The Go Team — Get Up Sequences Pt. 2

Posted on febrero 13, 2023 by -

Música de protesta al estilo de The Go! Team

El grupo de Brighton, The Go! Team, presenta su séptimo álbum de estudio Get Up Sequences, Pt. 2, a través del sello Memphis Industries. Este material es la continuación directa del material lanzado hace dos años Get Up Sequences, Pt. 1 (2021), así que no hablamos sólo de continuidad cronológica, este disco está relacionado directamente al anterior. Aunque con marcadas diferencias. Más que una continuación es una contraparte.

Musicalmente hablando, esta secuela se toma menos en serio, es mucho más dinámica y juguetona volviendo al pop salvaje y la mezcla de sonidos que conocemos. Es en la parte lirica donde busca dar un paso al frente, con una carga social en el subtexto, un mensaje que aboga por lo cosmopolita, en momentos donde la cultura identitaria nos quiere definir de una vez y para siempre. Esta universalidad está presente desde “Look Away, Look Away”, tema que abre el disco, lleno de energía y pop cantado en francés, es una buena interpretación del género a partir del estilo galo de los sesenta, sin perder la esencia del grupo, al contrario, complementándose perfectamente.

Por otro lado, “Divebomb” mantiene la dinámica, pero a través del rap y su vena política, con un telón de fondo compuesto por un collage de sonidos e instrumentos caóticos que, como suele suceder con la banda, siempre caen en el lugar correcto. Mientras que “Stay and Ask Me In a Different Way”, tiene una estructura más ordenada, tirando por un indie rock suave, con voces melódicas y ritmos bien definidos, claro, sin dejar de lado los toques de color con los sampleos característicos del grupo. En este sentido, “Gemini” es el estilo clásico de la banda, los choques de género, una explosión de sonido que camina por la delgada línea que divide la experimentación y la ocurrencia.

Por último, mencionar “Baby”, canción final del disco y que le da un cierre nostálgico con una balada, bien ejecutada, conservando las mejores cualidades del twee y el bubblegum pop, por momentos da la impresión de ser una parodia que algo en serio. En conclusión, es un buen disco, que, al contrario de su antecesor, que se preocupaba más por la forma que por el fondo, vuelve a lo básico con la intención de dar un mensaje más fuerte. Con altas expectativas que se cumplen por momentos, The Go! Team apela a lo que nos hace comunes, aquello donde podamos coincidir a pesar de nuestras diferencias y orígenes. Desde su trinchera, la banda nos da ese punto de encuentro, en el cual todos somos iguales, una pista de baile.

Entrevista con Yo La Tengo

Posted on febrero 13, 2023 by -

Yo La Tengo se sumerge en una nueva experiencia con This Stupid World, su nuevo álbum. 

Tras casi 4 décadas de trayectoria, la banda estadounidense Yo La Tengo presenta su 16to. album This Stupid World con el que enfrentan a una era digital y ponen el alto la técnica DIY que han trabajado desde sus inicios. En Indie Rocks! Platicamos con James McNew acerca de su nueva obra. 

Tenemos un espacio en New Jersey donde practicamos y ahí mismo contamos con equipo para grabar. Muchos de los soundtracks y los tracks de trabajos anteriores se grabaron ahí. Los 3 hicimos toda la ingeniería y mezcla. Nadie más nos ayudó”, cuenta James.

Al escuchar This Stupid World pareciera que no hemos avanzado en el tiempo, que nos encontramos fluyendo en esa ola de tranquilidad que trajo consigo el indie rock de los 90s. Pocos han logrado mantener su sonido siendo la tecnología un parteaguas en su carrera; para Yo La Tengo es una herramienta que les permite crear su propia música sin dejarlo a mano de terceros. 

“Constantemente estamos averiguando nuevas maneras de hacer las cosas, de alcanzar las ideas que tenemos incluso cuando los problemas tecnológicos se presentan. Tenemos que pensar creativamente para que funcione”. 

