A 50 años de 'Desatormentándonos' de Pescado Rabioso

Posted on septiembre 14, 2022 by -

Cuando el rock argentino conoció la ira de Luis Alberto Spinetta; el álbum debut de Pescado Rabioso, Desatormentándonos, cumple medio siglo de historia.

El amor y la política probablemente son las dos cosas más importantes en el rock, probablemente después vendrían las drogas y el futbol, pero cuando una dictadura azota tu ciudad, probablemente el corazón y la protesta son más importantes, y así lo asumió Luis Alberto Spinetta, Black Amaya y Osvaldo Frascino para Desatormentándonos, el álbum debut de Pescado Rabioso, una banda que cambió para siempre al rock argentino.

Editado en septiembre de 1972, el álbum cumple 50 años de edad este año y vale la pena hablar un poco de él, así como de el punto de quiebre que significó en la carrera de Luis Alberto Spinetta.

Desatormentándonos es un claro acercamiento al blues, mismo que rompe con la sensibilidad que 'El Flaco' había mostrado en los primeros discos de Almendra, banda fundadora del rock argentino con la que Spinetta tocó la fama y en un lapso breve terminó.

El artista había ido a Europa tras la caída de la agrupación y volvió inspirado por la influencia de Led Zeppelin y The Jimi Hendrix Experience para formar un trío de blues y mezclar la tendencia mundial de aquel entonces con el tango y un poco de poesía, así como de crudeza, ya que fue una de las primeras veces que Spinetta se tornó crítico con la situación política de manera directa.

'Las hormigas devoraron el rosal...'

Hay un enorme sentido social en Desatormentándonos, pareciera que la agrupación buscaba mostrar un panorama sobre el trabajo, el miedo y el desastre ocasionado por la política.

"El Jardinero (Temprano amaneció)", es una de las canciones más representativas del disco en ese aspecto, ya que narra la historia de un trabajador que "observa la destrucción del mundo que nos rodea".

En este sentido se puede interpretar a otros temas como "Algo Flota en la Laguna", con letras como "la caridad del mundo es falsa, la tempestad recogerá nidos", que muestran un panorama un tanto negativo y acorde a los tiempos violentos que vivía la Argentina.

Por otro lado, Desatormentándonos abre con "Blues de Cris", un tema dedicado a la entonces ex pareja de Luis Alberto Spinetta, Cristina Bustamante. Este suena como una resignación para dejarle ir: "Atado a mi destino, al borde del camino volveré". Cabe señalar que el tema fue compuesto por 'El Flaco' antes de formar a la banda.

"Dulce 3 nocturno", a pesar de desentonar musicalmente con el resto de temas y ser completamente acústico, es una pieza medular para adentrarnos en la historia de Pescado Rabioso, ya que fue el primero compuesto por los tres integrantes. Además, cuenta con un mensaje esperanzador: "Deja tu miedo atrás, alguien te sonreirá", como un mensaje de aliento para quien escuche.

Ira

Musicalmente, Desatormentándonos está lleno de distorsiones, ritmos de blues, baterías atascadas y espacios densos de experimentación.

Dos temas del álbum, "El Jardinero (Tempano Amaneció)" y "Serpiente (Viaja por la Sal)" duran alrededor de nueve minutos, con amplios espacios para escuchar solos de guitarra, cambios de ritmo y psicodelia.

Podemos escuchar a un Luis Alberto Spinetta que desgarra su garganta, con canciones gritadas por momentos que se acoplan de manera increíble a las distorsiones y al mensaje.

Las otras canciones: "Blues de Cris", "Dulce 3 Nocturno" y "Algo Flota en la Laguna", funcionan de manera genial como temas bastante digeribles y disfrutables de inicio a fin.

En Desatormentándonos podemos ver finalmente el trabajo de Luis Alberto Spinetta como guitarrista principal, con un despliege interesante de solos de guitarra, así como una producción musical llamativa, si tenemos en cuenta que se hizo en 1972, cuando probablemente muchos países latinos no estaban del todo listos para entrar a géneros tan pesados como el blues lleno de distorsiones.

