Sufjan Stevens comparte nuevas versiones de “Fourth Of July”

El músico estrena dos versiones de “Fourth Of July” para celebrar su cumpleaños.

El cantautor estadounidense, Sufjan Stevens, sacó a la luz dos versiones de su melancólica canción “Fourth Of July”, misma que salió en el disco Carrie & Lowell, que realizó como forma de afrontar el duelo de la muerte de su mamá.

Las dos canciones hasta ahora solo están disponibles en plataformas digitales, pues el formato físico saldrá a la venta hasta diciembre de este año, para conmemorar los 10 años del fallecimiento de Carrie. Estará disponible en un vinilo de 7”, mismo que ya se puede pre ordenar justo aquí.

Estos tracks también fueron sacados a la luz para festejar el cumpleaños de Sufjan Stevens, que fue el 1 de julio. La primera versión es conocida como la April Base, pues fue grabada en el estudio April Base de Justin Vernon en Eau Claire, Wisconsin. La segunda es conocida como Dumbo Versión, que se grabó en la antigua casa de Stevens en Brooklyn, Nueva York. Ambas versiones fueron grabadas en 2014, un año antes del estreno del disco Carrie & Lowell.

Fourth Of July (April Base Version)” está acompañada de un video oficial que está lleno de fuegos artificiales, flores y luces en el cielo.

Por su parte, la versión Dumbo tiene como cover del track una foto familiar donde aparecen Sufjan de niño.

'This Much I Know to Be True', el nuevo documental de Nick Cave y Warren Ellis

Indie Rocks! tuvo la oportunidad de ver antes que nadie el documental This Much I Know to Be True a través de la plataforma de streaming, MUBI. Secuencias oníricas que se funden en sonidos religiosos e industriales que muestran el lado más vulnerable de Nick Cave y Warren Ellis.

This Much I Know to Be True, el documental dirigido por Andrew Dominik, es una muestra de lo bello y lo sublime compilado en un producto audiovisual sobre el proceso creativo de Nick Cave y Warren Ellis durante la preparación de canciones (incluidas en Ghosteen y Carnage) para su gira post pandemia.

El filme nos presenta como primer plano una anécdota de Cave al adentrarse en el mundo de la cerámica durante el confinamiento en el lapso del 2020 y 2021, lo que fue una forma de decantar el horror de lo que estaba sucediendo en el mundo y no poder hacer giras musicales.

Ligado a este proceso, Nick despliega de forma detallada en 18 figuras la historia del diablo, el cómo se corrompe a través de sus diferentes edades, además de la modificación de su plano terrenal a partir de sus transgresiones. Dichas figuras están llenas de simbología, como lo son conejos, mujeres con antorchas y el mundo, lo que representa diferentes etapas y sensaciones de la vida de este personaje.

Posteriormente, se genera un cambio en la línea visual y sonora para pasar a la primera toma de Nick junto a Warren tocando canciones de Ghosteen. La entrada de este plano rodea a los músicos para llegar a la antesala de todo: cantos realizados de manera religiosa que se elevan hasta disiparse en una serie de destellos intermitentes que iluminan el escenario entero.

Los sonidos oscilan una y otra vez en nuestros oídos, pero se amalgaman de un modo preciso con las luces, lo cual es un juego constante, pero acertado como recurso. Esto, a pesar de ser algo que predomina en demasía. Asimismo, el cuarteto de cuerdas y las coristas, hacen un match perfecto para la interpretación de estas piezas y su ambiente hipnótico.

Otro de los grandes momentos que nos regala This Much I Know to Be True es la presencia de Marianne Faithfull, pues hace una lectura con su voz peculiar del poema "Prayer Before Work" de May Sarton, para transformarse en una mezcla aletargada, y que permanece durante toda la grabación mientras Cave la secunda con su línea melódica vocal en "Galleon Ship".