Nunca hicimos un álbum solos. Fue una nueva experiencia para todos".

Por su trayectoria, pareciera que la banda lo tiene todo solucionado que saben el proceso del inicio y el fin del álbum, pero aún así el tiempo en el estudio puede fundirse. Por ello, trabajar en un lugar cómodo con la familiaridad de trabajar en equipo hasta tener algo que les guste puede hacer la diferencia. Así que para James las zonas de comfort no existen al momento de escribir música. 

Asimismo, este nueva obra pareciera un escudo que nos protege del mundo actual y una bandera que nos demuestra que seguimos aprendiendo de la música y sus versiones. “Pensé o leí historias e imaginé los tiempos cuando había nuevos estilos musicales, las personas no sabían cómo grabarlo. En los 50’s y 60’s cuando las bandas de rock comenzaban y en los estudios grababan música clásica y jazz no sabían qué estaba pasando y por qué sonaba tan fuerte. Cuando las compañías discográficas quisieron grabar artistas de hip hop nadie en el estudio sabía cómo así que tenían que trabajar juntos y usar su imaginación para lograr su meta”, cuenta James. 

Todos sabemos que es bueno probar nuevas cosas, desafiarse a uno mismo y a los otros”.

En diciembre, Yo La Tengo comenzó una gira en Bowery Room, Nueva York, y que en los próximos meses continuará en gran parte de Estados Unidos, Reino Unido y Europa. Esta no es una gira más, sino una especial, pues es la primera vez (en mucho tiempo) que la banda se aventura a tocar la mayor parte del álbum. 

“Grabar puede ser extremadamente diferente a tocar canciones en vivo. Grabar es como pintar, puedes añadir todos los detalles que quieras, pero al momento de tocar siempre se puede entonces tienes que descubrir cuál es la mejor representación de la música que grabaste. Tiene más energía y es más divertido cuando tocamos juntos y hablamos sin palabras tratando de capturar algo que es espontáneo”. 

El 10 de febrero tendremos la oportunidad de escuchar This Stupid World por primera vez, así que prepárate para sumergirte en nuevos sonidos. 

PLAYLIST: Love is in the Air

Posted on febrero 13, 2023 by -

No importa de qué lado estés, aquí tenemos la canción perfecta para este día.

Celebrar el Día de San Valentín puede sonar a cliché, pero también es una excelente oportunidad para revisitar grandes canciones. De amor, de desamor, celos, odio, cariño, o cualquier sentimiento que nos genere esta bendita fecha del calendario.

Para la ocasión, los colaboradores y staff editorial de Indie Rocks!, seleccionamos los temas que han marcado nuestras emociones carnales en el amor, para reunirlas en dos listas de reproducción de 80 canciones.

Love is in the Air

Por el lado meloso y romántico de esta celebración, tenemos grandes interpretaciones desde Andrés Calamaro, Café Tacvba, y Alex Ferreira; hasta Bat for Lashes, Oasis, y Yeah Yeah Yeahs. Definitivamente, esta es la playlist que querrás escuchar en una cita en compañía de tu ser amado o simplemente acostado en tu cama viendo sus fotos. Derrocha puro l o v e.

 

Así se vivió el show de medio tiempo con Rihanna

Posted on febrero 13, 2023 by -

Rihanna baña con un manto rojo escarlata el Super Bowl 57 y cautiva con el poder de su voz

Este domingo 12 de febrero se llevó a cabo el evento más espectacular del deporte estadounidense, nos referimos desde luego al Super Bowl LVII, conocido como uno de los espectáculos más esperados año con año a nivel mundial. Este 2023, el también conocido como Supertazón puso a competir desde el State Farm Stadium de Glendale, Arizona a dos de las escuadras más queridas: los Jefes de Kansas City y las Águilas de Filadelfia, siendo los primeros campeones de esta edición.