El propio Spinetta señala que Pescado Rabioso era un reflejo de "ira", mismo que compaginó bastante bien con sus tiempos, y creo que Desatormentándonos es una de las mejores introducciones para escuchar el rock argentino. Es breve, conciso y retador para escuchar y conocer un poco sobre el mensaje de protesta en esos años, así como la idea de experimentación.

El salto al vacío de una de las mejores bandas en la historia del rock argentino

Desatormentándonos fue un disco de blues principalmente, mientras que el segundo disco de la banda, llamado Pescado Rabioso 2 entró directo al blues y Artaud (realizado en su totalidad por Spinetta) rozó al folk. Y lo anterior reflejó en gran medida las capacidades de la banda para hacer música, para adaptarse a los tiempos y para conectar con la juventud argentina.

Pescado Rabioso debe estar entre las bandas más importantes para el rock argentino, su influencia llega hasta Eminem, y es una de las bandas que buscaban un mensaje distinto para sus connacionales en tiempos de dictadura.

El álbum en formato físico contenía un par de manifiestos, mismos que tomaban pulso a la situación social Argentino:

El pueblo es la estrella mágica. Todos la vemos parecerse al río. Los gusanos de los emperadores trepidan en apocalíptico festín. Ellos no tienen tiempo de recurrir a las armas. La estrella las fusionó todas en un plano infinito. La cabellera de los torturadores sangra en mi carro. Nosotros: desatormentándonos para siempre.
PD: Yo te amo Beatles.
PESCADO RABIOSO", decía uno de los manifiestos de la banda.

"La violencia de la música y de los nombres del grupo y del disco eran un armamento para luchar contra la mediocridad y evitar que se estableciera un vínculo sobre la base de la chatura de algo anterior. Siempre temí que a la gente le quede lo menos sustancioso y perdure una imagen de vos que no tolerás.

Desatormentándonos era oponerse a esa mentalidad argentina que erige ídolos para luego desmitificarlos. Yo esperaba que esa violencia reaccionase por medio de la creatividad, porque si uno se expresa no puede estar atormentado por las cosas. La creatividad sería una forma de suprimir el dolor que da despegar, sería una forma de despegar sin pensar que es algo imperativo, sino que el hecho de despegar sea siempre lo presente.

Por otra parte, los estados paranoicos, los escritos que hice en Francia, me habían dejado la sensación de que me había marcado rutas tempestuosas dentro de mí y que también había visto profundos abismos. Desatormentándonos implicaba moverse en esas aguas, como si se pudiera sumergir una linterna para observar lo que pasa alrededor, y asumiendo que todo eso forma parte de uno..." dijo Spinetta sobre el álbum.

Al final, Desatormentándonos es uno de esos discos que están ahí escondidos, que parecen solitarios debido a que nunca tuvieron tantos reflectores, pero para los más amantes son referencias inmediatas. Es por ello que vale la pena escucharle completamente a 50 años de su lanzamiento.

Fue grabado en Estudios Phonalex, bajo el sello Talent Microfón. Además contó con la participación en teclados de Carlos Cutaia, que fue invitado y posteriormente quedó fijo en la banda. Dale play a continuación.

The Mars Volta — The Mars Volta

Posted on septiembre 14, 2022 by -

Ecos de una revuelta propia.

Aplausos en un concilio de mística y ritmo, tela blanca y piel negra al filo del mar, me entregaste una vida de engaños, y al más puro estilo del ritual musical de la bomba en Puerto Rico, “Blacklight Shine”, donde el cuerpo le dice qué hacer a los tambores, The Mars Volta se reunifica y este fue el primer destello, quizá extraño para aquellos acostumbrados al atasque instrumental, pero que deja ver lo que nos depara con esta obra homónima, la séptima en su haber oficial y la primera en una década.

