Corona Capital GDL 2022

Un fin de semana espectacular.

Vuelve a Guadalajara uno de los festivales más grandes que se han visto sobre estas tierras, el Corona Capital Guadalajara, teniendo un cambio de sede para esta edición, la Arena VFG. Aún pese a estar en medio de la carretera, la nueva sede contaba con una buena organización que permitió un ágil acceso aún pese el pesado tráfico sobre la vía principal, y si sumamos todas las áreas verdes, puntos de hidratación y zonas de descanso que fueron dispuestas a lo largo del festival, podemos aplaudir los cambios implementados respecto a ediciones anteriores.

Día 1.

Nuestra aventura comenzó con Metronomy, una de las bandas consentidas del público mexicano que abarrotó rápidamente los espacios más cercanos al escenario. “It’s Good to Be back” apertura el concierto como agradecimiento a reunirnos nuevamente a disfrutar la música en vivo. El baile no paró, pues nos consintieron con nuestros temas favoritos: “The Bay”, “Reservoir”, “Everything Goes My Way” y “The Look”. Joseph Mount, vocalista y líder de la banda se mostraba muy contento por la entrega del público, aún pese a estar sufriendo los estragos que el sol dejaba sobre su rostro que ya estaba bastante enrojecido.

Metronomy_ (2)

Metric continuaba en nuestro itinerario, con la explosividad característica de Emily Haines, que además de derrochar talento y sensualidad, nos complació cantando “Gimme Sympathy”, “Help I’m Alive” y la icónica “Black Sheep”. Poco después, disfrutamos del suave pop que Chvrches interpretó en el escenario principal, convocando a una amplia fanaticada que le disfrutó a la par de la caída de la noche, además de que más de la mitad de su set fuese compuesto por su más reciente álbum Screen Violence.

Viniendo desde una galaxia lejana, Kamasi Washington nos brindó una experiencia de otro planeta, pues experimentar su show sensibiliza todos nuestros sentidos. Este músico virtuoso del saxofón permite a las generaciones actuales entrar en comunión con un género tan antiguo y vasto como lo es el jazz, aunado a los talentosos músicos que le acompañan y que tuvieron su espacio de solistas para brillar sobre el escenario. Su desempeño sobre el escenario es hipnotizante, atrapante, simplemente cautivador.

Llegaba la hora de nuestra cita con la historia. The Strokes no decepcionó a sus fanáticos, pues pese a la mala fama que se le ha hecho por dar shows con mala actitud en México, en esta ocasión los neoyorquinos nos deslumbraron con un show impecable, con un setlist sumamente similar al que tuvieron en su presentación en CDMX con un gran agregado: “Ode To The Mets”.

Finalmente, Blondie nos demuestra que aún pese al paso del tiempo, sus éxitos siguen más vivos que nunca. Glen Matlock, antiguo bajista de Sex Pistols, fue uno de los grandes añadidos en esta gira, aunado con el brillo que Debbie Harry irradia al bailar e interpretar todos los éxitos con los que la banda nos impactó: “Atomic”, “Call Me”, “Rapture”, “Maria”, “Heart of Glass” y un muy divertido cierre con “One Way or Another”.

Blondie_ (1)

Día 2.

Tras un extenuante primer día, nos encontrábamos listos para continuar esta calurosa experiencia en Guadalajara. Inner Wave y sus texturas espaciales nos llevaron por un vaivén de emociones y sensaciones al escuchar las distorsiones en sus riffs de guitarra, sus sintetizadores vibrantes y un bajo que impresionó tanto a sus acérrimos fans como a aquellos que les descubrieron en este show.

Pese a un retraso en su show de más de 10 minutos y con múltiples fallos técnicos en su presentación, !!! (CHK CHK CHK) arrancó su show con esa energía imparable que le caracteriza a Nic Offer, provocando que la gente olvidara su molestia y se pusiera a bailar. A la par, Smash Mouth y su show llenaron por completo la capacidad de la pista, pues no nos pensábamos mover hasta poder recrear una de las escenas de nuestro ogro preferido a la par que “All Star” cerraba su presentación.

Chet Faker deleitó nuestros oídos con su suave voz, aún pese a que este show no incluyó al resto de los músicos que normalmente le acompañan en su versión full band. “Gold”, “1998”, “No Diggity” y “Talk is Cheap” fueron algunos de los temas interpretados esta noche.

Chet Faker_

Digitalism vino a desbordar la carpa donde dio una presentación energizante, llena de visuales y luces estroboscópicas, donde su set no nos permitió dejar de bailar ni un momento, siendo “Utopía”, “Idealistic” y “Pogo” los principales detonantes de la locura y descontrol dentro de la pista de baile, coqueteando con samples de “Song 2” de Blur y “Blue Monday” de New Order.

Luego casi ocho años, Kings Of Leon se volvería a encontrar con el público jalisciense, brindando un espectáculo que desgarró la garganta de sus fans a lo largo de un set de 22 canciones donde predominaron los temas de su entrañable disco Only by The Night. Caleb Followill se mostró emocionado y agradecido por la respuesta del público, elogiando la fuerza con la que cantamos “Pyro”, “Closer” y “Knocked Up”, pero definitivamente el momento cumbre fue el cierre de la mano de “Use Somebody”, “The Bandit” y “Sex On Fire”.

Para cerrar, The Hives dieron un espectáculo sumamente divertido, pues aunado a la intensidad con la que ejecutan sobre el escenario, Pelle se encargó de liderar los movimientos del público haciendo su mejor esfuerzo por hacerlo en español, pidiendo que aplaudiéramos, moviéramos las manos para “no abajo”, que nos sentáramos y que juntos brincáramos al unísono para dar un memorable cierre a este hermoso festival, en el que tanto el ambiente creado por el público como cada una de las bandas y proyectos presentados sobre el escenario harían muy disfrutable esta edición.

Juan Soto y Altoparlante colaboran en “Mano”

"Mano" retrata el sentido de la amistad.

Juan Soto, el DJ y productor originario de la CDMX, se junta con Altoparlante, un  proyecto musical que fusiona los ritmos latinos de la música electrónica; juntos crearon “Mano”, una canción que habla de la unidad y la amistad.