Sin embargo, la justa deportiva no es el único atractivo de las miradas globales, sino que anualmente, este evento presenta un show musical de medio tiempo que es considerado uno de los de mayor producción en la historia de la humanidad, hablamos del medio tiempo, espacio artístico que este año fue ocupado por Rihanna. Seth Dudowsky, líder del departamento musical de la NFL aseguró que “Rihanna es una artista única en su generación que ha sido una fuerza cultural a través de su carrera. Estamos anhelando trabajar con Rihanna, Roc Nation y Apple Music para traer a los fans otra presentación histórica de Medio Tiempo”, y dentro de este contexto es que la tarde de este domingo 12 de febrero sucedió la magia.

Rihanna
Robyn Rihanna Fenty, nombre real de la cantante, demostró porqué es considerada Princesa del R&B y en punto de las 19:28 el estadio Glendale se transformó por completo y como si se tratara un videojuego, diversas plataformas flotantes aparecieron y sobre una de ellas yacía la cantante originaria de Barbados. Con un espectacular atuendo en color rojo la famosa se hizo notar entre un mar de bailarines teñidos de blanco y el tema con el que arrancó su show fue “Bitch Better Have My Money “, “Where have you been”, “Rude Boy” fue la cuarta canción y continuó con "Work", melodía con la cual hizo una pasarela a lo largo del escenario para posteriormente dar la mayor sorpresa de la noche: mostró su vientre y con ello dio a conocer al mundo que está embarazada por segunda ocasión.

Otro de los temas que causaron furor sobre el escenario flotante fueron “Wild Thoughts”, “Pour it up”, “Money on my mind” y “All of the lights”, para después pasar a “Run this town” y luego, al elevarse en lo más alto del estadio sobre su plataforma, procedió a cerrar con broche de oro el show con “Umbrella” y “Diamonds”.

Babasónicos en el Palacio de los Deportes

Posted on febrero 12, 2023 by -

Babasónicos sedujo a miles con su efervescencia sonora y rock sónico desde el Palacio de los Deportes

La midriasis es una respuesta del organismo que genera la expansión de la pupila como reacción a la luz tenue para intensificar la agudeza visual, pero la amplitud del ojo humano también se presenta  con la elevación de dopamina —conocida como la hormona de la felicidad—, la cual explotó en aproximadamente 15 mil personas el pasado sábado 11 de febrero al ser testigos de uno de los conciertos más queridos en la música de habla hispana: el de Babasónicos.

A las afueras del Palacio de los Deportes, dentro de la Ciudad Deportiva Magdalena Mixhuca en la Ciudad de México, se podía observar a miles de personas con camisas de flores y estampados coloridos, aunque también eran abundantes quienes acudieron con un look de chaqueta de cuero y prendas negras inspirados a las canciones más intensas de la banda que desde 1991 se consolidó como un grupo insignia del movimiento under de rock sónico y del nuevo rock argentino.

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Desde las 19:30 Hrs los asistentes ya hacían fila para ingresar al recinto en donde la magia se haría presente, y con playeras alusivas a la banda poco a poco los presentes (que vinieron de todas partes de la República) comenzaron a ocupar sus butacas. Las manecillas del reloj marcaban las 20:30 Hrs y como si se tratara de un acto onírico, las luces sobre el escenario se apoderaron con amplitud y fuerza del lugar, cubriéndolo en su totalidad con una manta de iridiscentes colores.

Acto seguido sucede la magia, se encienden dos enormes pantallas y siete columnas de luz sobre el stage, posteriormente, hombres vestidos completamente en color blanco aparecieron y así, en medio de una resonancia explosiva de gritos, una de las bandas más icónicas en todo el umbral de la música de habla hispana era recibida en México nuevamente en menos de un año, esto luego de dar show en el Auditorio Nacional en 2022.

