca cerrarse a escuchar sonidos nuevos y sobre todo que siempre está abierta a la sorpresa. Una noche sobria de domingo adecuada para despedir y esperar que sea 2022 para vivir nuevamente la experiencia de este querido festival.

Santa Madero comparte sesión en vivo

La banda le da un giro a sus temas y estrena dos canciones.

Santa Madero publicó este 31 de octubre una sesión en vivo en su canal de YouTube, en la cual podemos escuchar versiones especiales de sus temas más conocidos como "Pero Frágil", "Segunda Cita" y "Quemarte a la mitad", además la banda peruana tocó dos canciones nuevas "Mocedades" y "Algo así como tú", temas que forman parte de su nuevo álbum próximo a lanzarse para el 2022.

Con esta sesión vemos al trío compuesto por Karina Castillo, Dan Joe Salazar y El Alcalde, acompañados nuevamente de batería y bajo a cargo de Luana Brazzán y Pia Ella respectivamente, quienes lucen sus disfraces de algunas caricaturas y personajes famosos de la cultura popular.

A continuación te dejamos la sesión de Halloween de Santa Madero:

Con esta sesión el trío sorprende y conquista a sus seguidores con las nuevas re interpretaciones de sus temas, además después de casi dos años volvemos a disfrutar de este proyecto con la banda completa en vivo, anunciando así su nuevo formato con el cual se estarán presentando en sus próximos conciertos.

Las versiones en vivo de los cinco temas tocados en la sesión ya se encuentran disponibles en Spotify y en todas sus plataformas digitales.