La letra de este single retrata la felicidad que se siente por tener vida, tener el placer de contar con amistades que acompañen las aventuras, ir de la mano con quienes tienen nuestro cariño y repartir amor.

Mano” es una celebración, el track está compuesto por las bases electro latinas de Altoparlante y una mezcla homogénea creada por Juan Soto, juntos crean una camaradería sonora que se ve reflejada en el resultado de esta canción. Los artistas le regalan a su público un gran resultado que contiene un juego de palabras y un ritmo cadencioso

Producto de una reunión con mojitos en mano, el single trata de decirle al mundo que todos podemos ser parte de esta fiesta sonora, divertida y entretenida, como lo es la vida.

Mano” regala el baile y el arte en toda su expresión, un track que hará de cualquier reunión, fiesta o escucha en solitario una celebración de la vida y el disfrute de la música.

Dale play a "Mano":

¡Participa en Welcome Sessions 2022 de Jim Beam!

Alista tu material y participa.

El Bourbon Jim Beam siempre ha tenido el objetivo claro de crear comunidad y este año regresa con su plataforma Welcome Sessions 2022 para abrir un espacio de exposición a los proyectos emergentes en el que podrán demostrar su pasión, energía y talento frente a una gran audiencia.

Este año la marca y la plataforma se unen a Muse para crear un programa digital que incluirá una serie documental que seguirá la banda mostrando el trabajo profesional y un viaje junto a su comunidad de fans, esta serie documental se podrá disfrutar a través de redes sociales de Jim Beam y YouTube. La marca de Bourbon estará presente durante toda la gira de la banda británica, la cual culminará en la destilería de Jim Beam en Clermont, Kentucky en otoño. 

Muse Jim Beam

Welcome Sessions México

Además, Welcome Sessions lanza la convocatoria en México para que distintos proyectos emergentes se unan a la plataforma del 23 de mayo hasta el 15 de julio, para participar en una dinámica que constará de tres fases y que contará con grandes premios.

Para participar, manda tu propuesta, además de tres canciones originales al correo welcomesessions@makken.com.mx antes del 15 de julio. Una vez cerrada la convocatoria, la curadora musical y parte del sello DIW, Moni Saldaña (@monisaldana) estará nuevamente encargada de descubrir el talento de este año y seleccionar a los 10 pre finalistas, quienes tendrán la oportunidad de presentarse frente al jurado, que este año estará integrado por Paco Ayala (@pacoayala), músico mexicano conocido por ser el bajista y vocalista del grupo Molotov; Iliana Rodríguez “Reclu” (@ileana2), experta en música, televisión, cine y conductora de radio; y el “El Cha”(@eltalcha), músico y bajista de las bandas Fobia y Moderatto.

jim beam

El jurado elegirá a tres finalistas, quienes en esta segunda edición de Welcome Sessions grabarán un videoclip de una sesión presentando su canción principal, mismo que será difundido en YouTube e Instagram de Jim Beam México para llegar a más personas de la comunidad musical. Finalmente el gran momento llegará el 1 de septiembre durante la final en el Foro Indie Rocks! donde tendrán la oportunidad de mostrar su mejor versión y buscar coronarse como el ganador absoluto para disfrutar del premio, que este año incluye: una grabación de un EP en Estudio Topetitud por Paco Ayala y un espacio para presentarse al público en el Festival Marvin del mismo año.

Para más información de Jim Beam y las Welcome Sessions visita: www.jimbeam.com, canal oficial de YouTube de Jim Beam,  @JimBeam, @jimbeammx & @jimbeamofficial  

 

Así se escucha un agujero negro según la NASA

Inquietante, etéreo y fantasmal, así es como se escucha el interior de un agujero negro.

“En algunos casos, existen ritmos y patrones musicales reales en el cosmos”, dice Matt Russo, astrofísico y especialista en sonificación. El universo siempre ha causado una obsesión en el ser humano, por su infinitud, por su vastedad, por el vacío que parece albergar que en realidad está lleno de cualidades enigmáticas.

Recientemente un equipo de científicos del Observatorio de rayos X Chandra de la NASA, pudo extraer y hacer audibles las ondas de sonido de una imagen de casi 20 años del cúmulo de galaxias de Perseo.

En esta nueva sonificación de Perseo, las ondas sonoras previamente identificadas por los astrónomos fueron extraídas y audibles por primera vez. Las ondas de sonido se extrajeron en direcciones radiales, es decir, hacia afuera del centro. Luego, las señales se resintetizaron en el rango del oído humano al aumentarlas en 57 y 58 octavas por encima de su tono real, o en otras palabras, se escuchan 144 cuatrillones y 288 cuatrillones de veces más que su frecuencia original”, compartió la NASA.

La traducción de datos científicos en señales acústicas se ha vuelto mucho más fácil en los últimos años. Los científicos pueden crear parámetros para todo tipo de datos numéricos asignando esos valores a tonos más altos o más bajos, o viceversa, para convertirlos en notas musicales.

La sonificación se vuelve posible gracias a softwares de ingeniería de sonido y otros programas informáticos. “Creo que darle vida a eso realmente ayuda a conectar algo que es muy abstracto y técnico, con algo que es muy personal y familiar, que es la música” comentá Russo, quién en 2017 cofundó SYSTEM Sounds, proyecto de divulgación que traduce el ritmo del universo en música, que en colaboración con la NASA, ayudó a crear las piezas del álbum A Universe of Sound, donde encontramos observaciones del espacio del archivo de Chandra de la NASA.

Tame Impala y Eminem en el soundtrack de la película de Elvis Presley

Esta cinta estará protagonizada por Austin Butler como Elvis. ¡Conoce todos los detalles!

Hay pocos artistas en la historia de la música que hayan tenido un impacto en la vida social tan grande como el que tuvo Elvis Presley en su fructífera carrera como cantante que duró aproximadamente 24 años. Era algo incomprensible que siendo una estrella de la cultura popular, no hubiera un filme biográfico reciente de este cantante, pero eso cambiará el próximo 24 de junio cuando se estrene Elvis, una cinta de Baz Luhrmann.