“Graveyard Love”, y en efecto, una evolución más que la forzosa necesidad de vigencia, reminiscencias y claroscuros, tranquilidad y escucha con detenimiento, porque los diferentes matices en la producción hace que apenas el segundo track nos cause ansiedad por más, “Shore Story”, la calma y armonía, los cambios de tónica y ritmo, la voz de Cedric Bixler-Savala y los efectos discretos, su propio auto-tune sin máquinas, ¿por qué diablos me recuerda a los hermanos Gibb?, simplemente encantadora.

“Blank Condolences”, atrás quedaron los preludios ruidosos y la inducción al delirio, pero en la tranquilidad también hay cierto caos, y en los efectos de la guitarra y la batería los complementos necesarios para dar color. Omar Rodriguez-López decide no maltratar tanto su guitarra, ahora la hace parte de su alma, como una extensión de su esencia misma que dicta: también puedo crear atmósferas de ensueño, no todo es una maldita pesadilla, nomás tírame a las arañas.

“Vigil” y este renovado Mars Volta que parece decirnos: nosotros haremos lo que queramos, qué importa si te gusta o no, y funciona. Al inicio mi desencanto personal se fue disipando al escuchar cada track con detenimiento, y ni a la mitad del disco, ya creo que es genial, pero sobre todo muy diferente a lo que estábamos acostumbrados. Esto es renovación en el gran sentido de la palabra.

“Que Dios Te Maldiga Mi Corazón”, y de nuevo los barrileros imponiendo el paso, el sonido primigenio de los antiguos músicos afroboricuas, porque no todo el PR es dembow, una corta pero emotiva oda con sabor a sal de mar, como la que dejó en nuestros labios la victimaria antes de decir adiós, pero que importa, podemos bailar y devolver la maldad a donde pertenece. Un tema al que le hubiera caído bien un solo de guitarra de Carlos Santana en su época Abraxas, mejor que si hubiese colaborado con Rob Thomas.

“Cerulea”, como los tonos del cielo en altamar, y de nuevo lo diferente y evocador, quizá el tema que merece más análisis de escucha debido a su maquila ideal, y si se trata de etiquetar, lo progresivo y alternativo que embonan a la perfección, lo fácil a la escucha, lo glorioso en lo aparentemente simple, y el candor que quizá nunca esperamos escuchar en The Mars Volta. Pero para qué desmenuzar el pasado de una banda que ha mutado tanto y de tan variadas formas, el ahora es lo que importa, y el futuro es lo que nos da esperanza.

“Flash Burns From Flashbacks”, y de nuevo un collage de sonidos para descifrar: pianos y sintetizadores, pequeñas secuencias, pinceladas de las 6 cuerdas de Omar, que tanto pueden sonar con tremolo y reverb, o tan solo como eco de un riff que pudo ser, un solo con wah del lado izquierdo, la voz de Cedric acaparando nuestro hemisferio derecho.

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“Palm Full of Crux” y su ánimo orquestal, una flauta dulce como el canto de un ave que gusta de visitar marcos de ventanas, de nuevo queda en evidencia la perfecta conjunción creativa que existe entre las 2 cabezas que han dado vida, forma y legado a The Mars Volta. “Es que se volvieron comerciales”, tal vez dirán los puristas de su obra, como ha pasado con tantas bandas que buscan renovarse antes que ser una parodia de si mismas.

“No Case Gain”, quizá un tema de la banda que en 20 años podríamos escuchar en Universal Stereo, “Tourmaline” y 2 guitarras acústicas que se acomodan perfecto con la voz de Cedric, que nunca deja de ser única y especial. De nuevo los devaneos con lo progresivo, pero sin alargar la duración de los episodios sonoros. “Equus 3”, pinceladas electro, como si Trent Reznor hubiese colaborado en el ritmo, pero no hay similares con The Mars Volta, difícilmente me viene a la mente alguna otra comparación a lo que se ha hecho en este disco, tal vez más escuchas las encontrarán, pero hasta el momento todo es muy particular y único, pero sobre todo diferente.

