Torreblanca es un proyecto que ha estado en boca de muchos de nosotros desde que empezó a existir. Del gusto al disgusto, hay un sin fin de comentarios, opiniones y dichos al respecto, pero estoy segura que todos ustedes compartirán conmigo una cosa: Bella Época es de las mejores entregas de lo que lleva este año, y como no, si tiene un estilo, una fuerza y una fineza característicos que nos brinda un disfrute increíblemente lindo.
En 2010, Juan Manuel Torreblanca y compañía salieron a la luz con su EP Defensa, sin embargo Bella Época es su primer placa de larga duración. Un compilado de 11 canciones con que este quinteto defeño regresa a conquistar a los escuchas, que firmado por la disquera mexicana Arts & Crafts, llega decidido a hacer de éste el mejor momento de una banda que, sin duda, está haciendo de su música un momento de magia.
Bella Época es un álbum que sale bajo la producción de Quique Rangel, sumándole la mezcla a cargo de Luis Román y David Parra y la grandiosa masterización de Tom Coyne, más el amor a la música de los cinco muchachos que conforman Torreblanca (Juan Manuel – piano y voz, Andrea Balency – acordeón y voz, Jerson – batería, El Abuelo Zavala – bajo, Alex “El Tío” Balderas – saxofón, flauta y clarinete) que dan como resultado una serie de tracks limpios y armónicamente finos. Composiciones que van de lo tierno a lo bailable y viceversa, sin dejar de lado ese estilo característico y cuidando cada uno de los arreglos que van de la mano con cada melodía y cada letra, siendo el acordeón y los instrumentos de viento una de las partes fundamentales para hacer de este disco algo completamente digerible en una tarde de café.
Con “Las Horas” es como este disco empieza a recorrer nuestros oídos, un piano que hace querer seguir escuchando y una voz enternecida en el trasfondo de un principio que poco a poco va tomando fuerza. Seguida por “Deje de ser yo”y la ya conocida “Si”, que nos habla de unos modales y acciones que todos quisiéramos en un alguien, es como ese ritmo pegajoso tan especial nos contagia unas ganas de aplaudir infinitas...La coreadisima “Roma”, en la que a mi parecer es donde se marca una transición en todo el repertorio, esa división que nos hace ver que el baile ha terminado, sin embargo la música y el sentimiento siguen presentes.“Lobo” y “Lodo” que son como la pauta, el punto medio de un material que nos ofrece calidad para poder dar paso a “Lola en el Sillón” que de nuevo, con un piano de entrada y la voz de Juan Manuel, nos invita con ternura a escuchar cuanto tiempo le queda a Lola, escuchando de repente y desde atrás la voz de Andrea Balency. Siguiendo con “Barba Azul” una canción que toca los sentimientos traicionados, malas bromas y advertencias para encaminarnos a un exquisito final con la imperdible “Huecos”que en lo personal, es mi favorita y en la que creo, Andrea se luce mejor vocalmente. De ahí se abre camino a “Otra decepción” para poder cerrar está bonita placa con “JB”una melodía tranquila y linda que no sé por que pero me recuerda a la última canción que ponen en toda graduación.
El mundo según Patti Smith es plasmado una vez más en el formato de un álbum, que durante doce temas, mistifíca y pone en alto a aquella delgada y desaliñada mujer que por más de treinta años de carrera ha sacudido cabezas y corazones por igual. Premeditado y coincidente, siendo su onceavo álbum de estudio, Banga, cuenta con varios de los músicos que colaboraron en Horses, su por demás renombrado álbum debut, entre ellos Lenny Kaye, Jay Dee Daugherty, y Tom Verlaine, este último líder ni más ni menos que de la proverbial banda Television.
Sobre cualquier otro elemento a vanagloriar en un disco de Patti Smith, las letras siempre serán los estelares; ella misma reconociendo no ser músico sino poetiza, se postran relatos y reflexiones basadas en sueños e ideas, desde un regalo de cumpleaños para Johnny Depp (quién también colabora en el disco), tributos a Américo Vespucio, Andrei Tarkovski, elegías para Amy Winehouse y las víctimas de los tsunamis en Japón, y hasta un cover de Neil Young, Banga, es aquella perfección musical que Patti Smith retrasó ocho años en lanzar pero que en más de una década se tardó en volver a encontrar.