Según la sinopsis oficial de la película esto será de lo que tratará: "La película explora la vida y la música de Elvis Presley, y su complicada relación con su enigmático agente, el coronel Tom Parker. La historia profundiza en la compleja dinámica entre Presley y Parker que abarca más de 20 años, desde el ascenso de Presley a la fama hasta su estrellato sin precedentes, en el contexto del panorama cultural en los Estados Unidos". Te dejamos con el primer y segundo tráiler. ¡Disfruta!

Elvis contará con un elenco de renombre con actores consagrados como Tom Hanks, que dará vida al agente de PresleyTom Parker. En el reparto también están Helen ThomsonRichard RoxburghDavid WenhamDacre Montgomery.

Pero eso no es todo; la música es parte fundamental en esta película y es por ello que EminemJack White, Tame ImpalaAustin Butler, Doja CatGary Clark Jr. y muchísmos más formarán parte del sountrack. Te dejamos con la lista completa de bandas y artistas que suman su talento al filme, y no te despegues de Indie Rocks! para conocer más sobre este proyecto de la pantalla grande.

Elvis-Presley-soundtrack

Tomavistas Festival 2022

Una mezcla de música, lluvia y nuevas oportunidades.

Si hay un festival en Madrid, España que reúne a artistas consagrados y aquellos con propuestas novedosas y destacables es el Tomavistas Festival. Este evento anual vio cambiados sus planes cuando se desarrolló la pandemia, por lo que decidieron tomar un receso de dos años para replantear lo que sería su sexto aniversario. Y, en este 2022 así fue, siendo uno de los primeros festivales al aire libre en realizarse en la capital española. 

El parque que corresponde a uno de los recintos feriales más importantes de Europa, como es la Feria de Madrid (IFEMA) fue testigo de los más de 25 artistas que interpretaron sus mejores canciones y remecieron a un público que apuesta por volver a las actividades culturales. Headliners como Suede, Slowdive, Jungle, Sen Senra y Rigoberta Bandini dieron lo mejor de sí, lo que fue respondido con un gran recibimiento y cariño por parte de la audiencia, en la cual destacaban familias enteras. 

El festival empezó el 19 de mayo apostando por las propuestas musicales de artistas españoles en ascenso. Confeti de odio, Rojuu y Jimena Amarillo fueron los encargados de inaugurar esta edición. Esta última, destacó por su carisma y su mensaje de apoyo hacia la comunidad LGBTIQ+. Desde los 5 años de edad, ella toca el violín. En el festival quería demostrarlo, pero una falla técnica hizo que no ocurriera y se improvisara. No obstante, el público estuvo allí para brindarle reconocimiento y reconocer temas como “Ni se nota” y “Cafeliko”. 

Cupido y Cariño destacaron en sus horarios respectivamente. El vocalista de la banda, Pimp Flaco, salió con un traje de estrellas negras y blancas en un escenario lleno de peluches. La gente no paraba de cantar temas como “Autoestima” y “La pared”, en una presentación que ha dejado sorpresas por su mezcla de beats e instrumentos. El trío de pop independiente Cariño hizo lo suyo con temas como “Bisexual” y “si quieres”. Posteriormente vino el turno de la recientemente aclamada Rigoberta Bandini. La finalista del festival más importante de España, el Benidorm Fest, llegó al Tomavistas Festival con su éxito “Ay mamá” y “PERRA”, pero también, en un acto sui generis, compartió sus creencias religiosas al cantar “Que Cristo baje”. Los músicos y música de apoyo fueron los que más resaltaron en la presentación, entre ellos, Belén Barenys. 

Javier Rosa

Javier Rosa

El músico, DJ, productor musical y representante artístico Alizz llevó a su amigo C. Tangana al escenario. La gente no lo podía creer. Con él cantó “Ya no vales”. Asimismo, invitó a Rigoberta Bandini para interpretar “Amanecer”. El verdadero transgresor y que se llevó las miradas en este festival ha sido PUTOCHINOMARICÓN. El cantante, músico, arquitecto, artista multimedia y activista español Chenta Tsai Tseng llegó para darlo todo. Su propuesta electrónica y, sobre todo, visceral, cautivó al público que recién lo conoce y conserva a aquel que lo mantiene en su radar. Temas como “Gente de mierda” fueron coreadas a todo pulmón, al ser también este tema un desahogo contra el acoso de todo tipo. Con una vestimenta casual, Sen Senra cerró este día, donde, tras beats y melodías que se entrelazaban entre el rhythm and blues y chill pop, damos paso a la segunda fecha. 

El día dos inició con el dúo de power pop YAWNERS para trasladarnos, a medida que avanzan las horas, a diversos países musicalmente hablando. Pasamos del grupo rock Biznaga hasta Reino Unido con Goat Girl y posteriormente a Australia con Rolling Blackouts Coastal Fever y a Bélgica con The Haunted Youth. El aclamado grupo Carolina Durante llegó para romperlo todo. La banda que está siendo aclamada por la crítica musical por su álbum Cuatro Chavales puso a poguear a los asistentes en el IFEMA Madrid. Por unos momentos, recordaba a bandas que pertenecieron a la escena chikipunk peruana, como Futuro Incierto, ya que conservan el punk y lo combinan con el pop, además de tener un estilo divertido, desenfadado y fresco. 

VVV (trippin’ out) rememoró la música electrónica de los noventa. La influencia de Underworld y Corona era notoria. La DJ y bajista es el alma de este trío: mezclas y acordes precisos y voz que hace match con los géneros que interpretan, así como con la voz del vocalista. Ellos, junto a su guitarrista, presentaron Turboviolencia, su tercera producción de estudio. Desde Texas, Estados Unidos, llega Kevin Morby y banda. La presentación en el Festival Tomavistas es la única que realizó en Madrid. El cantautor americano interpretó parte de su séptimo y más reciente álbum This Is a Photograph. Con tintes folk, indie, llegó con canciones como “This Is a Photograph”, “Campfire” y “Harlem River”.

