Entrevista con Alfonso André

Alfonso André: El eco que procede del ritmo.

Casi siempre prudente y reservado, Alfonso André apenas ha dejado entrever su historia personal como si fuera un eco. Ni siquiera su relación con Cecilia Toussaint va más allá del dato esencial. Es por ello que nos remontamos al comienzo de su carrera, tratando de partir del motivo que lo llevó a escoger la batería como su instrumento. "Siempre me gustó golpear cosas, me llamó mucho el ritmo; recuerdo que escuchaba las canciones, discos de mi padre; me traía álbumes de Chicago, Janis Joplin. Después a mi hermana le entró la onda de tocar batería en la misma época y ella es mayor que yo, fue la primera baterista de la familia. Me ponía a tocar su batería, aunque mi hermana es diestra y tuve que aprender a tocar de esa forma. Hasta muchos años después me pude comprar mi propia batería. Tomé algunas clases que me aportaron bases, después de haber estado tocando líricamente mucho tiempo y pues fue todo mucho más fácil".

En Caifanes confluyeron temperamentos muy fuertes; cada miembro poseía un temple muy particular que condicionó no sólo la convivencia sino la música principalmente. Por ello resulta oportuno interrogar acerca de su aportación personal al sonido del grupo. "Pues mi personalidad. Cada uno de nosotros teníamos un perfil muy definido, como grupo y en forma individual. Cada uno se clavó en buscar una forma muy peculiar de tocar su instrumento. Pienso que eso es lo que aporté: mi forma de tocar y cierta originalidad, un estilo que es sólo mío".

Se viene la movida mexicana

Durante la segunda mitad de los 80 se dio un estallido cultural importante. Toda una generación venía empujando fuerte. Fue el tiempo de bares como el Tutti Frutti y el 9, centros de arte como La Quiñonera y El Salón de los Aztecas; surgieron revistas como La Regla Rota y la Pus moderna. Muchas cosas se agitaban, pero por lo que se infiere, Alfonso guarda buenos recuerdos de la época pero sin ser invadido por la nostalgia. "Cada etapa tiene su encanto. Era una bola de gente loca, maravillosa; los que pululábamos aquellos antros, gente súper creativa; aunque no fueran músicos. Cada quien en lo que hacía tiraba para adelante. Se dieron en cada disciplina cosas interesantes, arriesgadas".

En el cine (de entrada por salida)

En este sentido, pocos recuerdan que André realizó el protagónico de Crónica de Familia (1986), película de Diego López, en que alternaba con Claudia Ramírez, y que quedó como un hecho aislado, pues no volvieron a invitarlo a hacer cine. "Jamás pensé en eso como una opción. Lo acepté porque quería sacar una lana para comprarme una buena batería. Estaba todavía en la escuela y tenía la idea de formar una banda y la batería que tenía se estaba cayendo a pedazos. Se presentó la oportunidad de meterme una lana participando en esa película. Nunca me sentí cómodo ante la cámara. Básicamente lo hice por amor a la música".

Cuando descubrieron que ya eran grandes

Inmersos en exprimir los recuerdos, retomamos la incorporación del baterista hasta la tercera presentación de Caifanes, hasta saltar al concierto del Hotel de México (hoy el World Trade Center) para abrir a Miguel Mateos, junto a Neón (31 de octubre de 1987), que hoy es visto por muchos como un punto de inflexión en la historia del rock en México. "Me llevé la gran sorpresa de subir a tocar y que la gente coreaba las canciones; no sabíamos que podíamos tener ese impacto. Son muchos recuerdos los que se agolpan. Como que podía entreverse que algo comenzaba a pasar".

De tamborileros ilustres

Admirador confeso de lo que hace Bill Bruford como baterista, no sólo en King Crimson sino en cada iniciativa, aprecia igual la versatilidad de Stewart Copeland de The Police, pero no sorprende que también tenga en alta estima a Ringo Starr, con quien comparte rasgos de carácter incluso, aunque no sea eso lo que más le atrae del “beatle silencioso”. Me encanta Ringo, aunque todo mundo lo ve hacia abajo. Él realmente tocaba para la canción, sin ser protagónico –algo que el propio André comparte en su quehacer con el beatle– a fin de cuentas, trató de no tocar más de lo que puedo hacer; obviamente, siempre intentas mejorar o implementar nuevas cosas.

La paternidad de las canciones

Con todo, no enfrenta dificultad alguna para analizar el repertorio de Caifanes a través del tamiz del tiempo. "Pienso que fuimos siempre un concepto, algo que salió del alma; las canciones son como hijos y lo siguen siendo. Miro hacia atrás y hubo distintas épocas como Caifanes, los temas evolucionaron y hay unos que pienso que podrían haber sido diferentes y otros que me siguen fascinando. Simplemente lo veo con mucha nostalgia".

Sentimiento que sin duda comparten quienes los acompañaron durante su existencia, aunque hay que insistir en que gran cantidad del público que los irá a ver al Vive Latino y al Coachella jamás vio al grupo en vivo como tal. "Para nosotros también será algo muy especial, después de tantos años. Aunque hemos estado en contacto musical, no será lo mismo que estar tocando con Jaguares o la gira que tuvimos con Saúl. La vida nos ha ido juntando y no en un solo proyecto. Hay una larga historia que pasa por Las Insólitas Imágenes de Aurora, La Suciedad de las Sirvientas Puercas, Flema Seca, hasta llegar a La Barranca. De alguna manera confluimos unos y otros para tocar juntos".

Cantando desde el Cerro del aire

Durante la conversación afloró el interés de Alfonso por cantar, algo que paulatinamente se ha ido dando, y que se potenciará con la inminente edición de Cerro del aire, el disco que prepara en solitario pero que contará con un buen número de colaboradores. De hecho, en cuanto a composición, aunque la mayoría son textos de André, también hay aportaciones de José María Arreola y Diego Herrera. En la parte musical, Sabo Romo ya ha tocado lo suyo y otros tantos se sumarán ahora que le está dando los toques finales.

Llega el momento del ensayo

Al momento de la entrevista todavía no arrancan los ensayos de Caifanes, pero no encuentra el asunto complicado, todo lo contrario. "De una u otra forma hemos colaborado juntos y esa magia sigue, surge cada vez que nos reunimos. Lo único que necesitamos es ponernos a tocar y que la magia fluya".

Un lugar en la historia

Con todo, hay mucho detrás de estas presentaciones, por lo que la pregunta obligada aparece: ¿no debe ser fácil tener una idea cabal de lo que representa Caifanes para la historia del rock en México? "Prefiero no pensar en eso. Es algo muy querido, doy gracias por esa etapa, me siento muy afortunado de haber sido parte de ello. Hay tantas bandas, personas tan talentosas antes de Caifanes, que siento que sólo formamos parte de un todo".

Hay que insistir en saber si hay expectativas para presentaciones adicionales a las anunciadas. Alfonso responde. "Lo estamos tomando con mucha cautela". Quisiéramos seguir hurgando en este aspecto, pero la telefonía nacional no tiene palabra de honor. Después de todo, no parece mala idea seguir prolongando la historia de Caifanes con unos largos puntos suspensivos. Al menos, están próximos a subirse al escenario y se intuye que esta historia todavía puede extenderse.