Visualmente es un filme muy cuidado entre cada secuencia, las tomas no se vuelven monótonas pese a la circulación en un riel de 360° o por el tipo de iluminación intermitente. Aunque quizá, la primera parte no está hecha para cualquier persona, ya que las palabras descriptivas están ausentes para que simplemente nos enfoquemos en disfrutar la parte sonora de esta grabación. Si bien, esto podría ser un tanto soso, pero si gustas de observar y escuchar formas musicales, entonces no tendrás mayor problema para digerirlo. No obstante, el puente es la segunda parte, donde sí hablan ambos músicos sobre su proceso creativo, de las múltiples grabaciones y de cómo al final, cuando visualizan los resultados, lo hacen desde los momentos significativos, en donde no hay una explicación concreta de lo que se sintió mientras estaba ocurriendo el performance.

Casi al final de este audiovisual, Nick nos habla de lo que significa para él The Red Hand Files (el sitio en donde podemos escribirle al músico diversas preguntas sobre temas que nos aquejan). Para él es una práctica espiritual, trata de responder desde la mejor parte de su naturaleza, al meditar lo que va a contestar y así, generar cierta empatía con la otra persona.

Uno de los momentos más entrañables del documental es cuando el músico australiano habla sobre su creatividad, lo que es él, y sobre cómo la felicidad no lo es todo en la vida, puesto que su proceso al crear no depende de ello. La vida y las personas son lugares significativos y eso permite que la vida se pueda sentir.

En general puedo decir que es un agasajo en imágenes y sonido, pero también considero que es digno de valorar las anécdotas y perspectivas de Nick y Warren, pues permiten adentrarnos un poco en su desarrollo como artistas, lo que nos proporciona una percepción de cómo observan la vida y el arte.

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No te pierdas el estreno este próximo 8 de julio a través de MUBI y espera algunas sorpresas en alianza con Indie Rocks!

Vanessa Zamora anuncia su nuevo álbum, 'Damaleona'

Damaleona, un disco que verá la luz por volúmenes.

Vanessa Zamora anunció por sus redes sociales la primera fecha de estreno de su próximo disco DAMALEONA. Será un álbum que se estrenará por volúmenes, el primero consta de tres canciones y saldrá el 12 de julio.

En total DAMALEONA contará con 11 tracks, los primeros que conocerá el público serán “SECRETO”, “TRASCENDER” y “CONTRACORRIENTE”,  Vanessa promete que el álbum sea un viaje contará con texturas, sonidos y prismas.

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Dentro del anunció, Zamora escribió en Instagram para describir el disco:

Nivel de poder que se alcanza al aceptar y entender que todas las emociones son parte de la experiencia humana. La vulnerabilidad se convierte en poder, la tristeza como puerta a la fortaleza, y el desapego como el verdadero antídoto del sufrimiento”.

Además, la portada del disco y de este volumen 1, asemejan a Vanessa en una conferencia de prensa, con micrófonos cerca de ella, y, en el reflejo de sus lentes de sol, pueden observarse diferentes periodistas con cámaras y celulares capturando la imagen de la cantante.

Parece ser que se trate de un material que contenga momentos de catarsis y aprendizaje por parte de Vanessa Zamora, además de demostrar la fortaleza que se puede llegar a adquirir en esas etapas de la vida.

Recuerda que puedes guardar el disco en este link para que estés pendiente del estreno.

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Carrion Kids comparte “Burbujas”

La banda regresa con un nuevo sencillo que sigue mostrando su lado más garage y horror punk.

Luego de haber compartido sus primeros dos singles "Mal" y "Por Mi Culpa", la banda de punk rock mexicana, Carrion Kids, llega con “Burbujas” un tercer adelanto de su próximo material discográfico Por Mi Culpa, Por Mi Culpa, Por Mi Gran Culpa.

“Burbujas” es una canción oscura que relata la ansiedad de la monotonía, el sentimiento claustrofóbico de sentirse encerrado y los estragos de una mente que no está precisamente sana y se siente cayendo al precipicio.