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Los atentos oídos de los espectadores se deleitaron cuando lo primero de escuchar fue “Hazme el amor hasta el amanecer y después bye bye”, melodía que fungió como banderazo de salida a un carrusel de canciones que, literalmente, pusieron a vibrar al Palacio de los Deportes, esto especialmente en las más bailables de la agrupación liderada por Adrián Dárgelos, banda que se apodera por igual de sonidos entre el rock y el folk psicodélico, así como de temas con atmósfera de balada, o bien, pistas que te ponen feliz con matices de electro y tropical.

Un carrusel de melodías gestadas en tres décadas

Las canciones que siguieron tras el tema de arranque “Bye bye” fueron una verdadera sorpresa, pues posteriormente retumbó en los amplificadores “Los calientes” y sin una de las más esperadas de la noche: “Putita”.

Este último fue precisamente uno de los temas más coreados junto a melodías que, en orden aleatorio, fueron haciendo un recorrido por los 13 álbumes de estudio de la banda que extrajo su nombre de un ingenioso juego de palabras entre el gurú indio Sai Baba y la caricatura Los Supersónicos.

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La agrupación conformada por Adrián Rodríguez en la voz, Diego Rodríguez en las guitarras, coros y percusión, Mariano Domínguez en las guitarras y voz, Diego Tuñón en los teclados y Diego Castellano en la batería, tiene 32 años creando música, por lo que su acervo de melodías es inmenso y ante este panorama fue imposible que tocaran todos sus temas, aunque los que brillaron por su ausencia y generaron aflicción en los asistentes fueron “Rubí”, “Celofán”, “Las demás”, “Once”, “Pijamas”, “Camarín” “Microdancing” y “Loco”.

Es un hecho que cada álbum de Babasónicos guarda una historia en específico y tiene el poder de ser un reflejo de lo que es la música y la sociedad latinoamericana de su respectiva época de creación, por lo que en el show disfrutaban por igual hijos y padres, quienes enardecidos cantaban y bailaban al ver que la banda no paraba de sorprender con icónicos temas como “Irresponsables”, “Como eran las cosas”, “Carismático”, “Risa”, “Yegua”, “Pendejo”, “La pregunta”, las cuales estuvieron inundadas con arreglos progresivos y cambios de ritmo que dejaban una sensación de misterio y con ello un sabor de frescura a estos clásicos.

A 15 años de 'Un Día en el Mundo' de Vetusta Morla

Posted on febrero 12, 2023 by -

El álbum 'indie' por excelencia. Un Día en el Mundo cumple 15 años y el tiempo le da la razón a Vetusta Morla.

Cada que pensamos en la autogestión en la música volteamos a ver a esas bandas que lo dan todo por su proyecto, que son pacientes porque en la industria el dinero habla y que hacen lo imposible por materializar su primera obra. Vetusta Morla fue un conjunto de los tres por allá de 2008 con Un Día en el Mundo, probablemente el mejor álbum debut de una banda española.

La agrupación de Tres Cantos, Madrid, ya era conocida para 2008 en España, esto debido a que desde finales de los noventa circularon por centenares de bares, foros y eventos con sus canciones.

En esos años salieron diferentes maquetas en formatos físicos que tenían bosquejos de lo que fueron las canciones definitivas del álbum, esto mientras las grandes bandas peleaban contra la piratería y los proyectos jóvenes daban lo que sea porque sus canciones se viralizaran a la antigua, ya sea con discos quemados o por internet.

A Vetusta Morla, curiosamente, le tocó el boom de MySpace, de hecho la banda dijo que esa fue una de las ventanas para acercar su música a otros países.

Tras no lograr un acuerdo con alguna disquera (normal en las bandas indie), el sexteto presentó Mira, un EP que contenía parte de las canciones del álbum, y fue posteriormente que se internaron en una casa que pertenecía al Taller de Creación de Alfredo martínez y luego en el estudio Sonobox, según imágenes de un viejo documental que circulaba por YouTube, para montar Un Día en el Mundo.

Asumir que rendirse no es una opción...

Un Día en el Mundo es un álbum de fotografías, donde la banda asumió el reto de resumir ocho años de carrera y lo transformó en una obra redonda, que parte con "Autocrítica" y demuestra la intensidad de la banda en todo aspecto.