La conexión venezolana

Cuando se trata de separar el ADN de la música de Caifanes, la recurrencia cae sobre los ingleses de The Cure y las coincidencias con Soda Stereo, pero muy poco se menciona la convergencia con una banda venezolana que, igualmente, constituye en un hito de aquel país sudamericano. Sentimiento Muerto fue una banda activa entre 1983 y 1991 e iniciaron con una amalgama de post punk pasada por el tamiz latino. De igual forma, el look era algo oscuro y gótico y las temáticas tendían al desamor y la depresión. Para hacer evidente esta sincronía en estética y espacios basta con escuchar el tema “Los cuartos vacíos” y las coincidencias aparecerán de inmediato.

Apuntes sobre sus grupos

Las Insólitas Imágenes de Aurora: Editaron dos cassettes que se vendían en la primera versión de Rockotitlán, que hoy día son objeto de culto. De allí proceden primeras versiones de temas regrabados más tarde, como "Hasta morir".

La Suciedad de las Sirvientas Puercas: Aparecían Saúl, Alfonso y José Manuel Aguilera vestidos de mujer, junto al Dr. Fanatik –que no lo estaba–. Se recuerda su concierto en una casona de la calle de Chihuahua en la colonia Roma para apoyar a un grupo de artistas plásticos. Entre lo que tocaron estaba el cover de "Voy a ser mamá", original de Almodovar y McNamara.

Flema Seca: Un proyecto efímero para protestar contra la instalación de la planta de Laguna Verde, en Veracruz. Allí participaban algunos miembros de Santa Sabina. Durante un concierto en el Salón Margo´s de la Colonia del Valle, palomearon con ellos un par de miembros de Los Toreros Muertos.

La Barranca

La primera colaboración mediáticamente conocida entre Alfonso y Cecilia Toussaint se dio en las primeras presentaciones del proyecto comandado por el guitarrista José Manuel Aguilera.

Un disco clave

Siendo también un irredento fanático de The Beatles, no repara en mencionar el Honky Dory de David Bowie como un disco fundamental para él, pues lo sorprendió su propuesta y le ayudó para determinar con total firmeza que lo suyo era ser músico.

Entrevista con Rob Zombie

En el 2010 Indie Rocks! tuvo oportunidad de platicar con Rob Zombie, lee lo que nos dijo a continuación.

Siempre sorprendiendo a sus fans, este extraño personaje, fanático de las películas de terror serie B y las mujeres, ha hecho tantas cosas de su vida que podríamos decir que aún tiene miles de trucos bajo la manga.

Un zombi nunca descansa en paz, se mantiene en movimiento constante, aterrorizando a todos los que encuentra a su paso. Rob Zombie sabe perfectamente de esto: dedicado al mundo del espectáculo a cabalidad, ha hecho demasiadas cosas tomando como eje el terror de serie B que nunca dejará de tener seguidores, así como detractores. Rob Zombie hace todo lo posible por sorprender: músico y showman con una agenda apretadísima de conciertos (fruto de sus ocho discos, tanto con White Zombie como por su carrera de solista); director (y guionista en ocasiones) de películas de terror como House of 1000 Corpses (2003) y su secuela The Devil’s Rejects (2005), así como productor ejecutivo de la animación The Haunted World of El Superbeasto (2009), basada en un cómic de su creación; responsable del guión y dirección de la reinvención de la ya legendaria cinta Halloween (1978), de las que lanzó dos volúmenes de su propia cosecha: Halloween (2007) y Halloween II (2009); y mil cosas más que nos hacen afirmar categóricamente lo antes dicho: un zombi como él no descansa.

Nacido bajo el nombre de Robert Bartleh Cummings, cambió legalmente su nombre por el de Rob Zombie, se casó con Sheri Moon, su novia de varios años y la ha convertido en su musa, al parecer permanentemente. Su anterior banda, White Zombie, alcanzó ventas de platino durante su estancia con el sello discográfico Geffen, y podríamos decir que durante los años 90 su reinado era indiscutible. Pero inquieto y creativo, Rob Zombie tenía que mantenerse en movimiento, arrancando en 1998 su exitosa carrera como solista.

Con estos antecedentes, la atmósfera es ideal para conversar relajadamente. Su manera directa y rápida de responder es evidencia de alguien que puede estar pensando en más de una cosa a la vez. Quizá está creando algo mientras hablamos. Posee una voz que inevitablemente me recuerda a la de George Clooney, lo cual me hace reír internamente, pues mientras Clooney es alguien clavadísimo con la realidad y las causas sociales, Rob Zombie tiene una carrera dedicada al surrealismo proveniente de su estética pseudosatánica.

Basta. Comenzamos con una dinámica de preguntas que sus fans nos hicieron llegar a través de un blog que habilitamos para este fin:

Indie Rocks!: ¿Crees que eres reconocido en muchos lugares?

Rob Zombie: No, no lo creo. No he tenido esa impresión.

IR!: Respecto a que tu nuevo disco, dijiste, que no sería lanzado físicamente sino en formato digital, ¿qué hay de los *fans* que quisieran tener también el arte del disco?

RZ: Nunca se dijo eso. Lo que dije fue que los CDs están desapareciendo rápidamente. No sé si yo los seguiría haciendo, seguiré lanzando discos mientras la industria los siga haciendo. Entonces, no es un asunto a tratar [risas]. Hacer discos todavía tiene un valor.

IR!: ¿Pero tú descargas música?

RZ: No, yo compro todo en CD. Solo bajo canciones de vez en cuando, como cuando necesito una canción en el momento para escucharla, pero siempre intento comprar los discos.

IR!: Tu atracción hacia las mujeres, los carros y los monstruos son temas frecuentes en tus canciones, ¿te encanta hablar de tus aficiones?

RZ: Bueno, creo que esos no son los únicos temas de los que he escrito. Creo que casi nunca he escrito acerca de carros, a excepción obviamente de la rola "Dragula". Creo que eso sí hay muchas más canciones acerca de mujeres y monstruos, no sé, creo que es una buena combinación (un dato curioso: esta rola fue inspirada en el carro Drag-u-la diseñado por el abuelo vampiro de la serie televisiva Los Monsters).

IR!: ¿Y por qué crees que mantienes esos temas en tu música?

RZ: Creo que es por que cuando era niño esas eran las dos cosas que más me obsesionaban. Creo que todavía lo siguen haciendo, por algo continúo escribiendo al respecto.

IR!: ¿Cómo sería una canción muy personal de Rob Zombie?

RZ: Muchas de mis canciones tienen detalles personales, es sólo que están muy ocultos en letras un poco locas. Esto está bien por mí, no me gusta realmente mostrar cómo me siento a los demás y nunca revelo nada personal.

IR!: ¿Y de qué hablas en entrevistas que no tienen nada que ver con música?

RZ: De nada en realidad, porque pienso que al final mi música es lo único que le importa a los demás. Creo que hoy en día con los reality shows en la TV y cosas así, hay una tendencia muy marcada de la gente a decir demasiado de ellos mismos y a mí no me gusta eso. Creo que lo importante es lo que está en el escenario, eso es todo lo que los demás necesitan saber. Lo demás, ¿a quién le importa?