El britpop ya se asomaba. La presencia de Brett Anderson se sentía. Suede se subió al escenario del Tomavistas Festival para deleitar a sus seguidores con canciones como “Animal nitrate”, “Trash” y la tan coreada “Beautiful ones”. Con movimientos a lo Mick Jagger (metaforizado por Damon Albarn en su momento), a sus 54 años y con una energía envidiable, Brett se movía de un lado al otro, saltando y subiendo a los parlantes que se ubican en la parte delantera del escenario. Las camisetas de Oasis, Blur, Suede, Primal Scream, entre otras, se vislumbraban en el pecho de los asistentes. El fanático de la música británica de los noventas se hubiese sentido en el paraíso.

Javier Rosa

Javier Rosa

Para cerrar el día dos, el shoegaze hecho banda: Slowdive. La agrupación llevó a un trance al público del Tomavistas Festival en su única presentación en Madrid. No faltaron canciones como “Alison”, “Crazy for you” y “Dagger” que crearon una atmósfera especial y nos preparan para lo que será su quinto álbum, que sale pronto. 

El día tres y final del festival nos impresiona. Comienza con la banda de rock y pop Kokoshka para dar pase a The Marias, agrupación revelación que, con sensibilidad, baile y harto cariño deslumbraron a los asistentes al festival. Asimismo, María Zardoya, vocalista del grupo, presentó a su papá, quien nació en Madrid y la estaba acompañando en esos momentos. Ambos se abrazaron muy fuerte entre palmas y vivas hacia la capital española. 

Había pasado media hora de las 8 de la noche y la luz del sol todavía iluminaba el recinto. No obstante, las nubes grises también llegaban. Pronto se suben al escenario Camellos, así como La trinidad, estos últimos en reemplazo de Las ligas menores, quienes no pudieron acudir al evento. A sólo 30 minutos de que ellos hayan iniciado, empezó a llover cada vez con más intensidad. El espectáculo se suspendió hasta las 10:30pm., por lo que Kings of convenience tuvo que realizar un breve y acústico show al lado del público. El espectáculo siguió con La Plata y Shame, quien, en una mezcla de Joy Division con Misfits, puso a poguear a los asistentes. 

El momento más extrovertido de la noche llegaría con Jarv…is y Confidence Man. El ex líder de Pulp dejó en claro por qué es un icono de la música británica. Inevitable no pensar en la banda que lo llevó a la fama. Su locuacidad y conexión con la audiencia hizo que hasta quiera aprender español. Y lo hablaba con la ayuda de sus apuntes. Confidence Man sorprendió desde el minuto uno. Con trajes que evocan a David Byrne y Madonna, este atlético dúo australiano puso a bailar con sus melodías disco y electrónica, que hasta su baterista y mezclador se unieron a una coreografía impecablemente coordinada. 

JAVIER ROSA

JAVIER ROSA

Cerrando la jornada tenemos a Le Boom, quien en su primera visita a la ciudad encantó con canciones pop melódicas y mezclas de electrónica. Jungle era infaltable para un tercer día lleno de amistades y con ganas de pasarla bien. Empezaron con “Keep moving” y causaron furor. La esencia disco de sus canciones no paraba, lo cual creaba un disfrute de la música único. Inclusive, estrenaron una nueva canción llamada “Problemz”. Esperamos volver a verlos con ansias.   

Se forjaron nuevas oportunidades para la música: así concluye la sexta edición del Tomavistas Festival, un evento histórico al ser uno de los primeros realizados a campo abierto en Madrid después de la pandemia. Y aunque la lluvia intervino, no impidió que el 19, 20 y 21 de mayo hayan quedado en la retina de los más de 8.500 asistentes, entre niños, jóvenes y adultos. Asimismo, se jugó una convergencia de músicos y músicas y melodías y ritmos que no solo nos permiten recordar épocas pasadas, sino que nos proyecta hacia lo que será el futuro de la música en la región y en el mundo.

Will Joseph Cook estrena el video de “BOP”

De un dinámica en TikTok al estudio, la forma en que nació "BOP".

El cantante británico, Will Joseph Cook, lanza su nuevo single titulado “BOP”, que viene acompañado de un videoclip super divertido, dirigido por Bertie Gilbert. Este track es el tercer adelanto de su próximo álbum Every Single Thing, que se estrenará el 10 de junio de 2022.

La canción tiene esa magia para convertirse en uno de los himnos de las fiestas de verano, bailable, fácil de cantar, llena de energía para disfrutar y pasarla bien. Will cuenta que este single surgió gracias a una actividad que llevó a cabo en TikTok. La propuesta era que su público comentaba su nombre y a partir de ahí, Joseph les escribía una mini canción.

Abril fue el comentario que le hizo crear las primeras líneas de “BOP”, desde que la subió se quedó con las frases en la cabeza y no paró hasta convertirla en lo que ahora se puede escuchar. Además, el cantante agrega:

'BOP' surgió como esta canción coqueta llena de bravuconería y energía nerviosa. También hay muchas frases que expresan lo desconcertante e inoportuno que era la idea del amor real cuando yo era joven. Fue interesante escribir una canción desde la perspectiva de mi yo adolescente hablándole a una chica en una fiesta casera".

Dale play a "BOP":

Kendrick Lamar — Mr. Morale & the Big Steppers

Kendrick Lamar y las conversaciones incómodas.

Hay discos que son más difíciles de abordar que otros. Y no sólo por la complejidad artística, estética o discursiva de su contenido; sino también por lo que implican a nivel mediático dentro de la discusión pública, sobre todo cuando esa conversación se genera a partir del mito… La leyenda. ¿Cómo analizar y reflexionar algo que antes de salir ya tiene etiqueta de obra maestra? ¿Cómo cuestionar a alguien que se sitúa más allá del bien y del mal? 

Kendrick Lamar y su nuevo álbum luego de cinco años. Un lapso de tiempo que no ha pasado desapercibido para el mundo y menos para la persona que decidió que sucedieran tantas cosas desde su último trabajo. 1855 días según la cuenta que él mismo llevó y que relata en "United In Grief", el track que abre Mr. Morale & The Big Steppers. 1855 días de lidiar consigo mismo, de tener miedo y sucumbir a los estragos de la presión que acarrea ser el mejor rapero en activo. 