Seguido de aquel misterioso intro aparecen cuatro de las canciones más importantes en la historia de la banda.

"Sálvese Quien Pueda" que es una catarsis y una forma de envalentonarse y tomar vuelo por esa letra que invita a hacer de la rabia tu flor y con ella tu bandera.

Le sigue "Un Día En El Mundo", la canción homónima del álbum que tiene un sonido acogedor, que llena de buenas sensaciones y lo que antes era emoción ahora es melancolía.

De inmediato aparece "Copenhague", otra canción con una armonía que te hace sentir en casa, que piensas que ya conocías de algún logar o que imaginas que te estaba esperando. Su letra, igual de esperanzadora y auténtica que las anteriores, invita a dejarse llevar, al factor sorpresa, a "nunca saber dónde puedes terminar... o empezar".

"Valiente", de las pocas canciones que tienen una letra compuesta por 'Pucho', el vocalista de Vetusta Morla, le da ese sentido intenso que caracteríza a la banda y que revienta escenarios. El asumir que a veces no eres uno mismo y saber que avanzar no es solo una cuestión de suerte colisionan sobre la escala menor de Mi.

A la mitad, el álbum reposa en "La Marea", una pista que quiere ser tranquila y sin embargo es sensual a su modo, así como introspectiva. Ahí llega "Pequeño Desastre Animal" que fue una de esas canciones que se reversionaron para el álbum y que con los años se convirtió en una de las favoritas del nicho de fans.

"La Cuadratura del Círculo", antes infaltable en los conciertos, es uno de los mejores momentos del álbum gracias a su intensidad, a la tensión que tiene en medio y poderío en la voz de 'Pucho'.

Rumbo al final aparecen temas como "Año Nuevo" y "Rey Sol", que a su manera dejan historias emocionantes y reflexivas. Por momentos es un abrazo y en otros es una cuchillada.

"Saharabbey Road" es el climax del álbum, con un esperanzador cántico que llena de sol todas las emociones encontradas en el disco para cerrar con "Al Respirar", una pieza sumamente conmovedora, que tiene un tempo difícil de explicar incluso para la banda y que deja un suspenso tremendo.

Pon cada latido y celebra que nuestra historia continuará

Un Día en el Mundo salió a la venta el 11 de febrero de 2008. No se puede negar que fue un disco sumamente esperado en España, al grado de que este incluía una pieza de rompecabezas que unió a algunos seguidores a completarlo, ya que parte del mensaje del CD físico es que todos eran parte importante en el proyecto.

La gira de la banda duró hasta finales de 2009 y fue la punta de lanza para consolidarla como la agrupación referente en España con el paso de los años.

Hay momentos que marcan a una banda para siempre, y Vetusta Morla tiene uno inmortalizado en YouTube en el que tocan "Un Día en el Mundo" mientras van por las calles de Madrid para llegar al Fnac, los integrantes se suman de a poco y sin equivocar terminan la canción justo a tiempo.

A finales de 2018 entraron al Wizink Center de Madrid (un escenario con dimensiones mucho mayores) de igual forma, fieles a sus raíces, recordando que hasta la fecha son un grupo de amigos de "abrazos y cataclismos", a los que les encanta tocar y compartir música.

Un Día en el Mundo es un álbum indispensable para entender el rock en español de los últimos años. Al final, Vetusta Morla es referente en autogestión, en cómo ser una banda "fina" en el escenario y sobre todo de cómo llevar una carrera sólida.

La foto del álbum pertenece a David Martín Page, y muestra a un niño saltando entre dos bancas en las playas de Barcelona, un salto levantó al radar a Vetusta Morla. A 15 años de su lanzamiento, te invitamos a escucharlo.

A 10 años de 'Holy Fire' de Foals

Posted on febrero 11, 2023 by -

El último vaquero en la ciudad y el poderoso álbum que catapultó a Foals a la consolidación cumplen una década.