IR!: Todas estas preguntas provienen de un blog que creamos para que tus fans las hicieran, por eso lo pregunto.

RZ: Ah, está bien. Cuando era un niño y veía a bandas como KISS, entendí que mientras más cosas sepas de tus artistas favoritos, menos interesantes resultan. Cuando no conoces nada, todo se vuelve interesante. Por ejemplo ésta entrevista es muy interesante, pero si comienzas a verme como un tipo común y corriente no lo sería tanto [risas].

IR!: ¿Cuándo nació la idea de mezclar el horror con la música y crear tu personaje?

RZ: Eso sucedió desde el primer día que la banda empezó —White Zombie—, en 1985. Todo lo que nos gustaba tenía esa vibra. Nos gustaba desde Misfits hasta Alice Cooper y Black Sabbath; todo tenía un aspecto tenebroso, así que creamos la banda alrededor de ese sentimiento.

Haciendo un paréntesis, debo decirles que también la televisión ha sido abordada por este personaje imparable. Ha dirigido inclusive un capítulo de CSI Miami, además de los videos de "Dreamer", de Ozzy Osbourne, "Stillborn" de Black Label Society y "Tokyo Vigilante #1" de Powerman 5000, la banda donde Spider, su medio hermano, es el vocalista. La labor como director de cine también le ha rendido frutos, como lo fue el caso de Halloween.

IR!: ¿Continuarás haciendo remakes?

RZ: No, eso fue sólo para Halloween pero la próxima película no será un remake. Estaba bajo contrato en esas películas así que tuve que hacerlas. Mi próxima película se llama Lords of Salem. Será distinta.

¿Es Rob Zombie bueno sólo para un truco (o como dice la expresión en inglés: one trick pony)? ¿Sólo es bueno para hacer una sola cosa en la vida? Había que ahondar en este tema, pues hay cosas recurrentes en su trabajo artístico:

RZ: ¿Pues qué truco es ese? [Risas].

IR!: Lo digo porque parece que para tu siguiente álbum, T-Rex, podrías ir por el camino de siempre. ¿Llegaste muy lejos y ahora es difícil regresar a tus orígenes?

RZ: T-Rex no es el siguiente álbum que haré, así que no importa. El álbum ni siquiera ha sido comenzado, no sé si pasará. De una manera graciosa, pienso que el término one trick pony es utilizado con un propósito ofensivo; creo que muchas personas lo son en cierto sentido y no es necesariamente malo, incluso muchas personas han sido amadas por lo que saben hacer bien aunque sea una sola cosa. Pienso en John Wayne o Woody Allen, quienes siempre se expanden sobre la única cosa que saben hacer, tal vez así soy yo: tengo las cosas que me gustan y siempre intento explorar sobre lo mismo. A veces, siento que es más bien una familia de intereses y aficiones, porque sé que existen diferencias entre algunas que tengo y otras. No sé si entiendas a lo que me refiero. Si esta noche Alice Cooper subiera al escenario sin tener un show preparado, utilizando ropa regular y no haciendo nada fuera de lo común, los fans no dirían “esto es diferente”, estarían enojados [risas].

IR!: Sí, supongo que eso es lo que aman de ti y de Alice Cooper; ustedes son muy listos, talentosos y además saben poner en escena muy buenos shows.

RZ: Pues sí, creo que al final todo se trata de hacer un buen show. Creo que los dos lo vemos de esa manera, los dos sentimos que somos animadores y el punto de serlo es prender a la gente. No creo que sea un decreto personal, ni que sea yo el único que lo diga. Todo es para la gente frente al escenario.

¿Zombie VS Ozzy?

Rob no está exento de polémicas, pues tras la reciente y repentina salida (en plena gira promocional de su disco Hellbilly de Luxe 2 de su baterista, Tommy Clufetos, los medios hicieron un festín de este asunto, sobre todo a partir de los comentarios de Rob. "Hay maneras de hacer las cosas, y la que ellos eligieron para dejar la banda no es la que yo utilizaría, fue algo rudo. Quiero decir: si mis músicos quieren ir a tocar a otras bandas, está bien, yo no soy su dueño, pero también hay maneras decentes de hacer las cosas y en este caso fue una mierda".

Clufetos se marchó a trabajar con otro ícono del terror, Ozzy Osbourne, quien en 2006 ya había reclutado al bajista de Rob Zombie también, por lo que los medios especializados visualizaron un pleito mediático entre Zombie y Ozzy. Al final, nada sucedió; la respuesta de Rob fue inmediata y apareció en su página oficial. "Estoy muy contento de poner en paz esta basura de Zombie VS Ozzy. Recién cuelgo el teléfono después de hablar con Ozzy y todo está bien entre nosotros. Conozco a Sharon y a Ozzy desde años y nunca he tenido problemas con ellos; de hecho, ellos son las personas más fáciles y cool con quienes he tratado. Encuentro esta situación muy extraña y de verdad desgastante; esta situación se dio entre mi banda y cierto baterista, no con Ozzy. A Ozzy le deseo lo mejor. Fin de la historia".

Continuamos con las preguntas enviadas por nuestros lectores y hablamos de otros temas:

IR!: ¿Con tus nuevas canciones sientes que has vuelto a tu lugar de origen en composición?

RZ: Tal vez, es diferente y parecido a la vez. Soy muy malo para juzgar la música. Para mí hay ocasiones en las que canciones que yo pienso podrían ser consideradas como un clásico mío, los demás las ven como algo muy diferente, así como hay canciones en las que me esfuerzo por sonar diferente y la gente las percibe como similares a las demás. Es un tanto atrevido.

IR!: ¿Podrías explicarle a los fans tu teoría de la deshumanización sistemática (systematic dehumanization of cool)?

RZ: No [risas].

IR!: Eso nos gusta de ti, eres muy directo. Tal vez esta pregunta la respondas: ¿es Sheri Moon tu musa?

RZ: Sí, esa es una buena pregunta. Sí lo es, aunque ahora no se encuentra aquí; por alguna razón se quedó en casa. Ha hecho demasiadas giras y ahora está cansada, pero sí lo es; no sé muy bien cómo funcionan estas cosas pero por alguna razón de repente alguien se convierte en tu musa. Te inspira a hacer cosas y ni siquiera sabe que lo hace.

IR!: ¿Cómo sería tu vida y tus proyectos sin ella?

RZ: No lo sé, realmente no podría decirlo. Hemos estado juntos tanto tiempo que no me lo imagino. Ella siempre está conmigo, inspirándome, especialmente desde que me salí de White Zombie.

IR!: Háblanos del Superbeasto, ¿por qué un equipo de lucha libre mexicana?

RZ: Ah, porque es mucho más cool [risas]. Además, las máscaras están buenísimas.

IR!: ¿Y qué te gusta más, en cuestiones de sonidos y cultura, por ejemplo, ¿las luchas americanas o las mexicanas?

RZ: Las mexicanas. Incluso cuando era un niño veía a Mil Máscaras y no sabía que era mexicano, ahora que lo sé pues me doy cuenta que siempre he preferido las mexicanas.

IR!: ¿Alguna vez has ido a ver alguna lucha mexicana?

RZ: No.

IR!: ¿Te gustaría?

RZ: No lo sé, no he ido a las luchas desde 1973.