La banda integrada por Miguel Servín, Rodrigo Blanco, Liz Olivarez, Iván Garcia y Jasmina Hirschl, proyecta los problemas que la pandemia dejó en la salud mental de muchos a través de esta melodía agresiva creada por las fuertes percusiones, las guitarras y la voz rasgada provocada por una disfonía falsa cargada de sentimiento.

Acompañando el lanzamiento de “Burbujas” viene el videoclip dirigido por el artista polaco Cult Nug. Donde nos muestran a través de un formato muy vintage, una especie de película de horror con efectos psicodélicos que te obligan a seguir viendo.

Este sencillo nos deja más claro el concepto por el cual Carrion Kids se inclina en este nuevo álbum Por Mi Culpa, Por Mi Culpa, Por Mi Gran Culpa, que llega nuevamente a través de MonkeyBee Records; aunque aún no tenemos fecha exacta de lanzamiento esperamos tener más noticias pronto.

Escucha “Eles”, lo nuevo de Maglore

“Eles” es el tercer sencillo de su nuevo álbum.

La banda brasileña de rock alternativo acaba de liberar el tercer sencillo de su nuevo álbum de estudio. Después de “A Vida É Uma Aventura” y “Amor De Verão”, “Eles” llega con un tema crítico y contestatario.

Exaltando sus influencias de artistas como Caetano Veloso a Wilco y las atmósferas místicas de Bahía o la abrumadora rutina de la vida en São Paulo, Maglore busca crear piezas con un estilo muy particular, que poco a poco, se ha convertido en su sello distintivo. Al retomar la música popular brasileña, con sus tintes del bossa nova y el folclor brasileño sin soltar sus exploraciones en el indie rock, Maglore ha desarrollado un sonido único que se espera, esté plasmado en su nuevo álbum.

“Ellos/ Dividido en partes por millones/ Razas y naciones exterminadas/ Ecuaciones altas subvertidas/ de la naturaleza/ Ellos/ No tienen ninguna posibilidad, no/ No entienden lo que son” se escucha en voz de Teago Oliveira mientras el video que acompaña el tema nos muestra imágenes de la banda tocando alternadas con imágenes de contextos bélicos y dictadores como Adolf Hitler hasta llegar al clímax de la canción: “no hay belleza/ Solo tristeza y adicción a la destrucción” enuncian mientras la banda termina manchada por una sustancia oscura y pesada.

El nuevo álbum aún no tiene fecha de lanzamiento, pero la banda presume que llegará “antes de lo que creemos. Sigue de cerca a Maglore y a Indie Rocks! y entérate antes que nadie sobre las novedades de este esperado material.

 

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Astor Piazzolla, el héroe y enemigo del rock argentino

A 30 años de su muerte, recordamos a Astor Piazzolla, el genio argentino que reinventó el tango y fue influencia permanente del rock argentino.

Cada país de este continente tiene sus propios sonidos, sus historias narradas en canciones y su mística. La de Argentina es muy característica con el tango, la chacarera y otros géneros que llegaron con el tiempo, como el cuarteto y la cumbia villera. Pareciera que el tango era intocable, que no había otra fórmula para hacerlo, hasta que llegó Astor Piazzolla, un hombre que dejaría un legado que trascendió géneros.

Considerado como uno de los artistas más importantes del siglo XX, Astor Piazzolla tuvo la valentía para mezclar al tango con el jazz y elementos de la música clásica. El artista nació en Río de la Plata, aunque desde muy pequeño se fue a Nueva York a vivir, donde tuvo la influencia de otra música y pudo comenzar a explorar desde joven, cuando su padre le regaló un bandoneón.

Criticado por la manera en la que hizo tango, Astor Piazzolla revolucionó las armonías y ritmos comunes del género musical para buscar un nuevo horizonte. Su obra era considerada el tango de vanguardia debido a la nueva visión que había adquirido con su sonido, revolucionario a lo que hizo Carlos Gardel y otros artistas a inicios del siglo XX.