Este álbum sucede bajo dos escenarios particulares: primero, el final del acuerdo de distribución que Kendrick tenía con Top Dawg Entertainment, el sello que él mismo ayudó a crecer y del que incluso llegó a tener acciones; y por otro lado, la pérdida de rumbo en su vida, esa que empezó a relatar en DAMN. y que lo arrastró a un exilio en el norte de Europa durante más de un año. 

De cierto modo, Mr. Morale & The Big Steppers es una mirada íntima hacia esa crisis existencial y las razones que la originaron. Fiel a la pasión narrativa que lo caracteriza, Kung Fu Kenny retoma su relato personal justo donde lo dejó hace 10 años en Good Kid, M.A.A.D City: si en aquél disco hablaba sobre la importancia de volverse una super estrella de la música a pesar haberse enfrentado a un contexto de violencia sistemática y adicciones como puede ser la cotidianeidad en Compton, ahora habla de todos los demonios que nacieron a raíz de ser esa super estrella: gastos desmedidos ("United In Grief"), traumas de la infancia ("Father Time"), problemas familiares ("We Cry Together"), la soledad ("Silent Hill"), sobre exposición mediática ("Savior") y una nueva posición sociopolítica dotada de un privilegio que lo alejan de la empatía que lo caracterizó al inicio ("Worldwide Steppers"). 

Que sea un disco doble no es capricho ni incapacidad para pulir el tracklist. La primera parte –Mr. Morale- sitúa a Kendrick frente a la materialización de todos esos demonios, algunos con rostro humano y otros que lo persiguen como sombras a través de las voces de Sampha, Reifer, Ghostface Killah y Summer Walker. La segunda parte –Big Steppers- arranca con "Count Me Out" y describe el proceso introspectivo de Kendrick. Ya no hay antagonistas ni sombras, es él solo frente al espejo, casi a oscuras y clamando por ayuda.

I CAN’T PLEASE EVERYBODY

En contraste con su transparencia discursiva y la profundidad que emana de esto, Mr. Morale & The Big Steppers entrega la identidad sonora más ‘’amable’’ del repertorio de Kendrick. Lejos de los sampleos y los beats distorsionados de Good Kid, el jazz desenfrenado de To Pimp A Butterfly y untitled, unmastered o de los sintetizadores expansivos de DAMN. ,esta placa goza de un sonido más compacto que interacciona con la dirección creativa del soundtrack de Black Panther: minimalista, que prioriza lo melódico y lo armónico por encima del poder de las bases rítmicas, voces R&B que matizan la líneas de rap puro y hasta puentes ‘’bailables’’. La huella de The Alchemist y Pharrell Williams está en todas partes. 

El trabajo de sampleo es reducido al mínimo pero no por eso es menos relevante: "June" de Florence & The Machine en "We Cry Together", "Break Through" de The Funkees, "Look Up, Look Down" de Soft Touch y "When There Is No Cheese at the Cookout" de Radel Ortiz en "Worldwide Steppers", "You're Not There" de Hoskins 'Ncrowd en "Father Time", "Remember the Rain" de Kadhja Bonet en "Die Hard", "Hypnotized" de River Tiber en "Savior" y poco más.

Y si en algo es infalible Kendrick Lamar es en la selección de colaboradores con los que comparte micrófono en cada disco. Para esta placa no solo rompe la inercia del elenco habitual que últimamente aparece en todos los discos de rap (Jack Harlow, Travis Scott, Young Thug, Lil’ Baby, Future); además aprovecha para introducir a Summer Walker y a Reifer al mainstream, rinde homenaje a una leyenda como Ghostface Killah y todavía se da el lujo de sacar del retiro a un personaje de culto como Beth Gibbons

Oklama –como ahora se hace llamar también- nunca ha sido un rapero con un flow particularmente veloz ni con un tono gangsta’; sin embargo, su virtud está en el dramatismo teatral que le imprime a su interpretación, y en Mr. Morale & The Big Steppers  podemos escucharle en su máxima expresión: no solo administra con sabiduría la aparición de las diferentes voces que es capaz de hacer (casi sin distorsiones en post-producción, por cierto), ahora también las pone en el centro de la escena al eliminar la posición del narrador, convirtiéndose en un canal en primera persona. 

Es tal el énfasis en esta intención estética que convierte las canciones en experiencias vouyeristas, las cuales rayan en la incomodidad para la audiencia. Y es que, si su disco anterior se construyó a partir del sincretismo y el misterio dado su carácter espiritual y religioso, éste –en antítesis- hace erupción desde lo explícito. Tal es el caso de "We Cry Together", una canción que ya causó polémica por su formato en el que, básicamente, Kendrick y Taylour Paige actúan una discusión muy acalorada que termina en el intercambio desquiciante de ‘’fuck you’’s que ni Amanda Miguel y Diego Verdaguer se habrían atrevido a grabar. 

Aquí ya es necesario hablar del impecable trabajo de mezcla que tiene el disco. Con Anthony Vilchis (ingeniero que también hizo el mix de Motomami)  como principal responsable de un equipo complementado por Brandon Blatz, Curtis Bye, Trey Station y Zach Peraya, los niveles de sonido adquieren un sentido narrativo a lo largo de todo el álbum. Y es que su perfil operístico equiparable al de The Wall de Pink Floyd, Quadrophenia de The Who o The Archandroid de Janelle Monáe requerían de un trabajo meticuloso en el cimiento de las capas para no arriesgar la dirección minimalista que tienen la mayoría de los tracks

Escuchemos "Mother I Sober": un piano, una escala de tres melodías simples que se repiten al infinito -sin saltos significativos entre quintas y sextas ni intervalos grandes- y la voz espectral de la legendaria Beth Gibbons, como si cantara desde el otro lado del pasillo, susurrando. Finalmente, Kendrick in crescendo hasta que termina en los gritos, dejando clara su desesperación ante la ausencia de respuestas. Una alteración gradual que no sacrifica la integridad de los tres elementos de la canción. 