IR!:¿Algún otro proyecto nuevo?

RZ: Sí, tengo el cómic Whatever Happened to Baron Von Shock?, es un poco más serio que los demás; no tan cómico ni de superhéroes como los pasados.

IR!: ¿Cuál crees que será tu legado musical?

RZ: No lo sé, desafortunadamente yo no puedo decidir eso. Dime tú [risas].

Señoras y señores, sin más palabras, Rob Zombie.

Entrevista con Gustavo Cerati

Fuerza, evolución natural y libertad creativa.

Festejando ya medio siglo de vida, el cantautor argentino Gustavo Cerati regresa a los escenarios, después de tres años, con Fuerza Natural, su quinta producción discográfica en la que viaja misteriosamente a través de los fenómenos naturales y personales. Inspirado de algún modo en los años 60, considera a este disco más libre y muestra como primer sencillo “Deja vu”.

Luego de concluir su participación con uno de los grupos más sobresalientes de Iberoamérica, Soda Stereo, el cantante y compositor Gustavo Cerati se enfocó a la experimentación sonora. Su participación en el disco homenaje a The Police junto al compositor y guitarrista Andy Summers, así como el lanzamiento del exitoso álbum Bocanada en 1999, dieron comienzo oficial a su carrera solista. Después de cuatro excelentes producciones, a una década de haberse consolidado su nombre fuera de Soda Stereo, Cerati nos regala Fuerza Natural, un disco en el que incluye la participación del baterista Sterling Campbell (ex Duran Duran) y Glenn Patscha (músico de Roger Waters).

En entrevista para Indie Rocks!, Gustavo Cerati comentó alegremente. “El álbum es como un vehículo de transporte musical, el encadenamiento de los temas me permitieron ver escenas de una especie de road movie. Realmente es algo más artístico que lo que había hecho anteriormente, pues va enfocado hacia el cine y si tuviera que elegir una película para representar este disco tendría que ser una especie de trayecto, una mezcla entre Paris, Texas y 2001: A Space Odyssey. Realmente estoy muy orgulloso del resultado porque sigo jugando con la música”.

Durante el 2008 y parte del 2009, se realizaron las grabaciones del álbum en los estudios Looking Glass y Stratosphere Sound en Nueva York, con la colaboración del ingeniero Héctor Castillo y bajo la producción del propio Gustavo CeratiEn esta entrega, el compositor logró un sonido menos distorsionado y más encaminado hacia lo folk, al respecto explicó. “Fue complicado lograr que tuviera potencia de transmisión con guitarras más limpias, decidí experimentar con sonidos acústicos mezclados con cosas más electrónicas. Esto porque para mí es más fácil expresar la potencia con la distorsión; definitivamente siento que así se levanta más una composición, pero eso no quiere decir que sea más bella o más potente si quiera; es más difícil lograr que guitarras más limpias y entrelazadas tengan esa potencia, fue un trabajo duro lograr que tuvieran la energía que yo quería, pero al final me parece que sí se logró”.

Sorpresivamente, Benito Cerati (hijo del músico), decidió colaborar una vez más en la composición de algunas letras como en “Fuerza Natural”, “Rapto” y “Desastre”; además, Cerati comentó que en esta ocasión se propuso superar sus limites en cuanto a lo lírico. “Quise escribir sobre otras cosas… Me parece que ahora hablo de mi relación con las personas de una forma más solitaria, a diferencia del Ahí Vamos, donde trataba un poco más sobre las relaciones de pareja o cosas así. Ahora quise salir un poco de ese tema que me tenía enclaustrado, por eso incluí situaciones que tienen que ver con el tiempo y con la alteración del espacio. Quizá durante el proceso de composición estuvieron presentes en mi mente las obras de varios artistas como José María Madrid, algunas películas de Kenneth Anger y los dibujos de William Blake. No quiero sonar demasiado pretensioso y además no creo que mis letras sean directamente producto de eso, pero sí creo que son un punto contractual de todo esto”. Ese viaje espacio-temporal del que Cerati hablaba se ve claramente reflejado en la letra del primer sencillo (“Deja vu”). “Mira el reloj se derritió. Rebobinando hacia adelante te alcanzó. Oh no. Ecos de antes rebotando en la quietud. Todo es mentira ya verás. La poesía es la única verdad. Sacar belleza de este caos es virtud. Oh no”.

Fuerza Natural se compone por 13 tracks y un bonus llamado “Numeral”. Acoplándose a las nuevas tecnologías se publicó en CD, pero también está en tiendas digitales, además de que se lanzó una edición en vinilo que consta de 2 LPs. Sobre esto declaró. “Yo creo que a lo digital le falta mucho por recorrer; pero el vinilo es una tecnología que hace tiempo llegó a su punto máximo de evolución y podría parecer que volver a hacer ese formato es algo retro, pero a mí me sigue gustando el sonido tan especial que tiene y a los fanáticos parece agradarles esta idea”.

El éxito de esta producción es innegable, pues inmediatamente después de su lanzamiento en septiembre, Fuerza Natural recibió un disco de oro por ventas anticipadas en su natal Argentina. “Estoy muy agradecido, porque cada vez que me aventuro a hacer un disco lo hago por deseo, no siento la presión externa de tener que hacerlo, ni siquiera tengo una cuestión contractual de alguien que me diga que tengo que hacer un disco en tal momento. Entonces, mi principal motor o motivo para trabajar es el deseo, disfrutando la trayectoria que está detrás, esperando que a la gente le guste mi trabajo. Este proceso es algo que me llena de alegría”. No conforme con esto, Cerati buscó darle un toque especial a Fuerza Natural, por ello es que tanto la versión CD como la de vinilo son ediciones especiales que cuentan con un número de serie. “Este disco es realmente producto del deseo más que de la necesidad, tiene muchas más cosas resueltas que todos los álbumes que he hecho anteriormente. Es parte de un proceso natural que se gestó para dar una sensación de libertad musical y artística”.

Como mencioné al principio, el pasado 11 de Agosto, el músico cumplió 50 años de edad y afirmó que aun con esta edad se siente confiado, en un momento de plenitud y libertad (cualidades que el tiempo le ha otorgado). “La acumulación de kilómetros de edad lo veo como algo positivo porque ahora la perspectiva de la edad me permite tener una imagen de todo como una foto o película un poco más amplia, más cinemascope o algo así. Definitivamente, los últimos años han sido lo mejor para mí; de hecho desde que tengo 40 años para acá, realmente vivo mucho más feliz; claro, como en todo hay conflictos porque tampoco todo es fantástico, pero me parece que ahora disfruto más los momentos. Creo que de más chico me pasaban las cosas por el costado, mi ansiedad era mayor que la posibilidad de disfrutar y casi casi disfrutaba la ansiedad y eso hacia que pasara un mal momento. Disfrutar más de las cosas es parte de las lecciones que te da la edad y realmente se lo agradezco”.