“Collapsible Shoulders” de un Mars Volta que reluce y dará de qué hablar, “The Requisition” para poner punto final a unalel álbum que dejará dudas pero también sorpresas, sobre todo al escuchar su ejecución en vivo que nos depara en la quinta edición del festival Hipnosis. Un tributo de la banda a si mismos con la fe de renovarse o morir, aunque ciertamente su música los ha vuelto inmortales y esenciales para una legión de fans, una intriga total para aquellos que están por descubrir su obra, y una sorpresa para aquellos que piensan en The Mars Volta como un concepto, y no como un combo que siempre reúne grandes músicos para devolvernos la vida con enormes canciones.

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Bomba Estéreo estrena “Me Duele” con Manu Chao

Posted on septiembre 14, 2022 by -

¡Dale play!

Bomba Estéreo presentó esta semana “Me Duele”, una colaboración con el legendario Manu Chao en homenaje a la relación entre el hombre y el territorio que habitamos. Parte de las ganancias generadas por este sencillo se destinarán a Costeño Social, una escuela en Guachaca, Colombia.

La canción surgió luego de una visita del franco español al estudio de Liliana Saumet, que, en palabras de Simón Mejía, fundador de Bomba Estéreo, dio pie a una “conversación fluida” entre los músicos. Agregó que para el grupo ha sido un honor poder trabajar con “uno de los mejores artistas de la historia".

Se trata de cómo estamos desconectados, más conectados a dispositivos electrónicos y cosas virtuales que a cosas reales. Así que decidimos usar los cuatro elementos, porque son parte del equilibrio de los seres humanos”, dijo Li sobre este material

Para promover el tema, las estrellas estrenaron un video dirigido por Gustavo Cerquera Benjumea, que contiene escenas de Li cantando y bailando el tema, intercaladas con la letra de los versos interpretados por el español.

 Es una canción sobre cómo el dolor siempre puede encontrar su alivio en los momentos difíciles y la vida puede volver a su belleza esencial”, agregó Simón.

“Me Duele” llega luego del lanzamiento de “Ojitos Lindos”, junto a Bad Bunny, y mientras Bomba Estéreo se alista para su primera gira por Estados Unidos tras su nominación en los premios Grammy por el álbum Deja.

 

 

 

Björk estrena “Ovule”

Posted on septiembre 14, 2022 by -

Una crisálida sinusoide gestada entre el amor y la fragilidad: ¡lo nuevo de Fossora ya está aquí!

Ideas sangrantes, huéspedes de la ilusión y la idealización, se encuentran diseminadas a lo largo de mi pecho y se reproducen a lo largo de mi cuerpo: se incrustan en mis clavículas, muerden la orilla de mis latidos, me inyectan su respiración en los pensamientos. Sus diminutas partículas parecieran formar un puente neuronal entre mis sentimientos, la luz y la oscuridad. Una esfera roja y simétrica flota sobre ellas y sobre mi cabeza, imantándonos de lo que yo sé que se llama amor y se incendia en amor, pero del que no comprendo nada. Ni sus vértices, ni sus arterias, ni sus ejércitos. No los comprendo, mas ahora los siento adherirse en mis paredes interiores: son las esporas de “ovule”, el nuevo sencillo de Björk, transitando a través de mis oídos y mi propia carne. 

Así de inesperado llega este nuevo lanzamiento de la artista islandesa, reina del imperio musical vanguardista. Como siempre, la conceptualización de su creatividad puesta en música y palabras rebasa cualquier límite posible, dejándonos al borde de la expectativa y, por poco, de la locura. Su estética visual es siempre bien aprovechada y el videoclip oficial de “ovule” dimensiona magistralmente el mensaje de Björk en esta ocasión: su propia definición del amor. Así lo expresó ella misma:

‘ovule’ para mí es la definición del amor. Es una reflexión de nosotros, como amantes que caminan alrededor de este mundo, e imagino 2 esferas o satélites que nos siguen. Uno por encima de nosotros que representa el amor ideal, uno por debajo de nosotros que representa las sombras del amor y nosotros vamos caminando en la tercera esfera del amor real, donde vive el amor cotidiano de los lunes por la mañana en la cocina".