Este atrevimiento de Piazzolla fue fundamental para encarar la segunda mitad de siglo, justo cuando comenzaba a crecer el rock en América Latina y habían jóvenes interpretes que en Astor vieron una nueva perspectiva y les inspiró, aunque después les rompió el corazón.

"Piazzolla es el futuro"

Mis tíos lo negaban a Piazzolla, pues yo discutía, yo tenía 14 años y les decía 'no ven a los aviones que aterrizan, a los edificios, el tráfico, los autos ¡Eso es Piazzolla! Es el futuro, la ciudad que crece, no es el tipo ahí llorando porque la mina lo dejó, y eso sigo pensando porque Piazzolla es el futuro" dijo alguna vez Luis Alberto Spinetta.

Antes había una frontera entre la juventud y el tango, misma que se trasladó a la música. Los chicos a finales de los años sesenta y los setenta querían tocar rock, y en vez de la represión común por la hegemonía de otros sonidos consolidados, la manera de hacer tango de Piazzolla fue un puente para unir al rock con el tango.

De ahí -quizás- viene lo significativo del rock argentino, un sonido propio, que toma impulso a través de sus raíces y se traslada a un sentido contestatario en tiempos crudos por la situación política. La combinación de factores es interesante para entender todo lo que ha sido la música en Argentina, desde Spinetta hasta Conociendo Rusia, WOS, Ca7riel y Paco Amoroso, Nicki Nicole, Nathy Peluso entre otros.

Fue así que nacieron discos como La Grasa de las Capitales, El Jardín de los Presentes y otros que tomaban como referencia al tango, algunos usaban bandoneón y tenían como inspiración las armonías y ritmos de Piazzolla, dejando un sonido único, que no solo eran guitarras distorsionadas.

Piazzolla decía amar a Spinetta y a Charly García por el valor para intentar algo nuevo con la música, sin embargo no todo fue perfecto en el matrimonio del rock y el tango.

En 1972, la revista Gente reportó una supuesta reunión entre Piazzolla con diversos exponentes del rock argentino para hacer una presentación en vivo, misma que quedó en promesa y presuntamente el artista de tango había dicho querer participar junto a Spinetta.

Pasados los años, Piazzolla comenzó a tirar elogios sobre Charly y otros roqueros de la época, sin embargo fueron contradichos con el tiempo.

Distintas declaraciones recogidas señalan que Piazzolla arremetió hacia figuras del rock con los años:

"Spinetta pintaba bien pero se dispersó como las aspas de un molino de vientos", ó "Lo que me molesta de los rockeros argentinos es su falta de inquietudes. Que se junten cuatro o cinco pibes en la casa de uno y empiecen a tocar caca me parece bárbaro. Son ciclos que se deben cumplir, pero si la respuesta final, cuando son tipos grandes, es Soda Stereo o Charly García, estamos fritos", fueron clavos para la tumba de la relación entre artistas de distintas épocas.

Luego de su muerte, el propio Spinetta dijo que rechazó las invitaciones que le había hecho Piazzolla para tocar, enfatizando en que Piazzolla había sido muy duro con ellos.

Pese a todo, Piazzolla fue una gran inspiración para el arranque del rock argentino, que a su vez vieron en el respaldo del tanguero una ventana para continuar.

Con los años su legado no se detiene, hoy día podemos escuchar a Nico Sorin (Ex integrante de Octafonic) reinterpretando su música con un octeto eléctrico y podemos ver a otras bandas aclamar su obra.

A pesar de que se hace tango en varios países del mundo, países tan desarrollados que lo tienen todo, estos carecen de lo más importante, de la mística que imprime el argentino sobre el tango. Astor Piazzolla es sinónimo de eso, y a 30 años de su muerte recordamos que el legado de la música que escuchamos hoy día tiene antecedentes que se remontan a las revoluciones en la música, lideradas por valientes que se atrevieron a buscar nuevas cosas.