Paralelamente, Cerati lanzó una colección de ropa para caballero llamada GC Basement y durante su presentación en Chile, contó con la presencia de grandes personalidades del mundo de las pasarelas, incluyendo a la modelo argentina Valeria Mazza. La colección está disponible en Argentina, Colombia y Perú a través de la cadena chilena Falabella. “La tienda me ofreció un segmento de ropa en la que yo podía decidir como sería, por eso convoqué a Manuel Morales, un diseñador que trabaja conmigo en la oficina de vestuario de los shows y los videos; tuvimos muchas ideas y luego las pusimos en papel. Creo que es una colección genial, con muchos artículos de ropa, pero es algo limitada en cuanto a la cantidad, así que seguramente no durará más de un año”. Desgraciadamente, Falabella no tiene sucursales en México, así que no parece probable que lleguemos a tener el placer de apreciar el gusto del artista en cuanto a moda.

Es difícil hablar de Gustavo Cerati sin mencionar su trayectoria con Soda Stereo. Es bien sabido que inició su carrera musical desde temprana edad inspirado por el maestro David Bowie y los británicos Queen, pero no fue sino hasta mediados de los 80 que conquistó al mundo junto con los demás integrantes de Soda y para finales de 1987 más de 36.000 personas habían asistido a sus múltiples shows alrededor de nuestro país. “Sé que encendimos mucho la mecha de lo que ocurría aquí en México, pero de una forma más under. Desde los 80 que veníamos a tocar acá, los conciertos no estaban permitidos en el Distrito Federal y teníamos que hacerlos fuera. Ahora se ha recorrido un largo camino en ese aspecto y México ha dado muchos ejemplos de música que ha circulado en el mundo, porque su escena es una cosa más universal en cuanto a propuestas musicales”.

Soda Stereo fue uno de los primeros grupos argentinos en salir de su país para realizar giras por Latinoamérica, y sus visitas fueron fundamentales para la expansión del rock de su país natal, pero no fue un proceso sencillo. “La escena argentina por alguna extraña razón empezó a ser más nacionalista. El hecho de ir al exterior para muchas bandas, sobre todo las que tocábamos en los 90, significaba algo casi sacrílego, definitivamente era algo absurdo, pero quizá tuvo que ver con los problemas económicos que vivimos. La cuestión es que parece que se dividió un poquito la escena en cuanto a lo visible, porque si vas y excavas en Argentina encuentras muchísima gente talentosa, el problema es que no salen del país y lo que nosotros hicimos 'quijotadamente' en los 80, supongo que eso no parece estar pasando ahora. En cambio esa expansión y apertura si la vemos en México, los mexicanos nos visitan seguido y a mí me encanta eso, porque no soy tanto de clasificar o llevar banderas y realmente me gustaría ver más grupos argentinos tocando en otros países”.

De hecho, Gustavo Cerati ha mostrado un gran interés con la escena musical mexicana, prueba de ello es la gira que realizó por México y Estados Unidos con Zoé en Noviembre de 2006. “Me gusta mucho Zoé y la gira que compartimos con esos chicos estuvo increíble, ahora vine con la idea de llevarme un poco de música que esté sonando por acá en este momento. Hace poco me visitó en el estudio Ximena Sariñana y me pareció interesante lo que hace, pero sin duda un grupo que respeto mucho es Café Tacvba, además de que es admirable ver que llevan bastante tiempo y siguen siendo muy buenos. Claro que sé que me faltan muchas cosas por conocer, pero seguramente en esta gira tendré más tiempo para ver nuevas propuestas”.

Finalmente, el ex líder de Soda Stereo, dedicó unas palabras a sus fans mexicanos. “Fuerza Natural es donde mejor se plasma lo que quiero en la música, es algo que disfruto mucho, no miro para atrás porque esto es lo que represento ahora y al que le guste que lo tome”.

El músico comenzará el tour promocional de su álbum, cuyo escenario será realizado por Martin Phillips, reconocido diseñador de iluminación que ha trabajado con bandas como Daft Punk, Incubus y Nine Inch Nails. Además, Phillips participó en el regreso de Soda Stereo en su gira Me verás volver del 2007; así que indudablemente nos aguarda un show de calidad que destilará la energía que son sello característico de este artista.

Afortunadamente, nuestro país será de las sedes primordiales para este tour, ya que México fue elegido para comenzar la gira el próximo 15 de noviembre y se prevé que finalizará en Buenos Aires el siguiente año. 

Entrevista con Víctimas del Doctor Cerebro

Del terror clásico y de la ciencia ficción mexicana proveniente de la película El Santo VS El Cerebro del Mal, surge Víctimas del Dr. Cerebro, una banda que se permitió explorar diversas corrientes musicales a través de proyectos alternos. Ahora vuelve a sus orígenes con su nuevo disco titulado, Fantasma.

Después de algunos años de mantenerse en stand by debido a proyectos alternos, la banda mexicana Víctimas del Dr. Cerebro originaria de Ciudad Nezahualcóyotl, Estado de México, regresa con su más reciente producción llamada Fantasma en el que plasma historias más reales y muy personales que hablan de amor y desamor; combinadas con ese humor negro que los caracteriza. El álbum rescata los orígenes de la banda fusionando diversos estilos que los han mantenido vivos después de casi 21 años de trayectoria. Es así como Víctimas del Doctor Cerebro platican para Indie Rocks!

A éste disco le tenemos un gran amor porque ha sido escrito, producido, arreglado y grabado por nosotros” – nos comentó el capo de la banda y de la familia Flores, el mismísimo Chipotles- “Por eso estamos muy a gusto y muy contentos con éste disco, pues sentimos que va por el rumbo del disco Invencibles, como retomando las raíces de Víctimas del Dr. Cerebro y a la vez buscando un sonido nuevo. Creo que hemos progresado en el camino y seguimos buscando, seguimos estando al día y mirando hacia delante. Creemos que el disco es un reflejo de la experiencia y el momento histórico que vivimos, siempre hemos buscado distintas vertientes musicales, literarias o vivenciales por ello estamos muy satisfechos de seguir desarrollando las ideas que se acoplan mejor a este proyecto”.

Tener una carrera tan larga en el rock mexicano es algo sumamente difícil, pero tener una carrera independiente en el rock mexicano es aún más, por eso Abulón líder de la banda nos dice. “La escena independiente es la manera en la que durante mucho tiempo la música no comercial ha podido existir en México, desde los 70, muchos músicos de diferentes géneros (no necesariamente rock) tenían que abrirse camino en una escena inexistente e intolerante; hasta hoy sigue siendo una opción tanto para músicos como para publico o medios en busca de una alternativa. Sin embargo, la palabra independiente, también como el grunge en los 90 o el rock en español se ha convertido en una marca o una forma de especificar comercialmente la música, para ser vendida olvidando de que la idea de ser independiente no comulga necesariamente con tendencias o modas suponiendo que ser independiente te da libertad de experimentación total, ya sea en la forma de hacer tu música, distribuirla, crearla, conceptualizarla etc. “Está genial” –continuó Ranas guitarrista de Víctimas (como también se les conoce)- “Está muy chido que esté la onda del Myspace y toda esa mercadotecnia, es grandioso para que la gente conozca tu trabajo, no necesariamente tiene que ser muy comercial para que la gente lo escuche, como en algún momento fue que no había cosas comerciales y no había donde ponerlas porque tenías que estar en una disquera y una disquera no aceptaba nada que no fuera comercial; por eso está chido que haya esa opción de mostrar el material hasta lugares que nunca te imaginas que llegaría, por ejemplo, con mi banda Atomic Beast, que no es nada comercial , subimos el material al Myspace y a la gente europea les pareció interesante y nos llevaron de gira dos meses, está bien chido todo eso”.