La versatilidad y flexibilidad de la artista también se ve evidenciada con esta nueva entrega, pues a comparación de la explosividad casi indigerible de su sencillo pasado “Atopos”, esta segunda canción muestra una cara más apaciguada y reflexiva con la implementación particular de instrumentos de viento y armonías vocales. 

Whеn I was a girl I felt love was a building

I marched towards our deadly demonic divorces demolished the ideal

Now with your romantic intelligence, sensual tenderness

We dissolve old habits and place a glass egg above us floating

In the dark blood red oval void

Our lovemaking avatars in a shell".

Este sencillo se desprende como el segundo adelanto de Fossora, su próximo álbum que germinará este 30 de septiembre vía One Little Independent Record. No te pierdas las actualizaciones de esta mujer legendaria, y visualiza y escucha “ovule” a continuación. 

Conoce a Taipei Houston, el proyecto de los hijos de Lars Ulrich

Posted on septiembre 13, 2022 by -

El dúo publicará su álbum debut en noviembre.

Taipei Houston es el nombre con que Myles y Layne Ulrich, hijos del legendario Lars Ulrich, bautizaron a su proyecto conjunto, una banda que, desde luego, evoca a los sonidos de Metallica, donde su padre toca la batería, pero con un sello vocal que los dota de una frescura muy propia.

Con el lanzamiento de apenas dos sencillos, “As the Sun Sets” y “The Middle”, publicado esta semana, el dueto ha anunciado que el próximo 4 de noviembre saldrá a la luz su álbum debut, titulado Once Bit Never Bored.

El video de "The Middle" se publicó este martes y estuvo a cargo de Carina Glastris. Dale play a continuación:

A la Royal Blood o The White Stripes, los hermanos Ulrich demuestran el peso que la música tiene en las vidas de su familia y con el video del nuevo sencillo, dejan claro que van en serio con sus intenciones de seguir los pasos de su padre, pero a su propia manera.

Para nosotros, Taipei Houston es sobre ir en contra del grano en cada aspecto”, afirman Myles, de 23 años, y Layne, de 20; “Vivimos en una época con desafíos extremadamente difíciles y confusos. La tecnología se apodera cada vez más del mundo, la política se ha polarizado tanto que nos dirigimos hacia el desastre climático”, advierten.

Taipei Houston band

Ante este panorama, los hermanos Ulrich consideran que la música sirve como un escaparate de la ansiedad que el mundo moderno trae consigo, una manera de escapar de las malas sensaciones, al menos por un rato.

Además de la clara deuda sonora con el trash de Metallica, Taipei Houston muestra ciertas similitudes con grupos como Red Hot Chili Peppers, sobre todo por la forma en que los registros vocales de Layne, bajista y vocalista del dúo, se integran con la música. Miles, por su parte, es el encargado de seguir el legado de su padre como baterista.

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KESMAR comparte “Out of Luck"

Posted on septiembre 13, 2022 by -

El nuevo sencillo del artista australiano te hipnotizará con sus brillantes líneas de piano.

El encierro que vivimos a causa de la pandemia, fue un suceso que sin duda cambió todas nuestras dinámicas diarias. Construir una nueva cotidianidad no ha sido tarea fácil, para ello ha sido necesario reflexionar sobre las sensaciones que experimentamos en el aislamiento, y qué mejor manera de hacerlo que a través de la música.

KESMAR es el proyecto musical del artista australiano Nathan Hawes, quien encontró inspiración para sus creaciones en la colección de sus padres de música de la década de los 60 y 70. “Out of Luck" es una canción vibrante y dinámica que puede causarnos diversas emociones a lo largo de sus 4 minutos de duración. Con un piano brillante y cálidas guitarras que acompañan la alegre voz de KESMAR, el artista nos brinda una atmósfera colorida que por momentos nos recuerda a los temas más amables de The Beatles.