Entrevista con Hollie Cook

Adentrándonos al universo Hollie Cook y descubriendo asteroides de su nuevo disco.

Usando pijama y sentada en su sofá, nos conectamos con Hollie Cook vía Zoom, dos días antes del estreno de su nuevo disco: Happy Hour y logramos platicar de cosas tan chidas como su banda de metal favorita, su audiencia preferida y más datos curiosos.

El nuevo disco de Hollie es muy bueno, prestándole suficiente atención se puede notar que los violines de “Moving On” llevan la canción a otro nivel, los sintetizadores de “Full Moon Baby” le dan sensualidad a la rola o la sección de metales de “Happy Hour” hacen adornos que resaltan el mensaje de la canción. Esos pequeños detalles marcan la evolución de la música de Hollie, pero ¿Si alguna de esas canciones estuviera en una película cuál sería?

Mmm déjame pensar, creo que elegiría 'Gold Girl' y la pondría en una película de James Bond, ¿sabes? En esa canción traté de darle una experiencia cinematográfica”.

Hasta aquí todo iba bien, Hollie es una persona muy amigable y simpática, pero tuve que detenerme porque la cantidad de tatuajes en su cuerpo me distrajeron y solo quería saber cuál era su tatuaje favorito. “Es curioso, ya ni siquiera los observo, solo son parte de mi cuerpo y ya. Pero tengo un favorito que cubre a otro que me hice cuando estaba muy borracha y el tatuador estaba muy borracho, luego lo cubrí con un tatuador profesional hace dos años”.

Ese tatuaje se encuentra en su tobillo izquierdo, si quieren saber cuál es, vean a ver el video musical de “Full Moon Baby”, donde se pueden ver varios de sus tatuajes y descubrir cuál es del que les estoy hablando.

El reggae es un género muy delicioso, cadencioso y mágico y quien diga lo contrario no sabe qué onda con la vida. Como público, el reggae hace que nuestro cuerpo se contagie de baile y comience a moverse automáticamente, incontrolablemente, pero cómo es el reggae para el artista arriba del escenario compartiendo la música.

Se siente bien, es lo mejor del mundo poder tocar música en vivo y conectar con la gente. Cuando ves gente sonriendo, cantando o bailando, me da mucha calma y 'surreal' es la mejor descripción, porque muchas veces no parece algo real. A veces me desconecto en el sentido de fluir lejos de mi propio cuerpo y me pongo muy emocional”.

Y es que es algo muy loco, uno siempre idealiza a los artistas, los vemos seguros de sí mismos y los idolatramos, pero no sabemos cómo se sienten antes, durante y después de subirse al escenario. “Antes de subirme al escenario hago muchas respiraciones profundas para calmarme, porque me pongo muy nerviosa, estiramientos o pequeñas meditaciones para mantenerme en la zona”.

Los músicos son humanos, no son objetos, no nos pertenecen y no son nuestros empleados, sienten y respiran como nosotros. “También abrazo a todos los miembros de mi banda, chocamos los cinco y nos decimos que nos amamos mutuamente”.

El disco de Hollie está tan ultra fresco que sigue soltando montones de jugo de nomás darle una leve probada y mientras más se escucha más se encuentran detalles deliciosos y pedazos de letra muy buenos como “swimming is cool but there're sharks in the pool”, la línea favorita de Hollie de todo el nuevo disco.

Es gracioso porque Hollie parece ser muy feliz pues todo el tiempo está sonriendo, pero este nuevo disco está plagado de historias tristes, muchas de ellas están basados en hechos reales de su vida.

“La historia detrás de 'Moving On' es triste, porque se trata de aceptar como una relación amorosa o de amistad van perjudicando tu estado emocional y debes tener el coraje de romper con eso. 'Happy Hour' no es una historia real, es más como un concepto, traté de crear un mundo donde se vive en una tristeza eterna y tienes que esperar por una hora al día donde están todas las personas que te hacen feliz y eso es para lo que permaneces vivo”.