La banda Tecnopal marca la pauta para la formación de Víctimas del Dr. Cerebro y la canción “El esqueleto” comenzó a ser un éxito, Tuco (bajista de la banda) nos relata. “Yo estaba muy chico, Chipotle y Abulón estaban en Tecnopal, grabaron un disco y yo quería comprarme una motocicleta, llegaron los discos a la casa y me robé una caja de discos para venderla en el tianguis, cuando el Chipotle vio que ya me había comprado mi motocicleta, dijo: '¿De dónde sacaste esa lana?' Y justo cuando me iba a dar el primer cinturonzazo, empieza a sonar 'El Esqueleto' y ya se escuchaba en todos los mercados, XV años, sonideros y en todos lados”. “Lo más chistoso (cuenta Chipotle) es que luego yo estaba oyendo la rola con los que vendían los discos, oía que decían: 'son una banda española, yo los fui a ver' y yo les decía: '¡cual banda española, si somos nosotros y vivimos aquí atrás!' y no lo creían hasta que ya retomamos el grupo”.

Tal fue el éxito de la canción “El esqueleto” que los hizo acreedores a un disco de oro por altas ventas en piratería. “Imagínate que en una tocada llegaron y nos dijeron 'Queremos hacerles un reconocimiento por sus altas ventas piratas del disco Esqueleto'. Nosotros no teníamos ni un clavo, estuvo muy chistoso, de hecho el disco allí lo tenemos en nuestra colección del ego”, agregó el jefe del clan Flores, el Chipo.

Actualmente Víctimas del Dr. Cerebro está enfocada en el lanzamiento de su esperado álbum Fantasma, el cual tuvo como primer sencillo “El cadáver del amor” estrenado en el 2008, pero lamentablemente, el álbum ha tenido un excesivo retraso. “La intención de éste disco como sabrán muchas personas (dice Chipo) era sacarlo el año pasado, pero por algunas situaciones no se pudo, por muchas circunstancias no se logró concretar y decidimos pasar a lo siguiente, si seguir trabajando en el disco pero ya no sacarlo el año pasado”.

El arte de sus discos y los performances han estado influenciados por el artista popular José Guadalupe Posada y la leyenda de la lucha libre El Santo. “Comenzamos haciendo un show arriba del escenario, cosas extra musicales y de repente la gente pensaba que el usar cosas extra musicales demeritaba la onda musical pero a nosotros siempre nos pareció interesante mostrar un espectáculo completo, la gente decía: '¡No es Halloween!' Y siendo mexicanos no podemos escaparnos de todo lo que pasa en nuestro país, somos admiradores del humor negro pero a la vez chafa, de ese terror kitsch, como horror de broma, donde está El Santo, como varias personas de aquí del país, de los aztecas, de las mascaras y parte del mismo folclor de México en sí, el concepto en éste nuevo disco es como un jolgorio de día de muertos, los otros eran más alternativos como El Santo VS Las Mujeres Vampiro y salíamos con disfraces espaciales, con un par de zombis o aliens y cosas así. Todo era muy rescatado en nuestras raíces como la onda del Nahual. Lo más chistoso es que todas esas rolas son basadas en hechos reales que nos han pasado por ejemplo en algún momento llegamos a ver un Nahual” –declara el jefe Flores pero lo interrumpió Tuco con buen humor-. “Si, lo contratamos y toca el sax” (risas).

La temática lírica ha estado siempre dentro de una misma línea, el horror, el temor y los monstruos pero ahora las letras son menos fantasiosas. “Hablamos mucho de tener la postura de que ya no hay rock and roll, ya no hay industria, ya no hay bandas que hagan un tour bus así rajándose diario, mucho a la usanza de la vieja escuela. De hecho hay una canción que habla de la perdida del rock, ahora los grupos de rock es como lo que había hace unos años que eran los grupos pop ahora son los grupos rock, habla un poco de eso, de la pérdida del rock. Además se habla un poco de todo, de alguien que se fue, de un amor que se muere, no la persona si no realmente el amor, de cómo queda el fantasma y hay cosas que se arraigan en la vida de las personas y que después de un tiempo se convierten en parte de uno, a veces muy tangibles o a veces imperceptibles, pueden ser sentimientos, colores, olores y palabras por eso el disco dio el nombre de Fantasma y la canción 'El Cadáver del Amor' va dentro del concepto, siempre buscamos que todo vaya un poco armonioso, aunque las melodías son distintas. Todas las rolas nos parecen interesantes, hay otra que se llama 'Huesos' que nos gusta mucho y además retomamos una vieja rola de Tecnopal que se llama 'Duende', puros temas románticos (remató con risas sonoras el Chipo)”.

“El Cadáver del Amor” fue realizada en un momento libre porque todos los integrantes tienen proyectos distintos. “El Chipotle tiene un estudio, yo Ranas tengo dos proyectos Atomic Beast y otro más en la onda indie que se llama Pop Killers, el Abulón tiene como tres, tiene $6M WEIRDO que ahora se llama Abominables tiene otro que se llama Synthetic Mars y otro que se llama Albina, y Tuco está poniendo una productora multimedia y tiene otro grupo que es completamente dark con música balcánica y se llama 3 Cuchillos. Además, las nuevas generaciones de Víctimas (los otros hermanos Flores) tienen grupos, es como un semillero de arte y cultura así que estamos completamente bombardeados de lo mismo y lo más difícil es seguir con la misma idea y mantenernos, ya vamos a cumplir 21 años como Víctimas y no es fácil” dice Ranas.

Víctimas del Doctor Cerebro se ha presentado en lugares de todo el mundo y en festivales de la talla de Rock al Parque en Colombia y el ya clásico Vive Latino de la Ciudad de México. “Nos gusta conocer nuevos grupos (dijo Tuco bajista de la banda), ir a festivales está bien chido porque ves muchas propuestas de todo y te pueden gustar o no y ves lo que está pasando, entonces esto te retroalimenta; aunque a nosotros musicalmente nos es un poco indiferente, porque realmente no nos basamos en ver que está de moda. Lo importante es que vas conociendo más y no nos estamos muriendo por ir a festivales pero nos encanta porque estás vigente (es como una rara contradicción), nos decían: 'que el Lollapalooza, que el Warp Tour', pero ya hicimos muchas cosas, está padre seguir tocando y eso es lo que nos llena, si se tiene que dar alguna cosa se dará”.

Además han compartido escenario con Kiss y Red Hot Chili Peppers, bandas de las cuales eran fans desde niños. “Jugábamos a ser los Kiss (dijo Ranas divertido) hacíamos historietas y llegó el momento en el que tocamos con ellos y después tocamos con Red Hot Chili Peppers. Ahora nos gustaría tocar con Christina Aguilera (risas). Ya hablando enserio, nos tocó ver a Radiohead cuando vino la primera vez y los bajaron a hielazos y ahora son una súper banda”. “También vimos a Joe Strummer (agregó Tuco), él acabo viviendo aquí, tocaba cada ocho días en el chopo y pasaban los punks y le aventaban cosas y luego ya lo veías chupando con ellos; era el güey más sencillo de todos siendo un master. Al final de cuentas ves que todos somos seres humanos que nos aferramos a nuestros sueños, realmente el fanatismo ya lo dejamos atrás, muchas botellas atrás”.