Esta melodía es básicamente una canción sobre el COVID, trata sobre despertarse tarde, sentir que vas en círculos. Me propuse no escribir ninguna canción sobre el COVID, pero encontró la forma de colarse. También quería escribir una canción que sonara realmente británica. Tenía la estrofa y el estribillo durante un tiempo, pero siempre quise hacer un outro que arrojara algo de luz sobre la ansiedad y los sentimientos que eran comunes durante el encierro", declaró KESMAR sobre su nuevo sencillo.

El video, dirigido por Ollie Birt, busca impregnar una divertida estética retro a los bellos paisajes naturales australianos.

Dale play:

Built to Spill estrena video para “Rocksteady”

Posted on septiembre 13, 2022 by -

Con una animación que nos remonta a la época dosmilera, el grupo nos da el último adelanto de su nuevo álbum.

Built to Spill, la banda de indie rock, formada en Boise en 1992, estrenó su nuevo álbum desde su último material en 2015, titulado When the Wind Forgets Your Name, a través de Sub Pop y ya está disponible en todas las plataformas digitales.

“Rocksteady” fue el último adelanto de la agrupación previo al lanzamiento de su disco, del que ya conocíamos los sencillos “Gonna Lose”, “Fool's Gold”, “Understood” y “Spiderweb”. 

La canción fue producida por Doug Martsch, mezclada por Martsch, Lê Almeida, João Casaes y Josh Lewis y masterizada por Mell Dettmer. Además, el tema viene acompañado de un video musical que podría recordarnos a los clásicos de las caricaturas de principios de los 2000, sumergiéndonos en un universo de ficción y psicodelia, agregando elementos como rocolas mágicas, patines, perros y hierba. El clip fue dirigido por Jordan Minkoff, con quien ya habían trabajado en dos temas anteriores. 

When the Wind Forgets Your Name se encuentra disponible en los formatos CD/LP/CS/DSPs. Cada disco comprado a través de este link y tiendas indie de Estados Unidos recibirán una edición limitada en color verde, por otro lado, en Reino Unido y países de Europa obtendrán el vinilo en color Misty Kiwi Fruit Green hasta agotar existencias.

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La portada fue diseñada por el artista de cómics, Alex Graham, quien también ilustró la parte interior del álbum que estará disponible en las ediciones CD, LP y casete del álbum.

The Black Angels estrena “Empires Falling”

Posted on septiembre 13, 2022 by -

“Empires Falling” formará parte de su nuevo álbum por estrenar Wilderness of Mirrors.

Han pasado cinco años desde que los fans han podido escuchar un nuevo álbum de The Black Angels  y  Wilderness of Mirrors  representa un regreso triunfante. La nueva canción, "Empires Falling", ofrece un ataque de rock psicodélico característico de The Black Angels junto a un montón de sonidos intrigantes y texturas, mientras que el tumulto político, la pandemia y la devastación constante del medio ambiente han permeado en sus letras.

Este viernes, 16 de septiembre , las leyendas de psych-rock de Austin, The Black Angels , lanzarán su nuevo álbum, Wilderness of Mirrors, a través de Partisan Records, con elogios de medios como  NPR All Songs Considered, SPIN , BrooklynVegan y más.

Empires Falling es un alegato crítico y reflexivo que examina el arte repetitivo de la humanidad de la destrucción masiva violenta. Como decimos en el coro, "es la historia en repetición". Vivimos en una naturaleza de espejos, donde es difícil distinguir lo que está bien de lo que está mal, lo que está arriba de lo que está abajo, o la verdad de la mentira, mientras navegamos por estos tiempos en los que el destino de la humanidad se refracta y refleja de un estado de pánico a otro, menciona la banda en un comunicado.

Desde su formación en el 2004 en Austin, TX, The Black Angels han sido verdaderos estandartes del psych-rock como Syd Barrett, Roky Erickson, Arthur Lee y los integrantes de Velvet Underground. Se espera el regreso de la banda a los escenarios de Norteamérica con una gira estelar este otoño, donde afortunadamente tendrán una parada el 5 de noviembre en México para presentarse en el  Festival Hipnosis en la Ciudad de México.