MIRROR

Este disco no suena a una obra maestra; pero aunque suene paradójico, en ningún momento se percibe la necesidad de que lo sea. Es tan íntimo –tan Kendrick- que difícilmente generará una estirpe estética compuesta por decenas decenas de álbumes intentando emularlo. 

No deja de ser una lección de paciencia, eso sí. 

Es una pieza que alude a la deconstrucción del hombre como figura de poder y al mismo tiempo pone en tela de juicio dicho proceso como un mecanismo más de la homogenización de la moral desde la blanquitud. 

De nuevo: ¿Cómo analizar y reflexionar algo que antes de salir ya tiene etiqueta de obra maestra? ¿Cómo cuestionar a alguien que se sitúa más allá del bien y del mal? 

Mr. Morale & The Big Steppers responde: con la idea bien asentada de que no existen los súper héroes ni las fuerzas inmaculadas… Existen los seres humanos, que cometen errores y dan pasos en falso durante la búsqueda de sentido y congruencia para nuestra estadía en el mundo.

 

‘’ I can't please everybody

No, I can't please everybody

Wait, you can't please everybody

No, I can't please everybody

And I can't please everybody

No, I can't please everybody

Wait, you can't please everybody’’.

 

Mientras tanto, estamos frente a un candidato sólido a disco del año.

Entrevista con Cariño

Entre risas y canciones de amor, Cariño nos cuenta sobre sus procesos creativos y sus formas de trabajo.

Cariño regresó a México para promocionar y tocar en vivo su álbum homónimo en el Lunario del Auditorio Nacional, con su visita a tierras mexicanas tuvimos la oportunidad de platicar con ellas. La banda se llena de satisfacción con el público: “Siempre México muy bien, como que la gente tiene un calor especial, unas ganas de concierto, de escuchar música; ese disfrutar nos lo contagian a nosotras. Nos gusta mucho venir. Hace dos semanas estábamos en Nueva York y pensábamos ‘por favor vámonos ya a México’”.

Las españolas María Talaverano, Paola Rivero y Alicia Ros se presentaron en el Coachella este 2022. Para ellas fue una experiencia totalmente nueva y emocionante, Alicia cuenta que “era un poco vivir una película, nunca habíamos ido a Estados Unidos, era un mundo nuevo para nosotras, pero fue alucinante, muy agradecidas de poder estar ahí”. También Paola agrega: “es tal cual como lo cuentan. Hace mucho calor, mucho estrés, distancias muy largas. Tres chicas con sus instrumentos en Coachella cantando en español de España, ¡y gente viendo y escuchándonos!”.

Crear una lista de tracks para tocar en vivo les toma tiempo para pensar, organizar y darle orden al corazón y a la intuición. Alicia confesó que les cuesta crear los setlist, pues piensan que será sencillo poner una canción vieja y una nueva, intercalar es una opción, pero al final terminan haciéndolo por temática. “Lo hacemos más de las que son para bailar, también depende de quién va a cantar, si María o yo. Llevamos tan poco tiempo con el disco lanzado y estamos viendo la acogida que tienen las canciones y según eso formaremos los setlist, a ver qué emociona más a la gente”.

Paola, por su parte, opina que el trabajo de Cariño y las viejas canciones se mezclan demasiado bien, “hay que darle un poco de tiempo, porque el disco acaba de salir, la gente se las está aprendiendo. Yo lo siento un poco como el hijo pequeño y el hijo mayor. Al final al recién nacido le tienes que hacer más caso y el otro ya va caminando solo”.

Cariño, el bebé

Su hijo menor, el nuevo álbum llamado Cariño, es un trabajo que tenían planeado y elaborado desde antes de estallar la pandemia, sin embargo, siempre hay detalles y procesos que tardan en realizarse. “El estreno del disco se iba alargando un poco, entonces se nos ha hecho muy larga la espera, sobre todo porque era algo que teníamos muchas ganas de hacer. Antes de la pandemia queríamos sacar otro disco, pero esta situación nos dio la oportunidad de parar y tener mucho más tiempo para prepararlo, pero a la vez nos ha retrasado. Aunque yo creo que ha salido en un momento perfecto, porque ahora sentimos que se puede tocar y presentar al público”, menciona Alicia.

“Yo creo que era un disco que si la gente no lo podía bailar y no se podía tocar en conciertos, perdía también un poco el sentido”, expresa Paola. Las tres creen haber hecho un buen trabajo con Cariño, “lo sentimos muy de cariño, por eso también era un poco el nombre. Hemos aprendido mucho desde que empezamos, hemos evolucionado personal y profesionalmente, podíamos aplicarlo ahí y creo que lo hemos conseguido. Ya que a la gente le guste o no, no sé”.

Paola se atreve a hablar de lo que sucede cuando se es artista: “el síndrome del impostor nos pegó un poco. Al ser mujer sientes como que te quieres mostrar más”. Además su preocupación más grande es que, dentro de la industria musical, el segundo disco es “el que posiciona al artista”, Alicia expresa que ellas mismas se exigieron mucho más: “¿qué canciones elegimos?, nos preguntábamos. Ha habido presión, pero vamos a hacer lo que sabemos hacer y a quién le guste, bien, y a quien no le guste también”.

Si Quieres”, es el primer track y es la canción a la que Cariño le tiene más cariño: “Creo que es la que mejor define el nuevo sonido que pueda tener este disco y la que mejor nos ha quedado. También fue con la que empezamos y con la que se abrió a la veda de toda esta movida”, cuenta Paola. Es una canción que además disfrutan mucho tocar en vivo y no dejará de ser parte de su setlist, “la tocamos siempre al final porque la gente la canta tanto y yo nunca había estado en un concierto nuestro en donde todo mundo la cantara así”.