Al darse cuenta de que sus canciones parecen muy depresivas, Hollie piensa en que canción del disco es feliz. “¿Tengo alguna canción feliz? 'Move My Way' está inspirada en el carnaval de Notting Hill, una de las fiestas callejeras más grandes que hay, es el mejor fin de semana en Londres. Y de eso se trata la canción, de pasarla bien con los amigos, de estar despierto hasta tarde, de bailar, emborracharse con chicos y chicas y pasando buenos momentos con todo el mundo”.

Como pregunta random, me entró la curiosidad de saber si a Hollie le gustaba el metal y si tenía una banda favorita de ese género. “Escuchaba mucho metal de adolescente, una de mis bandas favoritas es Deftones. Los vi en vivo hace como una semana, tocaron en Londres y estuvo bastante bueno, su música tiene un lugar especial en mí, sigo disfrutándola y creo que es una de las bandas más consistentes en mi vida”.

Hollie estrenó disco este año, tiene varios videos promocionales para este nuevo lanzamiento y quizás salgan un par más. Además, un día antes de mi cumpleaños, Hollie viene a México a presentarse en vivo y aprovechando esto… Hollie se sincera y nos cuenta cuál es su audiencia más favorita de todas.

Prometo no lo digo por decir, pero honestamente, la primera vez que fui a México no podía creer el tremendo nivel de energía y amor que recibí. Era hasta confuso para mí, me voló el cerebro lo geniales y divertidos que son los mexicanos. ¡Fue una experiencia demencial!”.

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Porcupine Tree — Closure/Continuation

Impredecible, emotivo y muy experimental. Un reencuentro con el tiempo, las memorias y lo aprendido en su tiempo lejos.

Tras convertirse en un estándar para el rock progresivo en una época donde el género pasaba adversidades, tras llenar grandes recintos y vender miles de copias, la separación de Porcupine Tree fue inminente.

Steven Wilson decidió perseguir una carrera en solitario que nos dejaría grandes temas y momentos, y aunque para los fans fue como un bálsamo en aquellos momentos, también era un trago semi-amargo. Hoy, por fin luego de 13 años desde su último disco The Incident (2009) y 12 desde su última presentación como banda, Porcupine Tree vuelve con un álbum de 10 temas, para darle cierre a un ciclo o ¿continuar donde se quedaron?

Closure/Continuation es el nombre del álbum con el que nos vuelven a deleitar como banda, en el que nos dejan ver sus colores y nos llevan por un viaje al pasado, impredecible e inquisitivo que nos mueve a indagar y revelar capa tras capa lo que la banda quiere decirnos.

El disco abre arriba en Harridan”, con una energía fuerte gracias a las percusiones con las que inicia el tema, una carta de presentación que busca llamar la atención de quién escucha con un bajo que va en progresión. La canción se mantiene estable la mayor parte del tiempo, pero tiene ciertos cambios en los puentes que nos regalan unos solos de batería y guitarra distintivos.

“Of the New Day” le da un giro complete a la vibra, pues es una canción nostálgica, más emotiva, hecha para apreciar la voz de Steven y abrazar las emociones de la letra. Aunque en algún punto los riffs de guitarra se vuelven más predominantes, funciona muy bien como un inter en el que debes respirar profundo para seguir adelante. Y es que lo viene definitivamente lo amerita; Rats Return nos regresa al lado más progresivo y experimental de la banda, la melodía y el trabajo de Richard Barbieri en los teclados le da un tono astral y místico.

La energía se queda ahí con “Herd Culling” para luego volver a bajar en “Dignity” que desde el inicio te deja saber que será una canción introspectiva, emocional y muy al estilo clásico del rock clásico.