Con el puño en el aire y el cabello suelto a contra-viento, Patti Smith una vez más entrega su alma desnuda a un escucha que, de distintas generaciones, clases sociales, y nacionalidades por más de una hora converge en lo que es sin duda uno de los mejores discos que dará este 2012.
A sólo dos años de haber lanzado One Life Stand, la banda londinense Hot Chip nos muestra su quinto álbum de estudio In Our Heads en este 2012. Ésta es la primera placa discográfica que sacan con la disquera Domino Records y hay que decir que cumplieron todas las expectativas.
El primer sencillo, "Night & Day", lanzado el 21 de abril para coincidir con el Record Store Day es apenas una probadita de todo lo que tiene que ofrecer Hot Chip con este disco. El sencillo es un track con muchos samples y ya circula en la radio frecuentemente, y tiene potencial para volverse bastante popular.
Sin embargo, el disco no está plagado de temas iguales al anterior. Lo que Hot Chip nos ofrece en este álbum es una variedad de temas que van desde canciones dance y con un toque más pop, hasta temas que se acercan al r&b.
Hace poco, Joe Goddard dijo a Pitchfork que gran parte de la inspiración para In Our Heads vino de “momentos de éxtasis” encontrados en grabaciones de los 80´s. Eso es algo destacable de la banda, no se preocupan por mantenerse "relevantes", simplemente siguen su propio paso, es por esto que su sonido en este material suena bastante sincero, sin pretensiones y al mismo tiempo cumple los requisitos para que la banda se mantenga actualizada y dentro del gusto de las personas que ya solían ser sus fanáticos, así como de gente que los escucha por primera vez.
"These Chains" tiene un toque más R&B, mientras que "Look At Where We Are" también es un track un poco más lento. Al mismo tiempo, nos encontramos con canciones como "Don’t Deny Your Heart y Motion Sickness" que tienen un estilo más dance. Tres tracks bastante destacables, además del primer sencillo son "Ends of The Earth", "Let Me Be Him" y una canción que también sacaron antes del lanzamiento del disco, "Flutes".
La espera fue larga, no sólo nueve años tuvieron que pasar para ver a esta dupla de nuevo en nuestro país, sino que todavía se probó la stamina de la audiencia al hacer salir por fin a estos pioneros y titanes del dub hasta pasada la media noche. Cada segundo e instante de espera valió el esfuerzo; al anunciarse la cúspide de la celebración de 10 años del colectivo Rootical Sessions “¿Estan listos para Lee Perry y Mad Professor?” gritaba de las bocinas de lugar.
Desde que la bonachona figura de lentes conocida como Mad Professor puso pie sobre el escenario aventando discos compilatorios de su estudio, Ariwa Sounds, la euforia de un Salón José Cuervo en el que no cabía ni un alfiler más, desató fumaradas y movimientos de cabezas que sirvieron como preámbulo para que el otro dueño de la noche llegara con su única y singular personalidad, ataviado de anillos, collares y una gorra repleta de botones, señalaba a todos los presentes con una sonrisa de oreja a oreja diciendo “son mis hijos todos ustedes, sepan que siento su amor y que los amo”
Deslizándose lentamente por el escenario de un lado a otro y quitándose la gorra tras la sucesión de interminables ovaciones, Lee y "El profesor" deleitaron con piezas como "Dub Fire", "Working Man", "Baldhead Crazy", y la clásica "Kung Fu Man", que valiéndose de la improvisación, Lee Perry rimó sobre la pista ofreciendo un mensaje de unidad, paz y convivencia donde la música sería la herramienta principal para formar ese “único amor” que caracteriza tanto a la cultura rasta, y que incluso se parafraseó en “Don’t Rock My Boat” del tan amado Bob Marley, recordando que la música es nuestra arma, nuestro tesoro, y nuestra aliada.