Al menos ocho jinetes sobre el océano, caminando mientras el atardecer (o el amanecer) les sonríe, resultó en una de las portadas más icónicas del indie de la década pasada. Y es que Holy Fire de Foals es por mucho una de las piezas definitivas para entender la evolución de la banda y cómo es que un proyecto pasa de tocar a las 15:00 horas en un festival a liderar el line up.

Foals venía de dos álbumes sumamente agradables para su nicho, un Antidotes que jugaba con el math rock y un Total Life Forever más introspectivo y elegante. Ambos, a su manera, fueron bien recibidos; sin embargo, la expectativa sobre el tercer registro era igual de grande que la incertidumbre de qué seguía para la agrupación de Oxford.

A finales de 2012 salieron los primeros sencillos de la banda y confirmaron que Holy Fire era el 'giro de tuerca' que necesitaba Foals para trascender, y llevar su fama del underground a los nombres estelares, pero más allá de los números, este álbum finalmente consagró su identidad como una de las bandas más emocionales e intensas de los últimos años.

Holy Fire cumple 10 años, y afortunadamente la agrupación sigue de pie con esos estimulantes pasajes sonoros e inteligentes letras que nos recuerdan que se trata de vivir.

Matar a Woody Allen... Holy Fire es un asesino

Yannis Philippakis dijo en una entrevista que había un Woody Allen en su cerebro que necesitaba ser asesinado, y con Holy Fire, la banda se desprendió de aquellas ataduras creativas que no les permitían ser ellos a plenitud.

Tan así que uno de los primeros sencillos, y pieza esencial en su carrera, "Inhaler" representa un cambio radical no solo en lo musical, sino en la actitud de la banda, que sonaba más atrevida y pensaba menos las cosas.

"Inhaler" acumula tensión durante minutos gracias al juego de guitarras y a la atmósfera que mientras crece en el fondo se distorsiona, todo para estallara con un poderoso grito, que además de ser satisfactorio, es un golpazo en la mesa.

Foals, para ese entonces, era una banda que sabía del poder de las guitarras, de matizar y de los largos espacios sonoros que conducían a climax estimulantes; sin embargo, también llegó "My number" y cambió la jugada.

El otro sencillo que presentó Foals antes del lanzamiento del disco es una emocionante pieza pop repetitiva, que sin explosiones sonoras provoca una interminable energía que no te deja en paz los pies.

Para ese momento y semanas antes del lanzmiento del álbum, Foals ya tenía dos Royal Albert Hall llenos.

Holy Fire salió a la luz el 11 de febrero a través de Transgressive Records. Fue producido por Flood y Alan Moulder y grabado en los estudios Assault & Battery 1. Cuenta con 11 temas que en su mayoría fueron el punto de inflexión con el que la banda se consolidó en Reino Unido y extendió sus horizontes.

La explosión, el apocalipsis y el fuego sagrado

Holy Fire retoma decenas de emociones por las que uno pasa de manera primitiva en la juventud. Desde aquella claustrofobia y miedo que te hacen estallar en "Inhaler", entender los placeres de la noche y lo pasajero con "My Number" y reconocer los errores de una manera genuina con "Bad Habit".

El álbum se torna cada vez más emocional y personal, y en canciones como "Everytime" y "Stepson" recurre a la mitología griega para contar historias.

Aunque parece que las emociones del disco van de más a menos, aparece "Late Night", uno de los puntos cumbre del álbum que narra la desesperación de Yannis y la soledad tras interiorizar sobre el divorcio de sus padres.

Esta canción es una de las más representativas en lo musical del álbum, ya que pasa de los breves teclados en su inicio a un éxtasis sonoro rumbo al final.

Otra de las piezas destacables en la segunda parte del álbum es "Providence", una canción sin mucho detalle en las letras, que sin embargo es una emocionante obra en la que el vocalista de la banda se siente animal, y se desprende del autoengaño de ser humano para dejar una potente obra que nunca se cansa y que está diseñada para romper escenarios.