Es en este punto donde se puede sentir la esencia individual de los miembros, pues “Walk The Plank” es más experimental y de tipo electro como los trabajos de Steven. Es una sensación refrescante que de alguna forma encaja con el concepto. “Chimera's Wreck” es una mezcla de todo lo que hemos escuchado hasta ahora, es una construcción que va de menos a más y te deja con la sensación de querer más. Si esto fuera el final (como se tenía planeado) pensarías que algo falta.

Afortunadamente tenemos tres canciones más que te dejan mejor sensación. “Population Three”, “Never Have” y “Love In The Past Tense” sirven como el acto final de la historia, mientras que la primera evoca una sensación de alerta por el increíble trabajo de guitarra, la segunda provoca una sensación tranquila, de aceptación  y reconciliación. Por último, la banda se despide con un tema esperanzador, una balada que crece y pese a que la letra es nostálgica, te deja satisfecho.

No sabemos exactamente que fue lo que los orilló a retomar su carrera como banda, ni si continuarán a partir de aquí, pero Closure/Continuation definitivamente marca un punto y coma para la banda y ya sea un cierre o una continuación, disfrutaremos de este álbum que ha sido un regalo cargado de emociones.

Zoe Gotusso en el Foro Indie Rocks!

Cariño y baile el Foro Indie Rocks!

Con música de fondo que amenizaba la espera, el público comenzaba a emocionarse y la hora se acercaba. La presencia de parejas de novias, novios, novies fue muy notoria, pues las canciones de Zoe Gotusso son perfectas para disfrutarlas en compañía de quien amas.

Hubo un primer cambio de luces y los gritos se hicieron presentes. Apareció en el escenario Alan Troy, quien abrió el concierto con canciones super acústicas y llenas de amor. Alan se despidió y lo llenaron de gritos y calidez.

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El cambio de escenografía comenzó, unos minutos después se apagaron las luces, la emoción se hizo presente y llegó Zoe. “Mi Primer Día Triste” dio inicio al espectáculo super acústico y lleno de felicidad por parte de la cantante argentina.

En cada oportunidad agradecía a su público por regalarle tanto amor, recorrió el escenario cantando “Ayer Te Vi”. Con la ayuda de las voces de toda la gente continuó “Desnuda”, “Monoambiente En Capital” y “María”, que se llevó gritos de emoción y mucho sentimiento, sobre todo porque contó que el video oficial de esta última canción fue grabado en playas mexicanas.

Llegó el primer segundo momento super emocionante de la noche, Zoe bajó del escenario a interpretar “Amándote” e invitó a algunos fans a cantar con ella, también le regalaron el típico peluche del Dr. Simi y lo tuvo en sus manos durante toda la canción. Seguido contó que, para ella, escribir una canción es como plantar un árbol, hacer la primera parte sola es plantar la semilla, así que le regaló una nueva sorpresa a todo el Foro.

De repente todo desapareció del escenario, el recinto quedó oscuro y en silencio, mientras el público veía hacia el frente, se escuchó un “hola” en los altavoces y se descubrió que la cantante estaba entre el público. Invitó a bailar a quienes estaban más cerca, la abrazaron y cantaron con ella. La felicidad de la gente y de Gotusso era evidente, el ambiente estaba lleno de calidez y amor.

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Volvió a presentar una nueva canción, el público estaba fascinado y atento a los versos que cantaba Zoe. Luego las parejas se llenaron de amor y besos al cantar y bailar “Amor Loco”, y Gotusso volvió a bajar con sus fans.

Entre gritos de “Zoe, mi novia te ama”, “estás preciosa” y “te amo, Zoe”, la cantante argentina llenó el Foro Indie Rocks!, lo hizo cantar, bailar y consumirse en el amor y la melancolía por esa voz tan característica. Sus fans le hicieron llegar un regalo que guardó con mucho cariño. Entre las sorpresas que Zoe regaló esa noche, estuvo el cover de “Loco (Tu Forma de Ser)” de Los Auténticos Decadentes.