Regresando no una, no dos, sino tres veces al escenario gracias a los alaridos del público, Lee “The Upsetter” Perry extiende la mano a una audiencia que sólo supo responder con euforia, despidiéndose a sus 76 años del público capitalino y dando paso a una breve, pero hipnotizante mezcla de Mad Professor ahora completamente solo en el escenario, quien a su vez intentó despedirse del publico varias veces tomando y volviendo a soltar sus pertenencias de la consola, aventando más discos y agradeciendo con un simple: “Respeto, Ciudad de México. Respeto”
“Para mí las leyendas son personas que llevan haciendo lo que hacen desde hace mucho tiempo. La leyenda hace algo que ahora nadie puede hacer… no estoy seguro sí aplica para mí, pero lo digiero y lo acepto porque parece que el término me persigue” carcajea el “legendario” Mad Professor, quién a sus casi sesenta años y más de cien discos como currículo, regresa a nuestro país tras tantas otras visitas que ya ni él lleva la cuenta, pero que esta sería su segunda presentación junto a la leyenda del dubLee “Scratch” Perry, tras nueve años de ausencia.
Nacido en Guyana, pero emigrado a Londres, Neil Fraser es uno de los productores más importantes y solicitados en Inglaterra, ya que desde la fundación de su estudio Ariwa Sounds en 1979, la escena dub se recolocó en Reino Unido trayendo desde Jamaica a grandes figuras del género como Yabbi U, King Tubby, U-Roy, y por supuesto a Lee “Scratch” Perry, a grabar en dicho estudio “Londres se convirtió en nuestra casa; cada que nos presentamos sabemos que estarán de nuestro lado ¿sabes? ¡Es nuestra casa, y cuando estás en casa no hay manera que rechaces la cocina de tu esposa! Bromea Fraser mientras se retira sus característicos lentes “Pero con Latinoamérica… me identifico en muchas maneras por las raíces étnicas, y ahí mucha gente ni entiende inglés lo puede producir una brecha… una brecha linda, ya que todavía puede ser un reto presentarse en vivo, además de que la cumbia es buena competencia para el dub”
Como ingeniero, productor y DJ, Mad Professor logró su fama por siempre estar procurando la tecnología, construyendo desde cero consolas y mezcladoras, pero fue con la llegada de los medios digitales que encontró su límite “No trago para nada la era digital, uso la computadora para hablar con otras personas nada más… en el estudio y el escenario todo es análogo, todo eso de protools y logic, pueden ser sencillos pero no mejores” cosa que de acuerdo a él, se ve reflejada en la actual escena electrónica londinense “Cuando algo te gusta, eso viene natural… con la música moderna uno tiene que esforzarse para que te agrade, la única razón por la que dubstep dejó de llamarse grime o twostep fue porque abusan de las frecuencias bajas y las reverberaciones, y bueno, tal vez esos DJs escuchen dub… pero hasta ahí, no me transmiten nada y no tienen raíces”, declaración de Fraser que es culminada con un inesperado comentario “Déjame decirte que eso del reggaeton es más digerible que el dubstep, de menos se puede bailar ¿me entiendes?”
Mad Professor se ha vuelto un DJ itinerante que lleva música llena de alma y raíces alrededor del mundo, transmitiendo un mensaje que a veces puede llevarse todo su tiempo “A veces pasan años en que pueda entrar al estudio debido a las giras, Ariwa se lo dejo encargado a mi hijo en ese tiempo, confío en su buen gusto” sonríe Fraser mientras con una mano en el mentón y otra en la mesa reflexiona “Te soy sincero: estoy muy ocupado haciendo lo mío que es muy de repente cuando me entero de lo que pasa en el mundo, ser Mad Professor te mantiene siempre ocupado sin tiempo de ver las noticias… y esto no ayuda que en la música ya nadie dice algo interesante, parece que la rebelión y el combate se quedaron en mis años.”
Recuerdo aquella época en la que iba a consentirme con discos de una gran tienda de varios pisos en la zona rosa y me topaba con la Z, y luego con Zappa; tremendo bloque de grandes tesoros musicales de este virtuoso de lo experimental y el avant-garde.
La mayor label Universal Music junto con The Zappa Family Trust, han tomado la decisión de re-editar y re-masterizar el amplio catálogo de esta leyenda, que el mismo Zappa lanzó bajo el sello Barking Pumpkin Records.
El 31 de julio tendremos la oportunidad de adquirir 12 de los primeros materiales, que incluyen Freak Out! (debut del artista en el 66) y No Commercial Potential. Poco a poco se liberarán más piezas para completar una colección de casi 60, durante el resto del año.