La banda se ha caracterizado por apoyar a nuevos talentos, dándoles oportunidad de abrir sus conciertos y de actuar en sus videos tal como dice el señor Chipo.

Hemos tocado con bandas que van creciendo y después son súper famosas, siempre hemos metido gente nueva porque a nosotros no nos ayudaron, nadie nos dijo: '¡Vénganse!', al contrario a mucha gente no le gustaba tocar con nosotros porque éramos muy desmadrosos” (risas).

A lo largo de los años, han surgido experiencias que han marcado la carrera musical de Victimas del Dr. Cerebro y Ranas nos cuenta. “Estuvo medio fuerte, una vez que fuimos a tocar a Tijuana, después de la tocada cada quien agarró la fiesta, quedamos todos regados y al otro día teníamos que volar para tocar acá en el DF., entonces todos estábamos perdidos y borrachos, unos estábamos en San Diego y Tuco se perdió en el desierto, caminó como dos horas. Al final llegamos corriendo al aeropuerto y el vuelo ya se había cerrado y no nos dejaron pasar, pero resulta que ¡El vuelo se cayó! Podemos decir que tenemos un gran ángel que nos cuida”, “El Don Pedro nos cuida dijo Chipotle riendo y recordando otra anécdota. “También, una vez tocamos y en la parte del performance teníamos unos zombis, unos muertos y teníamos una momia en la base del teclado, fue de la primeras que compramos, nos costó un trabajazo conseguirla, el chiste es que cuando terminamos el show ya no estaba la momia, pero teníamos que estar en la ciudad como dos días más para hacer promoción y nos llaman por teléfono: 'Oye tenemos su momia, vengan por ella' (risas) nada más querían que fuéramos a su casa y si fuimos por ella, porque era parte del show. Otra ocurrió en Los Angeles, cuando estábamos tocando, Ranas se aventó al público, vemos que se hace una bolita y cuando se empiezan a quitar, sale Ranas desnudo (risas). Pero la que más recuerdo (continúa Chipotle) es cuando me aventé a la gente y desmayé a una chava con la traquea y se me inflamó y tardé tres meses sin hablar”. “Por eso le quedó el cuerpo de un sapo – dice Tuco riendo- y la chava al ratito seguía ahí en el slam. Cada tocada hay una anécdota, más porque somos muy irreverentes, inquietos y desmadrosos”.

Categóricamente, puntualiza el jefe del clan Flores la irreverencia ha dominado la no convencional carrera de Víctimas del Dr. Cerebro. “Creemos que no hemos tomado malas decisiones, hemos sido muy irreverentes, nos hemos reído de todo y de todos, hemos hecho lo que hemos querido y nos da un gusto tremendo seguir aquí aunque ahora ya maduramos, somos más serios y pensamos de otra manera y aún así seguimos de irreverentes, no con la misma fuerza que antes pero ésta banda se ha caracterizado por eso, por ser muy rebelde, por ser una representación total de la irreverencia y eso no quiere decir del valemadrismo si no de reírte de las poses, de cómo la gente trata de engañar a la gente”.

Finalmente, los músicos enviaron un mensaje a sus seguidores en voz del Chipo. “Queremos agradecer a la gente por apoyarnos y para nosotros un gusto tremendo seguir estando aquí, seguir haciendo música y que la gente la reciba bien, eso es para nosotros una satisfacción grande. Nuestros planes inmediatos es venir a ver como trabajan estos güeyes de Indie Rocks! (risas), trabajar con éste disco, echarle ganas y trabajar y trabajar hasta las últimas consecuencias”.

Definitivamente, Fantasma es un disco esperado que demuestra que Victimas del Dr. Cerebro sigue viva y pueden seguir ofreciendo propuestas para los viejos seguidores y las nuevas generaciones.

Entrevista con Natalia Lafourcade

La reinvención como un proceso necesario.

Compartiendo pensamientos e inspiración de su anterior trabajo, Las cuatro estaciones del amor, el esperado regreso de la mexicana Natalia Lafourcade fue un hecho con Hu Hu Hu, fruto del encuentro consigo misma en el que plasma experiencias personales, como si fuesen las de una pequeña niña, creando un sonido dulce y fresco que deja percibir la evolución musical de la artista. El álbum contiene canciones en inglés y español que nos llevan a través de un mundo fantástico y lleno de personajes creados por la mente de la cantautora. Para empezar la entrevista, le pedimos a Natalia que presentar su disco.

El nombre Hu Hu Hu es como una risa, también suena como el canto del búho o como el canto de unos pajaritos; significa todo y nada… Para mí significa regalos, este disco está lleno de regalos porque las canciones me parecen muy bonitas y muy dulces”.

Este material se dio a conocer a través del sencillo “Azul”, que comenzó a sonar en su Myspace y posteriormente invadió la radio comercial, extendiéndose rápidamente entre sus fans y conquistando nuevos escuchas. “Realmente 'Azul' es una de mis favoritas, por eso la elegí como primer sencillo, aunque en realidad antes había elegido otra como primer sencillo pero Grace, una amiga que está trabajando conmigo fue la que me dijo 'Deberías venir con 'Azul', porque es una canción que tiene un poco de todo el disco. Es un tema que tiene mucha vida y energía, así como una instrumentación muy interesante; tiene partes de piano, otras más intensas… Al final es como una fiesta”.

“Azul” es como volar, dejándote ir en una fantasía, es como un viaje que realizas en un cuento; tiene muchos instrumentos, tiene todo. En palabras de la cantautora. “Es una canción que captura la esencia del disco; por eso es que al principio tenía mucho miedo, porque es una canción fuera de lo convencional, muy distinto a lo que están acostumbrados a escuchar aquí en México (sobretodo en las estaciones comerciales). Es una canción muy independiente, con mucho experimento, me daba miedo un poco por la disquera, pero finalmente ellos quisieron y dijeron: Pues es tu disco, es tu etapa, veamos lo que sucede… Me siento súper feliz, muy cómoda, pero sobretodo satisfecha con lo que ha pasado con esta canción, así como con el disco… De verdad yo esperaba mucho menos, entonces me hace sentir bien feliz que haya funcionado”.

Luego de la participación de Natalia Lafourcade en el MTV Unplugged de Julieta Venegas, estas grandes artistas volvieron a unir talentos en la canción “Hu Hu Hu”, Lafourcade comentó al respecto. “Julieta fue de mis primeras influencias, la adoro, es como mi mamá en la parte musical. La quise invitar a cantar justo esta canción porque es súper especial, se la hice a mi amiga Morgana en su cumpleaños. Por eso es que la rola habla de todas las cosas que le quieres regalar a una persona con la que te llevas muy bien y con la que pasas momentos increíbles, de esas amistades con quienes quieres que el tiempo se detenga para que puedan seguir estando juntas y que nunca se termine… Es una canción muy personal, por lo mismo de que habla de momentos que atesoras; creo que de eso se trata estar vivo, de dar honestamente, entregarnos a otros y de que demos cosas padres sin pensarlo, por eso quise ponerle 'Hu Hu Hu', porque no es ninguna palabra en español ni en inglés… Es algo que te sale de lo más profundo y que quieres entregarlo”.