El amor define las obras de The Darlings y Las Supernenas

Para Cariño como banda no es complicado trabajar en equipo ni compartir ideas. Aseguran que lo más difícil es decidir qué van a comer cuando están juntas, platicaban entre risas. Alicia nos explica la forma en que cada una hace su tarea: “creo que las tres aportamos. No está decidido, pero María y yo hacemos más letras y melodías, Paola se encarga de la parte más instrumental, de la producción; entonces cada una aporta por su lado, lo que sabe hacer y que siempre ha sido natural entre las tres. Nos ha salido el trabajo porque nadie se pisa y creo que se da una buena combinación”.

Paola dice que se llevan tan bien que son como Las Supernenas (o como las conocemos en Latinoamérica, Las Chicas Superpoderosas). La forma en que Cariño hace el proceso creativo y la conceptualización de su trabajo es mediante un grupo de WhatsApp que se llama The Darlings. “Nos pasamos las ideas siempre por nota de voz y vamos valorando qué nos apetece hacer y luego vamos a grabar eso”.

Paola describe su forma de trabajar como algo diferente a las demás artistas: “el modo que tenemos de trabajar es un poco raro. A lo mejor una banda se encierra en el local de ensayo, hace un tema, graban, se van al estudio y tal. Nosotras trabajamos mucho con los formatos, porque de cada canción hay partes diferentes, es muy de ordenador y de móvil”. Alicia cuenta la experiencia de una de sus canciones más bromistas creada en el espacio de The Darlings: “Bonus Trap”, salió así, Paola hizo una base de reguetón y para no aburrirnos mientras estábamos encerradas por la pandemia, empezamos a mandar notas de voz María y yo”.

Respecto al proceso creativo y su inspiración para escribir las letras “la base es que nos vaya bien o mal en el amor, estar enamoradas o no. De esos sentimientos es donde nace siempre la semilla de la canción; luego ya entre todas es cuando la construimos. De todas las canciones hay una historia y una persona detrás concretamente, casi siempre tienen nombre y apellidos”, cuenta Alicia.

Luego de tener experiencias amorosas que las invitan a componer, van directo a la habitación de Paola, “trabajamos con el ordenador, luego, cuando ya tenemos una idea de la que no puede haber fallos, vamos con Juan; empezamos a mirar otra vez sobre esa misma idea”.

Una broma que se ha salido de control

Al preguntarles cómo decidieron hacer el cover de “Llorando en la Limo” de C. Tangana, explicaron que todo surgió entre risas: “literalmente una patada, una broma que hicimos en pijamas”. Paola cuenta: “Nos gustaba mucho la canción y pensamos ‘qué letra, pero qué letra’, porque la lírica era muy potente, lo que pasa es que la música, claro, era trap; recuerdo que nos preguntamos ‘si lo llevamos al pop, ¿qué pasa?’, y obviamos cualquier acorde que existiese, cualquier nota tonal que existiese en esa canción para alejarnos del trap. Montamos con tres acordes y una batería 808, o sea, hay cuatro pistas en la grabación de ese tema, literalmente cuatro pistas, es más demo que instrumentación”.

Alicia expresa que sí, “la banda es una broma que se nos ha ido de las manos… de repente a la gente le hace mucha gracia”. De esta manera surgieron dos canciones: “bonus trap” a mi me hace mucha gracia, es como un frikiton, es como un pop con un reguetón, pero no es. Una broma, o sea, el grupo en sí desde el principio ha sido un poquito una broma”, explica Paola. Además, su canción “Soy Una Perra”, de acuerdo con Alicia “salió así también, en plan Paola ladrando, al final no nacen igual que una broma, pero cuando nos juntamos, nos lo pasamos bien para terminar la idea”. Para ellas lo más importante es divertirse y tener un buen momento cuando se juntan, desde que comenzaron como banda esa es su prioridad.

Además, Paola, María y Alicia agregan que este cover les hizo muy bien “el disco se escuchó mucho más gracias a esta canción, a la gente le encantó, por lo menos en España. Estábamos en un nicho del pop y el indie, y un montón de gente que no pertenecía a eso, nos escuchó”.

Ahora quieren promocionar y tocar su disco en todos lados, aunque están emocionadas por comenzar a trabajar en un álbum nuevo, “hay que empezarlo a hacer ya para que salga dentro de dos años”, comentan y se ríen, al mismo tiempo que desean no pasar por tantas trabas con su próximo hijo.

Se despidieron con un grito de “¡Viva México, cabrones!” y pidiéndole a sus fans que escuchen mucho el nuevo disco porque así podrán volver a tierras mexicanas muy pronto. Si de ellas dependiera, vendrían de visita cada mes, pues de verdad el país les encanta.

A 30 años de 'El León' de Los Fabulosos Cadillacs

"Y que el silencio se convierta en carnaval", hace 30 años Los Fabulosos Cadillacs presentó El León, su propia revolución.

Muchas cosas podemos decir, al final el tiempo le ha dado a Los Fabulosos Cadillacs la vigencia necesaria y la valía en la historia de la música latinoamericana para comprenderlos como algo más que "una banda de ska". Un 22 de mayo de 1992 salió a la luz El León, posiblemente su álbum más emblemático y un bálsamo refrescante para el rock en español, que cruzó una frontera gracias a esta obra.

Si no fuera por la existencia del recopilatorio Vasos Vacíos, El León sería el disco en el que todos piensan al nombrar a la banda liderada por Vicentico, Flavio Cianciarulo y Mario Siperman. Los seguidores de la banda así lo reconocen, ya que El León logra capitalizar en un álbum los más grandes éxitos del proyecto hasta la fecha.

Luego de que la banda atravesara por una serie de transiciones en cuanto a lo creativo y a los cambios de integrantes en 1991, con El León llegaría una nueva oportunidad para reivindicarse y dar un nuevo salto en la industria.

Argentina vivía una transición importante, en el 92 y hacía adelante ya partían bandas como Babasónicos o Illya Kuryaki & The Valderramas que aspiraban a darle un nuevo color a la música; Fito Páez consolidaba su leyenda mientras Soda Stereo llegaba a un nuevo nivel artístico; el rock dejaba de ser distorsión y se convertía en todo menos eso.

¿Dónde quedaban los Cadillacs? ¿Cómo podía una banda 'rebelde', considerada así por sus inicios como un combo de ska que optaba por la diversión, dar un golpe sobre la mesa?