Aquí les compartimos la lista de estos primeros 12 albums que se re-estrenarán:
Josh "Skreech" Sandoval es un joven de 23 años que a su corta edad se ha convertido en una estrella local del skateboarding. Su vida deambula entre la búsqueda de piscinas vacías en los vecindarios para practicar con su patineta, y el placer que consigue tras la vagancia, el alcohol, las drogas y el amor profesado hacia su pareja. Sin embargo, su temprana paternidad amenaza con eclipsar su idílica vida y con ello el choque con la madurez parece inevitable. Este es el argumento de Dragonslayer, primer largometraje del guionista hollywoodense devenido en director Tristan Patterson y una de las mejores propuestas que pudimos observar a lo largo del FestivalDistrital Cine y Otros Mundos que terminó el día de ayer.
Sin duda alguna, Patterson consigue un fresco documental que, a través de la mirada joven del protagonista, devela un retrato fiel de una juventud descompuesta que deambula por las calles sabiendo que habita un mundo que no le ofrece nada. Una radiografía de los estragos que ha ocasionado el fracaso de las políticas socio económicas en las familias de los suburbios norteamericanos; y un relato intimista sobre esa difícil transición entre la irresponsabilidad adolescente y la madurez que obliga y exige la edad adulta.
Cuando de romper patrones y de no repetir fórmulas se trata, nadie lo hace mejor que James Ford y Jas Shaw aka Simian Mobile Disco, uno de los dúos más dinámicos de la música electrónica británica. De ahí que hayan decidido llamar a su tercer y más reciente álbum de estudio, Unpatterns, el cual rompe radicalmente con el estilo de los anteriores, al grado de parecer incluso que se está escuchando a una banda o artista diferente.
El house sigue siendo su línea de trabajo pero sin el uso tan frecuente de esas vocales poperas que hicieran de canciones como “Hustler”, “Hotdog” y “I Got This Down” (del aclamado Attack Decay Sustain Release, 2007) verdaderos himnos de las pistas de baile en ambos lados del Atlántico. Criticados por haber exagerado con el número de colaboraciones en su segundo álbum -Temporary Pleasure (2009)-, en esta ocasión SMD se olvidan de complacer a las audiencias grandes y ansiosas de mover el esqueleto y se meten de lleno en lo suyo, que es crear sonidos nuevos para los abiertos de mente y audaces de oído.
El disco abre con “I Waited For You” que balanceada y lentamente nos enlaza con la seductora “Cerulean”, la cual empieza con unos pitidos sueltos que progresivamente se transforman en un tejido de beats pegajosos y adictivos que hacen que el quedarse estático sea una tarea prácticamente imposible. Aunque uno esté sentado se tendrá que mover al ritmo de este rolón que no creo que paremos de escuchar en los antros este año en versiones mezcladas y remezcladas. Así, sin darnos cuenta aparece “Seraphim”, una de las canciones donde las raíces house del dúo se dejan ver a flor de piel. No es sino hasta con “Species Out of Control” e “Interference” que nos damos cuenta de las verdaderas intenciones de Ford y Shaw. Son rolas poco melodiosas, algo ásperas y que llegan a provocar esa sensación de desasosiego que no las hace fáciles de digerir. Y eso no significa que sean canciones aburridas o sin chiste, al contrario, unos oídos bien calibrados (como diría un buen amigo) no tendrán problema alguno en disfrutarlas. Ahora bien, si ésas dos rolas taladran un poco el oído, la magistral “Put Your Hands Together” salva el día fácilmente y rescata el interés de cualquiera. Al comienzo tiene unos tintes que recuerdan bastante a una rola de Leftfield llamada “ A Final Hit” (incluida en el soundtrack de la legendaria Trainspotting). La rola despega poco a poco y hasta la podemos imaginar sonorizando una noche de fiesta dejándose escuchar y sentir y avanzando por las paredes hasta tocar el techo, poniendo en evidencia que éste dúo además de ser productores, son DJ's, y su trabajo es ése, poner a bailar a la gente.
Las últimas tres canciones transcurren sin mucha novedad cerrando de manera casi ambiental el álbum, que aún en sus momentos más prendidos no alcanza a tocar -ni pretender hacerlo- el estilo ultra fiestero, mega bailable y super reventado de sus predecesores. SMD entregan con Unpatterns un disco que corrobora el indeleble sello underground del dúo y ofrecen una cátedra en cómo reinventarse exitosamente sin perder el estilo.