El cierre del concierto tuvo lugar con “Ganas”, había quienes disfrutaron esta última canción con los ojos cerrados, tomándose de las manos con sus acompañantes, cantando entre abrazos y bailando al ritmo de esta pieza llena de motivación.

Parecía que el concierto había terminado, el recinto comenzó a quedar vacío y el público estaba a punto de regresar a sus casas, pero Zoe apareció con su guitarra en la banqueta de afuera y volvió a cantar “Ganas” de forma improvisada. Sin duda alguna, Gotusso no se arrepintió de dar un concierto en el Foro Indie Rocks! y, mucho menos, de disfrutar a sus fans en México.

El cierre de #MexologyxChivas: paraíso

La corona del paraíso.

Un buen día te levantas y tu vida cambia; ahora eres parte de la realeza. Para ti ¿Qué significarían esas palabras? Sí. Es probable que al principio te impacte, pues durante años hemos asociado el concepto de realeza a un linaje muy específico, no obstante hoy es diferente. Hoy, Chivas Regal abre la posibilidad de que todos y cada uno de nosotros formemos parte de esta transformación; un "momento muy TOP" para la marca de whisky.

Dejaremos de hablar de lo tradicional para hacer un llamado a las nuevas generaciones. Hoy se busca puntualizar en aquellos que harán el cambio. ¿De qué manera? A través de la música, la cultura, la moda y la vida misma. ¿Te unes a esta transformación?

A finales de mayo nos sumamos a la celebración de la metamorfosis de Chivas Regal a través de #MexologyxChivas; una serie de eventos que convocaron a vivir la experiencia de ser exitoso; a trascender sin importar el qué dirán. CDMX y Monterrey fueron sedes de cuatro memorables encuentros que apostaron por entablar este diálogo en el que todas las voces cobran vida, y hoy, la marca cierra esta primera etapa con un evento lleno de frescura en tierras tapatías: por supuesto, no podía faltar, Guadalajara.

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El Salón Casa Victoria fue el lugar que recibió al público, quienes ansiosos, esperaban a disfrutar de "la corona de la experiencias", tal como explica Ana, miembro de la marca. "Quisimos dar una vibra más festivalera. Extender la experiencia más horas, y darle esa vibra tropical. Lo que quisimos reflejar fue esa parte de cómo celebra Chivas junto con ellos, el camino al éxito", agregó.

Ser parte de esta experiencia -edición paraíso- nos permitió reconocer la versatilidad del público que existe tanto en el área local como en diferentes estados de la República Mexicana, atreviéndonos a identificar las fortalezas y los gustos de cada uno de ellos. La misma serie de dinámicas de correr y ponerte un tatuaje temporal, hacerte una perfo, o bien, agregar destellos de brillantes a tu dentadura, fue adoptada de diferente manera en cada región. Los sabores fuertes, las notas dulces de los cocteles, las chispas florales y vegetales conmovieron cada uno de los sentidos de este grupo de personas que sin saberlo, estaban reunidas bajo un mismo interés.

Es maravilloso y está padrísimo lo que Chivas Regal está logrando. Están haciendo muy inclusivo todo. Ya no se cierran a nada. Están rompiendo con los estereotipos de lo tradicional", explicó una pareja asistente.

Mientras las luces neones decoraban el circuito de la gran casa, un vagón del metro daba la bienvenida a este encuentro. Flotadores de cisnes dorados hacían juego a la decoración tropical dance del lugar y animaban al público a colocarse en una de las sillas y periqueras doradas que adornaban el recinto: la realeza había llegado.

Atuendos inspirados en décadas de los 60 y 80, en la elegancia y lo chic de la realeza juvenil, en los mismos talentos que amenizaban la velada, Miranda Santizo y Simpson Ahuevo, en la comodidad de poder bailar y moverte sin problema... Así desfilaron decenas de personas que brillaban y coronaban esta trepidante clausura de un suceso que apenas está por comenzar.