Bueno, mientras el camino en los noventa se inclinaba a buscar sonidos que ocurrían afuera del continente, la agrupación se metió a las venas de Amértica Latina para conseguir influenciarse de la salsa, el cuarteto, el reggae, el bolero, el vals, la samba e incluso la música ranchera.

El resultado fue una paleta de sonidos emocionante y al mismo tiempo sofisticada, ya que la agrupación comenzó a consolidar una imagen elegante, que eventualmente permitió a Vicentico pasar de los shorts con playera en el escenario a los elegantes abrigos color negro. Más allá de la imagen, con El León la banda dio un 'palancazo' hacia un nuevo camino en el que ya no serían esa banda divertida, sino que serían una de las instituciones artísticas y creativas de la música en Latinoamérica.

Los Fabulosos Cadillacs_1992

La muerte y el león del ritmo

El León es un vendaval de éxitos de la banda, impulsados por una agrupación renovada y por la variedad de ritmos. "Carnaval Toda la Vida" es un hermoso inicio, con un tema inspirador que te puede dejar sonriendo o llorando porque "la vida es un carnaval" como decía Celia Cruz, y porque "se te va pasando el tiempo y la vida se te va". Un tema poderoso, sin duda, que apenas es el inicio.

Amenazadoramente llega "Manuel Santillán, El León", una obra que para muchos es el recuerdo de un estudiante que protestó en la dictadura de Jorge Rafael Videla. Aquél "León Santillán" le dijo una frase a la policía que les habría dejado atónitos, recordando que toda la gente "va hacia el mar" junto a sus sufrimientos. Esta ficción se volvió legendaria.

Más tarde en el disco llega "Gitana", "El Aguijón" y "Gallo Rojo", temas que se han metido en el acervo de toda la gente, incluso las que no escuchan esta música. Suenan en las fiestas de XV años, en los bares, en los carnavales, en los estadios, en el Vive Latino, en Lollapalooza, en el Madison Square Garden, en O2 Academy. Es claro que con esta recopilación de temas obtenidos en El León la banda se consolidó para siempre.

La canción más importante es "Siguiendo La Luna", por supuesto. Una balada destructora, un reggae que desde las primeras notas de vientos ya te duele y un Vicentico desangelado que canta dolido y realista en un principio, pero que en los coros deja un sanador "vamos mi cariño que todo está bien, esta noche cambiaré", mirando hacia un futuro mejor.

Esta fotografía se puede traducir a miles de situaciones familiares y de pareja, al grado de que sigue vigente 30 años después.

Con El León nacen muchos mitos que la banda fue construyendo sobre el resto de su discografía. A lo largo de la obra de los Cadillacs la muerte es un tema recurrente, está en "El Matador", en "Saco Azul", en "Los Condenaditos", y en toda La Salvación de Solo y Juan, su ópera rock.

Además de la muerte, la agrupación tiende a recordar a un "león", que podría ser el mismo Santillán o podría ser ese personaje ficticio que acompaña a Los Fabulosos Cadillacs y es reflejo de una agrupación combativa, sentimental y siempre con ganas de más.

Las otras canciones de El León

Pienso que si El León es el 21 mejor álbum en la historia del rock argentino por la Rolling Stone es por más que esas seis canciones mencionadas en un inicio. El álbum es una seguidilla de temas memorables, que van desde lo festivo de "El Crucero del Amor" hasta lo doloroso de "Desapariciones", una canción original de Rubén Blades que toma el tema de las desapariciones forzadas en Latinoamérica, asunto que aún sigue en el dolo de las comunidades latinas.

Toma los males de las relaciones amorosas y el abandono con canciones como "Venganza", "Cartas, "Flores y Un Puñal", "Soledad", "Destino de Paria" y "Ríos de Lágrimas". Sugiero detenerse a escuchar las letras de estas canciones y venir acá a decirme que no tienen poesía o que son olvidables. No es así. Estos temas pegan fuerte.

El álbum se torna combativo con "Arde Buenos Aires", una canción reventada por un bajo medio funk con una base agresiva y que recuerda la violencia de las calles de Baires, una ciudad herida por los años y que, a pesar de haber entrado a la democracia 10 años antes, la gente no estaba del todo bien. Este tema recuerda lo complicado que era ir a un concierto de rock en tiempos de dictadura.

Sorprende que la agrupación nunca deje del lado ese espíritu revolucionario en su discografía, ya sea con historias de ficción o hablando de la situación política en Nicaragua, hay un peso político que siempre hay que reconocer.

El ritmo del león, el ritmo de los noventa

Los Fabulosos Cadillacs hizo en los noventa lo que hoy se le aplaude a los artistas jóvenes: no tener prejuicio a la hora de hacer música. Me resulta gracioso y un poco triste que siga siendo considerada una banda de ska, cuando la agrupación en El León pasa por al menos ocho géneros musicales, y curiosamente se roza con el ska de a poco.

Ese sello que tiene la banda desde hace años la convierte, y lo digo sin miedo, en uno de los proyectos artísticos más evolutivos, experimentales e innovadores en la historia de la industria del rock hispano. Si algún día te avientas un chapuzón por su trayectoria confirmarás esta hipótesis.

Lo que es cierto es que El León es una muestra brillante de talento de la banda. Desde la versatilidad en los ritmos hasta el manejo de toda la banda.

Los vientos en "Siguiendo la Luna" y en "Carnaval Toda la Vida"; los bajos en "Arde Buenos Aires"; las percusiones en "Gitana", "Desapariciones" y "Destino de Paria" son cosas brutales.

Al final, El León fue en muchos sentidos una revolución para Los Fabulosos Cadillacs, una banda que se consagró por no tener miedo a entrarle a otros géneros, a ser político, a hablar de la muerte y las desapariciones y sobre todo, a tener carácter. Quizás, detrás de aquellos autos lujosos se esconde una fiera con "canciones que abrazan hasta el sol". Y quizás también "el refugio del León (Santillán)" está en aquellas "canciones que abrazan hasta el sol" que narra La Salvación de Solo y Juan.

La música salvará al mundo.