Si quieres conocer más acerca de éste talentoso dúo londinense, échale un ojo a esta entrevista donde hablan acerca de lo mucho que les gusta la ciudad de Tijuana, de “Jesús” y de su disco anterior Temporary Pleasures, entre otras cosas:
Era con este concierto que Nick Millhiser y Alex Frankel vienen por segunda vez a nuestro país, su primera presentación fue en el One Music & Arts Festival, donde tuvieron una excelente actuación aunque para sorpresa de muchos sólo se trató de un DJ Set, lo que dejó a muchos - incluído yo - con ganas de verlos interpretar sus canciones en vivo y no sólo escuchar como hacen un mix de ellas.
Ahora, un año más tarde, el dúo de electro pop regresó a nuestro país para dar un concierto en el Plaza Condesa. Había grandes expectativas pues ahora si existía la oportunidad de verlos tocar las canciones de su álbum homónimo en vivo.
Desde las 8.30 de la noche la gente comenzaba a llegar al recinto de la Condesa, y pese a la media hora que faltaba ya había mucha gente en el lugar, ni parecería que se trataba de una banda tan nueva, lo que queda claro es que Holy Ghost! ha amasado una gran cantidad de seguidores.
Lamentablemente fue más la expectativa que había con la presentación de los neoyorquinos que la genialidad que tuviera el show, pues se trató de un concierto que tuvo la duración de poco más de una hora, y que apenas alcanzó para un encore de una canción.
No se puede decir que la actuación del dúo fuera mala, al contrario, a diferencia de muchas bandas, suenan tal cual y como se escuchan en el disco, y no es que uno no se sienta feliz y baile cuando suenan canciones como "Wait & See", "It’s Not Over" o "Hold My Breath", pero la falta de más sencillos y una hora de concierto fue lo que marcó la diferencia de lo que pudo ser una mejor noche.
Habían pasado cuatro años desde que Sigur Rós, o la “Rosa de Victoria” como es su traducción en español, no sacaban un álbum de estudio. Ahora, en el 2012, la banda de Islandia nos presenta su nuevo material titulado Valtari, un deleite musical de folk y minimalismo.
Sin duda Jonsi y compañía son de las pocas personas que pueden repetir la formula disco tras disco y no dejan de sonar mágicos, complejos, e incluso, causarles viajes espirituales a más de uno. Pero aún siguen siendo difíciles de entender; en el mundo de Sigur Rós las cosas tienden a pasar muy lento, pero aún pueden ofrecer material que sorprende.
Pesé a ser un disco que ocupa la misma fórmula, Valtari (rodillo en español) sí es un disco diferente a sus antecesores, ya lo dirían Jónsi y Georg en varias entrevistas: es un disco más pesado, introvertido, “flotante” y pese a contar con más elementos electrónicos, no se trata de un disco bailable.
Hasta ahora la banda ha lanzado dos sencillos de este nuevo álbum, "Ekki Múkk" y "Ég Anda", canciones que sin duda son muy parecidas a lo que nos tienen acostumbrados los oriundos de Islandia, pero a mi parecer hay una que destaca de todo el material y esta es sin duda "Varúð", la cual desde que comienza sabes que no sonará a Sigur Rós, una pianola que suena vieja, y la voz de Jónsi son lo único que nos acompaña hasta que va subiendo de tono y pronto tenemos tambores, golpes más fuertes fuertes en la pianola y una canción que bien podría recordarnos el hundimiento del Titanic y las caras de miedo en aquella famosa versión de James Cameron.
Es un hecho que para los fans de Sigur Rós que este disco será lo que habían estado esperando por tanto tiempo, sin duda es un regreso que vale la pena escuchar, la fórmula a la que nos tienen acostumbrados estos músicos islándicos no había sido tan bella como lo hacen en Valtari. Pero para aquellos que no están acostumbrados a los cantos etéreos o a estos paisajes musicales de pianos, atmósferas, cuerdas y ecos de seis minutos o más, queda claro que no será un disco que los vuelva locos, o que vaya a ser más recordado que otros materiales de la banda, y si eres nuevo en este género del dream-folk, es mejor que primero escuches el Ágætis Byrjun, ya luego podrás apreciar la belleza de Valtari.