En cuanto al concepto del disco, fue realizado por la artista plástica Cara Earl, quien también creó el búho, los animales máscaras así como el resto del cambio de imagen de Natalia y sus músicos para sus presentaciones en vivo. “Yo quería hacer lo más cercano a un bosque, que tuviera letras, dibujos, me llamaba mucho la atención hacer algo sencillo pero que fuera como una fantasía. Al final quedó tal y como lo esperaba. Parezco una niña en el bosque con animales, que vive como en un cuento de fantasía donde todo puede suceder, donde puede haber momentos tristes, melancólicos, momentos muy alegres y otros abstractos”. Esto se logró con la ayuda de las ilustraciones a lápiz de Roberto y Federico, así como la dirección de Juan Manuel Torreblanca. “Creamos todo este concepto parecido a un cuento, creo que lo que me influyó principalmente fue lo que la música dejó sentir y lo que el disco me decía que necesitaba”.

Durante su estancia en Canadá en el 2006, Natalia pretendía alejarse un poco de la música, aprender inglés y dibujar, pero por azares del destino se hospedó en una casa de músicos que la llenaron de inspiración por lo que rápidamente se encontraba colaborando en distintos proyectos, entre ellos la banda People Project, agrupación que se distingue por reunir músicos de todo el mundo para crear música original con un mensaje. Natalia nos comentó emocionada. “Fue una experiencia padrísima, algo increíble… Es de las colaboraciones más bonitas y con más aventuras que he vivido, hicimos un tour en el Montreal Jazz Festival, acabamos en lugares tan hermosos, con gente muy talentosa; era excelente estar en un proyecto que no era mío (yo era músico y corista). Nos íbamos de fiesta, al día siguiente nos trepábamos a una camioneta y todos cargábamos el equipo, como que era muy distinto a lo que hago normalmente en México, era mucho más hippie (risas)”.

A su regreso a México, Lafourcade se vio sorprendida ante la escena independiente en nuestro país. “La verdad hay muchísimas bandas, hay música increíble; es cierto que hay influencia de afuera, pero también la música tiene mayor calidad que antes. Los nuevos grupos vienen con suficientes ganas y energía para estar tocando en donde sea, por ejemplo Hello Seahorse! (que es una de mis preferidas), Austin TV me encanta, Ximenita me gusta muchísimo, Juan Manuel Torreblanca, sin olvidar a Juan Son, quien colaboró en mi disco porque lo admiro, me encanta su voz, sabía que si él cantaba en mi disco lo iban a conocer en lugares donde no lo habían oído y viceversa. Además de que Julieta, Juan y yo pasamos mucho tiempo juntos, nos apoyamos, somos muy buenos amigos y nos queremos”.

Haciendo una regresión en el tiempo, la pasión de Natalia Lafourcade por la música surgió cuando era niña gracias a las enseñanzas de su madre, creadora del método Macarsi, una técnica simple de enseñanza musical para niños (que experimentó primero con su hija).

Soy la prueba de que el método sirve, pasaba horas enteras en la escuela de mi mamá, jugaba a hacer canciones y grabarlas. Sin embargo, mi comienzo en el medio fue difícil, porque durante siete años compuse canciones y no pasaba nada, hasta que una pegó; creo que eso tiene que ver con que soy una necia (risas), siempre me he aferrado a mis cosas: 'Que si quiero hacer una banda o algo instrumental'; siento que las dificultades surgen cuando quieres hacer las cosas a tu modo, te cuesta el triple que si haces lo que los demás te dicen o lo que los demás esperan de ti, pero cuando tú te plantas en decir: '¡No, tiene que ser de esta manera porque así lo quiero yo!', eres más sincero y la gente se da cuenta, además de que te hace sentir mejor”.

Mientras nos seguía contando de las cosas que ha vivido en el medio, nos compartió la anécdota que más se ha grabado en su mente. “Una vez me invitaron a cantar a un hospital, un manicomio… Estuvo muy fuerte. Me acuerdo que salí shokeada, pensando '¡Órale, que duro!'; vi de todo, chavitos de 16 años que ya no hilan nada por tantos ácidos que se metían en los raves y me daba tristeza pensar: '¡Tu vida ya fue!' También había gente de todas las edades con todo tipo de enfermedades; tocamos para todo mundo y fue muy raro. Al final del concierto nos dieron helado napolitano, todos venían y se acercaban, pero pues como que ellos no están conscientes de muchas cosas, traían la pluma, la libreta y el helado escurriendo, y me decían: '¿Me firmas?' ¡Acabé embarrada por todos lados! Y el resultado final es que no puedo ver el helado de ese sabor, ni probar, ni ver cómo alguien se lo come. La situación me produjo algo muy fuerte, pero lo volvería a hacer porque ves que al final también son personas que necesitan mucha atención, cariño y cuando sienten que alguien les está regalando algo, lo entienden… Aunque sí lo volvería a hacer, ahora pediría helado de limón o de otro sabor (risas)”.

Retomando el presente, la cantautora nos sorprendió con un proyecto que está desarrollando. “Estoy haciendo la música de una serie de televisión para Televisa, Locas de amor, está muy padre, súper divertida e inteligente; nunca habría aceptado musicalizar una telenovela porque las odio (risas), pero cuando me enseñó el piloto una amiga que sale allí (Ximena Ayala) me dijo: 'Mira, esto está bien padre, hay que buscar al director y hacer algo', fuimos a la casa del director y le dije: '¡Quiero hacer su música!' Y así fue, siempre había querido hacer un score, no tenía idea de cómo hacerlo, pero lo lograré, es un reto personal”.

Pero antes de meterse de lleno a ese proyecto, continuará con la promoción de Hu Hu Hu. “Me siento feliz por este disco, como lista para hacer un tour y para componer otro disco. ¡Me muero de ganas de empezar otro proyecto!, aunque quiero esperar y darle lo que se merece a este disco; estoy poniendo todo de mi parte, invirtiéndole todo el tiempo que necesita: Diario ensayo y voy a mis clases de canto. Me interesa muchísimo tocar y que la gente lo escuche, ojalá que se identifiquen con las letras, con las canciones, lo deseo muchísimo”.

Hu Hu Hu ya ha dado frutos, como la reciente participación de Natalia Lafourcade en la edición 2009 del South by Southwest en Texas, así como su participación en el festival Sonar 2009.

Me siento orgullosa de haber compartido escenario con tantas bandas, con tantos talentos a quienes admiro. Me dieron muchas influencias extras, muchos discos nuevos y música nueva”.

Finalmente, la ganadora de un Grammy envió un mensaje a sus seguidores. “Quiero darles las gracias por todo como siempre, por su apoyo y por esperarme. Sigan adelante, échenle ganas y no dejen de escuchar mi música”.

Sin duda, Hu Hu Hu demuestra una mejor etapa en la carrera de Natalia Lafourcade, pero no podremos saber si es la mejor hasta que vuelva a compartir con nosotros algo de esa alegría infantil y sobre todo de la magia e ilusión que hacen bastante falta en este mundo.