El relajante cierre con "Moon" es un final apocalíptico, en donde todo se destruye, pero en vez de estar alterado lo ves con calma y lo tomas con tranquilidad. Imagino que es una forma de abrazar los finales, que dan paso a un nuevo comienzo.

Holy Fire es un disco increíble para interiorizar, para gritar cuando explotas, para entender la juventud que tuviste a los 15 y la que tienes a los 25 o 40 y para agradecer cuando entendemos que es tiempo de soltar.

La obra cumple 10 años, y afortunadamente sirvió para que miles de personas conocieran a este gran proyecto llamado Foals. Escuchalo en su aniversario aquí abajo.

Los Blenders en el Teatro Metropólitan

Posted on febrero 10, 2023 by -

Un velo de energía punk y baile despreocupado cubrió al Metropólitan con Depresión Sonora y Los Blenders.

La etimología de la palabra emoción (emotio, emovere) quiere decir “movimiento hacia”, y la noche del pasado jueves 9 de febrero, un manto de emociones dirigidas hacia lo casquivano se vivieron dentro de uno de los recintos más mágicos de la capital chilanga, hablamos por supuesto del enigmático Teatro Metropólitan, el cual retumbó en todos sus cimientos con la energía punk de dos bandas juveniles que causan revolución a través de su propuesta auditiva: Depresión Sonora y Los Blenders.

En la Avenida Independencia número 90, en la Colonia Centro, una colosal multitud se hizo visible desde que el Sol comenzó a descender en el cielo capitalino, los asistentes se hicieron presentes de todas las edades, pero un 90 por ciento eran jóvenes con creativos cortes, formas y colores en el cabello,  todos con el mismo objetivo: vibrar en una noche inolvidable llena de baile y punk.

No es un secreto que la música tiene la inmensa capacidad de hacerte saltar en un frenesí de sentimientos, uno de los más abundantes en esta irreverente, pero muy esperada velada, fue el de la melancolía de lo pasajero fusionada con la necesidad de vivir cada momento como si fuera el último. Esto es precisamente lo que generó la banda de post punk española Depresión Sonora, la cual está liderada por Marcos Crespo,.

Las manecillas del reloj marcaban las ocho de la noche con escasos seis minutos transcurridos y desde el pasillo exterior ya era perceptible en el pecho un poderoso bajo eléctrico que erizaba la piel: era Depresión Sonora abriendo el concierto y comprobando lo onírico en su propuesta musical inspirada en la vida caótica, dando como resultado una sobredosis de post punk doméstico.

Entre gritos con un resonante eco que pronunciaba “Marcos, Marcos, Marcos” los presentes demostraron su afecto a esta agrupación que evoca melancolía, pero plenitud en sus melodías, algunas de las más bailadas de la noche fueron "Ya No Hay Verano", "Gasolina y Mechero", "Hay Que Abandonar Este Lugar", "Hasta Que llegue la muerte", con los cuales hicieron vivir un momento inolvidable para después despedirse y dar paso a la banda estelar: “Los Blenders”.

Baile y letras irreverente cimbraron la noche

Siguiendo con el buen ejemplo de puntualidad que pautaron sus antecesores, el cuarteto de surf punk más volado de la capital arribó en punto de las 9:15 PM al escenario, entre gritos y aplausos la agrupación demostró porqué ha estado en algunos de los escenarios más importantes como el Coachella y el Vive Latino, pues su energía es simplemente inigualable y logran fusionarse en uno sólo con sus instrumentos y sonidos.

Las luces se desmayaron, los amplificadores se encendieron y el mágico inmueble cobró vida bajo una atmósfera retro evocada con bolas disco y un juego impresionante de luces y por supuesto visuales creativos y psicodélicos. El tema con el que Los Blenders decidieron arrancar su delirante show fue “Otra vez”, con el cual invitaron a todxs lxs asistentes a disfrutar “10 tragos de cafeína y a ignorar a la vecina”.