Escucha el nuevo sencillo aquí:

La delicadeza melódica de Jonah Yano

Posted on septiembre 13, 2022 by -

Sonidos distantes y atmósferas serenas dan forma a la propuesta del artista japonés-canadiense.

El caos y la estridencia de la cotidianidad suelen alejarnos de la belleza de la simplicidad que habita nuestro día a día. El pasar de las nubes por el cielo, el sol entrando por nuestras ventanas, el viento acariciando las hojas de los árboles, nos otorgan una imagen cálida del mundo que, a su vez, convive con lo convulso del presente. Esta serie de claroscuros sirven de inspiración para el artista Jonah Yano.

El artista, nacido en Hiroshima y radicado en Canadá, se esmera en crear atmósferas plácidas y sutiles, que se ven reflejadas en su álbum debut, souvenir, donde a través de su voz transparente y armoniosa, guitarras y percusiones cadenciosas, crea un ambiente envolvente.

La propuesta de Jonah fluye entre géneros como el jazz y el indie folk. Su nuevo sencillo, “always”, estalla en un incesante jazz que, en combinación con una cálida batería y violines lejanos, nos regalan un suave jazz. “always” se desprende de Portrait of a Dog, su segundo álbum de estudio que fue producido en su totalidad en colaboración con la banda canadiense BADBADNOTGOOD, con quien comparte similitudes tanto en sonido como en temáticas y se ha vuelto un colaborador constante en el crecimiento de Yano.

Para Portrait of a Dog, Jonah Yano busca adentrarse en la identidad, la contemplación de diferentes dinámicas familiares y las complejidades de las relaciones interpersonales. A través de 12 temas, el artista explorará un sonido mucho más consolidado y contará con invitados como Slauson Malone, Sea Oleena, Eliza Niemi y Leland Whitty.

OME: Beats contemporáneos inspirados en cuentos tradicionales

Posted on septiembre 13, 2022 by -

El primer álbum del productor retoma elementos musicales de la comunidad Rarámuri.

¡Esta no es otra propuesta musical, es la propuesta musical!  Sentirse orgullosos del lugar donde venimos, de nuestra riqueza cultural, que como mexicanos tenemos, y gritarle al mundo nuestras costumbres, es siempre una hazaña digna de reconocer, esta vez, la comunidad Rarámuri que habita la Sierra Tarahumara abarcando zonas del estado de Chihuahua al norte de México, es la protagonista del primer álbum del productor.

Conoce a OME, el proyecto de Uriel Durán quien también es integrante de Sotomayor.  El productor mezcla sonidos contemporáneos con los ecos tradicionales de las comunidades indígenas mexicanas. 

OME-2022

Durán retoma los cuentos, leyendas, creencias e historias de estas poblaciones, plasmándolas en su música, dejando como resultado, la inmortalización de las culturas que pocas veces se ven desde una perspectiva musical, mezclando elementos tradicionales con lo contemporáneo de la música electrónica; es una nueva forma de reconocer y reinterpretar las técnicas y expresar nuevas posibilidades sonoras para los instrumentos tradicionales. 

En álbum debut de OME, retoma las historias de la cultura Rarámuri con los sonidos de la naturaleza de esa región como la Cascada del Salto de Guachochi y el ferrocarril “El Chepe”; añadiendo instrumentos en peligro de extinción como el chapareque, también el huehuetl, teponaztli, rabel y violines dejando como resultado, melodías tradicionales a partir de elementos acústicos con ritmos electrónicos. 

LaCreación-Portada

LaCreación-Contraportada

La Creación, contará con 8 temas en total, estará disponible en una versión que se inspira en los contrastes de portada negra y acetato blanco cuyo arte del disco que es llevado al arte contemporáneo de nuestro pasado, donde además buscan utilizar esa tecnología visual en sus shows en vivo.