Transcurrida esta potente melodía, el vocalista y guitarrista Alejandro Archundia, mejor conocido como “Archi” aprovechó la luz de sus intensos reflectores para agradecer a la bandita presente por acompañarlos en esta efímera tocada, y ya entrado en calor, agradeció la presencia de su mamá entre el público y como si se tratara de un simpático eco Sebastián Villalba en la guitarra, Guillermo Mancebo desde la batería y Osmar Espinosa con el bajo saludaron a sus mamás desde arriba del escenario, gesto que fue aplaudido por el respetable.

Las melenas de los asistentes parecían flotar en el aire con el ajetreo de sus cabezas en cada melodía de esta agrupación iniciada por diversión en 2011, algunos de los temas más cantados y bailados fueron “Amor Prohibido II", "Éramos para siempre", "Chavos Bien", "Meta y dinero", "Amigos", Niña Surf", "Depresión Tropical" y "Bien Verga", con los cuales Los Blenders parecieron hacer grietas en el Metropólitan con su ingeniosa y potente entrega artística.

Band of Skulls presenta su nueva alienación

Posted on febrero 10, 2023 by -

Tras la salida de Emma Richardson, la banda muestra sus nuevos integrantes.

Hace unos meses se dio a conocer la salida de Emma Richardson, guitarrista de Band of Skulls, la banda de rock británica que ha logrado consolidar una buena cantidad de fans, desde sus inicios en aquellos clubes nocturnos en el Greater London y bajo el nombre de Fleeing New York hasta convertirse en Band of Skulls, se han consolidado en el camino dentro de la escena musical.

El pasado cuatro de febrero la banda se presentó en concierto siendo parte de Independent Venue Week, donde además de deleitar a sus más fieles seguidores dieron pauta a la presentación de nuevos y otros ya conocidos integrantes de la agrupación como: Lo Barnes, Tom Van Heel y Marc MacNab-Jack.

Band of Skulls_ok

Realmente no puedo decirte lo mucho que significa para mí jugar para ti otra vez. Con la ayuda de esta increíble banda algo realmente increíble sucedió el sábado. Palabras que se pueden leer en las redes sociales de la banda".

Algunos fans pusieron en disputa si era mejor o peor la alineación actual de la banda, dando sus respectivos puntos de vista, sin embargo lo que sí es un hecho, es que no ha decepcionado pues fueron mas los comentarios a favor de la banda.

Aquí te dejamos un poco de la música de Band of Skulls.

 

Arca pide reconocimiento por su apoyo a otros artistas

Posted on febrero 10, 2023 by -

La productora y cantante escribió varios tuits explicando su contribución no reconocida a la industria.

Con una serie de tuits, que luego fueron borrados, la cantante y productora venezolana Arca explicó que en ocasiones ayuda a grandes artistas compartiéndoles trabajo para su inspiración, mismo que no es reconocido al momento de publicar las canciones.

Sus posteos pudieron verse por unos minutos, aunque después desaparecieron de la red, en ellos se leía el punto de vista de la cantante, en los que decía que suele apoyar a otros músicos cuando le piden sonidos para inspirarse a crear nuevas melodías, Arca lo hace por amor a la música y por ver crecer a otros, pero a la hora de que las canciones salen al público, no se le da crédito por su contribución.

No sé por qué siento que mis sonidos se usan a menudo para influenciar los álbumes y entonces escriben alrededor de mi canción y luego los silencian. Es como si nunca hubiese sido parte del álbum. esa parte de la composición y de la industria de la producción es tan estúpido para mí”.

Antes de no dejar rastro de sus publicaciones, comentó que solo lo escribía para recordarse a sí misma sobre enfocarse en su propio trabajo, cuando estuviera en otro estado de consciencia.

A finales del año pasado Arca editó Kick, una compilación con las favoritas de su serie de EP's del mismo nombre, canciones que fueron elegidas por sus fanáticos a través de redes sociales.